Nomada Q

All post

En cada composición realizada por la fotógrafa Anne Hardy, el tratamiento del objeto en relación al espacio describe un universo.

donde hay una pauta que cohesiona y hace de hilo conductor de todos y cada uno de los decorados o escenarios donde hasta el mas mínimo detalle es símbolo de algo. Conjuntos cuidadosamente construidos, creados en su estudio, que luego fotografía.

Los temas de las obras de arte de Hardy son por lo general objetos o basura que ha encontrado en los mercados, tiendas de bricolaje, contenedores urbanos o bazares.

El tipo de objetos que elige van desde grandes muebles, cables de colores brillantes, los viejos árboles de Navidad, bombillas, balones de baloncesto, tubos de ensayo científico... Hardy combina estos objetos cotidianos creando ambientes inusuales, casi de ensueño.

Obra realizada durante su instancia en Marfa

Hardy con sede en Londres trabaja con esculturas e instalaciones a gran escala. Sus obras incorporan materiales encontrados y objetos fundidos en delicadas cosmologías que exploran estados energéticos, sensibilidad, transformación, fragilidad y fuerza.

Sus instalaciones escultóricas a gran escala, «FIELDWORKS», combinan materiales físicos con luz y sonido para crear entornos inmersivos y sensuales que surgen de lugares que ella denomina «espacios salvajes»: huecos en el espacio urbano donde se conjugan materiales, atmósferas y emociones.

Hardy concibe estas obras como momentos fuera del tiempo: vacíos en el espacio cotidiano que actúan como un hechizo o un sueño para reencontrarnos con nuestra relación con los mundos que habitamos.

Anne Hardy que siempre ha querido trabajar con tierra, una opción que práctica en Marfa, donde es difícil escapar de ella. El patio trasero del estudio de Locker Plant es un trozo de tierra, rodeado por un muro de adobe que funcionaba como marco de tierra para la línea indicial que ella cavó, fotografió y rellenó. Aligerar su práctica de estudio durante su estancia era otro de sus objetivos. Hardy llegó sin más materiales que un puñado de frijoles fundidos en peltre.

A finales de 2022, Anne Hardy fue artista residente en la Fundación Chinati en Marfa, Texas, EE. UU., y comenzó una nueva obra, Hechizo de Supervivencia. Para Hardy, un hechizo es algo que otorga autonomía: "Pensaba en ello en relación con las estructuras dentro de las cuales existes; cómo pueden restringirte, pero cómo puedes tomar autonomía en esas circunstancias al expresar tus intenciones.

A tan sólo una hora en coche al norte de la ciudad de Auckland en Nueva Zelanda, el parque de esculturas al aire de Gibbs Farm, es la culminación de un proyecto de Alan Gibbs, un coleccionista de arte que en 1.991.

Decidió emplazar su catalogo de instalaciones en un paisaje dominado por extensas praderas, donde en colaboración con arquitecto Noel Lane, ubicaron todas y cada una de las piezas acumuladas a lo largo de 30 años de adquisiciones.

El visitante del conjunto escultórico puede contemplar algunos de los mas representativos escultores, de la ultima parte de siglo XX, una selección cuyo valor se estima en 450 millones de dólares.

En total el recinto del parque escultural cuenta con casi mil acres que corren a lo largo Kaipara Harbour, un paraje natural situado a unas treinta millas al norte de la ciudad de Auckland en Nueva Zelanda.

Dos perspectivas diferentes de la escultura titulada Horizontes de Neil Dawson

Horizontes de Neil Dawson es una de las primeras esculturas que se ubicaron de la granja de Gibbs. Instalada en uno de los puntos más altos de la propiedad también es una de las pocas obras que se pueden ver desde la carretera. Lo que parece ser un pedazo de papel dibujado es en realidad una construcción hecha de acero soldado.

Ocupando la mitad de un lago Floating islands of Inmortals emerge como un artefacto

Floating islands of inmortals esta inspirado en los edificios de oficinas en Beijing y el arte floral tradicional del feng shui. Creada por Zhang Wang es una ampliación de la llamada "paisaje en miniatura Chino.

El recinto escultural se tarda cuatro horas en completar su recorrido paseando por un sendero flanqueando por esculturas, la mayoría son asombrosamente sugestivas y perfectamente ubicadas en este paisaje costero bien cuidado y bucólico.

