Nomada Q : fragmentos

fragmentos

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Aunque parezca que su elaboración y montaje son sencillos, lo cierto es que cada breve secuencia cuyo metraje puede oscilar entre unos cuantos segundos y un intervalo de tiempo que no supera los treinta segundos.

Puede implicar dependiendo de la cantidad de sujetos que su autor el artista y fotógrafo turco Erdal Inci varias horas. En un proceso donde emplea secuencias de vídeo, para crear efectos de movimiento en formato gif.

La sensación de clonacion del cuerpo que se desplaza en el espacio y el tiempo, experimenta con el fenómeno de deja-vu. Convirtiendo la expresión corporal en un gesto autómata.

Ubicados en multitud de contextos cada carrusel adopta una personalidad aunque transmita sensaciones muy similares. Aunque buena parte de los fragmentos están protagonizados por Erdal teniendo como escenario de filmacion el espacio publico.

Hay ocasiones en las que recurre a espacios cerrados. Donde debido a las limitaciones recurre a herramientas CGI, con las que multiplica las veces que estima cada acción ejecutada por el mismo. Acciones casi siempre casuales que son fruto de escenas que observa en la calle y le sirven como argumento inspirador.

Construido en 1.934, el edificio que alberga el Museum of the Seam en la milenaria Jerusalem, simboliza el conflicto árabe israelí. Expulsados de su propiedad en 1.948, los que se consideran sus legítimos dueños la familia palistani Baramki siguen reclamando su resistitución.

Desde la azotea del museo, se puede ver a través de la Línea Verde a Jerusalén Este, justo enfrente de lo que era Mandelbaum Gate, el único punto de cruce entre los dos lados de la ciudad en ese momento.

La estructura del edificio así como la fachada semi derruidos "conserva" los arañazos y cicatrices de los numerosos ataque a los que se ha visto expuesto. Debido a que se utilizó como un puesto de avanzada militar israelí entre 1948 y 1967 ya que se sitúa justo en la frontera de entonces entre Israel y Jordania.

Elegido por su relevancia en la tensa convivencia que mantienen los pueblos israelita y palestino. Creado en 1.999, esta dirigido por su fundador el comisario de arte Raphie Etgar cuenta con la financiación de la Fundación Jerusalem.

Es a partir de 2.005 cuando desarrolla una actividad con la organización de importantes muestras anuales como Dead end (2005), Equal and less equal (2006), Bare life (2007/08), Heartquake (2008), Nature nation (2009) o las dos ultimas HomeLessHome y The Right to Protest que datan de 2010. Con cada una de las muestras se ha pretendido buscar tender puentes entre las partes enfrentadas.

El museo se compromete a evaluar la realidad social dentro de nuestro conflicto regional, para promover el diálogo frente a la discordia y al fomento de la responsabilidad social que se basa en lo que todos tenemos en común, más que lo que nos separa.

La colección permanente incluye obras de artistas de 11 países - entre ellos Israel -Palestina, Irán, Corea del Sur, China, Francia, EE.UU. y Sudáfrica - usando formatos como fotografía, vídeo, instalación o escultura.

Algo tan trivial aparentemente como una parada de autobús se puede convertir en muestra de la diversidad de una comunidad, o eso es al menos es lo que pensó el fotógrafo Richard Hooker, cuando apostado en diferentes paradas de autobús de la ciudad de Londres realizo entre 2.001 y 2.005 la serie Bus Stop.

Compuesta por un total de 135 instantáneas, se trata de un conjunto de fotografías que se tomaron entre 2001 y 2005, las cuales representas el multiculturalismo que ha experimentado la capital del Reino Unido, a lo largo de los últimos treinta años. Siendo ese periodo de tiempo en el que quizás se observo más ebullición.

Siendo un fenómeno que se ha observado sobretodo desde que arrancó este nuevo milenio cubriendo prácticamente toda la primera década del siglo XXI. Registrando con su cámara todo un calidoscopio, que bien podría convertirse en objeto de un estudio sociológico.

El conjunto de fotografías explora cómo las personas se relacionan entre sí en espacios confinados, ofreciendo fragmentos de su comportamiento y habitos. Cada pocos minutos en algún punto de la extensa red de transporte se reunen en pequeños grupos para compartir el mismo espacio y un momento fugaz en el tiempo.

Basta con esperar a que algo acto casual y rutinario describa ese acontecimiento convirtiendolo en algo digno de ser fotografiado, lo que por otra parte sucede con asiduidad.

Cada colección de estas personas resulta totalmente diferente al siguiente. La forma en que las personas se apropian del espacio, la forma en que se congregan. Señalando las combinaciones específicas de personas y lugares en un lapso en el tiempo documentando este interesante fenómeno socio-cultural.

En la serie de intervenciones urbanas The Ceramic Speaks in the Street se da un paso mas en la utilización de elementos del espacio publico, para manifestar ideas a través del arte urbano. En este caso la artista rusa Daria Makarenko talla en fragmentos de piedras o cerámicas frases alusivas al entorno o a su estado de animo en ese momento, incrustandolos en grietas y hendiduras de muros y acera que se encuentran en los alrededores de la ciudad de Estocolmo.

