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Manuel Bouzas - Mediterráneo TAC! Festival, pabellon construido con una persiana veneciana gigante de 300 metros cuadrados


Aunque en principio pueda parecer que combinar conceptos en diseño arquitectónico enfocados a un tratamiento del espacio y sus usos bajo una perspectiva marcadamente social, con un abordaje en el empleo de los materiales seleccionados para su construccion, aplicando criterios basado en el reciclaje y sostenibilidad sean en su propia concepción.

Una decisión coherente y consecuente, no siempre tiene porqué ser asi. Pues hay proyectos que a pesar de sustentarte en ideas en donde se aplica una óptica casi militante basada en maximizar todo lo que se pueda conceptos como la economía de materiales, no dejan de llamar la atención por hacer referencia en su planteamientos estetico.

A formas que se nutren de narrativas tradicionales, que pueden ser perfectamente utilizadas en la actualidad aunque de forma muy esporadica. Objetos cuya elaboración es realizada de forma casi artesanal, y cuyo uso se contempla fundamentalmente en el ámbito domestico, formando parte de nuestra memoria socio-afectiva colectiva remitiendonos por ejemplo a  nuestro entorno familiar.

Objetos que a pesar de recibir la consideración de obsoletos, sin embargo pueden convertirse en el detonante inspirador. Para que tras procesarse a través de las exigencias de la arquitectura actual, se incorporen como un modelo estándar de estructura arquitectonica que sea plenamente funcional en el lugar donde va a actuar y relacionarse con un paisaje que le puede resultar completamente ajeno.

Tanto por las características morfologicas de ese paisaje, como por el recorrido ontológico del edificio. Esto último tendrá mucho que ver con la función del proyecto y del grado de aceptacion por aquellos que los vayan a habitar o a usar y al tipo de actividad que se va a ejercer desde el mismo de su apertura. Suponiendo una auténtica prueba los primeros acercamientos a un diseño que ante todo tiene que resultar acogedor.

Vista general del pabellón en el centro de la Plaza Musico Lopez Chavarri  


Aúnque no siempre tiene por qué ser asi, o ese es el dilema que me transmitió la naturaleza del pabellón diseñador y arquitecto Manuel Bouzas. Que en un primer acercamiento lo percibí incluso como algo hostil, sobre todo en el sentido estetico. Pero que tras examinarlo más detallamente y consultar la documentación redactada de forma elocuente alrededor de una obra casi minimalista y creepy.

Con esa rampa funeraria, que ondulada como una ola, se eleva por encima de mi cabeza de forma intimidante. Y es que el pabellón llamado Mediterráneo TAC! Festival y que se ha podido visitar en una de las plazas más conocidas de la ciudad de Valencia en España. Se puede definir de muchas formas pero a mi me resultó sólido y contundente.

Pese a que su uso obedece a un almanaque de actividades que organizado por la Fundación Arquia, formaban parte de la segunda edición del certamen de arquitectura Mediterráneo TAC! Festival. Encuentro nómada que tras cosechar un rotundo éxito en su primera edición el año 2022 teniendo como marcó la ciudad de Granada. El año pasado subía la apuesta seleccionando dos sedes.

Una en la citada capital del Turia y la otra emplazada en el norte de la península iberica, más concretamente en la ciudad vasca de San Sebastian. Una alternativa la de la bicefalia con la que deseaban poder abarcar todas y cada una de las numerosas propuestas que ofrecen a través de un calendario compartido a través de más de dos meses de intensa actividad que traslada al público en general una selección de proyectos.


El pabellón que se tiende sobre la Plaza Músico López Chavarri cubre una superficie de 300 metros cuadrados. Fabricado con el material empleado en las tradicionales persianas mediterraneas, se trata de un lugar de encuentro y sociabilizacion, un oasis rodeado por un paisaje urbano formado por edificios de mediana altura entre los que destaca.     


Por cuya vocación y naturaleza relacionada con la exploración de soluciones destinadas a convertir el espacio publico en un lugar, que se defina por crear sitios de encuentro e interacción social. Donde el protagonista sea la gente gracias al desarrollo de un urbanismo polivalente y con un marcado acento en fomentar la inclusividad desde una posición donde se priorice la diversidad.


En este contexto la propuesta del joven arquitecto gallego Manuel Bouzas es un intento por tratar los lugares comunes, como las plazas en un espacio común de interacción y compromiso social, que tenga en cuenta las muchas transformaciones que se han producido en términos demográficos así como en el ámbito economico.

Pero sin perder de vista la historia afectiva que han ido arraigando a los residentes con los lugares con los que han crecido de forma a lo largo de decadas. Por lo que Bouzas tenia que el proyecto de pabellón tenía que nutrirse de este hilo sentimental y familiar, porque el entorno en el que uno vive debe incorporar las experiencias y humanidad dejada por los elementos empleados en épocas precedentes.


Vista cenital del pabellon y la distribución de los diferentes espacios que lo componen

Con este propósito en mente el arquitecto se inspira en las clásicas persianas de estilo veneciano o alicantino, estas persianas han aportado vitalidad y carácter a innumerables calles del sur de Europa. con las que se cubrían los balcones de una mayoría de viviendas hasta hace no mucho tiempo. Y que pese a ser una costumbre que ha sido sustituida por otro tipo de soluciones más "eficientes" climaticamente. Todavía se pueden ver en muchos barrios del casco viejo de Valencia. 


