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Resultados de la búsqueda de Urban art

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En cuantas ocasiones suelen pasar desapercibidos elementos del mobiliario urbano que por sus características y su relación con el medio y con el propósito para el que en principio fueron creadas podrían ser utilizados en otros ámbitos, tan solo añadiendo pequeñas modificaciones tecnológicas a su diseño original para que cumplan de esta forma con otras funciones.

Esto lo podemos observar con buena parte del mobiliario publico, estando buena parte de el infrautilizado existiendo una función especifica por cada elemento existente, situación que muchas veces contribuye a una contaminación visual en el espacio publico además de una limitación en la movilidad de diferentes colectivos de personas.

Uno de estos elementos son algo tan sencillo y omnipresentes como lineas continuas que están impresas sobre el asfalto, y que nos sirven a los conductores como guías en nuestros desplazamientos por carretera. Habiendose convertido en el precursor principal por el que un medio de transporte publico tan antiguo y habitual.

EL PRIMER TRANVÍA SIN RAÍLES NI CATENARIA DEL MUNDO

Como el tranvía podría reinventarse su uso extendiéndose de nuevo de forma masiva por nuestras ciudades, gracias a la incorporación tecnológica que han realizado en el departamento de investigación de la compañía China de ferrocarriles CRRCGC.

Por el que han encontrado en la linea continua el mejor aliado por el que sustituir los raíles y catenarias que sirven de guía a las unidades en su trayecto, infraestructuras que aunque menos costosas económicamente que otras de mayor calado como las metropolitano, supone un ingente movimiento de recursos y una transformación importante del paisaje urbano por el que opera.

SIGUIENDO LA LINEA CONTINUA A TRAVÉS DE SENSORES

Otorgándoles una nueva utilidad como linea que conectada a unos sensores integrados en el fuselaje del convoy guía a este a través de un recorrido preestablecido. Las primeras unidades que se han puesto en circulación tras superar el periodo de prueba con éxito, en la ciudad de Zhuzhou durante el trimestre de este año.

Cubren una de sus arterias mas concurridas conectando los principales puntos de una ciudad que por su juventud y su excelente planificación urbanística, presentaba las condiciones idóneas donde comprobar sobre el terreno el comportamiento y la experiencia en su conducción.

De un primer modelo de una amplia generación de tranvías que prometen revolucionar el transporte publico en el tejido interurbano. Bautizado con el nombre de ART siglas que corresponden al nombre mas descriptivo de Tren Autónomo Rápido, presenta una excelente relación entre el comportamiento que muestra en cualquier tipo de situación y su versatilidad en cuanto al aprovechamiento del espacio interior con un capacidad de 300 pasajeros por unidad.

Aunque sus creadores ya están pensando en una versión con aforo de hasta 500 pasajeros y una bateria eléctrica que le proporciona una autonomía de hasta cuarenta kilómetros, llegando alcanzar velocidades que rozan los setenta kilómetros, velocidad que sumado al carril único garantiza el poder cubrir toda el área metropolitana de cualquier gran ciudad.

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El primer modelo del tranvía ART con un fuselaje de alta resistencia y aislamiento térmico, despliega un diseño aerodinámico en tonos verdes, con grandes ventanales y un interior amplio, consta de una distancias de 6.5 kilómetros. De un primer tramo ejecutado en el plazo récord de un mes y una inversión muy por debajo de lo que suele ser habitual en este tipo infraestructuras.

Descendiente de antiguos nativos de la Polinesia mas concretamente de la isla de Samoa el artista urbano John Prime se traslado cuando todavía era un niño a otra isla pero en este caso Hawaii mas occidentalizada y por lo tanto mas expuesta a cualquier corriente artística que sea susceptible de convertirse en un fenómeno global.

Por lo que inmediatamente se sintió seducido por el graffiti un movimiento expresivo en plena expansión y en el que John se sintió enseguida muy cómodo desarrollando una dilatada trayectoria, a través de la que ha participado en numerosos certámenes y muestras de street art convirtiéndose en el máximo exponente del movimiento en este exótico lugar anclado en mitad del Océano Pacifico.

