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El pavés es un tipo de pavimentacion ya en desuso que consiste en adoquines de piedra, con los que se construían las calzadas, su relación con el mundo del ciclismo es conocida por clásicas como las clásica de la copa del mundo que se celebra anualmente París Robaix, cuyo recorrido se caracteriza por tener tramos de pave, lo que le concede a la cita ciclista un sentido épico.

Todo lo contrario que las instalaciones donde ha decidido abrir sus puertas Pave Culture Cycliste, una firma dedicada a la comercialización de artículos relacionados con el ciclismo. En su tienda una antigua nave industrial reformada se puede encontrar ropa deportiva, accesorios, diferentes tipos de bicicletas taller de reparaciones.

Ubicada en la localidad del Prat de Llobregat en Barcelona, su decoración elegante y funcional invita al usuario a disfrutar de algo mas que compras en un entorno vanguardista, donde el espacio y el orden de las diferentes secciones que componen la tienda, facilitan la compra de los consumidores en lo que es un nuevo concepto de diseño renueva un modelo obsoleto.

Que es lo que sucede tras el gesto, esa es la sensacion que tienes cuando ves las fotografías de Mladen Penev, son historias que sabes como empiezan pero no como acaban. Sus fotografías destacan visualmente, demostrando un gran conocimiento en programas de tratamiento de imagenes. En su portofolio combina trabajos publicitarios, con series mas personales, son estas ultimas las que muestran una faceta mas solida, donde los planos sugieren narrativamente historias cuyo final es muy abierto.

La torre mirador Bierpinsel pasa por ser uno de los edificios mas relevantes desde el punto de arquitectónico de la capital Berlinesa. Construido en la decada de los años 70`s del siglo XX, por lo tanto estamos ante un edificio relativamente joven. Diseñado por los arquitectos Ralph Schüler and Ursulina Schüler-Witte. Situado en Steglitz de Schloßstraße en la parte de occidental de Berlin, desde sus casi 45 metros de altura se puede abarcar buena parte de la ciudad desde los 360 grados de su mirador.

Desde que inicio su actividad hasta que se clausuro en 2.006, los mil metros cuadrados de superficie con los que cuenta albergaron negocios hosteleros. Tras una temporada de inactividad su gestión recayó en los conservadores Christoph Tornow, Daniel Grau, y Link Benjamin, que decidieron transformar sus instalaciones en un centro dedicado al arte avanzado, el graffiti y el street art.

Para lo que recurrieron a solicitar los servicio de cuatro street art que se han encargado de decorar el exterior de la torre y los alrededores donde se ubica, realizando una intervención que ha supuesto la revitalizacion del distrito. Con casi 1.000 cuadrados de superficie pintada los cuatro artífices Honet de Francia, Sozyone de España, Craig “KR” Costello de Estados Unidos y Flying Förtress de Alemania, han pretendido reflejar mediante sus murales el ambiente de la comunidad donde esta la galería.

La intención de impulsar el desarrollo del arte contemporáneo con el proyecto TURMKUNST. La forma del monumento, así como el método de operación es un reto en sí mismo que sólo pocos artistas pueden manejar. Además queremos mejorar y enriquecer el arte de Berlín y culturales, invitando a los miembros de la numerosa comunidad artística multicultural que reside ha participar activamente con el proyecto, que ha recibido el apoyo de los representantes municipales y del tejido asociativo.

Cuando esta en fase de preproduccion la adaptación cinematográfica basada en las vivencias de Aya de Yopougun, personaje de ficción creado por el ilustrador Clement Oubrerie y el guión de Marguerite Abouet, para la serie de novelas grafícas a lo largo de la primera década del siglo XXI, y que ha supuesto un fenómeno sociológico en Francia. El primer volumen de la colección, el que nos ocupa, ya logro el premio al mejor albur en el certamen de Angouleme en su edición de 2.006.

