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Berlin, desde Potsdamer Platz a Reichstag y su historia en 11, 20 o 6 minutos


En poco más de 11 minutos si decides utilizar el vehículo privado, en alrededor de 20 si optas por completar el recorrido a pie o en alrededor de 6 minutos si alquilas una de las decenas de bicicletas que están puestas a tu disposición por parte del servicio de alquiler de la capital de Alemania. 

Sera el tiempo que emplearas en conocer la practica totalidad de la historia sucedida en el espacio de tiempo que abarca alrededor de 150 años, y que afecta en mayor menor medida a ese espacio de convivencia que de forma más o confusa se denomina Occidente y que compartimos según las fuentes que consultes.

Entre los 500 y 2000 millones de ciudadan@s, cuyas raíces y herencia de alguna manera están vinculadas a los lugares que a continuación me dispongo a enumerar y describir. En unos casos de forma más pormenorizada y en otros poniendo más énfasis en los acontecimientos trágicos que simbolizan diferentes periodos de su historia.

Y que en algún sentido se vuelven a asomar a nuestras vidas últimamente como fantasmas cuyas sombras proliferan y se alargan acaparando toda nuestra atención e inundanos de temor e incertidumbre. Más de algun@ habrá ya intuido a la altura de este parrafo, que cuando menos nos hemos trasladado a Berlin.

Con todo lo que ello representa tanto desde una perspectiva histórica como desde un contexto mucho más próximo en el tiempo. Y es que en ese breve pero intenso recorrido que se inicia la Potsdamer Platz, uno de los lugares más cosmopolitas que se puedan visitar a día de hoy. 

Y finaliza en el parcialmente derruido o reformado (según se contemple) monumento del Reichstag y cuya autoria es de Norman Foster. Una intervención que causó estupor entre la opinión publica, la cual se incremento cuando el artista Christo lo envolvió en 1971 convirtiéndolo en un "regalo". Un edificio institucional y de gran transcedencia histórica y política, no en vano en la actualidad es la sede del parlamento de la Alemania unificada tras el derrumbe del bloque del Este y la caída del muro de Berlín.

El Monumento del genocidio Judío invita a reflexionar sobre nuestros dilemas históricos y contradicciones que vivimos en la actualidad 

Cuya presencia imponente y casi intimidatoria es fácilmente identificable gracias a  su cúpula semitransparente, una de la más fotografiadas solo comparable a la del Panteón de Agripa o a la del Domo de Florencia en Italia o más recientemente a la de la Esfera en Las Vegas.

Y que nos servirá de guia actuando como un faro por lo que sera muy difícil que nos podamos desorientar, entre el maremágnum de turistas que invaden la ciudad en casi cualquier época del año. Algo que en otro tipo de entornos urbanísticos más reducidos puede molestar, pero que en un recorrido relativamente largo y con tantos susceptibles lugares de ser visitados como este se puede asumir.
  

En nuestro caso hemos alcanzado la superficie de una plaza majestuosa a la par que cosmopolita, saliendo por unos de los accesos del suburbano. Un enorme  lugar de actividad en la que confluyen múltiples calles, y cuya composición urbanística en la actualidad. Flanqueada por el edificio Sony Center y por el proyectado por el arquitecto Renzo Piano.


Es asombroso como en un espacio relativamente reducido se puede contemplar buena parte de los hechos más determinantes de la historia de Europa de los últimos 150 años y sus heridas.


Ambos proyectados a finales de la última décadas del Siglo XX, eliminando la mayor parte del muro que dividío la ciudad a lo largo de su segundo periodo. Aunque todavía se conservan algunos tramos que sirven como lienzos de expresión urbana o como expositores de exhibición. Los cuales conparten espacio con obras de arte contemporaneo de artistas de Koontz, di Suvero o Haring.