Quizás sea por sea este aislamiento geográfico lo que actua como detonante para que Prime reuna a lo largo de la primera década de este Siglo XX, una variedad de propuestas locales cuyos estilos y manifestaciones artísticas están directa o colateralmente influenciada tanto por la cultura nativa como por las tendencias urbanas mas vanguardistas importadas principalmente de la costa Oeste de los Estados Unidos.

Y que tras una serie de intentonas fallidas sus intereses creativos se formalizan a través de la constitución de la plataforma 808 Urban, a través que canalizan su obra un conjunto de artistas que han definido un estilo con características únicas. Y cuya extensa obra ha sido proyectada y exportada al resto del mundo siendo reconocida a escala global.

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Con fuertes lazos comunitarios el colectivo de arte urbano 808 Urban trabaja en diferentes ámbitos de la actividad artística, organización de eventos, exhibiciones, talleres, cursos o actividades relacionadas con la expresión artística destinadas a diferentes colectivos de la isla. Con el objetivo de preservar la identidad y cultura local.

In many of the interventions of the urban artist Rone, based in the Australian city of Melbourne, a shared constant can be observed, which links uninhabited places and their architecture with their human facet.

Applying soft tones, he transmits through architectural portraits different emotions that the residents of the buildings experienced at the time and that they had to leave in many cases in a hasty manner due to an accident or an eviction or simply because the economic activity that existed in the vicinity of the house ceased.

Creating an atmosphere where nostalgia and uncertainty dramatize the whole, managing to transmit in a poetic way the experiences that were lived in that place at a certain time not so long ago. Portraits full of nostalgia and eloquence that serve to fill architectural voids in languishing buildings.

For his latest work entitled Empty, made over two years in different locations in Melbourne, he explores the relationship between beauty and decadence. For this, she represents the faces of different women according to a specific context, a theatre, a single-family house, or for example the old facilities of a spa.

In this case the chosen scenario is the venue that housed, Art Nouveau Lyric Theatre, a majestic building dating from 1920, and that if no one remedies will be irremediably demolished. A space that Rone already knew because he had been exploring it on different occasions previously studying the possibilities it offered.

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Finally he decided to undertake an epic transformation that would include not only the main stalls with their seating capacity, but also the rest of the rooms. A building in which the first time he was there he experienced a feeling that overwhelmed him, it had such a cold atmosphere, those high ceilings and the corridors in semi-darkness, that he tried to imagine those frequented by the artists and the public that filled it for seasons.

he set of murals is painted over some original artwork that was only revealed by accident when they decided to clean the wall before painting it. Running along both sides of the space are two rows of hanging art pieces that seem to magically float in the air. On the right side twelve painted portraits, on the left eight photos of Rone's works are displayed in a dramatic context.

A discreet peephole looking into the black warehouse next door revealed another mural rising from the rubble covered floor. The boards had numerous small holes drilled into it allowing light to pierce the black void. The whole spectacle was impeccable, a true testament to the two thousand people who came during its opening weekend when all the works were sold.

The works of the Empty series in photographic format are part of a traveling exhibition whose first exhibition held in October of last year took place in a disused hangar that was presided over by one of the portraits made on a large scale.

Tras mas de cuatro años de guerra en territorio Sirio el drama sufrido por los millones de desplazados ha permanecido oculto, siendo objeto de atención por parte de los medios de forma secundaria, centrándose mayormente en los intereses que representan las diferentes facciones implicadas en el conflicto.

Realizada para la ultima muestra de Urban Art Ventures que tuvo como escenario la ciudad griega de Salonika, la instalación titulada Refugees Welcome, suposo tanto como por su concepto y materiales empleados en su elaboración como por su significado social relacionado con un drama que esta afectando especialmente al país Heleno.