Construido con materiales sostenibles, organicos y de proximidad, el proyecto presenta largas persianas de madera suspendidas sobre dos bastidores situados a diferente altura. Actuando como una marquesina cantenaria que cuelga de dos pórticos triangulares de madera. El efecto principal es que proporciona una superficie generosa de sombra que alivia de manera notable la sensación de agobio y calor.

La marquesina que opera sobre la practica totalidad de la plaza se completa con un rincón acogedor que cuenta con una entrada circular de luz, a través de la que se ilumina un pequeño jardín con vegetación y agua, regulando la sensación térmica que se produce en el interior. Las piedras integradas actúan como mobiliario casual y elemento estructural se completa con vigas de madera que cumplen la función de absorber el carbono que se genera en el entorno y por el trafico. 



El interior del pabellón presenta varios espacios contando con un pequeño jardín en el centro, que se comporta como un lugar versátil en el que se pueden organizar una diversidad de actividades al aire libre.


En el caso de la estructura del pabellón ondulado por el que ha recibido el premio TAC! Festival Award 2023. Ha incorporado como cubierta aplicando en su elaboración criterios relacionados con el reciclaje de materiales, principios medio-ambientales que Bouzas con sede en la ciudad americana de Boston prioriza desde que finalizo su formación académica con matrícula de honor en 2018 en la ETSAM (UPM), que está enriqueciendo con un Máster en Estudios de Diseño en Harvard University GSD. Una práctica de diseño que explora la intersección de la arquitectura y la ecología a través de múltiples escalas y medios, que van desde instalaciones efímeras hasta la investigación del diseño. 

Su trabajo se centra principalmente en examinar la relación entre los materiales con los que construimos y el impacto socioecológico que tienen en el medio ambiente y los paisajes de los que proceden. Sus proyectos se expusieron en la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2018 y 2023, y en la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo en 2022.


También mencionar en su meteórica trayectoria ha sido galardonado con prestigioso Renzo Piano World Tour Award 2022. Reconocimientos qué sugieren qué estamos ante un arquitecto cuyo potencial, rendimiento creativo se complementa con sus inquietudes y compromiso en la búsqueda de formas constructivas cuya huella ecológica e impacto en su entorno se reduzca de forma sustancial.

 

HEMEROTECA DE PARECIDOS RAZONABLES NQ:

En el lejano 2010 ya os presentaba El Pabellón Boxel, una estructura hecha con cajas de cerveza producto de un proyecto de fin de carrera realizado por un grupo de estudiantes que podéis visitar AQUI. Pero si esta propuesta os resulta sorprendente la diseñada por los arquitectos Pedro de Azambuja Varela y Maria João de Oliveira, llamado Vaulted Cork Pavillion se trataba de un pabellón ondulado construido en corcho que podéis visitar AQUI. Pero quizás la más audaz a la vez que más sugerente sea la burbuja gigante firmada por el colectivo de diseño urbano Raumlabor, publicado en 2015, se trataba de un espacio burbuja en el que los usuarios mantenían un diálogos visual con el exterior que podéis recuperar desde AQUI.




El arquitecto Manas Bhatia utiliza inteligencia artifical para retornar a lo profundo del bosque




En el relato hindu titulado Toba Tek Singh, se narra una sátira de origen urdu sobre la segregacion. Si bien el protagonista de la historia es un hombre sij, siendo la razon por la que se bautiza con su nombre esta historia, el personaje más peculiar del relato es sin duda un individuo sin nombre que esta recluido en contra de su voluntad en un centro de salud mental en Lahore.


El cual en un momento determinado adopta una posicion que se podria atribuir a su neurosis pero con un transfondo y una lectura politica-social, la cual consiste en que un momento determinado se niega a participar en la división de pacientes entre India y Pakistán que practica la institución donde está internado. Una postura que simbolicamente materializa subiendose a un árbol mientras proclamaba de forma muy elocuente: "No quiero vivir ni en India ni en Pakistán. Voy a hacer de mi hogar este árbol.


En el fondo de este anuncio existe el deseo de retornar a lo esencial como principio a partir del que adquirir un compromiso con el entorno donde crecio y en el cual se sentia equilibrado y sereno, en comunion y en sintonia con todos y cada de los elementos que formaban parte del paisaje que le vieron crecer. Un lugar cuyos territorios no pertenecian juridicamente o administrativamente a pais alguno ni siquiera como territorio colonizado.


Describiendo un viaje de ida y vuelta en el que la idea de ciudad cosmopolita no ha podido evitar que su espiritu y conciencia desee escapar de un paisaje urbano. El cual no le es ajeno solamente desde el punto de vista social o cultural. Tension que en definitiva es la causa que provoca su inadaptacion a un ecosistema social que provoca su aislamiento y finalmente su ingreso en un manicomio.


Sino arquitectonico, pues nada tiene que ver los enormes edificios construidos, en el fondo, con materiales basicos como pueden ser la argamasa de adobe con la que se unen ladrillos de arcilla cocida. Estructuras que apenas alcanzan las tres o cuatro alturas, pero que a sus ojos se  magnifican causandole una sensacion que no le deja de abrumarle, sentimiento que le causa una gran inseguridad impidiendole relacionarse con el espacio que comparte con los demas.


De una forma digamos satisfactoria, por lo que en sus ensoñaciones la ansiedad y la angustia anidan convirtiendose en un deseo de huir sin rumbo fijo, en una escapada hacia delante, cuyos pasos le dirigen siempre hasta alcanzar los limites de una ciudad que parece no tener fin. Devorando todo lo que para el representa un lugar al que poder llamar hogar, por lo que desiste una y otra vez, instalandose en la incertidumbre.