En esta primera referencia de la serie tenemos los elementos que conformaran el resto de las entregas. Aya una joven de diecinueve años que vive en Costa de Marfil, con las mismas inquietudes y preocupaciones de cualquier joven de su edad, pero en un país que socio/economicamente presenta un déficit en relación a cualquier occidental. Esto no óbice para que Aya y sus amigos no compartan las mismas aspiraciones que cualquier a su edad en la década de los años 70`s. Padecen los mismos perjuicios y están sometidos a las mismas restricciones parentales, teniendo que ingeniárselas para eludir el control de una sociedad se debate entre la tradicion y la modernidad importada de la metropoli.

Según vas pasando las paginas te das cuenta de sus viñetas tratan de retratar la realidad al margen de sus conflictos y luchas intestinas, centrándose en la vida cotidiana de sus comunidades, utilizando elementos narrativos que con ironía nos describe las vivencias a veces dramáticas en ocasiones conmovedoras de unos personajes muy diversos en matices y en las formas diferentes que tienen de percibir una misma realidad.

Este cómic nos permite recorrer la sociedad Abidján, incluso entre los nuevos ricos, mientras se muestra el lado tradicional de la familia. La tensión resultante hay escasez de ritmo, sobre todo porque el lenguaje utilizado no se adapta bien a las diferencias sociales. El diseño simple y la paleta de colores utiliza por lo general los modelos en cada pliego. La disposición de las placas es de seis miniaturas por página, excepto cuando este ritmo se sustituye por once calcomanías generosa en el formato que nos muestran unos planos de gran calidad.

Desde que los científicos hallaron evidencias entre la respuesta del sistema inmunologico, y algunas enfermedades neurodegenerativas como la esclerosis multiple o neuromielitis óptica (Esta ultima conocida como también EM óptico-espinal, es una enfermedad autoinmune en la que el propio sistema inmunitario de una persona ataca las neuronas del nervio óptico y de la médula espinal. Esto produce la inflamación simultanea de ambos. Provocando en el que la padece ceguera, aunque tambien se pueden dar casos de parálisis). Ha sido habitual la publicacion de resultados que avalan esta vía de investigación como diana terapéutica.

Una de las ultimas investigaciones cuyo resultados han sido publicados en la pubilcacion especializada FASEB Journal, realizada por investigadores pertenecientes al Departamento de Medicina y el Departamento de Fisiología de la Universidad de California en San Francisco en Estados Unidos, dirigidos por el doctor Alan S. Verkman. Que han indentificado una nueva proteína denominada acuaporina-4, encargada de transportar el agua a través de los compartimentos celulares, como responsable del aumento de la inflamacion cerebral mediante un fenómeno por el que se liberan citoquinas lo que produce la inflamacion de los astrocitos.

Las acuaporinas se extienden por toda la membrana celular, podemos encontrar un mayor número de ellas en las células de riñón y en los eritrocitos. La acuaporinas forman tetrámeros, es decir, se agrupan de 4 en 4. Las acuaporinas transportan el agua formando una línea de 10 moléculas de agua como fila india que cruza en su interior.

Utilizando un modelo animal modificado genéticamente en el que se le había extraído la acuaporina-4, observandose una reducción significativa de la inflamacion en los cerebros de los ratones que no segregaban acuaporina-4, en comparacion con los ratones que si poseían esta proteína, siendo menos susceptible a la reacción inflamatoria, además de mostrar diferentes grados de reacción por parte de los astrocitos.

De confirmarse en futuros ensayos los resultados obtenidos, esta vez con voluntarios humanos, podríamos estar ante una vía terapéutica para tratar la esclerosis múltiple.

Cada intervención urbana que realiza Banksy transciende mediaticamente, esta ultima titulada Haring Dog, en homenaje al artista Keith Haring se conoció coincidiendo con el estreno del documental Banksy's Exit Through The Gift Shop. Realizada sobre una tapia en esta calle de Londres nos muestra al propio autor paseando al perro de Haring, que nos muestra sus fauces mientras nos ladra en actitud desafiante, mientras los transeúntes pasan indiferentes ante su presencia.