Un contrapunto al resto de las intervenciones de las que podéis ver una muestra a través de su cuenta de facebook. Realizada por el artista VladyArt la instalación emplea una analogia cinematográfica para describir una tragedia cuyas secuelas todavía están por evaluar. Una alfombra roja tendida sobre la arena de la playa se extiende hasta alcanzar la orilla penetrando en el mar, donde cada día perecen miles de refugiados.

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El fieltro encarnado desgastado y empapado por el vaivén de la olas, sugiere el fracaso de miles de vidas en el intento por alcanzar las costas Europeas. Tiñendo de sangre las aguas del mar donde sus cuerpos desaparecen de forma anónima.

Refugees welcome from VladyArt on Vimeo.

Buena par de los rascacielos que puebla la isla de Manhattan en New York, fueron construido en la primera mitad del siglo XX. Dando forma e la identidad a la ciudad y creando un patrón urbanístico, que desde entonces se ha extendido por todo el mundo.

Uno de estos colosos de acero, cristal y hormigon es el edificio destinado a ocupar el cuartel general de la compañía incipiente en aquellos tiempos de la Western Union y AT & T Long Lines. Construido entre 1928 y 1932, en su momento supuso todo un hito desde el punto de vista tecnológico.

Siendo uno de los edificios de telecomunicaciones más avanzados del mundo. Situado en las manzanas de 60 Hudson Street y 32 Avenue of the Americas en el Bajo Manhattan. A día de hoy continua siendo una de las muestras Art Deco del mundo, habiendose convertido en referencia arquitectónica a escala global recibiendo miles de visitas cada año.

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Producido por Birdling Films el documental Urban Giants nos narra las visicitudes de un de los rascacielos mas emblemáticos, desde el punto de vista arquitectónico

Urban Giants from Telx on Vimeo.

El pasado 23 de Septiembre de 2010 saltaron todas las alarmas en la localidad mexicana de Ayotzinapa, cuando 43 activistas marmolistas desaparecieron sin dejar rastro. Acontecimiento que ha supuesto que el resto de la comunidad quedara en conmoción.

Sucediéndose las reacciones desde diferentes ámbitos políticos y sociales, las cuales mostraban su repulsa por hechos tan atroces. Generándose una respuesta social demandando la inmediata localización y consiguiente captura de los autores de tan execrables actos.

Realizado por el artista urbano Saner con motivo de la celebración de la ultima muestra de Urban Nation Project M6 que tiene por escenario Berlin. El mural titulado Ayotzinapa 43, se inspira en la tradición muralista mexicana más tradicional para denunciar la pasividad de las autoridades en relación a los hechos y mostrar su solidaridad y compromiso con los familiares y allegados de las víctimas.

Que exigen que los representantes de su país persigan desplegando todas las herramientas de las que dispone el estado de derecho. A aquellos criminales que estén involucrados en tales actos violentos, cuya naturaleza ha causado tanto dolor gratuito y sin sentido alguno en una comunidad que tras muchas decadas de violencia vivía en estos momentos instalados en una relativa calma.

Hecho con un sentido alegórico el mural representa la incertidumbre y la turbación que supone la angustia que experimentan sus familiares y la poblacion en general.

La composición y simbolismo de la intervención representada en una ambientación que refleja toda la frustración e impotencia del acontecimiento que afecta a toda una comunidad. Lo que traduce en una selección de tonos dramáticos y de atmósfera barroca.

El mural en el que se representa dos deidades de la civilización Azteca y Maya caracterizados con motivos totemicos que simbolizan a los ancestros de las civilizaciones meso-americanas. Se muestran abrazados de forma cordial y afectuosa, las deidades, a su vez, son observadas por dos animales pertenecientes a la mitología mexicana, siendo testigos mudos de como arde un libro donde están redactados los nombres de los 43 desaparecidos.

