Birdling Films - Urban Giants, retratando en imágenes los colosos de Manhattan


Buena par de los rascacielos que puebla la isla de Manhattan en New York, fueron construidos en la primera mitad del siglo XX. 

Dando forma e la identidad a la ciudad y creando un patrón urbanístico, que desde entonces se ha extendido por todo el mundo. Uno de estos colosos de acero, cristal y hormigon.


Es el edificio destinado a ocupar el cuartel general de la compañía incipiente en aquellos tiempos de la Western Union y AT & T Long Lines. Construido entre 1928 y 1932, en su momento supuso todo un hito desde el punto de vista tecnológico.


Siendo uno de los edificios de telecomunicaciones más avanzados del mundo. Situado en las manzanas de 60 Hudson Street y 32 Avenue of the Americas en el Bajo Manhattan. A día de hoy continua siendo una de las muestras Art Deco del mundo, habiendose convertido en referencia arquitectónica a escala global recibiendo miles de visitas cada año. 


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Producido por Birdling Films el documental Urban Giants nos narra las visicitudes de un de los rascacielos mas emblemáticos, desde el punto de vista  arquitectónico 

Estos "Gigantes urbanos", en palabras de sus autores, Davina Pardo y Andrew Blum son monstruos sobreconstruidos, sus cimientos titánicos, acero, cristal y habitaciones vacías. Sin embargo, también son estructuras Art Deco sorprendentemente delicadas y bellamente detalladas. 


Eolgreen F104, es una farola híbrida que ahorra hasta un 20% energía

Fruto de la colaboración de una iniciativa publico privada, protagonizada por la Escuela Universitaria de Ingeniería Técnica Industrial de Barcelona (Euetib) y la compañía Eolgreen. El primer prototipo de la farola F104.

Modelo autónomo de iluminación urbana, que representa un antes y después en este tipo de soluciones tecnologías aplicadas al mobiliario publico. Dirigido por Ramón Bargalló, Eolgreen como su propio nombre indica combina la fuerza del viento y la radiación solar.

Formato híbrido que garantiza el suministro eléctrico de cada unidad, que se complementa con una batería de almacenamiento. Además de utilizar de diodos LED de alta eficiencia y transmisión de datos por GPRS, sistema inalámbrico que permite conocer en tiempo real la cantidad de electricidad consumida por la cada farola y su estado. 

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De diseño helicoidal la farola mixta Eolgreen F104, captura el viento a velocidades muy baja, reduciendo su coste de fabricación hasta un 20% respecto a los modelos actuales


GOIN - Street Art con carácter social y discurso Punk


Si Banski se puede considerar el referente que marco una tendencia utilizando el ámbito urbano como medio expresivo, y Obey como su replica estadounidense. Que concibió el arte urbano como lenguaje a través del que transmitir ideas.

El artista francés GOIN con sede en la ciudad suiza de Geneva cupa con sus intervenciones un espacio que se caracteriza por su denuncia social y activísimo político. Teniendo especial predisposición por aquellos colectivos y las causas que representan, que son relegadas o directamente son victimas de la manipulación informativa.

Actuaciones a las que aplica una estética narrativa que se nutre de diferentes iconografías culturales, enfoque personal a través del que se ha creado una identidad. Con la que se ha creado una trayectoria sólida convirtiéndolo en un referente en la escena del expresión urbana.


Por lo que cada vez que anuncia una nueva actuación suscita una repercusión en los medios, trabajos que como otros coetáneos realiza desde una posición discreta y protegido por su anonimato. Trabajos a través de los que lanza soflamas relativos a una diversidad de inquietudes, tanto de índole personal como social.

Preciso y ágil, los trabajos de Goin conquistan la calle aplicando una retorica irreverente e iconoclasta en sus formas y temáticas tratando temas muy sensibles, en un contexto donde impera lo políticamente correcto.