Que mejor localizacion para construir un museo dedicado al deporte del surf que la localidad de Biarritz. Situada en el suroeste de Francia pertenece administrativamente al departamento de Pirineos Atlanticos en la región de Aquitania.

Debido a las extraordinarias condiciones climatológicas sus playas se han convertido en reclamo para que cada temporada mile de amantes del surf se acerquen a sus playas para practicarlo. La relación de la localidad con el surf tiene diferentes citas a lo largo del año competitivo.

Pero el Biarritz Surf Festival quizás sea el evento mas importante deportivo del calendario surfero que se celebra en su litoral y donde se pueden ver algunos de los mejores especialistas.

Para esta edición la expectación es aun mayor porque coincide su inauguración con la organizacion de la prueba, por lo que la confirmación de actos relacionados con la cita deportiva y la puesta de largo del museo Cité de l'Océan et du Surf. Ha supuesto un incremento espectacular en las reservas hoteleras.

Diseñado por el estudio de arquitectura de Steven Hall, la estructura que albergan las instalaciones lo componen tres edificios anexos. En primer plano tenemos dos pabellones inspirados en la forma que adopta la ola cuando se prepara para acometer la playa, en cuyas salas esta previsto que albergue la colección permanente.

Su perfil curvo contrasta con el estructura mas formas del edificio que albergara las oficinas administrativas y el hall de recepción de visitante. El conjunto esta edificado sobre un terreno en ligera pendiente ubicado a escasos metros del océano Atlántico, lo que permite al visitante poder contemplar la linea del horizonte en un paisaje único donde el cielo y la tierra se difuminan.

La concepción espacial deriva de 'bajo el cielo, bajo el mar', el diseño busca crear un lugar de reunión central que sea abierto y receptivo a su entorno. En el interior, las estructuras convexas y la tierra forman el contorno de espacios destinado a exposiciones temporales.

Situado bajo tierra, los vastos volúmenes cerrados, proyectan la sensación de estar sumergido bajo el agua. El aumento de los techos en forma de boveda le confiere el carácter diafano y definen el exterior, una fachada lacada con grandes zonas acristaladas que permiten la entrada de luz natural.

Si bien el poema épico de Dante es una alegoría sobre el viaje del alma hacia Dios, la Divina Comedia, expuesta en el Harvard Graduate School of Design (GSD), es un viaje conjunto para explorar los temas de la Mente Olafur Eliasson, Historia Ai Weiwe y el Cosmos Tomás Saraceno.

Conceptualmente expansiva, se trata de una exhibición que tiene como marco la Universidad de Harvard con todo lo que eso implica. Situada en su campus principal, se trata de una exposición que pretende explorar la convergencia entre el arte y su capacidad creativa y su potencial como narrativa activista.

En el que la escala y la calidad de cada obra que se exhibe la convierte en una de las exposiciones más atractivas de la temporada. Igualmente la inclusión de Ai Weiwei, en particular, le da un sentido de urgencia porque, como es bien sabido.

En este momento está encarcelado por las autoridades chinas por ser un crítico del estado Chino, en particular haciendo obras como la que se incluye en esta exposición.

En esencia se trata de un triptico compuesto por tres obras, la primera es la propuesta de Ai WeiWei, titulada escuetamente Sin título, se trata de una instalaccion en la que se observan las constantes tanto estéticas como conceptuales que poseen muchas de sus obras.

Compuesta por un total de nueve grandes pilas de mochilas para niños que suman alrededor de cinco mil en total. Todas y cada una de ella representa a un niño muerto en el terremoto de Sichuan de 2008 en China, instalaccion de duelo que se completa con una pista de audio en cuya grabación se nombra el nombre de cada niño.