Poco tiene que ver con la que a finales del Siglo XIX se construyó en las afueras de una ciudad, que se encontraba en plena expansión y que era producto de lo que sería conocido como el milagro aleman. Periodo de bonanza y prosperidad económica que desembocaria en la declaración de la Primera Guerra Mundial a mediados de la segunda decada del Siglo XX.

Un pasado del que apenas quedan restos, al menos perceptibles, a no ser que se cite que las bicicletas han vuelto a inundar sus calles, hábito muy común en aquella epoca. Cuando buena parte de la población sustituía el tiro de caballos por la bici o el incipiente tranvia.

El símbolo de la paz representado en una sección antigua del muro de Berlin

Ya de camino a nuestro primer alto en el camino situado en la Brandenburg Gate, repararemos en la presencia de lo que fue el Hotel Kaiserhof. Lugar emblemático aunque poco visitado, conocido por haber sido el lugar de encuentros de los oficiales nazis en el prólogo de la II Guerra Mundial.


Procurando a la vez mirar al suelo de vez en cuando para poder encontrar algunos de los nombres grabados en la acera, que hacen referencia fundamentalmente a luminarias del cine alemán como la Oscarizada Marlene Dietrich. Que aunque de forma modesta supone un homenaje a su singular cinematografia.


Paseo en el que ambos calles de la avenida tendremos la oportunidad algún de tomar refrigerio, a pesar del que el paseo hasta la Brandenburg Gate es relativamente corto. Por lo que es recomendable esperar a ver, los que quizás sean la serie de arcos mas simbólicos del mundo, para después sentarse a almorzar algo.



En tan sólo cuatro paradas y poco más de veinte minutos a pie puedes trasladarte y ser protagonista de diferentes épocas y eventos históricos acaecidos en el viejo continente.


Y es que este iconico monumento construido durante la regencia del monarca prusiano Federico Guillermo II en el Siglo XVIII. Se trata de una construcción Neoclasica que fue concebida con el noble propósito de representar la Paz. Por lo que fue bautizada con la Puerta de la Paz. Título que contrasta con los acontecimientos de los que ha sido testigo mudo.

Caracterizados por numerosas revueltas y algún paseo triunfal como consecuencia de la victoria sobre Napoleón, hecho por el que se modifico la cuadriga que preside el arco central. O Cuando el Los nazis subieron al poder, que usaron la puerta como símbolo de exaltación de sus "principios" arios. 


La puerta sobrevivió a la WWII a pesar de la magnitud de los daños producidos, aún estaba en pie entre las ruinas de Pariser Platz en 1945. Una cabeza de caballo de la cuadriga original sobrevivió, y hoy se conserva en la colección de la Museo de Arte Moderno. Otra andecdota que merece la pena citar es la visita que recibió en plena guerra fría por parte de John Fitzgerald Kennedy en 1963.

A lo largo de buena parte del recorrido no dejaremos de tener presente la silueta del Reichstag

Se cuenta que tras acercarse a saludar a los soldados que estaban sirviendo en el Checkpoint, saltándose el protocolo consiguió llegar a la plaza. Al percatarse los soviéticos de su presencia procedieron a desplegar unas enormes lonas con el propósito de evitar que pudiera mirar al otro lado de los arcos.

Una efimeride que nos acompañará hasta nuestra penúltima parada, un lugar en principio anodino por su uniformidad estetica. Pero cuya percepción se modifica instantáneamente al conocer sus motivaciones, resultando cuando menos peturbador.

Y cuya atmósfera nos puede llegar a conmocionar. Curiosamente se trata de una obra que es fruto de la colaboración del arquitecto Peter Eisenman y el ingeniero Buro Happold, una obra racional que representa la sinrazón y que fue inaugurada en 2005. Sus 2711 bloques o losas situadas a diferentes alturas se proyectan en el espacio de forma monótona constituyendo un lugar de duelo y memoria. Cuya presencia nos recuerda la barbarie a la que fue sometida la comunidad Judia en los campos de extirminio.   