La búsqueda de un mundo ideal de inmortales dentro de estos paisajes en miniatura. Aparte de usar el material industrial de acero inoxidable para crear una montaña hueca, la obra conserva la imagen de una efímera isla flotante de los inmortales. En este caso, el artista ha creado una copia a escala de una roca en miniatura.

En palabras del propio artista, Rakaia es la culminación de una serie de esculturas, descriptivas de los viajes por su autor Peter Nicholls. Su trabajo tiene que ver con la tierra. El tiempo y los materiales, y el uso de todos estos recursos, son una constante en su propuesta.

La madera retorcida hace referencia a el recuerdo de los antiguos bosques y las fluctuaciones de las estaciones húmedas y secas, de modo que, descansando en un pequeño barranco que alguna vez fue una corriente, actúan como indicativos de los cambios de estaciones del Kaipara y su paisaje.

Anish Kapoor por su parte contribuyo con la pieza titulada Dismemberment, Site 1. Compuesta por una gran membrana de PVC se extiende entre las dos elipses de acero gigante, el trabajo de Kapoor es la arquitectura.

Y sin embargo, también tiene una calidad carnosa que el artista describe como "una piel desollada". La membrana carnosa de color rojo oscuro que este trabajo comparte con obras anteriores de carácter temporal.

Estas son algunas de las muchas obras que se pueden contemplar en un sin fin de combinaciones, de artistas de la talla de Richard Serra, Graham Bennett, Marijke de Goey, Sol LeWitt o León van den Eijkel entre otros. Con las que redibujan el paisaje donde están asentadas sus obras, dándole una lectura diferente.

El uso de la bicicleta como medio de desplazamiento en los grandes núcleos urbanos esta experimentando un ritmo de crecimiento en todos lo extractos sociales, este incremento sin embargo entre el publico femenino se esta produciendo exponencialmente, observandose mayor predisposición a la utilización de la bicicleta para realizar pequeños trayectos. Velo Chic modelo de bicicleta plegable ideado por el diseñador Guo-Shiung Hung, parte de esa realidad para crear un producto dirigido preferentemente al publico femenino.

La parte delantera y las secciones traseras se pueden plegar, lo que garantiza que el espacio de estacionamiento destinado sera mínimo en la oficina o en el mercado. La bisagra plegable y el manillar también plegable por la necesidad de aparcar en algún lugar en concreto en su casa. Ofrece más espacio de almacenamiento en la parte delantera, así como en la trasera, atando su bolso o alimentos que han recogido del mercado. Viene con un sistema de eje Sussex impulsada y un sistema de asistencia eléctrico que garantiza un viaje confortable durante las horas pico de tráfico.

El Chic Velo por Guo-Shiung Hung es un concepto innovador bicicleta nueva que se centra exclusivamente en las necesidades de las usuarias y no-ciclistas para promover el uso de la bicicleta como un modo viable de transporte en las ciudades y comunidades más pequeñas. El usuario de destino de las Chic Velo serían usuarias que viven en apartamentos con poco espacio en las zonas urbanas.

En las figuras elaboradas con arcilla de polímero y aceite de resina. Lo más sugerente son aquellos elementos oníricos a los que recurre su autor, el artista Choi Xoo Ang.

Se percibe sus inquietudes por explorar diferentes facetas de la conducta humana, construyendo un relato en el cual lo que de forma cotidiana se camufla bajo la hipedérmis. Haciendolo aflorar a través de formas que son tan perturbadoras como transparentes y delicadas.

Piezas que provocan un shock visual en el espectador, no tantó por lo explícito de las conductas y posiciones que adoptan sus modelos. Sino por lo raro y ajeno que nos pueden llegar a resultar ese tipo de comportamientos, que como sujetos y pese a lo literales e inmediatas que parecen, desconocemos en nuestra cotidianidad más proxima.

Choi es un escultor con sede en Seúl, que ha convertido el lenguaje corporal en una fuente de expresión artística y rendimiento creativo. En la que selecciona cuerpos tan extrañamente reales como desconocidos para el común denominador.

Quizás sean sus gestos que parecen exagerados, quizás para enfatizar el lado mas poético de la existencia. Choi es conocido por usar el arte como medio de comprender las conductas patológicas que experimenta el individuo en algún momento de su ciclo vital.

