Nomada Q : animacion

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Aunque se conocieron en 2.009 no es hasta tres años después cuando los también tres fundadores del estudio Lightning Boy con sede en Montreal. Consiguen reunir el capital suficiente con el que poder trabajar en su primera producción.

Un parto largo y de embergadura pese a ser un cortometraje, ve la luz a comienzos de 2.014. Y que enseguida llama de programadores de todo el mundo, exhibiendose hasta en cuarenta festivales tanto dedicado al genero de la animación como de carácter mas generalista, donde cosechan numerosos premios en diferentes categorías.

Y es que reune Le Gouffre es una historia que reune todos los ingredientes con los que entretener y estremecer al mismo tiempo al espectador. Léase épica, acción, compañerismo, lealtad, espíritu constructivo...... Todo aderezado con unos muy acertados efectos especiales.

Que sirven para narrarnos la aventura de dos intrépidos exploradores, que en un determinado punto de su viaje y debido a causas de fuerza mayor. Tienen que decidir entre retroceder renunciar a seguir con su periplo, o embarcarse en una gesta a un mayor, con la que poder construir un puente con la que salvar la distancia que separan ambos extremos de una garganta y su abismal precipicio.

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Ambientado en un entorno rural Le Gouffre los protagonistas logran con su esfuerzo y tenacidad, superar los recelos y perjuicios que entre los lugareños despiertan su presencia

Le Gouffre from Lightning Boy Studio on Vimeo.

Imaginate que vivieras en un mundo dominado por la escala de grises, donde el color estuviera tan cotizado como el oro. Un lugar poblado por mercenarios cuyo principal objetivo consistiría en identificar que atesoraran algún rastro de color.

Arrancándoselo junto con su vida de la que su cuerpo inerte y gris quedase tendido, mientras los ladrones se alejan en busca de su próxima presa. The Gold Sparrow es un corto de animación de impecable ejecución técnica, que en su exhibición a lo largo de 2.014 ha sido multipremiado en casi todos los certámenes donde ha participado.

Con guión y dirección de Daniel Stessen. Se trata de una metáfora visual de la realidad que nos rodea, protagonizada por un villano y su acompañante que usando como vehículo de desplazamiento un sidecar localizan y sustraen el color de sus victimas.

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Ambientado en un escenario circense, la acción se desarrolla a un ritmo vertiginoso conducido por personajes inquietantes

Narrado en un tono poético Le Son des Flammes, nos relata el ultimo viaje de su protagonista. Acompañado por la melodía interpretada por un Kora.

Un viaje de ida y vuelta en un tránsito de la vida a la muerte y viceversa, que se iniciará cuando se interne en lo profundo del bosque, en su camino de retorno a la naturaleza. La que en su infinita sabiduría le asignara una nueva forma.

Cumpliendose un ciclo vital infinito, donde lo orgánico como la energía no se pierde sino que se transforma fundiéndose con su origen natural. Y cuyo resultado visual podéis ver si pulsáis AQUI.

Dirigido por Vincent Gibaud el corto es un canto a la vida, en el que las imagenes se suceden acompasadas por las notas interpretadas por el viejo jefe de la tribu en su ultimo ritual. El cual le acabara trasladando a otra dimensión en la que participara en una danza en la que sera purificado por el fuego en un ritual.

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Le Son des Flammes es un emotiva obra visual, que muestra de forma natural los últimos momentos de su protagonista antes de iniciar un ciclo de transformación hacia una vida.

Ambientada en un episodio de la primera guerra mundial, en la que un soldado de infantería en estado de shock. Espera atrincherado para entrar en combate.

La animación titulada La Detente, utiliza los mismos mecanismos narrativos y estéticos que en clásicos como El Mago de Oz o Alicia en el País de las Maravillas. Para realizar una declaración antibelicista transformando los campos de combate en un pasaje de cuento, donde los el material bélico son sustituidos por una artilleria compuesta por dulces y golosinas.

Estrenada en 2.011 y multipremiada La Detente ha sido realizado en formato 3D con el guión de los técnicos audiovisuales Pierre & Bertrand, que habitualmente trabajan con el estudio Not To Scale responsable de esta producción que supone un alegato a favor de la paz. En una propuesta visual donde la destreza técnica y su dilatada experiencia en el mundo de la animación, supone una garantía que aparte de entretener provoca la reflexión tras su visión.