 

No estando exento de controversia debido a que una de las empresas concesionarios, Degussa, fue designada para proveer el material que evitará los actos vandalicos en el conjunto monumental. Resulta que albergaba antecedentes que vinculaba su actividad con las autoridades nazis. Más concretamente con la fabricación  del Zyklon B, el gas que se filtraba en las cámaras de gas.

Ahora, quizas, si es el momento de distraer la atención reponiendo fuerzas antes de finalizar este "breve" pero intenso paseo. Dependiendo del horario puede tocar almorzar o merendar, en todo caso contamos con una amplia oferta con  la que poder satisfacer nuestro apetito. Que va desde la tradicional salchicha con curry y guarnición de patatas conocida como currywurst hasta algo más ligero y dulce como los bretzels o los omnipresentes Berliner Pfannkuche (donuts rellenos de chocolate o caramelo).

Lo suficiente como para afrontar nuestro destino final que se situa en el Reichstag, un edificio de corte neorrenancista que se encuentra emplazado en la Königsplatz o (Plaza de la Republica). Finalizado en su primera versión en 1918 entre sus muchos alicientes cuenta con una biblioteca que alberga más de 260000 volúmenes entre ellos incunables de dramaturgos como Goethe.

Pero lo que más llama la atención es su entereza no habiendo sucumbido a la casi interminable sucesión de bombardeos aliados, los que redujo prácticamente a escombros el distrito de Mitte. Aunque unos años antes en 1933 ya sufrió un aparatoso siniestro, que aunque fue deliberado todavía a día de hoy esta sin esclarecer. Lo que si es un hecho constatado es que el emergente partido Nazi, logro utilizar este incidente para que se emitiera un decreto de urgencia por el que se restringia el régimen de libertades del que gozaba el ciudadano alemán hasta la fecha. Liberado en abril de 1945 todavía conservamos en la retina la polémica y casi mitológica foto de Evguéni Jaldéi, instantánea en la que aparece un soldado soviético alzando la bandera con la hoz y el martillo sobre el edificio del Reichstag.  
  

Klaus Littmann - For Forest, la infinito tensión entre la naturaleza y el ser humano representada en un campo de futbol




Instalados en plena controversia por la irrupción y proliferación de las denominadas herramientas realizadas a partir de inteligencia artificial. Una realidad que representa un paso evolutivo dentro de la cronología de la era digital.


Y cuya extension e incorporación de forma masiva y hasta cierta forma caotica esta afectando a una diversidad de ambitos productivos. Siendo quizas aquellas actividades que forman parte de las areas creativas, las que primero y de forma mas notable estan siendo metabolizadas por este ecosistema.


Cuyas consecuencias todavia resultan a dia de hoy imprevisibles, aunque mucho me temo que no pasara de ser una herramienta preformativa. Cuyo empleo se limitara, mas bien a un recurso, que pese a que pueda parecer mas sofisticada que las ya de si por abundantes bateria de aplicaciones existentes.


No supondrá mas que un atajo para agilizar la tarea que en una diversidad de ambitos (ya sean creativos o de otra indole). Contribuyendo a mejorar aquellos aspectos del proyecto en curso y su resultado final. No sirvan (casi en ningun caso para sustituir la presencia y actividad de un profesional).


Tengo la oportunidad de maravillarme con una de las mas representativas intervenciones del artista suizo Klaus Littmann. Una actuación que por su envergadura pueda parecer ser el resultado de emplear en su realización herramientas de naturaleza digital.

Con apenas diez años de uso el estadio Wörthersee Stadion se transformo en un bosque efimero

Pero cuyo planteamieto se remonta a treinta años atras, cuando Klaus descubrió un dibujo titulado "La atracción infinita de la naturaleza". Un boceto que a su vez esta datado de 1971 y en cuya lamina el artista y arquitecto austriaco Max Peintner.

