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Stephen Mallon - Next Stop, Atlántico

Siempre había creído que el material ferroviario cuando finalizaba su vida útil, se depositaba en un hangar. A la espera de ser trasladado a un horno para su fundición.

Eso es lo que según sus propias palabras pensaba el fotógrafo newyorquino Stephen Mallon hasta que tuvo la oportunidad, de ser invitado a bordo de un carguero. Que transportaba una remesa de convoys deshechados por la compañía que administra el metropolitano de la ciudad.

Instalado en la cubierta del barco cuando se habían alejado mas de cien millas de la costa, las unidades fueron disponiéndose para ser volcados precipitándose acto seguido hacia el fondo del mar. En cuyo lecho harían la función de criadero de algas.

La serie de fotografía titulada Next Stop, Atlántico recoge en diferentes momentos el proceso mostrando el ciclo, por el que los vagones contribuyen a la regeneración de ecosistemas frágiles en el ámbito marino.

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Depositado a lo largo de la costa entre los estados de Delaware y Carolina del Norte, los vagones oxidados cumplen un ciclo vital, siendo extraídos cada diez años




Daniel Stessen - The Gold Sparrow

Imaginate que vivieras en un mundo dominado por la escala de grises, donde el color estuviera tan cotizado como el oro. Un lugar poblado por mercenarios cuyo principal objetivo consistiría en identificar que atesoraran algún rastro de color. 

Arrancándoselo junto con su vida de la que su cuerpo inerte y gris quedase tendido, mientras los ladrones se alejan en busca de su próxima presa. The Gold Sparrow es un corto de animación de impecable ejecución técnica, que en su exhibición a lo largo de 2.014 ha sido multipremiado en casi todos los certámenes donde ha participado.

Con guión y dirección de Daniel Stessen. Se trata de una metáfora visual de la realidad que nos rodea, protagonizada por un villano y su acompañante que usando como vehículo de desplazamiento un sidecar localizan y sustraen el color de sus victimas.

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Ambientado en un escenario circense, la acción se desarrolla a un ritmo vertiginoso conducido por personajes inquietantes


Panthom crea mapas urbanos de callejeros modificados


Realizados con inyección de tinta los mapas diseñados por el estudio Panthom, no refleja ni accidentes geograficos ni monumentos, ni te indican como llegar a la ciudad mas próxima. 

En definitiva no es un mapa geográfico convencional, aunque sus creadores un equipo formado por geógrafos, cartógrafos y desarrolladores informáticos. Muestren la totalidad de las calles y edificios que recorren cada uno de los territorios que forman los Estados Unidos de América, obteniendo unos resultados sorprendentes. De esta forma en los mapas se eliminan los accidentes geograficos, siendo representados solamente aquellas estructuras artificiales (puentes, edificios, carreteras...etc)

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Los mapas que han sido cartografiados a partir del barrido realizados a partir de los datos obtenidos por los satélites que orbitan sobre América del Norte, también ha incluido los estados anexionados como Puerto Rico. Se presentan como laminas tintadas en monocromo que permiten apreciar la variación en la densidad urbanística que existen en función del estado donde te sitúes.


  Los mapas muestran la totalidad de calles de todos los núcleos urbano de América a lo largo de su historia


Las fotografías monocromáticas de Jakub Polomski de las montañas más altas del mundo y su belleza crepuscular


Los grandes picos como el Annapurna, el K2 o el Europeo Mont Blanc, así como las infinitas depresiones que forman las cordilleras que los albergan como los Alpes o el inapelable Himalaya

Debido a las características geologicas y climáticas. Siempre lo he percibido en mi imaginario, como un territorio inhóspito y agreste, donde sus gamas de colores se limita a un gradiente de escala de grises, donde la luz ultravioleta ve limitada sus propiedades. 

Ganando en nitidez que crean atmósferas donde el urular del constante del viento se funde con un cielo plomizo que a su vez se diluye con el blanco eterno de las nieves perpetuas que parcialmente camuflan la falda desnuda de la montaña.


