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Evan Viera - Caldera, la visión multi-premiada en formato animado de una persona con esquizofrenia

El corto titulado Caldera (la cual podéis ver AQUI) es una animación de 11 minutos que tardo en producirse tres años, los mismos que el padre de su director Evan Viera, comenzo a experimentar frecuentes episodios ezquizoafectivos. 

Una alteracio emocional que se caracteriza por padecer una amalgama de estados depresivos y delirantes que precisan de una medicación específica. En este caso Evan que también es autor del guión, nos pone en antecedentes utilizando un lenguaje repleto de símbolos oníricos. 

Que sitúa al espectador ante una historia dramática de forma sutil, utilizando un discurso donde la fantasía y unos escenarios surrealistas generan la tension donde su protagonista se debate. Mostrándote el retrato de una joven que debido a la enfermedad está medicada, agobiada por un entorno hostil y afectivamente adverso.


Por lo que en un momento determinado decide renunciar al tratamiento, huyendo de la ciudad gris y lacrimógena que la rechaza. A partir de ese momento su percepción de la realidad la convierte en un ser vulnerable, lo que precipitan los acontecimientos provocando un final trágico.


Estrenada en 2.012 Caldera ha sido galardonada en diferentes festivales como el Prix Ars Electronica, Seattle International Film Festival, Festival de Cine Independiente de Roma o el Festival de Cine de Rockport. Siendo uno de los trabajos mas premiados desde su estreno.


A nivel técnico la cinta destaca por el excelente tratamiento de la iluminación que se ha realizado, lo que le confiere una atmósfera de naturaleza espectral. El metraje que carece de diálogos se apoya en la gran selección de los efectos de sonido, que vertebra una historia donde los silencios cobran un protagonismo esencial para el discurrir de la misma.


Uno Moralez, la realidad dentro de un sueño y su simbolo


En las ilustraciones pixeladas de Uno Moralez,  nacido en la ciudad Rusa de Ufa aunque con estudio en Moscu se analizan algunos de los aspectos mas sórdidos del comportamiento humano, utilizando fuertes dosis de surrealismo y teniendo como referencias personajes de cuento.


Personalidades de la vida publica de diferentes ámbitos o inspirándose en el mundo del celuloide, Moralez  representa escenas cargadas de "realismo" donde la acidez con que están rotuladas, da la impresión de que son viejas imagenes digitalizadas. 

Cuando era niño, Rusia estaba detrás del telón de acero, situacion que como es obvio limito su acceso a la gran diversidad  de contenidos y publicaciones que se podían encontrar en Occidente. A pesar de esta limitación se las ingenio para poder hacerse con algunos números sueltos de editoriales especializadas tan influyentes en nuestra percepción cultural y cosmovisión como la editora de cómics de Marvel.

Volúmenes de los que le atraía no tanto sus argumentos o los superpoderes con los que estaban dotados sus personajes, en definitiva el ilustrador trataba de capturar el estilo emulando lo cual hacia con más o menos fortuna en todos y cada uno de incipientes trabajos.  Cómics que a pesar de que no se puede afirmar ni mucho que contribuyeron de forma significativa a su formación creativa.

EL CINE DE DAVID LYNCH SUPOSO UN ESTÍMULO PARA SU TRABAJO

Si en algún sentido fue esclarecedor allanando el camino para que sin abandonar en su totalidad los parámetros más ortodoxos de la ficcion, si de forma gradual pero inexorable provocará un cambio de rumbo. Que finalmente determinó que se decantaría por tendencias donde el fondo y la narrativa de la historia reflejada en sus dibujos obedecieran a escenas extraídas de la realidad.

Una cotidianidad que se resume en habilidades que fueron curiosamente influenciadas por largas horas de lectura dedicadas de forma destacada a una selección de traducciones de libros místicos antiguos. Algo que por una parte resulta ser a todas luces algo bastante inusual.