Trasladaba un paisaje natural a un escenario en el que las gradas de un estadio de futbol a rebosar de publico, asistia a un "espectaculo" en el que el patrimonio medio-ambiental se muestra encapsulado. Dejando de representar una amenaza para las decenas de miles de espectadores que atonitos asisten a la subliminacion del lugar en el que se se reunen para apoyar a su equipo.


Ilustrando una extraña escena distópica en la que la naturaleza solo existirá como objeto de exposición. Mostrando hasta ultimas consecuencias un proceso de domesticación de la naturaleza.



Mezcla de Land Art e instalacion a gran escala, For Forest The Unending Attraction of Marine  profana lo que se puede contemplar como el maximo exponente de lo que se puede considerar hoy un dia un "templo" en el que se veneran a poco mas o menos que semi-dioses.


De hecho a pesar de ser ejecutada en pre-pandemia, su planteamiento no estuvo exento de polemica. Pues el partido nacionalista FPÖ (Partido de la Libertad de Austria) criticó el transporte de los árboles al estadio. Se suponía que los árboles provenían de viveros austriacos, pero no se podían encontrar árboles apropiados allí, lo que significaba que tenían que ser transportados desde Italia, Bélgica y Alemania.  En otro sentido una minima parte de la opinión publica se manifesto en contra argumentando que el proyecto estaba bloqueando injustamente el estadio durante la Europa League, lo que impidió que el equipo anfitrión Wolfsberg AC pudiera completar un tercio de la temporada.



En este contexto la intervención de Klaus se convierte en un foro a traves del que se denuncia el deterioro de la diversidad de ecosistemas que constituyen nuestro entorno natural. Realizada en 2019 tuvo como escenario Wörthersee Stadion que esta ubicado en la ciudad austriaca de Klagenfurt y cuyas instalaciones se construyeron para la celebración de la Eurocopa de 2008.


Dado que actualmente estamos perdiendo alrededor de setenta y cinco mil kilómetros cuadrados de bosque cada año, el dibujo de Max Peintner era profético. Y cuya contemplación provoco un efecto  inmediato en Klaus Littmann.



Arriba dibujo original de Max Peintner, abajo el mismo dibujo parcialmente coloreado


Lo que le atrajo a Klaus del dibujo de Max fue que en su concepción trazaba un alegato o ficción, que estaba muy adelantada a su epoca. Ya que el problema de la perdida de extensas areas de bosque no se denuncio ampliamente hasta la década de 1980. Con los años, su dibujo se ha convertido en un icono desde el punto de vista de los activistas medio-ambientales.


Por ejemplo, su trabajo se puede encontrar en más de una veintena dd libros, así como en diversas publicaciones internacionales. Mientras tanto, la expresividad visionaria de la imagen ha sido citada en textos relacionados con para la filosofía, la biología, la ecología, la antropología y la literatura. 


Con alrededor de 300 árboles, algunos de los cuales pesan hasta seis toneladas, el arquitecto paisajista Enzo Enea fue el encargado de diseñar un bosque mixto centroeuropeo en todo el campo de juego. Para abordar este colosal proyecto (el mas grande de Austria hasta la fecha) Enzo instalo paneles de distribución de carga cubriendo toda la superficie para proteger el césped del estadio. 


RELACIÓN DE ESPECIES INCLUIDAS

Abeto blanco (Abies alba)

Acer campestre

Acer platanoide

Acer pseudoplatanus

Aliso de hojas de corazón (Alnus cordata)

Abedul colgante (Betula pendula)

Carpinus betulus

Fagus sylvatica

Fresno comun

Alerce (Larix kaempferi)

Pino negro (Pinus nigra)

Pino rojo (Pinus sylvestris)

Populus tremula

Roble pedunculado (Quercus robur)

Sauce de plata (Salix alba)

Silberlinde (Tilia tomentosa)