Cuyos mensajes ácidos e irreverentes, se alternan con matices sarcásticos que suponen una inmediatez en la articulación de la esencia de su identidad como artista urbano. Propiedades estilísticas y técnicas creativas que el emplea como discurso narrativo a través del que reflejar sus preocupaciones e inquietudes socio-politicas.

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Jim Kazanjian - Sinister Architecture Constructed, fotografía surrealista inspirada por H.P. Lovecraft y Kubrick


Intrigado por como trataban en sus obras y relatos autores de la literatura científica las diferentes tipologías arquitectonicas con las que nos relacionamos habitualmenteel fotógrafo con sede en la ciudad californiana de Portland Jim Kazanjian.


Se embarco en investigación cuyo resultado fue un viaje en el que tras recorrer miles de kilómetros de los Estados Unidos en el que recopilo una documentación ingente, compuesta principalmente por fotografías de aquellos lugares relacionados con algunas de las mas importantes obras literarias del Siglo XX.

A partir de las que Jim ha creado todo un imaginario con el que tanto los aficionados al genero, como aquellos que han conocido sus historias a través de las multiples adaptaciones que se han rodado hasta el momento y que han contribuido a crear una corriente que con el paso del tiempo ha pasado de ser considerado un genero secundario a convertirse en un autentico fenómeno de masas.


Jim que prefiere creer que sus trabajos estan mas cerca de la fotografia escénica que de la digital, afirma que surrealismo está más cerca de la filosofía que nosotros. Tiene el propósito declarado de liberar el potencial imaginativo del inconsciente. Los surrealistas puros tienen la convicción de que pueden lograr, con sus obras, la expresión de un estado de conciencia superior, entendido como "más allá" de la realidad.


INSPIRADO POR LA ARQUITECTURA FANTÁSTICA Y SUS ADAPTACIONES CINEMATOGRÁFICAS

Realizados en blanco y negro cada obra combina paisajes surrealistas y atmósferas peturbadoras. Donde la forma fantasmal de la arquitectura nos traslada a paisajes descritos por autores de ciencia ficción como H.P. Lovecraft, del que Jim siempre se ha considerado un fiel y ferviente admirador. Del que le interesa como trata los arquetipos narrativos que como escritor utiliza para transformar lo común en algo siniestro y premonitorio.

Realizadas partir de la documentación aportada por mas de 30.000 instantáneas, que su autor ha ido recopilando de fuentes tan variadas como bibliotecas, archivos municipales o bibliotecas. Jim utilizando aplicaciones de retoque fotográfico, actualiza el estándar fantástico ofreciéndonos su propia versión.

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Sinister Architecture Constructed, reinterpreta la arquitectura fantástica, en una serie de fotografías que destacan por su originalidad, imaginación y estética fantástica.

Kazanjian evoca un escenario más escalofriante con sus arquitecturas steam-punk que muchas producciones de terror, no en vano, no es sorprendente que la película favorita del artista sea The Shining. El uso del Hotel Overlook por parte de Kubrick como un dispositivo para analizae nuestras ansiedades inherentes sobre el aislamiento y la vulnerabilidadx en un espacio que simultáneamente se siente masivo y asfixiante a la misma vez.

Uno de los principales objetivos de su trabajo es explorar el potencial narrativo de la arquitectura, en particular la forma en que opera dentro del medio de la fotografía. El cree que en esas películas es la arquitectura la que impulsa la historia, incluso antes que los personajes. La arquitectura es la verdadera estrella de la película.

Sus imágenes son composiciones generadas digitalmente a partir de fotografías de dominio público encontradas en línea. A través de un proceso de estratificación similar a un palimpsesto.
 



ACERCA DE JIM KAZANJIAN:

Jim Kazanjian es un artista estadounidense, con sede en Portland, Oregon. Su BFA se completó en el Instituto de Arte de Kansas City en 1990. Las fotografías de Jim han sido exhibidas en América del Norte, Europa y Australia y aparecen en numerosas publicaciones incluyendo Esquire, The Atlantic y Daily Mail. Su obra se encuentra en las colecciones de la Bibliothèque Nationale de France, el Ackland Art Museum y otros. Actualmente vive en Portland, Oregon.