Características que nada mas descubrir las series que engloban el proyecto Monochromatic, despertó mi simpatía hacia el trabajo del fotógrafo especializado en realizar reportajes que tienen como objetivo naturaleza Jakub Polomski. Y que en la selección de postales realiza un recorrido que practicamente abarca todo el mundo.


La mirada de Jakub tiene la virtud tanto de capturar la calma como la tempestad, de un paisaje concreto y el equilibrio inalterable y preciso que muestra la naturaleza de alta montaña. Estableciendo las pautas de conservación que lo convierte en un ecosistema único.
 

Un peoyecto de carácter global que debido a su magnitud todavía esta inconcluso. Instantáneas realizadas en tonos monoscromo con las que logra transmitir la belleza esculpida por millones de años de erosión que ha esculpido estos majestuosos colosos y los paisajes de los que forman parte. 


Nacido en Polonia, Jakub aplica un enfoque singular en la captura de paisajes de montaña y la fotografía aérea utilizando drones. Sus trabajos más relevantes son los que tienen por escenario las impresionantes regiones desérticas de la Patagonia, los majestuosos glaciares de Islandia y los imponentes picos de los Alpes. Como fotógrafo autodidacta ha obtenido numerosos reconocimientos a su trabajo y prestigiosos premios, incluyendo la estatuilla de National Geographic.


Stanley Donwood - Tree Bath

Lo primero que me llamo la atención de este mural realizado recientemente en la localidad británica de Bath, es su profundidad con lo que su autor el artista Stanley Donwood consigue un efecto de espesura en la reproducción de lo que es un sendero flanqueado por arboles de los muchos que existen en los alrededores.
  
Aprovechando como soporte expresivo una valla publicidad Stanley que al poco de finalizar esta intervención, fue detenido por las autoridades locales. Transforma en paisaje urbano el mobiliario que siendo publico se encuentra en desuso, convirtiéndolo en una ventana desde don el transeúnte poder asomarse viendo un fragmento de naturaleza.

Conocido por ser colaborador en el diseño de algunas de las portadas de los discos del grupo de pop británico Radiohead. Dan Rickwood su nombre real es además es conocido por su faceta de escritor y artista, ha sido atraído como otros muchos por la capacidad expresiva que pose el espacio publico y su potencial para comunicar con el gran publico.


Fabian Oefner - Aurora, un cerebro que no es lo que parece



A veces la realidad obedece a causas mas sencillas de las que el observador pueda precisar a simple vista. Ante la supuesta complejidad de lo que cree ver o comprender se suelen abrir una diversidad de escenarios e interpretaciónes.

Viendo la serie titulada Aurora realizada por el artista digital Fabian Oefner se establecen estos parámetros entre lo que quieren mostrar y lo tu segun tus sesgos estas percibiendo como receptor de una realidad, que en la mayoría de las ocasiónes suele ser mas volátil y liquida de lo que parece. 

La primera impresiones que obtiene el espectador cuando ve sus fotografías, es que se le esta mostrando unas placas con el resultado de impresión por rayos x de parte del encéfalo perteneciente supuestamente al cerebro de un ser humano. Mas concretamente al de un individuo adulto.



Pero si agudizas la mirada y prestas atención te percataras de que lo que esta representado en las falsas radiografias. No tiene nada que ver con las sinuosas formas de nuestro cerebro, y si con el efecto que produce visualmente la exposición a alta velocidad del alcohol en plena combustión.


Este fenómeno lo consigue al verter  unas gotas de alcohol en una probeta de vidrio de gran tamaño. Después de unos momentos, la sustancia volátil se extiende de manera uniforme en el interior del contenedor. A continuación, enciende la mezcla de gases produciéndose la síntesis de esculturas de fuego efímeras que adopta formas orgánicas


El proceso artístico de Oefner es altamente metódico, requiriendo una amplia investigación, experimentación y colaboración con expertos en diversos campos. En una exploración en curso desde 2013, colaborando con científicos como el físico teórico Brian Greene e institutos como el CERN y el Centro Edgerton en el MIT, el artista creado ha creado series fotográficas como Black Hole, Big Bang e Infinite Moment in Time, que nos ayudan a entender mejor el concepto del tiempo. 