 Bhatia aplica concepto de adaptar la forma Natural en la arquitectura utilizando herramientas de IA

De la que solo consigue abstraerse cuando recogido y protegido en su rincon rememora embargado por la nostalgia aquellos lugares de la aldea donde crecio durante su infancia. Las precarias y menudas construcciones levantadas a los pies de arboles como los abundantes ficus. Cuyas ramas finalmente pasaban a formar parte de las paredes abrazandolas como si fueran algo de su propiedad, imagenes inconsistentes y brumosas que les proporciona algo de paz en su interior.


Este anhelo de volver a restablecer los vinculos rotos con la naturaleza es el pricinpal proposito del joven arquitecto Manas Bhatia fundador del estudio Ant Studio. Cuya breve trayectoria hasta el momento se caracteriza por presentar proyectos donde el componente organico como modelo constructivo esta condicionado no solamente desde punto de vista tecnico o del empleo de materiales encontrados en las proximidades del lugar donde se va a ejecutar la obra.


Sino fundamentalmente por factores esteticos y visuales, pues a pesar de que para muchos arquitectos pertenecientes tanto a su generacion como a las precedentes mas ortodoxas y reaccionaras, que contemplan sus diseños como propuestas poco efectistas desde un punto de vista de tratatimiento de la habitabilidad del espacio. Valorando sus diseños como poco razonables e incoherentes con los entandares de la arquitectura actual que predican que la prioridad es edificar edificios cada vez más altos donde almacenar gente.


La práctica arquitectonica de Bhatia va un paso más alla de adosar una cabaña al tronco de un arbol, evolucionando en la dirección de que el espacio habitado se construye en el iterior de la materia organica. 


Inverosimiles porque se tratan de poco menos que prototipos más propios de una story-board de una película de ciencia ficción que de una propuesta que realmente apueste por sentar las bases de una arquitectura sostenible y por lo tanto presente una huella ecológica, cuyo impacto medio-ambiental sea minimo. Pretenciosos en su concepción y dominados por los que muchos valoran como una practica arquitectonica sensacionalista que ha sido influenciada por la cultura del espectaculo.

Varas de medir que no dejan de ser poco objetivas porque lo importante de proyectos aparentemente utopicos, con sus apartamentos de cuento integrados en la corteza de árboles casi infinitos como sequoias, que parecen destinados a los habitantes de un bosque encantado en lo mas profundo de País de Gales. No es tanto el hecho de que algún día, algún excéntrico mecenas decida desembolsar unas cuantas decenas de millones de Euros para tener en su parcela una réplica más o menos resultóna que nos estimule la fantasía y la imaginacion.

Sino que en su génesis contempla una diversidad de soluciones, que en mayor o menor medida por supuesto que si se pueden incorporar en cualquier proyecto que esté realizado en el marcó donde se prioricen los valores y principios que tengan como meta fomentar una arquitectura. La que sin complejos pero tampoco sin emplear grandes dosis de excentricidades, haga una apuesta decidida y valiente por fusionar la sostenibilidad y la funcionalidad, sin por eso renunciar a la aspiración sensata a la vez que deseable.

Entre lo monumental y lo surrealista los diseños de Bathia buscan reconectarnos con la naturaleza a través de la  arquitectura

De dotar a cada edificio de una personalidad y valor estético que pueda ser refinado en lo visual a la vez que polivalente en lo funcional, asi como en la gestion de los recursos energéticos necesarios en la gestión de un edificio. Como por ejemplo en Future Cities, Donde como en el resto de sus "osados" planteamientos emplea la aplicación de IA (inteligencia artificial Midjourney (decisión que ya puede ser tachada de profanación en los más exquisitos cernaculos de la profesion), pero que a el le sirve para ajustar determinados aspectos del comportamiento de un edificio. 

Compuesto por una serie de terrazas que se suporponen que estéticamente replica la fachada estéticamente la osamenta de un animal. Los tonos marfil de la pared refulgen por el pulido de su superficie. En el interior las líneas rectas de los tabiques se han curvado, creando una sensación de continuidad en el espacio donde la zonas comunes  es el germen a partír de las que interacciónan sus habitantes.   


Aplicando un enfoque que amplia las posibilidades de encontrar alternativas a los métodos convencionales de diseño arquitectonico, Manas Bhatia ha desarrollado una sería de algoritmos computaciónales que ha incorporado a la  herramienta de inteligencia artificial Mid journey con el objetivo de poder utilizarlas en proyectos más sostenibles.     


Con sede en Nueva Delhi Bhatia ha afirmado en más de una ocasión que la utilización de la IA (aunque en principio puede parecer una antitesis), supone una herramienta cuyos resultados en términos arquitectónicos reducen sustancialmente la presión y el estrés sobre el entorno donde se procede a construir. Sin ir más lejos en su proyecto, titulado Symbiothict Architecture (Arquitectura simbiótica), Bhatia imaginó un futuro en el que los edificios están hechos de materiales vivos. Introduciendo terminos como arbol, gigante y ahuecado (entre otros), obteniendo como resultado imágenes, que en una segunda fase, se ejecutaron obteniendo múltiples versiones modificandose las indicaciones originales para lograr los resultados deseados.