En esencia ha sustituido de una manera creativa y filosófica, los ladrillos y las piedras que faltan en las paredes y pavimentos, de tal manera que casi se funden con su entorno, ajustándose ligeramente para ofrecer declaraciones como por ejemplo. "El silencio también lleva un mensaje sin necesidad de romperlo".

El proyecto 1906 + Today: The Earthquake Blend se origina a partir de la lectura del libro titulado San Francisco is Burning, escrito por Dennis Smith, en el se recrean los acontecimientos del terremoto de San Francisco, una catástrofe acaecida en 1906, y que en tan solo 25 segundos de actividad sísmica de la falla de San Andrés, desbasto la mayor parte de la ciudad.

Estos hechos traumáticos, han sido objeto de numerosos estudios a lo largo del ultimo siglo, documentación que tras ser recopilada, le ha servido al fotógrafo Shawn Clover, para elaborar las dos series que componen un trabajo, en el que rescata parte del pasado trágico de San Francisco, y lo suporpone con fotografías realizadas recientemente de la ciudad. Esta dualidad espacio tiempo representa una postal donde habitan la memoria y un presente que discurre aparentemente indiferente en relación a su historia.

Ama tu ritmo y ritma tus acciones
bajo su ley, así como tus versos;
eres un universo de universos
y tu alma una fuente de canciones.

La celeste unidad que presupones
hará brotar en ti mundos diversos,
y al resonar tus números dispersos
pitagoriza en tus constelaciones.

Escucha la retórica divina
del pájaro, del aire y la nocturna
irradiación geométrica adivina;

mata la indiferencia taciturna
y engarza perla y perla cristalina
en donde la verdad vuelca su urna.

Mucha locura es la mas divina sensatez

Para un ojo sagaz

Mucha sensatez .-es la mas absoluta locura-.

La mayoría

En esto, como en Todo, prevalece

Asiente .-y estarás cuerdo-.

Objeta .-e inmediatamente eres peligroso-.

Y seras encadenado.

Hasta finalizados los juegos paralimpicos de Londres 2.012, surcara las aguas del rió Tyne, la versión en escala reducida de los barcos de vapor, que surcaban el rió Mississippi predominantemente en el siglo XIX. Producto de una propuesta interdisciplinar desarrollada por el grupo de música experimental Owl Project, Ed Carter (productor y principal impulsor del proyecto), en estrecha colaboración con el arquitecto Nicky Kirk, además de una amplia gama de especialistas, incluyendo ingenieros, constructores de barcos, y los artesanos ebanisteros que han diseñado la noria.

The Flow se compone básicamente de una plataforma flotante una casa y un molino de agua, construidos con madera reciclada, se completa con instalación solar que completa energeticamente el funcionaniento de la embarcación. Esta estructura flotante incorpora un motor basado en un tradicional "Shipmill '. Una rueda hidráulica que aprovecha la corriente del río Tyne. Con esta energía se utiliza para hacer funcionar una serie de sistemas electro-acústicos e instrumentos musicales que combinan la automatización mecánica y la tecnología digital para producir sonidos que son el resultado del seguimiento del estado del rió.

El Turbidatron un láser que genera sonidos de acuerdo con la turbidez del agua. Los engranajes y manivelas conducen el láser que emite un haz de luz a través del agua, creando en tiempo real del sonido. El Salinity Sampler Sequencer, con su cinta transportadora y sensores electrónicos, crea una melodía de las últimas 12 horas de los movimientos de la marea. El Bubble Synth + Bellows es un fuelle que crea sonidos de las burbujas, controlando la composición química del río.

The Flow abarca formas de expresión artística, combinando métodos tradicionales y contemporáneos, que combina la escultura, la tecnología de última generación, hechos a mano los instrumentos de madera, la arquitectura, la ingeniería de precisión y la música electrónica para crear una asombrosa obra de arte audiovisual de ambito público. Los instrumentos respondeN directamente a la situación cambiante del río. Los sonidos creados por cada instrumento también puede ser manipulado por los visitantes del Molino.

Una de las zonas geograficas del planeta Tierra, donde mejor se aprecian las desvastadoras consecuencias del cambio climático, es en lo que se conoce como el desierto de Mo'ynaq, y que hasta la década de los 80's del siglo pasado, durante la etapa soviética fue una prospera localidad, cuya economía se sustentaba sobre la actividad pesquera, que ejercía su numerosa flota de barcos, cuya preciada tras subastarse en la lonja, se trasladaba a la capital Moscu.

En la actualidad Mo'ynaq es una sombra de lo que fue, su pobración en una mayoría ha emigrado debido a la falta de expectativas, pero la imagen mas sobrecogedora de la desaparición del mar y su transformación en un erial donde apenas pueden sobrevivir unas cuantas malas hierbas, hay que buscarla en los antiguos muelles, donde permanecen amarrados a la arena sobrecalentada, en hilera los cascos oxidados de los pecios, testigos mudos, fantasmas de una época que ya no se reeditara.