The Battlelines Redrawn, paisajes para despues de la batalla


El inexorable paso del tiempo suele ser el responsable de la desaparición de cualquier tipo de huella, que se haya podido producir debido a algún acontecimiento que se haya podido producir en un determinado momento. 

Modificando el territorio y su paisaje. El proyecto The Battlelines Redrawn es una iniciativa en la que participan geógrafos, historiadores y artistas, cuyo propósito es analizar desde diferentes ámbitos. Como afecta sobre el territorio acontecimientos tan trascendentales como la I Primera Guerra Mundial.

Quizás el ultimo gran conflicto armado cuyas operaciones tuvieron solo como escenarios campos de batalla. Donde debido a la aplicación de la tecnología de la industria militar, se produjo importantes transformaciones directamente sobre el entorno, perdurando en el tiempo hasta la actualidad.

El 1 de julio de 1916, el ejército británico sufrió 60.000 bajas, de las cuales 20.000 murieron en campos como el de la fotografía de arribaéstos alrededor del Somme. Abajo pintura de Anna Dillon

Creado por la artista Anna Dillon, que ha seleccionado sus pinturas de paisajes realizadas entre Francia y Bélgica que narran en terminos artisticos de la historia y muestran cómo el paisaje se ha regenerado en comarcas como North Wessex Downs en Hungerford, UK.




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Es asombroso observar como como las presiones producidas sobre el territorio por la guerra, se integran en el paisaje formando parte de su identidad.

El concepto para el proyecto evolucionó de un interés en la vida asi como en los trabajos paisajisticos del artista Paul Nash. Sus pinturas poderosas, oscuras e intensas de la Primera Guerra Mundial muestran la pura profanación del campo y revelan la indignación de las guerras en la tierra.

Nacido en Londres el 11 de mayo de 1889, Nash estudió en la Escuela politécnica de Chelsea, en London County Council School y en la Slade School of ArtEn la primera parte de su carrera Nash adoptó un estilo conservador influido sobre todo por la tradición paisajista inglesa. Durante la Primera Guerra Mundial su trabajo se concentró en la representación deformada del paisaje del frente de guerra, que hizo en numerosos cuadros de gran tamaño.



Cada pintura cuenta un pasaje de la historia como la de arriba cuyos hechos transcurren el 1 de noviembre de 1914, el capitán Beauchamp Tudor St. John, de los Fusileros de Northumberland, recibió un grave disparo en el bosque de Wytschaete durante un ataque fallido contra el pueblo de Wytschaete, cerca de Ypres, Bélgica. 


Tres años después, en 1917, Paul Nash fue destinado a esta zona con el Regimiento de Hampshire y pintó una pintura titulada: Vuelo aéreo en Wyschaete. La pintura de Anna es de las afueras del pueblo de Wyschaete. El bosque, donde recibió el disparo el capitán Tudor St. John, se encuentra en el extremo derecho de esta pintura.



El bosque de Mametz (sobre estas lineas) fue escenario de una de las batallas más trágicas de la Primera Guerra Mundial. Soldados de la división galesa recibieron la orden de tomar el bosque de Mametz en julio de 1916. Hubo 4.000 bajas y 600 muertos. Los galeses triunfaron, pero su valentía y sacrificio nunca fueron apreciados en aquel momento. Mi bisabuelo resultó gravemente herido en la linde del bosque el 10 de julio de 1916.

ACERCA DE ANNA DILLON:

Nacida en Wallingford en 1972 en la actualidad vive en las afueras de Berkshire Downs. Se formo como como ilustradora en la Escuela de Arte de Falmouth, en Cornualles, y luego trabajo como diseñadora gráfica durante más de dieceseis años antes de convertirse en pintora profesional.