En este caso se trataba de una serie de imágenes surrealistas de edificios de apartamentos que se integran completamente a la naturaleza. Los árboles ahuecados se transforman en una arquitectura funcional que respira, con apartamentos orientados hacia el exterior e iluminación natural que se proyecta para crear un espacio natural y que transmite vitalidad. De lo que llamó un futuro utópico en el que los apartamentos se forman dentro de árboles del tamaño de secuoyas.

En concreto  se inspiró en Hyperion, una secuoya de ciento quince metros de altura que desde hace mil años crece en la Reserva Nacional de Secuoyas en California, ejemplar del cual se cree que es el árbol vivo más alto del mundo. Pero también se basó en su propio trabajo diario en proyectos que incluyen la modernización de edificios con fachadas que mejoran la ventilación natural y reducen el consumo de energía.




El planteamiento se basa en la idea de que la piel de un edificio se comporte como si fuera orgánica, reproduciendo los ciclos naturales de enfriamiento y transpiración por evaporación con el objetivo de que las torres puedan regular su propia temperatura durante todo el día. Mimetismo inspirado por la naturaleza, cuya presencia es inherente a la trayectoria de este arquitecto que desde la imaginación contempla el espacio arquitectonico como una extensión del paisaje natural.


Las 49 alturas de la Torre Sathorn, el edifico fantasma del Skyline de Bangkok tras 20 años abandonado



Bangkok pasa actualmente por ser una de las ciudades más cosmopolitas que puedas visitar en el Sureste asiatiaco, donde la mayoría de los viajeros y sobre todo los mochileros en algún momento de su peregrinar de camino alguno de los países limitrofes con Tailandia.


Realizan una breve escala atraídos por sus numerosos atractivos turísticos y sobre todo por su oferta nocturna y gastronomía callejera. Por lo que nadie diría que a pesar de ser una de las megaurbes de la zona que presenta una de uno de los censos poblacionales más elevados y densos dentro de su radio de influencia compuesto por una cifra que alcanza los dos digitos fue fundada hace escasamente cuatro siglos. 

Aunque habría que precisar que no recibe su actual nombre hasta bien entrado el siglo XIX, cuando todavía era apenas una aldea de pescaderos a orillas del río Chao Phraya. Una estampa muy alejada de la que presenta actualmente, postal en la que destaca un skyline dominado por el trazado de una sucesión de rascacielos que parece no tener fin, decenas y decenas de edificios que parece.

Que forman parte de una competición en la que el ganador sea aquel que alcance no solamente la mayor altura posible, sino el más lujoso y lustroso de entre todos ellos. Por lo que casi con toda seguridad si el concurso fuera oficial casi que se declararia desierto, no por falta de candidatos, sino porque sería casi imposible elegir sólo uno como el que reúne las mejores cualidades y fundamentos.

Lo que sí estaría a nuestro alcance sería determinar cuáles de entre estos colosos serían los más valorados y del gusto de los millones de personas que acuden a diario inundando sus calles y avenidas. Seleccion que de existir sin duda tendría entre su constelación algunos de los que se levantan cientos de metros ocupando decenas de miles de metros cuadrados dentro de lo que se condidera uno de los distritos financieros más activos de su área  de influencia.

Algo que no dejaría de ser coherente en este tipo de clasificaciones, aunque como en todo hay excepciónes en esta hipotética clasificación por ejemplo destacaría un edificio a medio construir, digamos que un candidato, un aspirante que se quedó en la estructura de hormigón semi-desnuda. 

Pero que sin embargo ha logrado destacar, hecho "altamente" inusual que entre estos aspirantes pudiéramos encontrarnos un mastodonte fantasmal de nada menos que 49 alturas. Una estructura de acero prácticamente finalizada, pero que de repente se paralizaron sus últimos retoques, hecho inesperado que se produjo a finales de la década de los 90ˋs del siglo pasado.

Vista desde el interior del edificio, tan desoladora como poetica

Cuando el conjunto del país colapso económicamente tras estar instalado en una ola donde la bonanza y la prosperidad económica parecía que no era sólo una utopía o un espejismo. Sino una realidad que había llegado para quedarse pudiendose multiplicar las ganancias y los beneficios hasta el infinito mas y más allá, proponiendose cada vez más proyectos que se distinguian por presentar presupuestos de ejecución casi astronomicos.

Por lo que cuando finalmente estalló la burbuja condicionada por una devaluacion monetaria sin precedentes, algunos de las obras en ejecución se vieron afectadas. Entre éstas destaca sobremanera el edificio Sathorn Unique en el distrito de Yan Nawa que a pesar de haber iniciado la cuenta atrás para su inauguración por todo lo alto, fue prácticamente abandonado de forma prematura y sin conocer muy bien a día de hoy la causa real de su clausura.

Razón que tras más dos décadas desde que fue oficialmente cerrado todavía no ha logrado ser esclarecida del todo, pues el hijo del arquitecto. Siendo considerado el legítimo dueño del inmueble no ha recibido una oferta según sus declaraciones que satisfaga los poco más de 68 millones de dólares en que ha valorado esta propiedad, que aunque en teoría tendría que estar clausurada y vedada al publico.

En la actualidad la fachada de la torre Sathorn está cubierta parcialmente con una enorme pancarta de Coca Cola de la crisis financiera asiática de 1997 en Bangkok por lo que ha recibido el sobrenombre de Torre Fantasma. 