Por su parte la propuesta del artista danés Olafur Eliasson, con sede en Berlín, nos ofrece una pieza inmersiva titulada Three now en castellano Tres ahora, la instalación compuesta por cincuenta instrumentos científicos. Que invitan al visitante a interactuar con ellos y jugar con nuestras percepciones visuales y espaciales, como un espejo convexo que invierte imágenes.

Por su parte el siempre imprevisible artista argentino Tomás Saraceno nos eleva a traves Cloud City cuya traducción al español Ciudad Nube resulta más poetica. Compuesta por un enorme globo transparente inflado con helio y cubierto con paneles solares, encargadas de suministrar de energía a las cuatro diminutas luces led que hay en su interior. Saraceno responde con Ciudad Nube, objeto inflable y por lo tanto en constante cambio, movido por tecnología solar y sensores ambientales.

Entre las muchas organizaciones que están participando en la actual edición del Festival Of Ideas, que se esta celabrando en estos días en las calles de New York, se puede ver las caravana sostenible del proyecto Emergency Studio Project, una iniciativa de carácter artística ecológica, cuyo propósito es sensibilizar de la importancia de utilizar las energías renovables como fuentes para producir energías sostenibles mediante la colaboración de artistas plásticos.

Para realizar sus actividades cuentan una unidad móvil transformada en un pequeño muestrario de lo que son las energías verdes. Equipada con una instalación fotovoltaica que permite la autonomía energética del remolque, que a pesar de no contar con grandes lujos, si posibilita a sus residentes desarrollar las actividades programadas con garantias en los numerosos lugares donde hacen escala.

Diseñada y decorada (como no podía ser de otra forma) por artistas. La idea de poner en funcionamiento el proyecto de Emergency Studio Project, surgió a raíz del desastre humanitario provocado por el huracán Katrina, en la ciudad de New Orleans. Se toma conciencia de la participación de habilitar estructuras moviles que proporcionen cobijo artistas damnificados por las secuelas de las catástrofes, y donde puedan colaborar con los miembros de la comunidad afectada, mediante la manifestación artística.

Para desarrollar el diseño de la unidad móvil recurrieron a la familia de remolques FEMA Trailer, un tipo de caravana muy popular en diferentes territorios de los Estados Unidos, que son habitados principalmente por familias con escasos ingresos. Aunque básicamente se trata del modelo original, no obstante se realizaron algunas modificaciones al diseño original para adaptarlo a las características contempladas en el proyecto.

La estructura utiliza un sofisticado sistema solar fotovoltaico y una pequeña turbina de viento para generar la electricidad necesaria. Aunque los orígenes de la estructura siguen siendo reconocibles, el proyecto deconstruye a propósito el modelo original de la casa rodante de FEMA. Una sistema de manivelas permte que los laterales se desplieguen hasta convertir el remolque en una plataforma, abriendo el interior y la ampliando la superficie útil del espacio.

En su interior se han empleado materiales no tóxicos para reemplazar los materiales originales, los muebles de cocina se han fabricad a partir de madera a base de bambú, el suelo es de linóleo natural hecho de aceite de linaza, el aislamiento del techo y los pisos se hace de mezclilla reciclada, y gran parte de la madera utilizada para la estructura y laterales obtiene del reciclaje de materiales obtenidos de edificios derruidos.

Hay sitios que pese a no ser muy conocidos, enseguida intuyes que en algún momento de tu vida tendrías que visitar. Una instantánea provoca ese efecto convirtiéndose en el deseo de cumplir con ese propósito.

Este impulso es el que tuve la oportunidad de ver por primera en una publicacion las instalaciones casi sumergidas en la bruma de un pasaje irónico pertenecientes al Garden of Cosmic Speculation.

Próximo a la localidad de Dumfries en Escocia, se trata de una jardín que tardo en finalizarse cerca de seis años. Diseñado por el arquitecto Charles Jencks y su esposa Maggie Keswick jardinera especializada en el arte floral chino se encargaron del ajardinamiento y mantenimiento de este espacio único en el que además participaron horticultores y científicos.