Borondo, retratos hechos en balas de paja

 
Como espectros fantasmales los retratos familiares realizados utilizando como lienzo las balas prensadas de paja apiladas, reproducenien escenas rurales que se funden con el paisaje, donde su autor el artista español Borondo.
 
Material poco frecuente en términos creativos pero que Borondo utiliza como si fuera un negativo fotografíco orgánico, a través de los que representa escenas campestres, cuyas referencia abarcan diferentes aspectos de su vida cotidiana. 

Aunque en las fotografías originales se sugiere que las personas  que han sido retratadas transmiten cierta cordialidad, hay un tono misterioso y lugubre que rodean de cierto aire surrealista todas y cada una de ellas.
 
RETRATOS QUE HUMANIZAN EL PAISAJE A PARTIR DE ELEMENTOS ORGÁNICOS.


Quizás sea por la escala de tonos monocromaticos que emplea en su realización, las figuras realizadas a escala real se difuminan diluyendose parcialmente con el fondo sobre las que resaltan, formando parte de composiciones de carácter rural inspirados en las escenas en las costumbres locales de Cotignola. Una pedania en la provincia de Ravenna, en la italiana región de Emilia-Romagna, situada a unos 50 km al sureste de Bolonia.

Borondo que cuenta con una extensa obra plástica en diferentes formatos, aplica técnicas clásicas para explorar sobre superficies ajenas a la practica pictórica habitual consiguiendo interesantes efectos tridemensionales, provocados por los volúmenes y las sombras que produce la luz.

Graduado en el IES Margarita Salas Madrid, y la Universidad Complutense de Madrid. A diferencia de otros artistas del street art, Borondo trabaja con las técnicas clásicas de la pintura  para intervenir sobre el paisaje tanto urbano como rural humizandandolo.



Bot y Dolly - Box, los antecedentes de la inteligencia artificial


Coreografía, luz, sonido y movimiento se conjugan como elementos narrativos en la ultima perfomance audiovisual realizada por el dúo artístico Bot y Dolly. Mediante la utilizacion de la proyección de objetos mapeados digitalmente  

Las figuras geométricas adquieren volumen desplazándose en 3D por un espacio neutro. La experiencia se planteo en un formato por la que se dividio en bloques la pieza titulada Box combina la robótica y la tecnología digital. Propuesta a través de lo que describe recurriendo a imagenes cargadas de belleza lírica fenómenos físicos como la teletransportación, la levitación o  la física cuántica.



Consiguiendo crear sugerentes efectos visuales donde la simetría de las imagenes holograficas se funden con la luz y los efectos sonoros. La acción que se desarrolla en una nave industrial es dirigida por uno de los artistas que interactúa dando forma al movimiento en función de la sintonía que se emite en paralelo.

Box cuyo vídeo recomiendo echarle un vistazo pudiendose ver íntegro en el siguiente enlace actualizado recientemente AQUI, explora la síntesis del espacio real y digitales a través de la proyección de mapeo de superficies móviles.

Bot y Dolly es un estudio de diseño e ingeniería digital con sede en la ciudad californiana de San Francisco. Especializado en la automatización, la robótica y la cinematografía. Su planteamiento creativo consiste en avanzar en los procesos técnicos. Aplicandolos como herramientas creativas en diversas áreas audiovisuales.



Arbart, antes de ser museo monumento monocromo

Situada en uno de los cruces principales en el centro de la localidad alemana de Sttugart. El moderno edificio que alberga las colecciones de la Arbart contrasta  con el paisaje arquitectónico donde se enclava, compuesto por casas cuyo estilo rural es el característico en la zona. Unidades reidenciales construidas en madera muy influenciadas por la época luterana que es de la que datan. 

Antes de que los volúmenes rectos formados por cubos superpuestos cuyas grandes lunas permiten al visitante acceder visualmente a su interior, en su parcela se levantaba una vivienda cuya tipología homologable a las adyacentes uniformaba el paisajes arquitectónica del barrio.




Debido a su abandono el edificio de tres alturas presentaba un estado de deterioro que amenazaba ruina, siendo objeto de actos vandálicos pasando a ser conocida como la casa del graffiti, debido a que su fachada había sometida a una intensa actividad por parte de los grafiteros.