Restricción que sin embargo no ha supuesto impedimento alguno para que se haya convertído en un destino al que se dirigen, no solamente hordas de exploradores de urbex, los cuales retratan una y otra vez alguna de las centenares de habitaciones, realizando miles de fotografías y videos a través de los que han capturado hasta el mas mínimo detalle. Trabajos que rozan casi lo pornografico siendo la cubierta sin duda la azotea la estrella. 


Un mirador priveligiado desde el que contemplar la ciudad. Siendo el lugar, donde cada día cuando cae el atardecer se reúnen decenas de jóvenes en una especie de comunión para contemplar según ellos una de las mejores puestas de Sol que se pueda observar en la  ciudad. Razon por la que el grado de deterioro de las instalaciones y equipamientos en su interior tras más dos décadas en desuso se ha acelerado en algunas zonas de forma muy acusada.


Situación que ha provocado un creciente malestar entre los miembros del vecindario, los que amparándose en los que según ellos, los muchos episodios fortuitos o no tantos, que han supuesto un incremento en la inseguridad que se observa en los alrededores. De un edificio que a pesar de haber sido precintado de forma regular a lo largo de todos estos años, sigue siendo invadido y habitado por colectivos de personas en peligro de exclusión social.

Estado que presenta una de las principales terrazas del edificio

Presencia continuada que ha provocado paralelamente toda una literatura compuesta por todo tipo de rumorologias e historias que discurren entre mitologías y hechos constatados por llamadas a la policía a horas intempestivas denunciando algún incidente o simplemente dando el aviso sobre que se están oyendo voces y golpes de cristales rotos producidos por los borrachos que revolotean en su interior.


Una de las medidas que ha adoptado el hijo del dueño de la torre que fue diseñada y desarrollada por una de las principales firmas de arquitectura de Tailandia, Rangsan And Pansit Architecture Co Ltd, ante la imposibilidad de deshacerse del inmueble es cobrar una entrada destinada a los turistas más interpridos que atraídos por las supuestas apariciones de espectros y fantasmas. Pertenecientes a alguno de las decenas de trabajadores que no recibieron sus ingresos debido a los muchos meses que trabajaron sin poder recibir pagar alguna.


El Sathorn Unique puede ser el más notorio, pero es solo uno de los cientos de edificios abandonados en todo Bangkok. Parecen simbolizar un círculo vicioso siempre existente de auge y caída de un modelo constructivo en la especulación y el dinero barato.


Dinero recaudado con el que trata de completar el resto de la construcción de un edificio que cuando cesaron las obras se encontraba al ochenta por ciento. Habiendo zonas como la área comercial que se encontraban practicamente a un paso de ser inaguradas. De un edificio que parece flotar entre gigantes con sus ciento setenta y cinco metros de altura y 600 apartamentos de alto standing.




Muchos de los cuales ya presentan graves desperfectos evidentes que afectan a la viabilidad de un proyecto que se había eregido como un símbolo de una ciudad en plena expansión y de lo peor de un modelo constructivo, basado en la especulación en activos inmobiliarios y de un urbanismo donde lo que menos importa, es contemplar y planificar espacios de convivencia. Quedando su presencia de ejemplo de un enfoque que no debería repetirse en el futuro, al menos en la misma magnitud.

Curiosamente, las construcciones más nuevas en el área se han "inspirado" arquitectónicamente en el diseño original del Sathorn Unique. Elementos como la gran entrada, con sus imponentes columnas corintias de alto piso, y la cúpula semicircular de la azotea han sido copiados e integrados en otros edificios más recientes de la zona. Es como si la presencia del edificio se valorara y diera identidad a esta zona de la ciudad, mientras que su patrimonio estructural languidece rodeado por decenas de grúas, que como sombras intimidates lo disuelven entre un marasmo de nuevos aspirantes a cual mas desafiante en altura. Siendo testigo de su propia decadencia y un ejemplo perfecto de cómo se inicia y lleva a cabo el desarrollo urbano en Bangkok.



Future House, La historia de la casa ovni que vino del frio

Recuerdo que cuando se acercaba el vigésimo quinto aniversario del primer alunizaje del ser humano en la Luna, mi padre nos contaba que debido a todo las expectativas que se habían creado entre la opinión publica debido a este acontecimiento.


Que raro el día que no se conocía alguna noticia o proyecto que le inducia a pensar, que en un futuro no muy lejano se podría vivir en el satélite que orbita la Tierra, o cuando menos tener la opción de adquirir una segunda residencia que tuviera vistas a alguno de los miles de crateres que caracterizan su superficie árida y arenosa.

Era tal el grado de entusiasmo y excitation generado, que lo que hasta ese momento se percibía poco más o menos como una quimera, había pasado a ser un hecho tan verosimil y tangible. Que enseguida se suscitaron cientos de iniciativas de lo más variopintas, que tenían como inspiración la posibilidad de habitar la luna, muchas de ellas tanto estéticamente como conceptuales descabelladas. Ideas que no dejaban de ser producto de un momento muy concreto e inusual.


Pero que si sirvieron para que otras muchas propuestas prosperaran con más o menos fortuna entre el maremágnum de ideas que hubo. Entre otras razones por presentar un diseño que inspirado por la narrativa fecunda que de forma torrencial se genero, si llegaron aportar soluciones que ya fuera en ese momento o a lo largo de las siguientes décadas se materializaron en diferentes ámbitos económicos o industriales.

