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Evan Viera - Caldera, la visión multi-premiada en formato animado de una persona con esquizofrenia

El corto titulado Caldera (la cual podéis ver AQUI) es una animación de 11 minutos que tardo en producirse tres años, los mismos que el padre de su director Evan Viera, comenzo a experimentar frecuentes episodios ezquizoafectivos. 

Una alteracio emocional que se caracteriza por padecer una amalgama de estados depresivos y delirantes que precisan de una medicación específica. En este caso Evan que también es autor del guión, nos pone en antecedentes utilizando un lenguaje repleto de símbolos oníricos. 

Que sitúa al espectador ante una historia dramática de forma sutil, utilizando un discurso donde la fantasía y unos escenarios surrealistas generan la tension donde su protagonista se debate. Mostrándote el retrato de una joven que debido a la enfermedad está medicada, agobiada por un entorno hostil y afectivamente adverso.


Por lo que en un momento determinado decide renunciar al tratamiento, huyendo de la ciudad gris y lacrimógena que la rechaza. A partir de ese momento su percepción de la realidad la convierte en un ser vulnerable, lo que precipitan los acontecimientos provocando un final trágico.


Estrenada en 2.012 Caldera ha sido galardonada en diferentes festivales como el Prix Ars Electronica, Seattle International Film Festival, Festival de Cine Independiente de Roma o el Festival de Cine de Rockport. Siendo uno de los trabajos mas premiados desde su estreno.


A nivel técnico la cinta destaca por el excelente tratamiento de la iluminación que se ha realizado, lo que le confiere una atmósfera de naturaleza espectral. El metraje que carece de diálogos se apoya en la gran selección de los efectos de sonido, que vertebra una historia donde los silencios cobran un protagonismo esencial para el discurrir de la misma.


El laberinto del paisaje surrealista de Jacek Yerka


En los cuadros del pintor polaco Jacek Yerka, hay laberintos, presas que se desbordan, ciudades que vuelan, objetos que se transforman al entrar en contacto con la naturaleza, recreaciones rurales.

O una constante que consiste en que de forma muy introduce referencias a evocaciones de su infancia en el pueblo donde creció. Un lugar que tu como espaciador casi percibes como un lugar casi magico.

Un lugar donde Jacek, todavía y siempre que el tiempo lo permite, coloca su caballete debajo del manzano donde jugaba y pinta lienzos. Durante largas jornadas mientras convierte el paisaje que le rodea en algo suyo, aplicando técnicas y lápices de grafito, a los que añade pinturas pastel, aunque también puede recurrir en ocasiones a soluciones acrílicas y al óleo


Cuadros muy coloristas, en los que combina elementos surrealistas y figurativos. Constituyendo el sustrato onirico a través del que analiza la realidad con la rodea, haciendo una aproximación lo más lúdica posible de la misma.


Jacek Yerka es conocido por haber colaborado con la mítica formación de The Beatles aportando sus trabajos para el montaje de animación titulado Strawberry Fields, editado y publicado en 1990, se trata de una de las ultimas canciones de la banda.

Influenciado por escuelas clásicas como la del Bosco, Pieter Bruegel o Jan van Eyck. La obra de Jacek se puede considerar ortodoxa en su concepción del surrealismo, donde cada pincelada es un acto que te sumerge en su particular universo. Aunque sus influencias son más cercanas en el tiempo como Cézanne o Paul Klee, uno de los máximo representantes de la escuela de diseño funcional Bauhaus.  

El cual te puede ofrecer un amplio abanico de escenarios e interpretaciones. Composiciones más o menos dramáticas, en las que cada motivo y cada detalle simboliza un pasaje del sueño, recreándolo en mundos fantásticos de los que no querrías salir jamas.


Adam Martinakis un pionero del arte digital basado en la IA, inspirado por Paul Klee y Albert Camus


En las composiciones digitales del fotografo Adam Martinakis, habitan cuerpos etéreos que se proyectan en el espacio y elementos oníricos que se nutren de sueños. 