Como en muchos proyectos el artista oriundo de la población mexicana de Edgar Flores el cual creció inspirado por iconos del arte mexicano como Gonzales Camarena o Frida Kahlo, recurre a las tradicionales mascaras nahuatl (no confundir con las catrinas que se exhiben en la noche de muertos) para transformar a los humanos en animales, atrezzo que utiliza con el objetivo recordar que la vida en armonía es inevitable. Las mascaras nahuatl proviene de las comunidades de Los Nahuas, cuyo nombre significa “hablar con claridad” o “conocimiento”, son una comunidad indígena mexicana distribuida desde Durango hasta el sur de Tabasco. Entre los pueblos considerados Nahuas se encuentran los de Tlaxcala, Chalco, Cholula y Acolhuacán.

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Hecho con un sentido alegorico el mural representa la incertidumbre y lturbación que supone la angustia que experimentan sus familiares y la poblacion en general. Ante la falta de noticias en relación a los dias que se suceden lo que provoca tensión social.

Like specters of the past, urban artist Jilly Ballistic prints old black and white photos, scaling them to different sizes depending on the final location where they will be exhibited, although she has a special fixation with the installations of the metropolitan.

This recurrent evocation of the past recovers part of the city's memory, updating it through urban art. Constructing a narrative discourse where the furniture sometimes alludes to the selected image, having a therapeutic effect on the viewer, sharing this duality past/present.

Another of the artifices that he frequently uses and by which his work is beginning to be identified, consists of pasting computer menus, decontextualizing the message printed on the billboards. This form of counter-advertising aims to divert the user's attention from the constant bombardment of advertising slogans.

Jilly Ballistic, is a street artist whose work can be seen and discovered in one of the many stations of the New York subway. Where he has become a regular suspect. So in most of the occasions his interventions seem to be made in an urgent and furtive way.

This premeditation and immediacy is translated in that a good part of actions, being practically branded as vandalism acts, operate in the public space in a very ephemeral way. Made in tangible places such as waste dumps or advertising media, their creations are a way of establishing a communication with public opinion.

THE MESSAGE HIDES BEHIND THE GAS MASK

Although she does not reject technology because in fact she began to show her creative concerns in the world of photography, a relationship that can be perceived in many of her projects. Gradually she was leaving it in the background.

According to her words, this distancing occurred at the moment when the digital era turned the act of taking photographs into an innocuous and compulsive act where reality became an image devoid of context. Breaking that relationship momentarily. A situation that is changing, returning to obtain that lost depth.

READ IT IN SPANISH: Jilly Ballistic, convierte el espacio público en un relato activista

The messages loaded with irony dilute the sense of the original message substituting it for another that distorts its purely commercial approach, substituting it for others that although apparently without any pretension, can even be catalogued as somewhat naive. They do have an evident political and activist discourse.

Mascaras, misticismo y psicodelia, los últimos trabajos del street art Skount, realizados para festivales como Castro Street art project el ultimo donde ha participado, celebrado en la ciudad Old Jaffa en Israel, y al que pertenece el mural de arriba, donde un gigante enmascarado se abre paso entre barcos de papel. Y el de abajo donde a modo de collage presenta un mural de un rostro fragmentado,

Con motivo de su participación en la ultima edición del Stroke Urban Fair Air celebrado en Munich a finales de Mayo, Skount representa mediante dos intervenciones muy similares, las motivaciones que incitan a los individuos de una sociedad a manifestar su fe, paro eso crea unos iconos donde simboliza esta reflexión.

Para finalizar este breve recorrido he seleccionado dos trabajos realizados en Amsterdam, donde critica la ceguera consumista en que esta sumida la sociedad actual. Titulado Mentes Cegadas, la serie nos muestra las consecuencias del pensamiento único.

En la extensa trayectoria tanto como artista formal como graffitero y artista urbano el enigmatico Sr.X, refleja en sus intervenciones influencias que van desde la Cultura Pop, el cine clásico o la publicidad.

Ingrediente que mezcla en su particular coctelera, sabores que tras agitarlos, utiliza para describir desde adoptando una posición activista asi critica socialmente y comprometida con su entorno politico-social.