UN LUGAR MÁGICO DONDE DIVERTIRTE MIENTRAS APRENDES

No en vano en cada una de las paradas del recorrido el visitante guiado por si curiosidad podrá interactuar con todos y cada uno de los elementos que configuran las instalaciones de este singular lugar, como si fuera un disciplinado investigador que esta en su laboratorio con sus instrumentos

Y es que sin proponérselo su creador se convirtió en inspiración de muchos de los parques temáticos actuales. Su habilidad fusionando conceptos científicos y contenidos desde una óptica lúdica, haciendo referencia a una ley física o a un fenómeno astronómico y a la ciencia en general fue algo muy innovador en su epoca.

El parque cuenta con un jardín de fractales geométricos que lo iluminan, un Big Bang tratando tecnicos y conceptos como el agujero negro, la teoría de cuerdas. El jardín cuenta además con cinco grandes áreas conectadas por una serie de lagos artificiales, puentes y otras obras de arquitectura, incluyendo grandes escaleras blancas y terrazas en zig-zag descienden por una ladera verde, que representan la historia de la creación del universo.

Las puertas del parque a ser de titularidad privada se abren un solo día al año, en el que visitante puede imaginarse como se formo el universo o pasear por la doble hélice de ADN. Y experimentar mediante el contacto directo con la naturaleza y la sensación de asistir como testigo de excepción a la creación del universo.

El producto de una colaboración entre la compañía Oerlikon Solar en Suiza y el Instituto de Física grupo fotovoltaica de la Academia de Ciencias de la República Checa, se ha traducido en el desarrollo del diseño de células solares de película delgada. Se componen de un sustrato nanoestructurado, compuesto de una matriz de óxido de zinc (ZnO), nanocolumnas que se alternan adoptando la forma de un "queso suizo". La matriz que se parece a los exagonos de un panel de abeja de micro-agujeros o huecos nano. Este grado avanzado de sustrato se integra en la capa de óxido conductor transparente (ZnO).

Una de las opciones a largo para reducir costes en la producción industrial de paneles solares de alto rendimiento se encuentran en las células solares de silicio amorfo y microcristalino células tándem de silicio (también conocido como Micromorph) - que en términos económicos se rentabilizan en el plazo máximo de doce meses. Pero el inconveniente que presentan estas células, sin embargo, es que la eficiencia del panel es inferior a la eficiencia de las actuales oblea de silicio cristalino que dominan el mercado fotovoltaico.

Para hacer que las células de silicio amorfo y microcristalino sean mas eficientes el equipo dirigido por el físico Vanecek Milán redujeron el grosos de la oblea a causa de espacio estrecho entre los contactos eléctricos, para la absorción resultante óptico sea suficiente. "Son básicamente los dispositivos planos. Silicio amorfo tiene un espesor de 200 a 300 nanómetros, mientras que el silicio microcristalino es más grueso que un micrómetro."

El nuevo diseño del equipo se centra en la densidad óptica de la células con el propósito de que faciliten la absorción de la radiación solar. El nuevo diseño en 3D de las células solares se basa en la tecnología de absorción de la deposición de vapor químico mejorada plasma, una tecnología que ya se utiliza en electrónica de silicio amorfo en las pantallas de cristal líquido. Al que se le añadido un sustrato nanoestructurados para el depósito de la célula solar.

Este innovador enfoque para la deposición de células solares poseen un potencial de eficiencia que se estima comparandolo en el rango de producción de las células actuales fabricada con obleas solares policristalinas, lo sitúa en un significativo 16 por ciento mas con los paneles Micromorph. Aunque según declaraciones de Vaneck el margen para mejorar el rango de eficiencia en la captación solar utilizando películas delgadas basada en Micromorph es amplio por lo que se seguiré investigando, hasta poder conseguir un producto que fabricad0 masivamente reduciese los costes de explotacion.

