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Como gotas agua que se depositan una tras otra hasta que fruto de las bajas temperaturas se congelan adquiriendo las mas caprichosas formas, las esculturas híbridas formadas por las ramas y el cristal fundido a una temperatura que ronda los seiscientos grados.

Del artista Julie Gonce emergen como paisajes de formas transparentes que sin embargo parecen ocultar un misterio o quizás un tesoro, que solo descubrirá aquel que recurriendo a su imaginación.

Se sumerga entre las tonalidades de sus aristas a través de las que se pueden percibir de forma tenue, el reflejo del paso del tiempo de una naturaleza que transmite paz y belleza, y cuyo sonido cristalino rebota desde el fondo como un eco que viene del pasado.

UN BOSQUE DE CRISTAL DENTRO DE UNA CONCHA

Mostrándote una época en la que la naturaleza dominaba un paisaje en perfecto equilibrio encontrándose en todo su esplendor. Aunque Julie domina la amplia variedad de técnicas que existen para trabajar con el vidrio, en su estudio utiliza principalmente la de fusión o soplado, aunque en ocasiones también aplica las de grabado.

Con las que esculpe una variedad de motivos todos relacionados con el reino animal su otra gran pasión, que ha cultivado desde que era joven. Combinandola con la actividad artística que siempre estuvo presente en su casa, suponiendo un acicate para que al final se decantara por sus estudios de bellas artes.

Los que finalizo cuando el Siglo XX daba sus ultimos coletazos y las nuevas corrientes artísticas emergentes como la protagonizada por el Land Art se hacia un hueco, como la expresión estética de los movimientos y organizaciones ecologistas tan en boga por aquella época.

Y donde los reiterativos avisos acerca del deterioro de los diferentes ecosistemas que forman el planeta, pasan de ser un rumor apoyado en estudios y estadísticas de dudoso criterio a convertirse en un clamor y por lo tanto en una de las principales preocupaciones sociales, algo que también se refleja a través de la esfera artística.

UN MUNDO DENTRO DE OTRO MUNDO

Preocupación por su entorno que comparte Julie metabolizandola a través de paisajes anidados, donde los colores turquesas del mar se fusionan con una fiesta de tonalidades entre las que destacan, los verdes, los amarillos y los rojos.

Con los que crea composiciones donde la precision en la realización de cada detalle, en composiciones esculturicas en las que puede llegar ha emplear hasta un mes de tiempo, trabajo concienzudo que revela pliegues y matices que en un primer vistazo desapercibidos.

Aunque puede emplear todo tipo de vidrios Julie se decanta por vidrio borosilicatado por contar con propiedades como su durabilidad y su resistencia calórica y química. Debido a que se trata de un material que presenta el vidrio un coeficiente de dilatación de aproximadamente un tercio del vidrio común.

Lo que le confiere esta propiedad de resistencia y flexibilidad que otros vidrios al choque térmico no le garantizan, aunque también puede rajarse o quebrarse al someterse a variaciones rápidas de temperatura, Julie cuenta con una dilatada experiencia en su manejo lo que le permite trabajarlo con habilidad para conseguir modelar la forma deseada.

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Las esculturas de cristal y materia orgánica de Julie Gonce exploran los caminos y conexiones entre el diseño, el arte y la naturaleza a traves de una danza de colores y formas.

Con casi cerca 5.7 millones de desplazamientos diarios el subsuelo de la ciudad de New York es un hervidero de actividad, hasta el extremo de que administrativamente cuenta con sus propios servicios, como policía, sanidad o correos.

Eso sin contar que en los mas de 380 kilómetros con los que cubre su área metropolitana generando decenas de miles transaciones económicas cada minuto, debido a su enorme tejido comercial y de oficinas dedicadas a diferentes áreas de negocio y servicios.

A lo que hay que sumar las decenas de miles de trabajadores pertenecientes a una plantilla compuesta una variedad de profesionales como por ejemplo el personal de mantenimiento, los conductores, los taquilleros, los operarios de vías, informáticos, mecánicos especializados o gestores de la red. Que en conjunto son los responsables de garantizar que las 472 estaciones por las que transitan 25 servicios diarios estén las 24 horas del día operativas.

LA VIDA COTIDIANA EN UN ANDEN DE METRO

De estas abultadas cifras y las sinergias que implican apenas te percatas cuando ya sea como usuario habitual o turista, que desconcertado y aturdido te sumerges por primera vez en sus entrañas siguiendo a duras apenas las indicaciones que te ofrecen los paneles informativos.

Es cuando finalizado ya el viaje de regreso en tu casa cuando aun apenas has deshecho la maleta y repartes los souvenirs que has comprado a lo largo de la instancia, cuando puedes percibir ese olor tan característico de la ciudad que sin saber como se te ha colado entre los pliegues de la ropa.