Klaus Littmann vive y trabaja en Basilea. estudió en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, entre otros con Joseph Beuys y se estableció como creador concentrandose en la planificación y realización de exposiciones de arte temáticas, así como intervenciones artísticas en el espacio público. Cada uno de sus proyectos se basa en una tensión dicótica que resalta el compromiso del artista con la cultura cotidiana y la relación entre el arte contemporáneo y los espacios urbanos. Proyectos muchos de ellos producto de la colaboración con otros artistas como Christo y Jeanne-ClaudeTony Cragg,  Peter Kogler o Subodh Gupta. Todos ellos ya mencionados en NQ a traves de sus respectivas entradas.



Cada arbol que formo parte de la muestra se obtuvo mediante una campaña de patrocinio, los participante recibieronn una copia del dibujo de Max Peintner The Unbroken Attractiveness of Nature coloreado a mano por Klaus Littmann, es decir, una pieza única firmada.



For Forest es una experiencia inmersiva del cual podeis ver un documental AQUI, editado por Ars Electronica, una pieza en la que su autor parece que nos invita a hacer un ejercicio de meditación que nos permite entrar en comunión con una naturaleza en este caso parasitaria.


Por ultimo mencionar que tras los dos meses que duro la muestra, el conjunto forestal se traslado a un terreno que reunía las condiciones óptimas y ubicado en las afueras de la ciudad.





Sanaa, tres proyectos iniciaticos que revolucionaron la arquitectura japonesa del siglo XXI


Tuvieron que transcurrir más de cinco decadas hasta que Japón consiguiera renacer de sus cenizas y de alguna empezar a cerrar las heridas que supusieron participar en la Segunda Guerra Mundial en el bando de los derrotados. Un período que se caracterizó por una pérdida de identidad debido a que la sociedad en su conjunto se sentía profundamente humillada mostrándose apática y desorientada.


Lo que provocó que amplias capas de la sociedad japonesa cuestionaran muchos de los valores y estándares que hasta ese momento habían siendo modelos tradicionales que habían permanecido arraigados conformándo el carácter, de un país que se debatía entre seguir anclado en el pasado o abrazar la forma de vida Occidental.

Adoptando o más bien adaptando e incorporando muchos de sus patrones y dinámicas a otros muchos ámbitos productivos, entre ellos los que conciernen a los creativos. Donde se observaron una paulatina evolución hacia nuevas formas expresivas que de alguna reflejaban.

Los cambios que estaban experimentando como comunidad. Serie de cambios que propiciaron que Japón poco a poco logrará sortear el aislamiento al que se había sometido. Esta catarsis como no podía ser de otra manera acabó alcanzando a la casi artesanal práctica de la arquitectura.

En la que de un día para otro resurgió del anquilosamiento en la que había estado durante siglos.  Aflorando una serie de jóvenes y emprendedor@s arquitect@s que sin renunciar a los parámetros arquitectónicos locales con los que habían crecido y se habían formado academicamente.

Si habían de forma habilidosa integrar en una nueva mirada de contemplar la forma arquitectónica y el tratamiento y el uso que se hacía del espacio. Ofreciendo una diversidad de propuestas que obedeciendo a las sensibilidades y demandas que se proyectaban desde su entorno y social.

Se materializaban en sugerentes proyectos resultado de la convivencia de la materia, la forma y la luz. Y que permitían renovar una disciplina cuyo canon funcional y estetico se nutria de movimientos foraneos, materializando en estructuras con las que los ciudadanos y consumidores podían llegar ha identificarse.

La Casa S cubierta con paneles de policarbonato permite iluminar el exterior de la vivienda desde su interior

A lo largo de todos estos años desde este espacio os hemos ofrecido uno cuantos y notables ejemplos de esta renovacion, a través de una selección de estudios y proyectos que bien sintetizaban esta transformación. Por citar unos cuantos remitirnos y hacer referencia a: Takaharu TezukaYoshiaki Oyabu Architects Ryue Nishizawa.