Sus pinturas tienen profundas raíces en su infancia en el campo y resaltan so pasión por la naturaleza, que se expresa en los ondulantes contornos de sus topografías. Sus pinturas documentan los contornos de paisajes antiguos y naturales, como la colina Uffington White Horse y los Wittenham Clumps en el sur de Inglaterra. Esta influenciada por muchos paisajistas británicos del siglo XX, desde Paul Nash y Peter Lanyon.






Jayson Fann y su proyecto Spirit Nets, construyendo paisaje y valores medio-ambientales

En un sector como el de la construcción. Que en la actualidad esta experimentando avances tanto en los métodos, como en los materiales que se emplea. 

Todavía existe huecos para proyectos mas artesanales, como el que representa el artista y educador californiano Jayson Fann, que ha dedicado la mayor parte de su trayectoria a desarrollar una técnica en la que empleando materiales orgánicos recogidos en el bosque. Principalmente ramas producto del desbroce en bosques y jardines privados.

Diseña pequeños refugios inspirados por las observaciones que realiza de los diferentes especies de aves, que habitan los bosque proximos al lugar donde reside. Y que construyen durante semanas poco antes de su época de puesta.


Nidos refugio aplicando un patrón radial que diseña recurriendo a la fórmula matemática del número áureo. Elementos aritméticos con los que crea lugares de descanso ubicados en las colinas californianas de Big Sur

Y donde Fann ha creado una comunidad educativa donde forma individuos en valores medioambientales. Un compromiso que el manifiesta dando ejemplo recolectando árboles caídos, ramas y hojas que más tarde en el campamento.

De forma colectiva convierten en nidos para la diversidad de especies de la region, nidos universales hechos con amor e inspiradas en técnicas de Land Art. Con las que actúa sobre el paisaje embellecido además de proporcionar un refugio para el resto de animales que lo habitan.

Dispuestas siguiendo el mismo modelo de construcción, los Spirit Nidos a pesar de su apariencia sencilla. Son fruto de un laborioso proceso de selección de materiales y de construcción.


Construidos con ramas de eucalipto cada Spirit Nets es una oportunidad de relacionarse con la naturaleza estableciendo una convivencia igualitaria, a partir del aprovechamiento de los materiales existentes.


En cuyo transcurso puede invertir entre uno y seis meses dependiendo de la estación del año y de las medidas de cada nido, teniendo un precio de venta al publico que oscila entre los 4.000 y 20.000 dolares.


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Daniel Stessen - The Gold Sparrow

Imaginate que vivieras en un mundo dominado por la escala de grises, donde el color estuviera tan cotizado como el oro. Un lugar poblado por mercenarios cuyo principal objetivo consistiría en identificar que atesoraran algún rastro de color. 

Arrancándoselo junto con su vida de la que su cuerpo inerte y gris quedase tendido, mientras los ladrones se alejan en busca de su próxima presa. The Gold Sparrow es un corto de animación de impecable ejecución técnica, que en su exhibición a lo largo de 2.014 ha sido multipremiado en casi todos los certámenes donde ha participado.

Con guión y dirección de Daniel Stessen. Se trata de una metáfora visual de la realidad que nos rodea, protagonizada por un villano y su acompañante que usando como vehículo de desplazamiento un sidecar localizan y sustraen el color de sus victimas.

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Ambientado en un escenario circense, la acción se desarrolla a un ritmo vertiginoso conducido por personajes inquietantes


Izaskun Chinchilla - Organic Growth, la arquitectura circular que se nutre de la naturaleza


Formado por decenas de ruedas de bicicletas, que tras ser recicladas sirvieron de material de construcción. Con el que construir el pabellón Organic Growth.

Proyecto con el que sus autores el estudio de arquitectura con sede en Madrid Izaskun Chinchillaha obtenido ex-aequo el galardón de la ultima edición de la muestra City of Dreams Pavilion Competition. Que cada fin de temporda se celebra, teniendo como espacio de exhibición un parque de la ciudad de New York.