O cuando producto de una coincidencia consultando por ejemplo tu correo electrónico tienes la oportunidad de conocer el excelente trabajo fotográfico realizado a lo largo de 2017 por el fotógrafo israelí Natan Dvir. Material cuyo enfoque se centra en retratar aquellos gestos y miradas que delatan nuestro comportamiento como individuos sociales en nuestro afán por acaparar recursos, y de los que apenas somos conscientes en condiciones normales.

TODO UN ECOSISTEMA SOCIAL BAJO TIERRA

Pero que para este joven fotógrafo freelance que se gana profesionalmente la vida haciendo trabajos de publicidad para diferentes agencias, se ha convertido en una autentica obsesión.

Aunque en ocasiones precedentes el tema y material humano con el que trabajaba era mas complejo si cabe como en las series tituladas Shelter y Displaced, donde traza paralelismos entre las diferentes poblaciones de refugiados en el mundo árabe y de los miles de desplazados que cada año llegan a la ciudad colombiana de Medellin desde las zonas rurales.

Una crónica descarnada que se completa con la serie Belief, trabajo producto de un viaje a Tierra Santa y Jerusalem donde el objeto de su análisis son las diferentes confesiones y organizaciones religiosas que practicamente monopolizan la vida en en el seno de la ciudad.

Trabajos precedentes que le han servido para perfeccionar su discurso el cual se despliega en esta serie titulada Platforms, su mas reciente trabajo en el que David dispara sin piedad, deliberadamente con utilizando su cámara como un arma furtiva.

Con la que casi roza la obscenidad obteniendo como resultado una radiografia heterogenea y por momentos alejada de la cotidianidad, de la jauría humana que encarna la Nueva York con sus miserias y grandezas.

Y para cuya realización se parapeta entre las columnas o por el contrario se expone saliendo a campo abierto y fusilando con todo el nervio del que es capaz, todo tipo de actos, ya sean los de signo mas servil o ruin o por el contrario aquellos que son guiados por el espíritu mas altruista, cooperativo y solidario.

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Galardonada con el LensCulture Emerging Talent Awards en la edición de 2017 la serie fotografica Platforms su autor el fotógrafo Natan Dvir, explora la relación entre el sujeto y un entorno urbano en permanente tensión.

Guggenheim es un apellido familiar que desde que se inauguro el primer museo con sede en la ciudad de New York en 1959, siempre se ha relacionado con la actividad artística y sus múltiples manifestaciones sobre en sus expresiones mas vanguardistas.

Relación que sin embargo hubiera pasado mas desapercibida en términos de oponión publica, sino fuera por la coparticipación protagonista de todos y cada uno de los arquitectos a los que en diferentes épocas, se les encargo el diseño ex-professo de todos y cada uno de los edificios que albergan las instalaciones de los museos.

Luminarias como Frank Lloyd Wright, Frank Ghery o mas recientemente Zaha Hadid han sido los iconos seleccionados, sin cuyo talento y visión singular sobre lo que significa la practica arquitectónica en un determinado contexto marcado por la magnitud de lo contemporáneo, hubiera devenido en una reducción notable de la repercusión de la mayoría de los proyectos emprendidos hasta la fecha a nivel global.

CEMENTO Y VEGETACIÓN PARA MOLDEAR UN ESPACIO CURVADO

Dicotomía que se ha convertido en una marca denominacion de origen a la hora de planificar todos y cada uno de loa nuevos proyectos que desarrolla la fundación, aplicando una metodología y unos parámetros que independientemente de la embergadura del proyecto.

Obedece siempre a criterios que tienen que ver con la cultura local en la que va operar. Esa constante que es observable en los que algunos consideran propuestas megalomanas firmados bajo la tutela de Solomon o su madre Peggy, se repiten ya en la tercera generación de esta saga familiar dirigida por su nieto Santiago.

Que sin embargo ha introducido la alternancia en las escalas y enfoque artístico de algunos proyectos, apostando por iniciativas considerablemente mas reducidas estructuralmente, y donde la programación de exposiciones se realizan a partir de las obras creadas in situ.

Buena muestra de ello es el recién inaugurado IK LAB, cuyo emplazamiento adherido a un resort turístico en la costa de Tulum, lugar paradisiaco que esta dominado por un paisaje compuesto por extensas playas bañadas por el Mar Caribe perteneciente administrativamente a la península de Yucatan en Mexico.

Pretende convertirse en un lugar donde la creatividad aflore inspirada por una cultura autóctona tan rica como desconocida, heredada de los numerosos asentamientos Mayas que todavía se conservan, pudiéndose visitar en la zona.

ESPACIO EXPOSITIVO Y CREATIVO QUE EXPLORAN EMOCIONES

Para cumplir con ese objetivo el arquitecto Jorge Eduardo Neira Sterkel ha recurrido a la planta muy abundante en la región y conocida popularmente como bejuco, mezclando sus flexibles tallos con un material tan opuesto como es el cemento.