Lo que propicio que sus actuales dueños y gestores antes de su demolición la convirtieran en una obra de arte, encargando a los artistas urbanos Simon Jung y Paul Hanno Schweizer, conocidos por su intervención en 2.009 en el edificio Cardillo de Scampia de Napoles. Una actuación que simbolizara su inminente desaparición.

Pintada en negro, de luto integral la vieja y destartalada casona anuncia de forma lúgubre su propio final antes de convertirse en escombros tras ser llevar a cabo su demolición controlada. En una ceremonia donde se hace participe a la comunidad de vecinos donde ha estado emplazada mas de cien años.



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INO, iluminando el interior


La trayectoria del artista griego INO corre paralela a la situación por la que atraviesa su país. En sus últimos proyectos ha abandonado toda referencia al color, sustituyendolo por una gama de tonos neutros con los que sin embargo consigue efectos próximos  al hiperrealismo. Imagenes limpias donde ha suprimido los elementos accesorios. 

Manos, gestos, rostros donde la elocuencia de sus miradas pintados aplicando un suave degradado produce, que el tratamiento de las sombras iluminen las imagenes humanizando su expresión, observandose en algunos casos un matiz áureo que transciende el mensaje aumentando su expresividad.

Aunque el grueso de su obra esta realizada tomando el espacio publico como lienzo a través del que manifestarse. También cuenta con una prolija trayectoria como pintor formal donde sustituye el aerosol por una técnica mixta donde aplica los mismos juegos cromáticos. Licenciado en bellas artes trabaja en la calle desde el año 2.000, habiendo organizado varias exposiciones.


Inside-Out, un retrato global de una planeta en horas bajas


Promovido por el fenómeno global del arte urbano, el artista de origen francés JR que aprovechando la difusión mediatica de su intervención en la conferencia que organizo la iniciativa TED en 2011, con motivo de la concesión de los premios que convoca anualmente. 

El proyecto Inside Out, hereda tanto en lo formal como en lo estético las características por lo que las intervenciones de JR han sido reconocidas mundialmente. En el caso del proyecto Inside-Out se trata de una propuesta de carácter nómada y global por lo que se han realizado intervenciones similares se han hecho tanto en entornos urbano como en paisajes rurales de un total de 108 países.

Experiencias en las que han participado mas 120.000 mil personas, que representan al conjunto de la humanidad que habita el planeta tierra. Independientemente de su origen geográfico, credo religioso, ideología o raza de los cinco continentes.


Conformando un crisol cultural donde como en otros trabajos, destaca la humanidad que transmiten los semblantes de las decenas de miles de retratos, con las que se han alfombrado los mas variopintos lugares y soportes. Y con los que el autor quiere rendir un homenaje a la madre tierra, y de paso lanzar una advertencia sobre los numerosos peligros sociales y ecológicos que la acechan.

El proyecto que se ha financiado con el 1.000.000 de dolares con los que esta dotado. Parte de un planteamiento que se formula mediante dos sencillas preguntas. ¿Puede el arte cambiar el mundo? O Tal vez deberíamos reformular el sentido y contexto de la cuestión en si, optando por un planteamiento que se dirige a aquellos que poseen las herramientas para transformar la realidad con las que se relaciona habitualmente. ¿Puede el arte cambiar la vida de las personas?


El proyecto Inside-Out nos desafia con interrogantes a través de los que según su promotor se pretende es incitivar la participación enriqueciendo la propuesta artística con un debate dialéctico que combina el activismo social y la creatividad colectiva.


Contemplando el espacio publico como un altavoz expresivo. Donde a partir de las incorporación de una diversidad de sensibilidades, crear un ágora de debate cuyas ideas finalmente se trasladen a la práctica materializandose en propuestas que supongan la adoptacion de medidas que supongan una mejora sustancial de los entornos que compartimos y en los que convivimos con el resto de los seres vivos que habitan el planeta Tierra.