Adam nació en Luban, Polonia aunque desde la edad de 10 años está viviendo en Atenas, Grecia. Una mudanza que supuso un cambio radical en su vida  pues supuso tener que adaptarse a un entorno y habitos prácticamente nuevos.

Pero aún así se acabó matriculado en el instituto de artes decorativas de la capital Helena, donde estudió diseño de interiores. Paralelamente desde que finalizo su formación ha explorado nuevos campos creativos incorporando soluciones digitales en 3D.


Técnicas  que Aplicadas a sus trabajos ha logrado perfilar su identidad y discurso creativo. Enriqueciendola con ambientaciones donde destacan unas atmósferas cargadas de lirismo y en las que el lenguaje corporal que describen a seres que se están buscando constantemente.


Describiendo visualmente una odisea de deseos, pulsiones y desencuentros de siluetas androides que trazan coreografías en la nada. Inspirado por artistas como Paul Klee, el arte griego y el Renacimiento desde el inicio de sus estudios de arquitectura de interiores, este entusiasta de los viajes y la astronomía descubrió las posibilidades expresivas del arte digital.


El se define como un artista post-humanista que ya coquetea con herramientas de inteligencia artificial. Que contempla como una poderosa solución a través de las que observar, analizar y tratar de trasladar en términos visuales la complejidad de los afectos y emociones que albergamos y experimentamos habitualmente en nuestras relaciones sociales.  


JUMP INTO THE FUTURE:

For his latest proposal of this 2023 composition entitled Caustics of Perception, he resorts to one of the many existentialist quotations of the French playwright and essayist Albert Camus. Which translated would be something like "In the middle of winter, I discovered that there was, inside me, an invincible summer". This quote is part of the following paragraph from his book entitled The Summer, published in 1954: 

In the middle of hatred it seemed to me that there was within me an invincible love. In the midst of tears it seemed to me that there was within me an invincible smile. In the midst of chaos there seemed to me to be within me an invincible calm. I realised, in spite of everything, that in the midst of winter there was inside me an invincible summer. And that makes me happy. Because no matter how hard the world pushes against me, inside me there is something better pushing back.

Summer is one of Camus' most fragmented and polydramatic essays. This text appears as a mosaic as "Minotaur or the halt in Oran" are almost contemporaries of the , as is the case with Nuptials or The Right Side and the Wrong Side; others were written in the 1940s, such as "Los almendros" (1940), "Prometheus in the underworld" (1946) or "Helen's exile" (1948); and others belong more or less to the period of the publication of Verano, such as "The Enigma" (1950) and "Return to Tipasa" (1953). This reinforces the impression of a mosaic in which the nature of the texts take the form of travel narratives, 

ALSO IN SPANISH:

Para su ultima propuesta de este 2023 composición titulada Caustics of Perception, recurre a una de las muchas citas existencialistas del dramtururgo y ensayista francés Albert Camus. Que traducida sería algo como "En medio del invierno, descubrí que había, dentro de mí, un verano invencible". Cita que forma parte del siguiente párrafo contenido en su libro titulado El Verano editado en 1954: 

En el medio del odio me pareció que había dentro de mí un amor invencible. El medio de las lágrimas me pareció que había dentro de mí una sonrisa invencible. En medio del caos me pareció que había dentro de mí una calma invencible. Me di cuenta, a pesar de todo, que en medio del invierno había dentro de mí un verano invencible. Y eso me hace feliz. Porque no importa lo duro que el mundo empuje en mi contra, dentro de mí hay algo mejor empujando de vuelta.

El Verano es uno de los ensayos más fragmentados y polidrico de Camus. Este texto aparece como un mosaico como "Minotauro o el alto en Orán" son casi contemporáneos del , como es el caso de Nupcias o El lado derecho y el lado equivocado; otros se escriben en la década de 1940, como "Los almendros" (1940), "Prometeo en el inframundo" (1946) o "El exilio de Helen" (1948); y otros pertenecen más o menos al período de la publicación de Verano, tal es el caso de "El Enigma" (1950) y "Regreso a Tipasa" (1953). This reinforces the impression of a mosaic in which the nature of the texts take the form of travel narratives and others are written from an autobiographical point of view.