El universo onírico de objetos reales reinterpretados y descontextualizados de Moralez alude a nuestra frágil y efímera existencia. A menudo utiliza temas mundanos o siniestros que se transforman, creando una peculiar contradicción con un enfoque poético. Siendo un reflejo profundo de nuestra sociedad moderna y la obsesión por la imagen, la belleza, la moda y los símbolos de estatus.


Pero que por alguna razón ha provocado que se expanda su imaginación hasta límites donde la realidad se puede percibir como un sustrato metafísico y multidimensional, situando su trabajo en la frontera entre la imaginación y la contextualizacion de una realidad que muchas veces es una interpretación de procesos que emanan de lo más profundo a la vez que desconocido y perturbador del ser humano.


Corrado Vanelli, ilustracion digital cuya magia surrealista se alimenta de los clasicos

 

Las ilustraciones digitales del creativo visual  italiano Corrado Vanelli navegan entre lo barroco de iconos como Caravaggio y el surrealismo más psicoanalitico de autoras como Leónorá Carrington. 


Se tratan por lo tanto de pequeñas ventanas abiertas por las que el subconsciente se filtra materializandose en una sustancia expresiva cuya comprensión nos maravilla como espectadores. Que contemplamos sus obras como universos mágicos cuyos parámetros narrativos obedecen antecedentes clásicos y figurativos. 


Obras que se nutren de historias y simbología mitológica en muchos casos. En otros lienzos sin embargo se inspira en la realidad más cercana e inmediata, o en hechos históricos que el representa dándole una atmósfera dramática a veces, mientras que en otras ocasiones recurre a la ironía para ofrecernos un relato estético que se alimenta de la ficcion.       

 

Desde pequeño en su pueblo natal Corrado Vanelli desarrollo una afición por el dibujo gracias a las historias que devoraba en la casa familiar. Herencia que posteriormente en su adolescencia provocó que comenzara a mostrar inquietudes por ámbitos como la ilustración o el arte digital.


Los trabajos de Corrado
 Vanelli se caracterizan por ser universos poblados por criaturas mitológicas, seres mutantes, o muñecas de mirada enigmática que cobran vida, conviviendo con personajes humanos en escenarios donde la es esencial estimular la imaginación del que las contempla.


Además su interés por la filosofía, o su afición por cultivar bonsáis, son según el referentes que influyen en sus trabajos. Aunque todavía utiliza instrumentos tradicionales como el roting, las nuevas herramientas digitales 2D y 3D han supuesto un descubrimiento, que aparte de facilitar el proceso de diseño de sus trabajos ha enriquecido su particular estilo.

Gilbert Garcin fotografía lírica en blanco y negro



Desde que comenzo a realizar sus fotomontajes, ya se había jubilado en su puesto de trabajo que desempeñaba en una fabrica de lamparas. De hecho fue a raíz de disponer de mas tiempo libre cuando Gilbert Garcin encontró en la fotografía el medio idoneo para expresarse. 


Esta vocación tardía por querer congelar la realidad en imagenes afloro cuando no suele ser habitual a los 65 años, cuando por casualidad, sin proponersolo encontro en un cajón de sastre una vieja cámara. Con cuya presencia en principio no se sentia excesivamente entusiasmado, pero con la que tras completar un periodo de familiarizacion.

Se convertio en un apéndice de su ser, en poco más o menos que sus ojos. A través de la construía su relato vital y socio-afectivo, siendo la misma cámara con la que todavía sigue realizando fotografías. Instantáneas de carácter doméstico e intimo en las que los protagonistas. 


Se limitan a el como conductor de la acción y a su mujer que adopta un rol más pasivo y complice. Realizadas de formas tradicional casi artesanal, su metodología de trabajo se aleja de las vanguardias digitales, según el nunca ha probado con un photoshop ni programa de tratamientos de imagenes similares. 