Estudios que simbolizan esta revolución en el ámbito arquitectónico pero cuyo repaso estaría cercenado sino se incluyera como uno de sus principales valedores. A los sugerentes trabajos aportados desde mediados de la década de los años sesenta del siglo pasado por los fundadores del estudio de arquitectura SANAA.

Y es que sería un ejercicio vanal omitir las propuestas encarnadas por el tandem de Arquitectos formados por Ryūe NishizawaKazuyo Sejima. Que ya sean en conjunto o en etapas en las que por separado influyeron de forma determinante en como se contempla y se percibe la arquiectura contemporánea japonesa tanto en el interior como en el exterior del pais.


Mientras que tal vez estamos acostumbrados a ver la casa japonesa como algo que mira hacia adentro. En muchos sentidos la contingencia de la vegetación se suma a la naturaleza frágil convirtiendo los proyectos de SANAA en un paisaje habitable. 

    
Y que desde aquí vamos a tratar de contextualizar describiendo tres proyectos de su primera etapa, en los que sin embargo se pueden ya constatar en que fundamentos se basarán la mayor parte de los encargos que acometerian en décadas sucesivas y los cuales se diferenciarian básicamente en la embergadura y el uso del  edificio y su distribución espacial.

En el caso de las tres casas que se las conoce por el escueto nombre de Casa S, Casa M, y Casa Moriyama. Aunque se puedan conceptual como diseños iniciaticos y por lo tanto sean susceptibles de ser percibidos como ser al fin al cabo como intentos que no dejan de adolecer de cierta humildad, tanto por la magnitud de su ejecución.

Como por ser viviendas de carácter residencial y unifamiliares que destacan por su simplicidad en sus formas como por estar construidas priorizando el principal punto en el decálogo de la praxis que han aplicado este dúo de arquitectos con sede en Tokio. Y que básicamente se basa en la funcionalidad y polivalencia de los espacios susceptibles de ser habitados.

Vista de la fachada alargada de la Casa M marcando un fuerte contraste con las de su entorno mas proximo

Narrativa cuyo rendimiento se ha aplicado desde que en 1996 finalizarán las obras de la Casa S. Vivienda construida en poco más o menos de un año y en la que desafia al modelo tradicional envolviendo el único volumen de corte cuadricular con una cubierta de policarbonato.

Material inusual y que determina el comportamiento hacia una construcción que puede resultar ajena e incluso intimidante. Pero que en conjunto establece una comunicación con el exterior en la que destaca la discreción y el facilitar a sus residentes, un lugar intimo en el que poder relacionarse en un lugar intimo aislandose del mundanal ruido.


Emplazada en un distrito en expansión de la ciudad de Okayama. La vida dentro de la casa se vetebra  alrededor de esta cubo situado en el centro actuando como nexo o hub, desde el que parte un corredor cuya amplitud y situación facilita la ventilación  natural de las diferentes instancias que se reparten en dos alturas.


Merecedores del premio Pritzker otorgado a Kazuyo Sejima en 2010 por su contribución a la renovación de la ortodoxa arquitectura japonesa. El estudio SANAA comtempla el espacio habitable como un lugar común en el que la función crea paisajes interiores.


Su sucesora natural la Casa M aplican el mismo patrón salvo por alguna licencia estética que se evidencia en la fachada exterior cuyo planteamiento obedece a un intento, por integrar este encargo realizado por una pareja joven la cual se había afincado en un barrio de Tokio. 

En una parcela longitudinal por lo que la figura que emplean es un rectángulo de aspecto sobrio, que se extiende a lo largo de la acera al borde de la calle, situada en el céntrico barrio Shibuya. Las motivaciones del diseño de la casa obedecen al deseo de crear un hogar en el que la luz en el interior conforme un paisaje propio y diferenciado del que hay en la calle.