Corrado Vanelli, ilustracion digital cuya magia surrealista se alimenta de los clasicos

 

Las ilustraciones digitales del creativo visual  italiano Corrado Vanelli navegan entre lo barroco de iconos como Caravaggio y el surrealismo más psicoanalitico de autoras como Leónorá Carrington. 


Se tratan por lo tanto de pequeñas ventanas abiertas por las que el subconsciente se filtra materializandose en una sustancia expresiva cuya comprensión nos maravilla como espectadores. Que contemplamos sus obras como universos mágicos cuyos parámetros narrativos obedecen antecedentes clásicos y figurativos. 


Obras que se nutren de historias y simbología mitológica en muchos casos. En otros lienzos sin embargo se inspira en la realidad más cercana e inmediata, o en hechos históricos que el representa dándole una atmósfera dramática a veces, mientras que en otras ocasiones recurre a la ironía para ofrecernos un relato estético que se alimenta de la ficcion.       

 

Desde pequeño en su pueblo natal Corrado Vanelli desarrollo una afición por el dibujo gracias a las historias que devoraba en la casa familiar. Herencia que posteriormente en su adolescencia provocó que comenzara a mostrar inquietudes por ámbitos como la ilustración o el arte digital.


Los trabajos de Corrado
 Vanelli se caracterizan por ser universos poblados por criaturas mitológicas, seres mutantes, o muñecas de mirada enigmática que cobran vida, conviviendo con personajes humanos en escenarios donde la es esencial estimular la imaginación del que las contempla.


Además su interés por la filosofía, o su afición por cultivar bonsáis, son según el referentes que influyen en sus trabajos. Aunque todavía utiliza instrumentos tradicionales como el roting, las nuevas herramientas digitales 2D y 3D han supuesto un descubrimiento, que aparte de facilitar el proceso de diseño de sus trabajos ha enriquecido su particular estilo.

Benoit Paille - UnderNight, criaturas de la noche


De insólita y peturbadora calificaría la serie UnderNight del fotógrafo Benoit Paille, una colección de escenas realizadas en exteriores y al amparo de las sombras de la noche donde todos nuestros deseos se hacen realidad. 

En ellas se muestra determinadas escenas que se suelen producir al amparo de la noche, cuando las sombras garantizan de que cualquier tipo de acto. Independientemente de su naturaleza quedará en el más absoluto anonimato.

Discreción que carece de sentido en una instantáneas que nos transmiten la sensación de estar en una atmósfera noir,  en la que vemos a unos personajes cuyo contexto y comportamientos podríamos definir de poco ortodoxos en términos morales.


Al fin al cabo lo que nos muestra el fotógrafo canadiense, es el resultado de la exploración del subconsciente en el estadio onírico. Y como reflejado en el instante de trasladarlo a una secuencia fotográfica. 

En la carretera, viviendo en su caravana desde 2013, Benoit Paille es un artista atípico casi se podría como un outsider que nadie reconoce admirar pero al que se le sigue de forma furtiva porque su trabajo no deja de agitar conciencias. 

Tan creativo como in decoroso y liminal las narrativas visuales de Benoit Paille nos interrogan sobre aquellos aspectos que preferimos que sigan ausentes.


Aunque emprendió una carrera de biomedicina pronto la dejo en un segundo plano, iniciando una carrera como fotógrafo Autodidacta. Decisión en su caso afortunada porque enseguida consiguió obtener cierto grado de notoriedad.

Reconocimiento que se materializó en una serie de exposiciones que le permitió dar a conocer su particular concepción de lo que es capturar la realidad a través de la fotografia. En su caso aplica un enfoque que combina el reportaje gráfico con la fotocomposición a través de la que crea una narrativa descarnada a la vez que luminosa de su entorno y de las relaciones humanas que observa.