Quizás el proyectar el resultado final de la fotografía en su cabeza, utilizando como principal herramienta su imaginacion, es lo que le confiere a su fotografía personalidad y una identidad creativa muy definida y reconocible. Siendo producto de un proceso de maduración previo, cuyos mecanismos introspectivos propician que se genere el contexto en el se fragua la instantánea.


El resultado son series de fotografías definidas por la mordacidad, la ironía, el surrealismo. Que narrativamente permite al espectador relizar su propia versión, imágenes en las que la tenue frontera entre el espacio y tiempo queda reflejada de forma sutil y tenue, traslandote a su universo particular.


Relato estético en el que la lírica de la imagen es lo esencial en cada toma, la mayoría caracterizada por una atmósfera en la que destaca ese aire de nostalgia, la que quizás tiene su origen en la infancia, con  la que establece un diálogo que conduce al sueño y lo onirico.

En blanco y negro Garcin crea un mundo en miniatura, un "pequeño teatro interior" basado en la idea de lo "absurdo de la condición humana", pequeñas historias personales que reciclan derrotas y fracasos. Garcin introduce un personaje en el "escenario" llamándolo desde su interior. 

Es fascinante ver como sus representaciones a pequeña escala pueden captar las ideas más grandes de la filosofía. Curiosamente, su trabajo ha sido utilizado para ilustrar libros de texto de filosofía, proporcionando una visualización universal de nuestros propios rasgos y conductas que a su vez nos anima a pensar sobre nuestra humanidad.

Katie Armstrong/Once More, Once More, sueños grabados de un diario


Katie Amstrong es una estudiante de arte residente en New Yorkque nos presenta su último proyecto multimedia.  Que consiste básicamente en una animación hecha a carboncillo.

Para cuyo argumento utiliza como soporte ficticio la cuadricula de un cuaderno. Exhibido en el certamen de arte Internacional, que organiza la residencia de estudiantes de la Universidad Leipzig en Alemania.

Titulado escuetamente Once More, Once More, bien podría la secuencia onírica que adopta la forma de un bucle representado en numerosos planos. De una esperiencia o episodio que ha vivido su protagonista mientras estaba despierta.


Katie utiliza el dibujo, la animación, la poesía y la performance para investigar las formas a menudo invisibles e imperceptibles, en que nuestras historias personales influyen en el presente. 

Explotando su paisaje interno de imágenes, recuerdos y preguntas, busca la comprensión humana que se siente, no se piensa. Armstrong se orienta de esta forma al proceso de psicoanálisis mediante la utilización d métodos analógicos, acción repetitiva, improvisación e intuición.

Para guiar sus manos y su voz en un diálogo por el que  está embarcada en una busqueda contante consigo misma y con el mundo que habita, que la oriente y la permita encontrarse y conectarse consigo misma.


Los sueños elevados del fotógrafo Tommy Ignberg explora las emociones del sujeto


Realizadas en blanco y negro, las composiciones fotográficas de Tommy Ignberg utiliza el lenguaje del surrealismo mas ortodoxo.  A través del que representa automatismos sociales, los deseos y sueños que de verdad se camuflan en nuestro interior aflorando desde el inconsciente.

Aunque deudor de las corrientes más ortodoxas del surrealismo de los inicios del siglo XX como René Magritte, Tommy que nació durante la década de los 80's en una localidad del interior de Suecia llamada Nyköping, donde ha residido salvo cortos periodos de  tiempo toda su vida.

Un arraigo a unos paisajes que se trasladan a sus hombres, donde añade elementos narrativos más contemporáneos o rinde homenaje de forma más o menos explícita a personajes y figuras. Que forman parte de nuestro imaginario colectivo, siendo relativamente fáciles de identificar para la practica totalidad de nosotros. 
 
Es esta combinación de elementos, tanto los de pertenecientes al territorio en el que ha crecido y donde ha pasado por lo tanto buena parte de su vida, y la alusion a acontecimientos protagonizados por figuras relevantes de nuestra cultura popular. La que crea la combinación en su medida justa a través de la que logra seducirnos como espectadores.