Finalizada en 1997 su construcción planteaba la necesidad de ampliar la superficie habitable, a pesar de que contaban con una parcela de dimensiones reducidas, por lo que excavaron en el terreno. El reto para los arquitectos era incorporar el exterior al interior de la casa y al mismo tiempo, maximizar el espacio útil del sitio de acuerdo a los requisitos específicos del cliente mencionados anteriormente. 

Es por eso que una de las estrategias más importantes del proyecto consiste en horadar en la superficie hasta sumar la altura que precisaban. Al estar la casa parcialmente soterrada se añadieron tres corredores cuya función era actuar como tragaluces proporcionando la iluminación natural suficiente en el interior.

Distribución fragmentada en el interior de los patios interconectados de la Casa Moriyama

Continuando con la percepción de espacios abiertos y agradables en un parcela relativamente pequeña, requisitos de área y volumen de vivienda. Es interesante notar la decisión de liberar el piso inferior de columnas u otros elementos estructurales verticales que soportan el piso superior, a través del uso de vigas de acero que recorren la profundidad de campo, para apoyar estructuralmente los volumenes compuestos por el dormitorio principal, el garaje y habitación de invitados, como si fueran puentes, cuyos soportes se encuentran en los extremos del edificio.




En el caso de la Casa Moriyama estamos ante uno de los primeros encargos por uno de los artífices del estudio SANAA, el arquitecto Ryūe Nishizawa. Una construcción en el concepto estructural que resulta más elaborada que en la trayectoria observada en los trabajos compartidos con la arquitecta Kazuyo Sejima.

Entregada a sus promotores en 2005 se trataba de un edificio dividido en dos alturas y y cinco apartamentos destinado al alquiler en una zona madura urbanisticamente y densamente poblada como es el distrito Otha-Ku. Cuyo paisaje urbanistico está dominado por construcciones que no superan las dos alturas.

Lo que primero llama la atención es su fachada inmaculada y perforada por grandes aberturas rectangulares que aparte de fijar la luz del exterior en un gran patio central enmarca el entorno con el que se relaciona. Con casi trescientos metros de superficie los inquilinos disponen de patios y jardines compartidos, en los que desarrollan sus vidas convirtiéndolos en lugares casuales de encuentro y en los que visualmente las formas cúbicas se presentan como un elemento omnipresente configurando la naturaleza del espacio habitable.

Jeanne K. Simmons, vestir el paisaje de humanidad

 



En buena parte de los autor@s o artistas adscritos al movimiento de Land Art se observa una constante que predomina como elemento no solamente estetico sino conceptual. Una constante que de forma no deliberada persiste en eludir la incorporación en sus proyectos, ya sean de factura interior.

O aquellos (los mas usuales), aquellos trabajos que tienen como ambito creativo el espacio publico o como suele ser mas natural y predominante, alguno de los muchos y diversos paisajes naturales o silvestres. Del cuerpo humano como elemento discursivo con el que articular un lenguaje expresivo.


Aunque de forma puntal se rompe esta norma (no escrita), incorporando algun elemento corporal en alguna actuación. Ya sea por coherencia o porque simplemente no se contempla la necesidad de que el cuerpo humano se hibride con los materiales de origen natural.

Que previamente han sido seleccionados por la autor@ para trasladar la síntesis de su obra al espectador. Que por otra parte lo que busca en una obra de Land Art es un reencuentro y comunión con su memoria y por lo tanto con su herencia natural y organica del paisaje y el medio natural.

Circunstancia que en esta sociedad hiperdigitalizada, tecnificada y artificial, provoca que como sujetos tengamos la oportunidad de abordar y recuperar el pulso de nuestro ethos mas trival a la vez que instintivo. Aquel que en esencia nos vincula a nuestro origen ancestral y mas animal.