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La Detente ha llevado cuatro años de trabajo, para apenas siete minutos de metraje

La Detente from Not To Scale on Vimeo.

American Interior es una revisión del clásico la Odisea, una road movie realizada a través de una plataforma transmedia. En la que su autor el músico y cineasta Gruff Rhys invita al espectador a realizar un viaje por la historia de los Estados Unidos desde una óptica no convencional.

Acompañado por una marioneta que representa a un gales que producto de la inmigración, se convierte en uno de los primeros colonos que entran en contacto con las tribus nativas. Y que en el transcurso de la película se transforma en el alter ego de su autor siendo el interlocutor a través del que teje una serie de episodios paralelos entre el pasado y la época actual.

Pero donde de verdad se constata el valor de la película es en el plano visual y en como esta técnicamente realizada

Sirviendo como argumento por el que establecer las causas y los de lo que el considera que es un sistema injusto, y de paso desmitificar muchos de los mitos sobre los que se ha cimentado la cultura occidental contemporánea tan arraigada en nuestros días.

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En un viaje creativo que arranca alrededor de los albores de 1.700 en una región como Gales donde la miseria y la precariedad propicio que decenas de miles de sus ciudadanos se embarcaran en un viaje incierto. Pero donde de verdad se constata el valor de la película es en el plano visual y en como esta técnicamente realizada, poniendo especial énfasis en el sonido impecable y sobre todo en la selección musical. Una delicada colección de canciones que bien podrían haber sido el embrión de la rica y variada tradición musical que a lo largo de los últimos tres siglos, se han convertido en la banda sonora original de un país.

Gruff Rhys - American Interior (Official Video) from Ryan Owen Eddleston on Vimeo.

Estrenada en Otoño de este año el biopic animado titulado Otro día de vida, se centra en el conflicto civil que padeció Angola en la década de los años 70´s del siglo pasado. Visto a través de los un testigo de excepción como es el reportero gráfico y escritor polaco Ryszard Kapuściński.

Dirigido por el cineasta Raúl de la Fuente y producido por Platige Films, se trata de un trabajo que ha sido nominado en el apartado de mejor animación en la ultima entrega de los premios de cine español Goya, además de haber sido seleccionada para competir en la próxima gala de los Oscar.

Por lo que estamos ante una animación (la cual por cierto podéis ver íntegramente desde AQUI) que entre otras cualidades nos ofrece un trabajo técnicamente impecable y visualmente impactante, tanto en la narrativa estética como en la labor intelectual que construye una historia en la que el contexto social conduce una trama visceral.

En la que el conflicto bélico no se traducen sólo en cifras, sino en nombres apellidos, perspectiva humanista en la que la épica de la guerra tan recurrentes en otros films pertenecientes al género bélico se diluyen. Gracias principalmente de los testimonios que se alternan en imagenes reales, de los muchos amigos con los que contaba este reportero único en la profesión que marcó toda una época suponiendo su presencia una influencia e inspiración para much@s de l@s que le sucedieron.

Algo muy de agradecer pues está determinación a la hora de contar unos hechos realmente tragicos que se aproximan de esta forma nítida a lo que sucede realmente en acontecimientos tan trágicos como los que se padecen en una guerra civil, que es el epílogo, como en este caso a un proceso de descolonizacion.

Un día más con vida es la primera película en la lirica de las crónicas del reportero Ryszard Kapuściński se traducen a un lenguaje cinematográfico. Más conocido por el autor de la crónica shakesperianassssaa El Emperador tuvo el dudoso privilegio de cubrir innumerables golpes de estado, exponiendo su vida numerosas veces.

En cuya realización se han empleado innovadoras técnicas de filmación por ordenador. Herramientas cuyos mecanismos narrativos han sido explotadas con extrema habilidad por el director de la cinta. Con las que ha logrado un efecto realista sin recurrir a soluciones 3D tan de moda ultimamente.

Poniendo el acento en los aspectos y rasgos humanos, con los que vertebra una historia donde el espectador puede percibir la tensión que experimentan sus protagonistas, y los hechos que se relatan que hacen referencia a uno de los periodos mas truculentos de la ex-colonia portuguesa.

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