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Pipilotti Rist, metafisica del renacimiento en el Sglo XXI


En el cada vez mas amplio y menos ortodoxo mundo del arte y de las múltiples expresiones artísticas que lo nutren, estamos asistiendo a un revival del concepto de renacimiento. Fenómeno que a lo largo del Siglo XX se ha manifestado de forma esporádica.

Pero que extrenado el Siglo XXI esta experimentando una reinvención, tanto desde el punto de vista conceptual como estético. Debido fundamentalmente a la incorporación de la nuevas tecnologías, y la irrupción de la era digital como componente de la practica artística.

Algo que implica una actualización de los estándares creativos cuya formula pasa por adquirir una formación interdisciplinar, que abarcan diferentes ámbitos tantos pertenecientes a la práctica artística como a otros que no tienen nada que ver con el arte.

Enriqueciendo al artista que aparte de actualizarse paralelemente elabora un discurso que refleja además de sus inquietudes y sensibilidad artistica, el sustrato socio-político con el que se relaciona.


LA EQUIDISTANCIA ENTRE LO FORMAL Y LO POLITICAMENTE CORRECTO

 
Un claro ejemplo de esta abstración liquida y de su increíble porosidad para absorver múltiples influencias de lo que se entiende por arte formal, es la artista Suiza Pipilotti Rist, que aunque formada en el campo del diseño.

Pronto comienza a explorar nuevos ambitos, a través de los que poder dejar constancia de sus inquietudes sociales enfocadas principalmente a la esfera feminista, de la que se declara activista desde muy joven.

Faceta que comparte con sus otras pasiones que son aparte del arte, la imagen y la música. Esta ultima vertiente mas desconocida pero no menos fecunda y que se ha materializado fundamentalmente gracias a que durante la década de los años 80´s del Siglo pasado.

Se incorporo como parte de la banda de música experimental Les Reines Prochaines. Ccuyas composiciones ha empleado como bandas de sonoras de vídeo-instalaciones como por ejemplo la titulada Pickelporno (1992). Un trabajo sobre el cuerpo femenino, y la excitación que sugiere diferentes estados de animo. 

Otra de sus referencias con la que seduce al espectador, es la del cuerpo como vehículo a través del que expresar ideas más ambiguas en una ocasiones y que proyectan una interpretación más abierta en términos de criterio, o más directas y sin concesiones en otras. En el terreno de sus influencias llama la atención que Pipilott se declare devota de la serie infantil Pipi Calzaslargas, o por artistas de la talla de Warhol, Yoko Ono o Nam June Paik.


EN ESENCIA LA BELLEZA DE LO FEO EN COLORES PSICODELICOS

Ha cultivado y atesorado una herencia que se nutre de movimientos como el Pop Art y de corrientes mas vanguardistas y militantes como las video-instalaciones, a través de cuya práctica ha fijado una posición de compromiso hacia el género femenino. A lo que añade su devoción por corrientes cinematográficas como el neo-realismo italiano encarnado en la figura de Pasolini.

Y cuya impronta se puede constatar en una vídeo-instalación tan determinante en su primera etapa como es  I´m Not The Girl Who Misses Much (1986), obra formal realizada sobre la melodía de  un tema de The Beatles titulado Happiness is a Warm Gun Rist. 


La vídeo-artista Pipilotti Rist trabaja con conceptos como la belleza aplicándole un enfoque terapéutico más que artistico, elaborando una narrativa en la que la belleza se contextualiza a través de la metabolizacion de lo cotidiano y lo ordinario.


Donde participa como en muchos otros trabajos la bailarina  Ewelina Guzik. Su musa y con la que participado en diferentes ocasiones en la Bienal de Venecia. Donde desde que debuto en 1997 con una propuesta crepuscular recibiendo el premio a la mejor artista joven por su interpretación de la contradicción que denomina como belleza imperfecta.

Se convierte en asidua de la cita repitiendo en 2005 donde participo con su obra Homo sapiens sapiens, repitiendo en 2009 con un trabajo en gran formato titulado Pepperminta, y ya para finalizar en 2011 con Iluminazione donde cambia de registro.

Trabajos que muestran constantes tanto en términos metódicos, añadiendo efectos luminicos como discursivos. Adoptando un papel donde su preocupación por el medio-ambiente se representa en trabajos como Pixel Forest de 2016, en el que interpela a lo sintético como un fuego fatuo donde puede arder la ambiguedad y el nihilismo que proyecta la ficción.