Por una de sus obras más conocidas titulada Islote de Asperger serie, que se exhibió por primera vez en Seúl en 2010. Fue amenazado por una posible demanda por tomar presta el nombre Asperger. Episodio que tras aclarar el malentendido, tras declarar Choi que se inspiró en la raíz etimológica del término que significa, tener problemas con la comunicación pero también ser muy especial.

Obras que han formando parte de muestras tanto colectivas como individuales, y que se han visto en galerías del mundo. Los detalles de los excesos del individuo en su relación con su entorno social. Choi selecciona personajes cotidianos y exagera sus acciones de manera bizarra y grotesca.

Ningún tema o pensamiento es demasiado tabú para el, sus esculturas hiperrealistas sugieren preguntas sobre la existencia del sujeto en un entorno social tan versátil como volatil.

Participar, aprender o fomentar la interacción social, además de promover un enfoque multidisciplinar de la cultura. Estas son algunas de las estrategias con las que el colectivo Raumlabor de Berlín.

Ha realizado la instalación arquitectónica de caraxter colectiva Officina Roma, de carácter temporal, se puede visitar en Roma. La instalación forma parte de la exposición titulada RE-ciclo: estrategias para la arquitectura, la ciudad, y el planeta, una muestra que estará abierta al publico hasta el 29 de abril de 2012 en el centro MAXXI.

La estructura hecha de materiales reciclados, gracias a un proceso de colaboración entre los diferentes actores involucrados. La instalación, no sólo es un objeto para contemplar, sino también un espacio para vivir. Por lo tanto a pesar de las características formales posee materiales de construcción poco comúnes.

Teniendo una función pública, por lo que debe cumplir con los requisitos de solidez, eficiencia y seguridad. La instalación, una vez completada, se convierte en el contenedor de una serie de actividades: una de ellas es un taller educativo, donde el público puede experimentar el reciclaje creativo en el museo.

Y la reinvención de objetos y materiales a través de instrucciones y procedimientos predeterminados, pero abierto a la creatividad de la iniciativa individual.

Construida en un taller de una semana con 24 estudiantes de secundaria de toda Italia, el proyecto fue planteado como un collage en tres dimensiones. Su concepción de reciclado se puede leer en su exterior con una fachada que se hace transparente a través de viejos marcos de las ventanas y puertas de madera. el principal volumen rectangular cuenta con una cocina anexo curvilínea construida a partir de botellas de vidrio utilizado unidas con cemento.

A veces caótico, en otras ocasiones, sin embargo, dependiendo del estado de ánimo y de los elementos que conforman el paisaje humano y urbano con el que se relaciona y le inspira. En la mayoría de las ocasiones retratos ocasionales realizados con un toque naif y una paleta de colores que enfatiza los rasgos de los retratado@s.

Rostros que muchas veces surgen de su imaginación y que se incorporan al espacio publico. Dando como resultado murales que emanan de un relato que se construye entre lo personal y lo casual, poblado los lugares comunes a la vez que conocidos.

Actuaciones protagonizadas por personajes caracterizados con un toque cómico a la vez que torpe y decadente siendo inmortalizados en en el momento de su encuentro con la mente de Seacreative. Intervenciones en las que los protagonistas siempre conservan una poco taciturna y contemplativa. En algunos casos las obras se completan con palabras o frases cortas.

Fabrizio Sarti nació en la ciudad italiana de Milan 1977. En cuyas calles lejos de lo que podria pensarse comenzo su experiencia creativa conqueteando con las procelosas aguas de la literatura. Periodo en cuyo transcurso descubre las posibilidades expresivas del arte urbano iniciando una trayectoria muy fecunda que le ha permitido trabajar en otros ambitos creativos.

Aunque buena parte de sus obras mas representivas tienen como escenarios rincones de la periferia de la capital lombarda, los murales se ha convertido en un retrato global que se puede visitar en los cinco continentes.

Compaginanso su carrera como artista plástico, con el que logra crearse un nombre, exponiendo en numerosas galerías, en paralelo inicia colaboraciones puntuales con grafiteros en el año 2000, para hacerlos más accesible su obra a un público menos ortodoxos. Así nació al comienzo del proyecto Seacreative, con el que expone regularmente, participando en certámenes de street art y arte urbano.