Aquella facetas de la realidad con la convive, tanto las mas cotidianas e intimistas, como aquellos eventos y episodios que se circunscriben a la esfera pública. Pero siempre construyendo un relato en el que se percibe su particular sentido del humor e ironia.

Aunque es natural de la ciudad de la ciudad de Huelva en España, en la actualidad reside en Gijon. Ciudad situada en el otro extremo de la Península Iberica, y en la que ha realizado la mayoría de su obra.

Aunque la técnica que emplea habitualmente es el stencil, con el tiempo ha incorporado soluciones mixtas en unas propuestas que que nutren de las historias que son producto de lo que sucede a su alrededor.

Una de las características por las que destaca y se pueden identificar sus actuaciones, es por la capacidad (no carente de ingenio) que muestra a la hora de abordar los elementos del mobiliario que articulan la convivencia en el espacio publico.

Como un activo de alto rendimiento no solamente desde un plano creativo, sino que el lo integra como matiz narrativo en sus propuestas urbanas. Creando un lenguaje mixto donde la naturaleza del entorno donde interviene completa la obra.

Cabe destacar las actuaciones que forman parte de su etapa londinense. Intervenciones como It's the New, it's here en el distrito de Croydon, la titulada The burn them all, Bob, realizada en el multicultural Soho, o la persuasiva Elighment con la que cubrió casi en su totalidad un muro del distrito de Manur House. Trabajos en los que se perciben ya la versatilidad y habilidad para crear mensajes inmediatos en blanco negro, tanto en lo visual como en lo conceptual.

JUMP INTO THE FUTURE:

In 2021 it forms part of the volume entitled Sprayexhibition20. An editorial project published by the London-based Penge & Anerley, a book that brings together over four hundred works by more than one hundred urban artists. Having turned the gallery into a centre of Street Art in London since they started their project in 2016. You can buy the book HERE.

ALSO IN SPANISH:

En 2021 forma parte del volumen titulado Sprayexhibition20. Proyecto editorial publicado por la galería en el espacio publico con sede en Londres Penge & Anerley, libro que recoge más de cuatrocientas pertenecientes a más de cien de autores urbanos. Habiendo convertido la galeria en un centro de Street Art en Londres desde que iniciaron su proyecto en 2016. El libro lo podéis adquirir desde AQUI.

La carrera del street art Sam Evans, se inicia en el mundo del aerosol como las de muchos otros, en su adolescencia coqueteaba con el el graffiti mientras lo compaginaba con sus estudios de diseño, actividad que finalmente se impuso, dejando en un segundo plano. Este camino de ida y vuelta en su devenir, lo retoma coincidiendo con el boom de grafiteros que inunda las calles de Adeliada en Australia, su lugar de residencia donde participa activamente en la escena local mediante certámenes como Street Dreams Urban Art Festival, desde donde proyecta su trabajo a escala global.

Actualmente Gary Phillips su nombre real aparte de desarrollar su labor como ilustrador, ejerce como docente impartiendo cursos sobre arte callejero promovidos por la administración publica, con el fin de dotar a los chavales que se inician de unos conocimientos artísticos y de unas pautas de comportamiento civico, que les permita manifestarse artísticamente sin causar un deterioro en el espacio publico.

Utilizando como modelo el brazo del propio artista que responde al seudónimo de Overunder, su ultima intervención urban es un proyecto a dos manos.

Pues no se hubiera realizado sin la participación del colectivo No Touching Ground, que a raíz de un encuentro en la ciudad norteamericana de Seattle, acordaron compartir la autoría de Helping Hand (mano tendida).

Una pieza respecto a la que los autores confiesan que fue inspiraráda conceptualmente y estéticamente por las series de retratos de grandes dimensiones realizadas por el street art JR.

Realizada en el distrito de Bushwick en Brooklin en New York. El propósito de esta nueva colaboración es realizar un llamamiento solidario para concienciar sobre las consecuencias del tsunami que ha sufrido Japón y ayudar a las victimas.