Los personajes que habitacomo. las ilustraciónes del artista Felipe Bedoya son criaturas pertenecientes a un universo inspirados por la cultura manga o artistas como Mark Ryden o Margaret Keane.

Sus grandes y expresivos ojos manifiestan sentimientos como el asombro, el temor, la indiferencia, la frialdad, o el deseo... Son personajes consternados donde la simbología que hace referencia a la cultura de la muerte tienen su contrario en símbolos surrealistas donde la sensualidad pasa a un primer plano en la lectura en su obra.

Donde la paleta de colores son el arco iris que camufla una realidad obscena. Felipe nacido en la ciudad de Cali en Colombia. Comenzó a dibujar muy joven y su vocación le hizo matricularse en la Universidad de Bellas Artes, donde completo su formacion. Él utiliza diversas técnicas y trata de combinarlas para dotar a sus ilustraciones de un lenguaje donde desarrollar su imaginario.

El imaginario creativo de Felipe Bedoya en este contexto se puede percibir como un conjunto de interrogantes a traves de los que analiza sobre el origen del sujeto. en el cual reflexiona sobre su idea de hogar. Algo que no deja ser un cluster en el que se almacenan trazos de memoria, la cual se manifiesta Cali siempre de forma aleatoria.

Declarado incondicional fan del arte africano, los retratos de Felipe Bedoya reflejan a traves de su potencial expresivo el compromiso del sujeto con su objetiva identidad, en una sociedad en la que la tendencia es reconocer derechos para disolver diferencias.

En sus trabajos de Bedoya la imagen va de la mano del significado estetico, el cual en ocasiones puede resultar ambigua aunque el lenguaje plástico es siempre reconocible que pretende reconfigurar el sentido original de lo elementos y motivos cuyo mensaje deliberado componen su obra desde un planteamiento explicito.

Cuando los artistas urbanos Broken Crow con sede en la ciudad americana de Minneapolis fueron invitados a México por la promotora de arte MAMUTT ARTE en colaboración con el Museo Del Juguete Antiguo México (MUJAM), para realizar una serie de cinco murales en diferentes localizaciones de Mexico D.F.

Decidieron que para que quedara constancia de esta intervención, se registraría en imagenes parte de la elaboración de la misma. Además de explicar las motivaciones que inspiraron los motivos que se seleccionaron para incorporarlos a cada una de las intervenciones

Todo esto narrado a través de las declaraciones del propio autor. Siendo un documental pionero en su ámbito, pues se trata de una filmación que registra todos y cada uno de los pasos que siguió en su experiencia mexicana, cuyo resultado podéis ver desde AQUI.

En concreto la grabacion recoge el momento en el que el dúo pinta el mural Robot Thief, en cuya ejecución colaboro el grafitero ROA el cual incorporo alguno de sus peculiares interpretaciones de la morfología animal. En este como en el resto de los murales repartidos por la ciudad.

Broken Crow empleo una técnica mixta de stencil y spray, abordando cada diseño desde un principio conceptual y estetico comprensible para cualquiera, tratando el espacio publico como un lugar desde el que concienciar sobre la fragilidad de la naturaleza y lo importante de la conservación.

Como en muchas de las obras de Broken Crow buscan reintroducir animales salvajes en hábitats tan ajenos como los urbanos, en los que es complejo que puedan convivir con seres humanos, escribiendo su propia mitología a medida que avanzan. El estilo agresivo de sus diseños en los que contemplan la figura animal desde una percepción antropomórfica, combinado con sus plantillas hiperdetalladas, es a la vez lúdico sofisticado.

El tema central de los murales son animales salvajes pertenecientes a diferentes especies. En una de las actuaciones realizada a catorce metros de altura, se requirió el montaje de un andamio para poder garantiza que se completara el diseño original además de la seguridad de los artistas.