Michael Peck retrata la inocencia despues de la tormenta



Después de que sus dos abuelos murieron en 2010, con pocos meses de diferencia, el artista Michael Peck decidió investigar para conocer la historia de los hombres pertenecientes a su familia que sirvieron en la Segunda Guerra Mundial. 


El pintor con sede en Melbourne (Australia) utiliza su paleta monocromática al oleo para crear pinturas realistas  sobre lino de niños jugando con el equipo de la Segunda Guerra Mundial. La serie titulada The Landing explora y analiza las reacciones ante la guerra a través del asombro infantil. Y cuyos retratos nos remiten a los de otro francotirador liminal y crepúscular como es Gottfried Helnwein.


En su obra, que adorna con súbditos inocentes uniformados de piloto de caza y los ojos vendados. La serie esta inspirada en una historia de uno de sus abuelos le habló de un avión estrellado en Londres durante una de las operaciones, donde un grupo de niños rodearon el aparato para jugar, como si los restos fueran un elemento propio del patio de recreo.
 

Sus obras encarnan una quietud, capturando momentos en medio de una acción frenética. En este desconcierto las manos de los niños, las alas de los pájaros y el fluir de los arroyos se detienen temporalmente, invitando a la contemplación. El arte de Peck plantea preguntas sobre la infancia, la inocencia, la cultura, la naturaleza, en un contexto de transición e incertidumbre. Invitándote como sujeto a crearte tu propia interpretación. 

Esta imagen impresa en la memoria del pintor fue el hilo conductor para tratar  de comprender las causas que empujaron a la generación de sus abuelos a la gran guerra, y como esos terribles acontecimientos transforman la inocencia en crueldad. 


En la serie titulada Santuario, sin embargo Peck utiliza pigmentos disueltos en aceites para representar escenas con las que trata de escapar en el desierto victoriano y distanciarse de la trampa de la vida moderna, Peck tiene como objetivo capturar los momentos que anhelamos, momentos de paz, comprensión y contemplacion. Incluso si estos momentos son fugaces, se vuelven aún más valiosos debido a su rareza.



Gregory Colbert/Ashes and Snow, el reino animal entre el sueño y la realidad


Las fotos en las que participan animales son muy complicadas de realizar, pedirle a un elefante que adopte determinada postura mientras sostiene la mirada es misión practicamente imposible. Lo que suelen hacer los fotógrafos naturalistas es crear las condiciones idóneas.

Con el propósito de modificar sobre el estado de animo del animal o estudiar su comportamiento y escoger aquellos momentos del día en los que se reunen las mejores condiciones para realizar la instantánea. Una de los factores a tener en cuenta en este tipo de trabajos es procurar que nada ni nadie distraiga la atención del animas. 

Cualquier movimiento o ruido por muy pequeño que sean, puede dar al traste con una plantificación de horas. Estas dificultades son a las que resuelve con mucha experiencia y conocimiento, el fotógrafo especializado Gregory Colbert. Que nos muestra su gran destreza y talento en este tipo de situaciones.


Su proyecto Ashes and Snow, es un trabajo audiovisual que comprende aparte de las series fotográficas, filmaciones de documentales, una novel y soportes multimedia. Con los que explora las relaciones de los seres humanos con el reino animal, realizando un enfoque donde los místico transciende el lenguaje del encuentro equilibrandolo, diluyendose las diferencias entre especies, siendo imagenes que transmites mucha fuerza y serenidad.


Para realizar estas magnificas fotografías su autor se traslada a los lugares de origen de los animales, seleccionando sus habitats naturales como el mejor estudio para captar su autencidad, algunos de los destinos han sido India, Egipto, Burma, Tonga, Sri Lanka, Namibia, Kenia, la Antártida, las Azores y Borneo. Desde que se organizo la primera exposicion en Arsenal de Venecia, Italia en 2002.

El Museo Nomadic, hogar permanente de Ashes and Snow, debutó en Nueva York (marzo-junio, 2005), después viajó hasta Santa Mónica (enero-mayo, 2006), Tokio (marzo-junio, 2007) y Ciudad de México (enero-abril, 2008). Desde entonces ha sumado 10 millones de visitantes que han podido asistir a una experiencia poetica compartida con el reino animal.