Titulada Extensiones, una larga trenza hace de conexión y lo humano


Pero como en toda manifestación creativa hay excepciones y en el cada vez mas fecundo universo del Land Art, también existen figuras que sin salirse de los canones a los que obedece el genero. Si han logrado constituir una identidad artistica, en la que de forma mas o menos destacada la incorporación del cuerpo humano.

Como uno de los recursos semánticos mas identificativos en sus obras y que por lo tanto constituyen la medula espinal de su carrera. Representan un rasgo y detonante intelectual en el desarrollo de la practica totalidad de sus intervenciones.

En este sentido para mi uno de los referentes mas representativos es el de la artista Jeanne K. Simmons. En la que esta hibridación entre la naturaleza y el cuerpo humano esta mas omnipresente. Añadiendo a sus trabajos una sensación de movimiento.


El trabajo de Jeanne explora el rendimiento visual del paisaje expresando su mas profundo respeto por la tierra de la que considera que forma parte y con la que ha establecido algo que vas mas alla de un compromiso artistico y vital.


Y de encuentro entre el paraje y sus diferentes componentes naturales, y la espontaneidad del conjunto de los rasgos gestuales humanos a través de cuya mecanica y conducta nos relacionamos. Ya sea entre nosotros como individuos o con el resto de las criaturas, con las que queramos o no compartimos este maravilloso planeta, que tan generosamente nos alberga.

Declarada feminista y activista del movimiento LGTB, la artista nacida en la ciudad estadounidensd de New Hampshire, desde sus primeras obras coincidiendo con los ultimos coletazos de su formación en la Maine College of Art, donde obtuvo un BFA en escultura en 1991. Ha mostrado estas cualidades compartidas por la humanidad y la naturaleza.

Pero no es hasta que en el transcurso de la ultima de la esta segunda decada de este siglo cuando Jeanne se traslad con sus tres hijos a lo localidad del medio oeste Port Townsend. Cuando en sus primeras incursiones en la practica del Land Art, con titulos como Grass Cocoon o Ivy Dress, ambas facturadas en (2018).

Lace Skirt un vestido que surge de lo que emerge de la tierra

Donde Jeanne nos muestra ya su descarnada delicadeza a la hora de utillizar los residuos forestales que recoge en su entorno mas proximo. Y con los que confecciona patrones y un out-fit muy singular, con los que viste a sus modelos, creando paisajes liquidos y efervescencentes.

Que invitan a invitan a la reflexión acerca de lo ajeno que nos resulta la naturaleza. Fenomeno al que ha recurrido a lo largo de prácticamente toda su corta pero intensa carrera.  En obras mas elaboradas a la vez que simbolicas como como Women  o Extensions fechadas en plena pandemia.

Y en las que sin renunciar a la delicadeza poetica de la que ha hecho gala hasta ese momento, les añade un enfoque en las que las protagonistas son por una parte la plasticidad y en un sentido mas hormonal la raiz que penetra hasta lo mas profundo de la tierra. 


Jeanne desarrolla una especie de intimidad, basando su práctica en este sentido de familiaridad. Incluso puede empezar a sentir que nosotros mismos nos hemos convertido en parte de ese lugar, y es este sentimiento lo que le inspira.



Buscando, quizas, una oscuridad luminosa que se convierte en un mensaje esperanzador. Siendo esta antitesis, una tónica que le ha acompañado en cada uno de los proyectos que ha emprendido desde entonces. Y con los que establece una fuerte conexión con su entorno.


Criterios con una postura concruente y casi militante con los que nos  desafia a traves de una serie de obras como; Lichen Wedding, Mario with Quilt in Cedar Grove o Self-Portrait with Gloves (2024). Propuestas en las que emplea el paisaje como un vestido en las que el matiz elegante con un toque barroco se deja entrever. No solamente en sus obras realizadas en campo abierto, sino en aqullas mas modestas y en otros formatos destinadas a ser expuestas en galerias.