En cuanto a la práctica arquitectonica si se consulta cualquier hemeroteca relativa a la epoca, se verá que la imaginación exhibida en una mayoria de ocasiones superaba cualquier atisbo de poder realizarse sobre el terreno. Pasando a formar parte directamente del imaginario popular de una sociedad ávida de las historias y las ficciones más imaginativas y surrealistas emanadas de un hito histórico tan inusual como este.

En el primer apartado lo realizable se podrían citar el edificio Nagakin Capsule Tower formado por decenas de cápsulas en forma de cubo construido en Tokyo entre 1970 y 1972, que tras mucho tiempo pendiente de una decisión administrativa finalmente fueron demolidas durante el verano de 2022. Un hecho que no por ser esperable deja de ser lamentable, habiéndose inclinándo la balanza hacia los intereses especulativos relacionados con el valor del suelo, frente al valor patrimonial de una arquitectura tan singular como esta.

Momento del ensamblaje de uno de los ovnis, los cuales se componían de 16 piezas

En el segundo apartado de lo efimero tenemos la historia del proyecto protagonizado por un arquitecto y emprendedor finlandés llamado Matti Suronen, un tanto es céntrico este diseño unas cápsulas ligeramente ovaladas que se bautizaron popularmente como platillos volantes, sobrenombre no muy original pero que en este caso le viene como anillo al dedo. Las cápsulas representaban un fuselaje que al menos exteriormente, en términos estéticos eran lo más parecido a lo el que el imaginario colectivo compartía como una nave espacial.

Y que cuando se anunció sirvió para alimentar la imaginación de toda una generación sugestionada por los primeros antecedentes pertecientes al incipiente género de la SC-FI, como la versión radiofónica de La Guerra de los Mundos narrada por Orson Wells. O las primeras entregas de sagas de ambientación espacial como Star Trek, que habían podido concebir visualmente la posibilidad de que el se humano viviera fuera del planeta Tierra. Tratándose de un diseño compacto que en un solo volumen de ocho metros de diametro podía reunir una diversidad de distribuciones.

Dependiendo de la funciónalidad a la que se quería dedicar, presentada en diferentes eventos y ferias. Lo que en principio parecia un prototipo que no tenía visos de que superaría la parte de exhibición, pasando a ser con el paso de más o menos tiempo una reliquia que representaría los sueños de toda una generacion. Que en mayor o menor medida habia llegado ha tener fe en la la posibilidad de que un día el ser humano conquistaria y colonizaria el espacio.



Fue tal su éxito que acabó siendo exportada a los Estados Unidos, la Unión Soviética, Sudáfrica, Francia, entre otros paises del mundo. Sin embargo, cuando el precio del crudo se disparó debido a la crisis del petróleo que ocurrió en 1973, la producción se suspendió.


Para sorpresas de muchos que lo habían desdeñado por ser considerado un diseño pretencioso cuya única aspiración era suscitar la atención desplazándose otro tipo de propuestas más acordes con la demanda del publico. Comenzó a producirse primero por encargo y a pequeña escala, para poco tiempo despues incrementar su número hasta doblar su producción, sirviendo pedidos a cualquier lugar del mundo.

Por lo que se podría afirmar que el módulo al que con el paso del tiempo se le añadio un modelo más reducido de alrededor de cinco metros de diametro. Es uno de los productos pioneros que siendo el resultado de una idea visionaria tuvo una comercialización global prácticamente inmediata. Aumento de la demanda que finalmente fue la causa de que se dejara producir, pues en ningún momento su creador pensó que la respuesta seria tan positiva, careciendo de una red logística que garantizará una respuesta satisfactoria ante el incremento de pedidos.

Y no como se ha argumentado en numerosas ocasiones desde diferentes ambitos, afirmando que la causa por la que sorpresivamente se suspendió su producción, sea atribuible a la escalada del precio del petroleo en el mercado mayorista. Pues aunque si es cierto que existe una relación entre los derivados plásticos, la materia prima con la que se fabricaba los cientos de módulos que se servian en un plazo de tiempo que no se alargaba por término medio más de tres meses y la volatilidad del barril de crudo. La verdad es que la cadena de producción y distribución de la compañía era casi artesanal.

Set de la Future House que se conserva en Londres con maniquís a su alrededor
    
En otro sentido la Future House supuso toda una revolución que podría haber llegado ha modificar el estándar constructivo que al día de hoy sigue presidiendo la practica totalidad de las obras, y el cual se basa en el empleo de materiales férreos como el hormigon, el ladrillo, y el acero. A lo que añadir que su creador había conseguido tras mucho tiempo invertido, crear una unidad polivalente, que presentaba una caracteristica inedita en este tipo de diseños.

Y es que se podrían unir hasta constituirse edificios de varias alturas a los que se podría añadir tantas unidades habitacionales como se deseara. Avance paradigmatico, cuya primera y más destacable consecuencia es que se abaratarian enormemente los costes de construcción. Proyecto de ampliación que a pesar de que había más de una propuesta que casi se ejecuta nunca llegó a materializarse.


Fabricadas en FRP (plástico reforzado con fibra). Cada unidad se componía de 16 piezas cada un, las cuales modelaban estos hongos futuristas, ovnis que aludían al deseo de poder vivir algún día en el espacio.


Por lo que tras muchas buscar en los bancos de documentacion, nos tenemos que limitar a conformarnos con algunos pliegos de hojas rápidos y parcialmente amarllentos. En los que vienen representados algunos bocetos de lo que supondrían estos edificios destinados principalmente a uso residencial y familiar. En todo caso e independientemente de cuales fueron las causas económicas que dieron al traste con el negocio.