La estructura de Organic Growth se divide en tres cuerpos, se inspira en la naturaleza. Mas concretamente en la morfología de la hortensia, que ha sido seleccionada como modelo, por sus propiedades de sombra, humedad y equilibrio con su entorno natural. A cuya estructura se le ha incorporado objetos como paraguas y bicicletas.


Las Hydrangea macrophylla son una especie de hortensias con flores grandes y redondas que parecen cúpulas. El número de flores de Hydrangea macrophylla que pueden encontrarse en una planta depende de la edad, orientación, humedad, luz o calidad de la tierra entre otros. La planta crece manteniendo un buen equilibrio con el ambiente. ¿No debería la ‘ciudad de los sueños’ hacer lo mismo? 


La arquitectura tiene que aprender a adaptarse a presupuestos inciertos, requisitos de los cambios sociales y dinámicas ecológicas. La filosofía de un crecimiento orgánico: mantener ideas flexibles que se puedan adaptar a las necesidades reales se convierte en crucial. Esta lógica también provee de un aspecto biofílico a nuestra propuesta. Aprender de la naturaleza ayuda a preocuparse de la naturaleza del bienestar humano, la belleza e intuitivamente.

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El concepto sobre el que se apoya Organic Growth que recuerda a las instalaciones masivas del artista chino Ai Wei Wei, es la reutilización de materiales con el fin de desarrollar una construcción sostenible de edificios temporales.


Los principios sobre los que se comentan los proyectos del estudio liderado por Izaskun Chinchilla Moreno, persigue el compromiso con mejorar el comportamiento medioambiental de la arquitectura, el espacio público, las instalaciones, el arte y los productos culturales en los que involucran a través de la innovación. Su enfoque profesional busca conectar a la sociedad ofreciendo a las personas trabajar juntas en su construcción, tomar decisiones comunales con su movimiento, uso o ubicación y compartir experiencias y conocimientos en torno a ellas.





Plant-E, inaugura su primer jardín solar en Amsterdam que obtiene energia a partir de la fotosíntesis


La fotosintesis es el sistema por el que las plantas obtienen buena parte de su energía para la supervivencia. Fotones de hidrógeno que metabolizan el dióxido de carbono en oxigeno. 

Y sobre los que diferentes equipos de investigación están estudiando sus posibilidades desde el punto de vista de aprovechamiento energético. Como en el caso de la compañía holandesa Plant-e, que tras varios años estudiando el potencial energético de las plantas, ha puesto en funcionamiento su primera instalación de estas características.

A medida que crecen, las plantas producen siempre más azúcares de los que necesitan, y el exceso es expulsado a través de sus raíces en el suelo circundante, descomponiéndose en protones y electrones. El Sistema de Plant-e utiliza electrodos en el suelo a la espera de la descomposición de estos residuos de la planta, y así generar la electricidad.


En la actualidad existen numerosos proyectos que están buscando maneras de generar electricidad a partir de recursos organicos, esta idea es similar. Los fundadores de Plant-e miraron al mundo natural y se preguntaron dónde la energía perdida podría ser aprovechada y utilizada por los humanos. Lo encontraron en el subproducto de la fotosíntesis de las plantas. 


Inaugurada en noviembre la primera instalación de Plant-e, aspira a consolidarse como modelo de producción de energía limpia urbana


Sembrados a lo largo de los arcenes de los accesos de la localidad de Hambrug en las proximidades de Amsterdam. Las plantas producen la electricidad a partir de la los rayos solares que conectados a un sistema semiconductor los transforma en electrólitos, con los que cubrir la demanda del alumbrado publico y de los equipamientos municipales. 

En la planificación urbanística de cualquier ciudad la presencia de zonas verdes, es una parte esencial en la articulación de la actividad y convivencia social, aportando números beneficios al conjunto de la comunidad. La recolección de energía e una actividad que facilita su conservacion y rentabiliza el mantenimiento de parques y jardines, obteniendo un beneficio que repercute sobre el medio ambiente.

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