Una hermosa pequeña ciudad situada al sur de Estocolmo, cuyos tesoros naturales se convirtieron en el objeto idóneo que fotografía de casi manera compulsiva. Actividad a través de la que educó su peculiar mirada desde su más tierna infancia.

Actividad regular que de forma que casi sin darse cuenta, le proporciono, sin embargo los suficientes conocimientos sobre las características que debía reunir una fotografía para abordarla con unos resultados optimos. Y que tuvieran un componente no solamente creativo sino artistico, virtudes que sin duda ha adquirido en términos más que notables.

Experiencia que en primer momento adquirió usando como la mayoría de los fotógrafos profesionales usando una cámara analógica, para posteriormente pasarse casi de forma definitiva al bando de los que emplean para sus proyectos casi únicamente equipos digitales. 


LA FOTOGRAFÍA COMO TERAPIA EMOCIONAL

Cambio técnico que no solamente modifico el enfoque que aplicaba a la hora de acometer un trabajo fotografico. Sino que este cambio de habio lo pudo percibir cuando ya en el estudio, frente al ordenador utilizado como herramienta de postproduccion, retocaba y montaba cada toma, algo que contribuyó especialmente a su resultado artístico.


Pasando de una fotografía en la que dominaba el paisaje a montajes fotográficos surrealistas enriquecidos por otros elementos ajenos que tenía la oportunidad de introducir. Creando obras más instropectivas, cuyo guión se basa en nuestra condición y naturaleza humana, así como nuestras manifestaciones emocionales e intelectuales.

Este cambio en su método de trabajo se produjo hará cinco años en el transcurso de una serie de episodios complicados y que le afectaron profundamente. Detonante traumatico que lejos de hacerle desistir de su pasión por la fotografia, provoco que empezará a juguetear con algunas funciones de photoshop, creando montajes fotográficos surrealistas que reflejaban los diferentes estados de animo que estaba atravesando.



RostLaub - Ana Somnia - apaga para vera la realidad de sueño


De que están hechos los sueños?, existen numerosas y diversas respuestas para esta cuestión. Las más sugerentes y a la vez que aproximadas fueron las que ofrecieron como resultado de miles de horas de psicoanalisis.


Repartidas en sesiones realizadas por algunos de los miembros de la corriente conocida como la escuela de Frankfurt en Alemania. Académicos tan ilustres como Lacan, Carl Jung o el mismísimo Erich Fromm. Que siguiendo los pasos y a veces malinterpretado postulados de Sigmund Freud.


Se aventuraron en la odisea de tratar de dar una forma racional y articular un lenguaje comprensible, por el que otorgar un significado a todos y cada uno de los episodios que "vivimos". Cuando vencidos por el cansancio nos retiramos a descansar y tras quedar dormidos abandonar nuestro estado consciente y adentrarnos en el mundo de los sueños.  

Experimentos que cuando se transcribiron las sucesivas fases que conforman un ciclo onírico. El resultado literalmente quedo bastante surrealista. Quizás los surrealistas fueron los que mas se aproximaron a poder articular un lenguaje que describiera lo que sucede cuando perdemos la conciencia y nos sumergimos en el mundo de los sueños.


Ana Sommia por su parte nos propone una alternativa en la que mediante una animación editada en flash, protagonizada por una niña y empleando elementos interactivos nos describe diferentes escenarios oníricos por los pasa durante una noche, pero ante de eso suceda tendrás que apagar la luz.


Ana Somnia, cuya animación interactiva está a vuestra disposición desde AQUI. es un proyecto fascinante de arte generativo nacida del genio creativo de RostLaub. Colectivo alemán compuesto por Kim Köster (artista), John Bünemann (músico), Stephan Schulz (programador) y Richard Schumann (diseñador). El grupo apareció por primera vez en 2004 con 99rooms, sitio surrealista que consta de 99 habitaciones para explorar utilizando una interfaz similar a un videojuego, que combina animación, fotografía, arte callejero y música