Lo que si es un hecho que cuando corriendo buena parte de 1973, se anunció oficialmente que la compañía cerraba definitivamente sus puertas finalizando de esta forma con el sueño de poder habitar poco más o menos que en una nave espacial. El conjunto de los ciudanos que tras vivir instalados "comodamente" en una sociedad donde casi todo eran buenas expectativas y prosperidad durante las últimas decadas.


Se enfrentaba a la cruda realidad de asumir las primeras incertidumbres de un patrón socio-economico que empezaba a dar las primeras muestras de pereza y agotamiento. Contexto por lo tanto de transición que provocó que una mayoría de cápsulas se les perdiera la pista con el suceder de los siguientes años desapareciendo buena parte de ellas. Pérdida que en muchas ocasiones se produjo en el más absoluto anonimato.




Mientras que en otros casos terminaron sus chasis siendo reciclados albergando las actividades más inusuales que os podáis imaginar, como la que se acabó instalando en un aparcamiento de una ciudad japonesa sirviendo de aula destinada a dar clases de arquitectura. O la que se acabó transformando en un local hostelero dedicado a vender comida rápida como hot-dogs o hamburgusas.

En España tuvimos el priveligio de tener por un período de dos décadas aproximadamente uno de estos hubs que estaba instalado en la ciudad española de Mallorca, donde cumplió la funcion de salas de reuniones dentro del perímetro de un hotel. Del que finalmente fue trasladada, pudiendose visitar en la actualidad en uno de los suburbios en las afueras de Paris. Si deseas conocer dónde se pueden visitar más de estas viviendas futuristas, podéis pulsar el siguiente LINK, donde encontrareis un mapa interactivo en el que se refleja la trayectoria y emplazamiento de todas y cada una de que las han sobrevivido hasta nuestros dias.


Urban Nation, exposiciónes de arte urbano en un edificio berlines del siglo XIX



Los usos que puede recibir un mismo espacio pueden variar mucho en función de la época y el contexto en el que nos encontramos. De hecho en NQ ya hemos ofrecido unos cuantos ejemplos, de cómo un mismo edificio puede a lo largo de un intervalo de tiempo, de por ejemplo siglos.


De pasar de albergar el mobiliario propio de un templo leturgico, ha convertirse en una biblioteca, o de convertirse en una tranquila residencia familiar o incluso en un lugar recuperado donde cientos de jóvenes pasan sus momentos de ocio y tiempo libre practicando deportes urbanos como el Skateboard. Sólo por citar tres ejemplos, de los muchos que relacionados con el aprovechamiento y reciclaje de arquitecturas en desuso o directamente abandonadas se pueden encontrar entre nuestras paginas.


Pero si me llama algo poderosamente del edificio que alberga desde mediados de la década pasada las instalaciones y actividades de la institución Urban Nation en Berlin. Un museo destinado principalmente a organizar y programar actividades dedicadas al arte urbano, además de contemplar y tocar una diversidad de temas sociales, mostrando especial atención a todo aquello que tiene que ver con las nuevas formas de interacción social en el espacio publico.

Un conjunto de propuestas que han ido evolucionando incorporando las más ariesgadas tendencias y vanguardias expresivas. Lo que demuestra que los espacios a pesar de lo se pudiera pensar, muestran una gran versatilidad pudiendo evoluciónar y adaptarse a una gran variedad de escenarios posibles, modificando el fondo y la forma el predicado y el significado simbólico del mismo.

No solamente de la función para el que en principio fue construido, sino incluso su valor, status y percepción social. Sin ir mas lejos las cuatro alturas este edificio esquinado que los responsables de la Foundation Berliner Leben, transformaron tras un arduo trabajo de reforma en las salas de uno de los lugares más dinámicos en términos culturales que ha alumbrado la capital berlinesa en lo que llevamos de milenio.


Situado entre los números 7 y 10 de la calle Bülowstrasse. Era cuando se construyó a lo largo del siglo XIX, uno de los palacetes más obstentosos de la gran capital Berlinesa, la cual vivía instalada en uno de sus periodos más boyantes y prósperos de su historiaa. Perteneciente como muchos otros casos al catálogo inmobiliario protegido elaborado por la capital, por lo que ha recibido la consideración de monumento protegido.

En The Urban Nation la fachada exterior también forma parte del espacio expositivo

Una de las propiedades por lo tanto más codiciadas y deseadas por los berlineses de la epoca, los cuales gozaban de unos cuantiosos ingresos con los adquirían hermosos edificios con magníficas fachadas. Mansiones que pertenecían a una corriente conocida como Gründerzeit, un sub-estilo arquitectónico que abarcó buena parte del periodo Wilhelminiano el cual comprendio el último cuarto del siglo XIX.

Siendo el estilo que predomino entre la acaudalada clase alta que protagonizó el resurgimiento del Imperio alemán, periodo que se inicia en 1871, conocido también con la denominación de Wilhelminiano . El cual se alarga hasta entrado 1914, año fatídico en el que se inició la Primera Guerra Mundial. Periodo que se caracteriza por un aguge de la industrialización en Alemania lo que produce unos elevados ingresos economicos, sobretodo entre sus elites.



Incremento en la riqueza que rápidamente se materializa en la construcción de obstentosas villas que como ya hemos dicho reciben el nombre de Gründerzeit (cuya traducción literal seria, construcción exhuberante). Edificaciones que destacan por sus lujosas decoraciones de estuco en la fachada, siendo otro de los rasgos que la definen los típicos ventanales, propiedades estéticas que siempre se pueden encontrar en casas del período guillerminiano.