Una asociación en principio antitética pero cuyo resultado nos ofrece unos acabados excelentes para un edificio de planta única y techos altos, alcanzando los doce metros en su punto mas elevado y donde predomina la luz gracias a grandes aberturas colocadas que recorren toda la estancia paralelas a un carrusel de escaleras y pasarelas que cumplen la función de vasos comunicantes.

A la que para que acceder hay que descalzarse, una condición que tiene mas que ver con un ritual, a través del que se pretende que el visitante tome conciencia de las características espaciales y simbolicas del lugar.

Creando una comunión con las obras que se muestran y que a la vez son producto de la capacidad y sensibilidad que ha desplegado el artista residente en ese momento, que tras completar unas semanas de aclimatación, deja fluir a través de sus manos todas y cada una de las experiencias que ha vivido. Creándose un nexo entre el y su lugar de acogida a través de un proceso que se retroalimenta enriqueciendo a todas las partes implicadas.

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IK LAB en la península de Yucatan, es un proyecto creativo y expositivo donde el paisaje arquitectónico esta diseñado como una suerte de paralaje, por la que el espacio fluctúa transformándose en materia interpretativa que se incorpora al discurso creativo del artista.

Hace poco mas de un año se estrenaba uno de los documentales mas interesante de las ultimas temporadas, producto del encuentro (termino que se repetirá varias veces a lo largo de este post) de la directora de cine belga Agnes Varda y artista urbano JR.

Titulado Faces and Places (rostros y lugares), al fin y al cabo supone un relato en imagenes a traves del retrato, del encuentro o re-encuentro (según la perspectiva temporal, cronológica y generacional que se aplique) de una cineasta que se encuentra en el ocaso de su carrera y que ha cultivado con habilidad inusitada sus facetas.

Primero como musa de un movimiento cinematografico como fue el de la Nouvelle Vegue a finales de los años 50´s del Siglo pasado, del que enseguida se emancipo para pasar a convertirse en figura de culto, quizás la ultima de toda una corriente de realizadores que órbitan y nutrieron algunos de los acontecimientos sociales y políticos del los últimos 60 años.

UNA INTERPRETACIÓN INTERGENERACIONAL DESDE DOS PERSPECTIVAS DIFERENTES

Y es que aunque su filmografia no adolece precisamente de poseer lo que se podría considerar una impronta o contexto político, si se observa un fuerte compromiso social sobre todo con aquellos extractos de la sociedad, que casi siempre y sobre todo en la actualidad suelen ser tratados de forma secundaria.

O cuando menos bajo una óptica naif, de esta forma en Faces and Places, se retrata con obreros en una factoría, con granjeros que denuncian como el entorno rural en Francia esta siendo paulatinamente desmantelado fruto de unas políticas nefastas, que están provocando que muchos de los pueblos y aldeas estén practicamente despoblados.

O con mujeres que con las que en muchos casos se reencuentra retratandose juntos en grandes murales en blanco y negro, siempre bajo la mirada atenta y enfoque de JR con el comparte en un furgoneta algo mas que una experiencia nómada, donde se mezcla el trabajo en un entorno creativo rodeado de un halo de complicidad, donde el artista urbano adopta el papel de confidente convirtiéndose en el guia de unos ojos que debido a los avatares de la edad (89 en el momento del estreno) se están quedando ciegos.

DE GODARD A BUÑUEL COMO DISCURSO VISUAL VITAL

En este recorrido de retorno donde aflora la entropia y el sentimentalismo Agnes en un acto de regresión homenajea a su admirado Jean-Luc Godard, para reencontrarse con el pasado artístico de ambos en un ritual, para eso reproduce una de las escenas mas memorables Band of Outsiders, ambientada en una de las salas del Museo del Louvre y donde en clave de parodia la vuelven a registrar pero esta en vez en silla de ruedas.

Tono ameno o directamente humor negro que se repite en varios momentos a lo largo de la cinta, como en la secuencia en la que acuden al oftalmólogo para recibir los resultados de unas pruebas, y emulando El Perro Andaluz de su admirado Buñuel arrebata una aguja que hay sobre la mesa y en un ataque de coprolalia amenaza con cruzarse el ojo.

Y es que una iconoclasta como Agnes autora de títulos como Le Boheur (1965), Lions Love...and Lies (1969), Vagabond (1985) o The Beaches of Agnes (2005), el sarcasmo representa el mejor antidoto a la hora de conjurar y desafiar todo lo bueno o malo que pueda deparar el porvenir.

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Candidata al Oscar en el apartado de mejor documental Faces and Places, representa un canto a la vida tanto pasada como presente, donde sus autores prescinden de lo accesorio de la nostalgia, para quedarse con lo familiar y cercano de las miradas y gestos de decenas de personas anonimas que a través de la mirada se proyecta como un paisaje a través de la memoria.