Con ese propósito utiliza su antebrazo como medio expresivo, creando algo similar a un tatuaje para el cual utiliza spray. En cuyas diferentes versiones añade una casilla con un código QR a través de la que se puede realizar una donación voluntaria para Cruz Roja, con el fin de ayudar a las victimas de la catastrofe.

Aunque firma sus trabajos como Overunder, Erik Burke nacido en 1978 reside en la localidad de Reno en las proximidades de New York. Su manera de abordar cada proyecto va de lo surrealista a lo más domestico y cotidiano. Ofreciendo experiencias en las que trata de aprender a través del proceso creativo.

En sus trabajos se percibe una atmósfera donde se refleja lo intuitivo del entorno sobre el que actúa y sus características. Una suerte narrativa que captura en cierto sentido y de forma tácita la naturaleza del lugar. En otros trabajos, sin embargo se decanta por analizar a las diferentes comunidades con las que colabora y más concretamente como perciben el concepto de ciudadanía.

JUMP INTO THE FUTURE:

At the beginning of 2023 we had the opportunity to witness three interventions carried out by Overunder in Spain. More specifically, three doors located in the Gothic quarter of Girona have been the setting for these interventions. In which, using a narrative that combines Pop Art and Cubist aesthetics, he has created two portraits and a small-scale mural.

ALSO IN SPANISH:

A comienzos de este 2023 hemos tenido la oportunidad de asistir a tres intervenciones realizadas por Overunder en España. Más concretamente han tenido como escenario tres puertas situadas en el barrio Gótico de Girona. En las que recurriendo a una narrativa en la que mezcla una estética Pop Art y Cubista, ha realizado dos retratos y un mural a pequeña escala.

Aunque sus primeros trabajos tuvieron lugares tan distantes como Grecia y UK paises en el que la artista urban Jules Muck paso buena parte de su infancia y adolescencia.

Periodo que abarca buena parte de la decadas de los 90's del siglo pasado. No es hasta que se traslada primero a New York en cuyo periodo de tiempo breve pero intenso tiene la oportunidad de conocer y trabajar la mismísima Lady Pink. Una de las pioneras dentro de la escena femenista del arte urbano.

Etapa que finaliza cuando decide trasladarse a la soleada California mas concretamente a la turistica localidad costera de Venice. Que es cuando la artista urbana que responde también al nombre JulesRock (seudónimo que obedece a su pasión por la música de este genero.)

Completa un conjunto de intervenciones por las que su nombre empieza a resonar entre la nutrida comunidad creativa del area del area de L.A. Trabajos proilificos que la catapultan como alumna aventajado de su generación. Habiendo participado en citas tan importantes como en la Miami Art Basel.

Y que tiene como detonante una intervención casual de Jules, la cual coincide con uno de los aniversarios de cumpleaños de la artista de Country Dolly Parton. A la cual homenajea haciendolo un retrato como fan, intervencion musical que no se limitaria a la de la estrella de la música americana.

Pues tambien seria inspirada por otros músicos, en este caso luminarias de diferentes pertenecientes a la escena Rock, como por ejemplo el componente de Nirvana y lider fundador de Foo Fighters Dave Grohl o el mismisimo Mick Jagger. Miembro incombustible y carismatico de los Rollings Stones.

Sin olvidar a su idolitrado Lemmy personalidad singular perteneciente a la casi mitológica e influyente banda inglesa Motorhead. Actuaciones que ha alternado con otras en las que ha mostrado su compromiso con diferentes causas.

Intervenciones activistas como la que tuvo como escenario un campo de refugiados sirio. Y que le han servido para buscar a su musa definiendo su identidad creativa, la cual mantiene una tensión entre el arte figurativo y corrientes más contemporaneas del Pop Art. Dualidad creativa a través de la que explora la conducta del sujeto así como sus deseos, en retratos en los que destaca su selección efervescente de colores.