Situado en las proximidades del centro de Berlin, desde que se abrió a mediados de la década pasada The Museum Nation se ha convertido en el altavoz creativo desde el cual las más vanguardistas expresiones urbanas se han proyectado al resto de la ciudad.


Y que en el edificio de la Museum Urban se han conservado proporcionando luz a obras de artistas iconicas comó Obey, Axel Void, Borondo o Faith 47. Una pequeña muestra de los cientos de artistas que forman parte de su nutrida colección, compartiendo el espacio con adornos geométricos o florales situados en los marcos de la ventana, y que adquieren numerosas formas, combinación que lejos de producir un contraste exagerado realza una colección donde el Arte Urbano más cosmopolita de los últimos treinta años.  Asi como las impresionantes columnas, que se pueden admirar a la derecha e izquierda de las ventanas, indicando inmediatamente que la casa fue construida durante la epoca Wilhelminiana, enfatizando particularmente las ventanas que parece formar parte de la colección.


Hay frontones puntiagudos para admirar en el piso inferior, donde se pueden ver arcos de medio punto, que maravillosamente ornamentados subrayan la belleza de este singular edificio. Que en total cuenta con una superficie de alrededor de mil quinientos metros cuadrados, la mayoría de los que desde 2013, se han dedicado principalmente a acercar al público en general a numerosos artistas urbano, que han sido invitados a Berlín para diseñar murales en diferentes lugares y así hacer que el arte en el espacio urbano sea accesible para el gran publico.



Uno de las primeras iniciativas fue el programa ONE WALL que en sus inicios se convirtió en una excelente plataforma para mostrar a toda una selección de autores que pertenecientes a una excitante escena local. Habian heredado lo mejor de una tradición como la pintura mural o el muralismo que ya estaba presente en toda la ciudad, creando un relato común que había servido para hermanar las dos partes en las que tradicionalmente la ciudad había estado dividida hasta su reunificacion tras la caída del muro de Ḅerlin.

Una de las salas destinadas a la colección permanente del museo

Como durante la época que se construyó originalmente el edificio, aunque teniendo en cuenta las circunstancias y contextos de los 150 años transcurridos desde que se finalizo. Las cuestiones sociales siempre fueron un argumento, a la hora de selecciónar tanto la decoración como las características de los artistas que en principio pasarian a engrosar el calendario de actividades de la institución. Al igual que en el período Wilhelminiano, no se concibió un nuevo estilo arquitectónico, sino que los arquitectos miraron en su entorno y tras nutrirse de muchas de las ideas que a lo largo de los siglos precedentes habian generado otros estilos arquitectónicos.



En vez de relegarlas, dejándolas a un lado, las incorporaron fusionandolas con su percepción de lo que debía ser la práctica arquitectonica en un momento donde las pautas de conducta sociales respecto al tratamiento y el uso del espacio. Asi cómo la aparición de innovadoras herramientas digitales han producido cambios en como se percibe la práctica arquitectonica actualmente, provocando que el público y los consumidores demanden un tipo de arquitectura que desarrollara todo ese potencial creativo. Ofreciendoles edificios que se alejaran de la ortodoxia oficial que se habia impuesto hasta entonces.



The Museum Urban es un espacio donde la creatividad no se limita a lo que solamente se expone en sus salas, sino que es un lugar inspirador en sí mismo que atesora una larga historia.


En este sentido el museo que abrió sus puertas en septiembre de 2017 fue precedido por un año de remodelacion y tres años de planificación. Conservando buena parte de su estructura original, ejecutada con extrema delicadeza por la firma de arquitectura berlinesa GRAFT. Las salas de exposición del museo se encuentran en los dos pisos inferiores del edificio. Aquí se eliminó el techo entre la planta baja y el primer piso, esto creó un espacio abierto, un inmenso hall de reunión y exhibicion. 

 
Los visitantes de esta forma pueden moverse en un sala de más de 500 metros cuadrados entre los pisos a través de pasarelas interiores. Estas escaleras ascienden paralelas a la calle, estando situadas sobre la línea de metro sobre que corre a lo largo de la fachada del museo. Además, esta peculiaridad arquitectónica ofrece la posibilidad de ver las obras individuales tanto desde cierta distancia como aproximarse a ellas obteniendo una perspectiva diferente. El uso del revestimiento de suelo crea una conexión adicional entre el interior y la calle.





Aunque al visitante neófito en arquitectura seguramente no perciba el denodado esfuerzo por conservar las señas que se pueden considerar como la génesis del edificio. No obstante si podrá percibir aún sin identificarlos que en ese espacio donde está contemplando una exhibición de arte  contemporaneo, se concentran una variedad de estilos arquitectónicos heredados de siglos pasados como el Neobarroco, el Neorrenacentista o el Neogótico.

Estilos que tradicionalmente se habian aplicado hasta ese momento en encargos realizados a nivel institucional de pronto se "democratizaban" pasando a ser demandados por clientes particulares. Esto sucedía por el abaratamiento de costes propiciado por las mejoras efectuadas en la eficiencia en el modelo productivo. Poco más o menos algo similar se puede afirmar del espacio y su tratamiento habiendo evolucionado de un estándar por el que tan solo se podía usar bajo un enfoque residencial, a transformarse en un lugar de encuentro creativo donde la expresividad se democratiza revalorizandolo en términos sociales y artisticos.


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