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Romain Tardy & Thomas Vaquié - O (Omicron), una video-instalación sobre la historia de un edificio tan desconocido como mitico


O (Omicron) es una video instalacción, que tuvo como marco el paraninfo del nuevo museo de la arquitectura de Hala Stulecia, en la ciudad polaca de Wroclaw. Se trata de una proyección compuesta de una serie de secuencias que basandose en la estructura de la cupula del pabellon principal del museo. 

Representa un vínculo entre la rica historia del edificio desde una perspectiva que abarca desde los orígenes hasta los tiempos actuales, convirtiendo esta estructura de hormigón masivo en una arquitectura viva.

Creada por el artista visual Romain Tardy y el músico experimental Thomas Vaquie.  La pieza que podéis ver AQUI es un homenaje que sirve para celebrar el centenario del edificio que alberga el museo. Un diseño firmado por el arquitecto Max Berg, y que en su momento se considero las estructura de hormigon mas grande del mundo construida en una sola pieza. 


La cupula en total alcanza la cifra de los 65 metros de diametro, superando a la cupula del Panteón de Agripa en Roma construida 18 siglos antes. La video instalación se basa en la noción de eternidad de la arquitectura, y sus diferentes simbolismos a lo largo de la historia de la humanidad. 


De caracter permanente, su estética visual deliberadamente minimalista, ha permitido poner de relieve la propia arquitectura de la cúpula de Hala Stulecia y reafirmar su lugar en el centro de la pieza. El minimalismo también parece ser la forma más adecuada de transmitir esta idea de futuro en diferentes períodos de tiempo. 


Conceptualmente la pieza se inspira en los valores de la institución por lo tanto no se tratan de referencias simplemente formales, haciendo alusión a clásicos como Metropolis film pionero de SC-FI de Fritz Lang. Mezcla de elementos con los que nos ofrece una visión de un futuro atemporal de las sociedades totalitarias que parecen manifestarse  por momentos a través de la historia del edificio. Que nos advierte contra los peligros de una visión idealizada del futuro. La pieza fusiona la música y la tecnología para crear una visión del futuro. La música compuesta especialmente para este proyecto se encuentra en el trabajo orquestal, se trata de una pista electrónica obra del Thomas Vaquie, obedeciendo su composición a las propiedades estructurales arquitectónicas del edificio.

 

Fabrizio Plessi La desconstruccion de la naturaleza en paisajes domesticados


Las propuestas del artista Fabrizio Plessi describe una diversidad de paisajes, que sin embargo guardan un nexo comun por el que el espectador percibe el "no paisaje".  Entornos cuyas ambientaciónes proximas a lo apocaliptico se convierten en autenticas alegorias ecológicas.

Recreaciones o "sets" en los que "conviven" conjuntos de arboles talados, pulcramente podados, amenazados por llamas encerradas en pantallas de televisión, océanos verticales que apenas ocupan la superficie de una canoa. Naturaleza domesticada a trabajar de la que se puede escuchar el rumor de la corriente de un rio ficcionado mediante una filmación.

Todas estas sensaciones rebotan en tu cabeza, evocando situaciones vividas (mas o menos distantes en el tiempo), pero en todo caso ajenas a una vida condicionada por trazas urbanas. El sol ha desaparecido en la obra de Fabrizio Plessi, apenas te percatas de ello, pero mas que las sombras, lo quge endurece la ambientación de las instalaciones son las manchas del astro rey. 


Después de graduarse de la Escuela Secundaria Artística de Reggio Emilia, continúa su formación en la Academia de Bellas Artes de la misma ciudad, donde se graduó en 1962. El foco de su investigación artística está en las analogías entre las superficies líquidas y la imagen de la pantalla, que casi siempre se refiere a los elementos naturales: agua, fuego, La adhesión a la poética del land art pone la obra en estrecha relación con el entorno arquitectónico y natural.  



Lo que denuncia la obra del artista italiano es la desconexión de la naturaleza lo organico y su sublimación, mas que hacer un alegato contra el cambio climatico, nos muestra el mundo de la naturaleza sometido a la voluntad del ser humano.


Invitado a participar en la Bienal de Venecia en 1986 con la ópera Bronx, introdujo la televisión como material artístico por primera vez en la Bienal. Fuerte denuncia social y cultural de aquellos años. En 1987 fue invitado al Documento VIII en Kassel. En 1989 fundó la Kunst Hochschule fur Medien en Koln donde creó la cátedra de Humanización de Tecnologías y más tarde de Escenografía Electrónica. En el año 2000 realizó el pabellón italiano para la Expo de Hannover, con una instalación monumental de 44 metros de altura del Mar Vertical. En el mismo año representó a Italia en la bienal de Kwangju en Corea. En 2001 en Venecia con la instalación de vídeo Waterfire modificó la fachada del Museo Correr.