El escenario surrealista parece extraído de una secuencia apocalíptica, de los mercantes abandonados a su fortuna, despedazados por el transcurrir inexorable, se convierta en termómetro de una situación que debido a su magnitud podría afectar al resto de la humanidad. El mar de Aral que perfilaba la costa de Mo'ynaq, ha retrocedido la estimable distancia de 150 kilómetros, dejando un panorama desolador entre su menguada población que asiste contrariada e impotente a la practica desaparición de su medio de subsistencia, que se encuentra en los escasos caladeros, donde todavía se desplazan algunas "cofradias" de pescadores.

Como se observa en la fotografía de agua la mayor mas de agua que bañaba Uzbekistán, se ha reducido practicamente un 90%, limitandose a una franja al oeste del país. Las causas de este desastre medioambiental hay que buscarlas en las políticas de irrigación, aplicadas a partir de los años 60's dentro, en la época de la antigua Unión Soviética, y que ha propiciado el empeoramiento del clima característico de la zona afectada.

Lo que era un vergel, se ha transformado en un cementerio improvisado donde cientos de barcos practicamente desmantelados de su armazón, debido a los actos de pillaje, que han encontrado en el comercio del acero con el que están fabricado una buena parte de ellos y en la venta de los diferentes elementos tecnicos como chatarra, actividad de subsistencia precaria, que esta suponiendo un impacto ecológico brutal sobre la zona, debido a los inexistentes planes para realizar un desmantelamiento ordenando, dejando numerosos focos de contaminación.

Los mas siniestro de esta dramática situación es que algunos "emprendedores", han encontrado la forma de rentabilizar el desastre, convirtiendo en una especie de parque temático los fosiles de los barcos que permanecen imperturbables, mientras son fotogafiados por miles de turistas, que en muchos casos acaban adquiriendo a modo de souvenir, las reliquias extraídas de los barcos en estado de ruina y vendidas por sus saqueadores. Mo'ynoq ahora sufre los veranos muy calurosos e inviernos bajo cero, y los barcos abandonados sirven como un recordatorio constante de lo que la ciudad solía ser, y lo que podría suceder en otros lugares al menos que el ser humano se da cuenta del impacto que tiene en el mundo que le rodea.

Escuchando la generosa muestra de sonidos, que pone a disposición del oyente curioso en su sitio web, uno puede llegar apreciar, la increíble cantidad de sonoridades que nos brinda la naturaleza.

Y que hemos sustituido por una serie insustancial de ruidos cacofonicos y artificiales que conforman nuestro sociedad cosmopolita. La compositora Cheryl E. Leonard con sede en San Francisco (Estados Unidos), fue un niña precoz, que mostraba gran habilidad a la hora de aprender e interpretar con su viola, mientras soñaba con ser estrella Rock.

Continuo con su formación, hasta que un día en una de sus frecuentes excursiones a la montaña, se dio cuenta del increíble material sonoro que representaba los paisajes que la rodeaban y los elementos que la componen. Desde entonces en cada proyecto que ha iniciado, ha ido registrando y documentado miles de sonidos.

Así como se ha convertido en una experta artesana en el diseño y fabricación de instrumentos, con los materiales que le ha ido proporcionando el entorno donde ha trabajado. Tomando los objetos y muestras de audio de origen de sus viajes alrededor del mundo.

Muestras que ya en casa utiliza para crear piezas musicales tan sugestivas como singulares. Huesos de pingüino del Antártico con 100 años de edad, conchas, piedras comunes e incluso sal marina son cuidadosamente manipuladas para crear sonidos que extrañamente reflejan la tierra de procedencia.

Pedazos de vidrio y piñas, glaciares, hojas... La música de Cheryl E. Leonard obtiene sus materias primas en cualquier lugar. A partir de estas diversas fuentes vienen obras que abarcan el espectro de posibilidades musicales: piezas compuestas de manera improvisadas.

Durante la última década Cheryl se ha centrado en investigar los sonidos, las estructuras y los objetos del mundo natural. No es fácil escribir sobre el sonido, así que quizás es mejor empezar con los objetos que las emiten.

En su ultimo proyecto como parte de un programa de la NSF, que invita a artistas y escritores para explorar la Antártida. Cheryl ha pasado seis semanas en el ambiente extremo con el único objetivo de recuperar sonidos únicos y los materiales para reproducirlos.

Cheryl tiene una licenciatura de Hampshire College y un MA de la Mills College, habiendose formado tanto en el ámbito de la composición musical como en el de la expresión creativa. En su trayectoria cuenta con numerosas colaboraciones y una discografia en solitario que se puede adquirir a través de su sitio en la red o AQUI o escuchar desde AQUI.

Con motivo de su participación en la ultima muestra de arte callejero austriaco Escape The Golden Cage, que se esta celebrando estos días en sus calles, el polifacetico y poliedrico artista Dan Witz.

Recupera el mobiliario urbano, o al menos el que nos es más cercano y reconocible, como son las señales de trafico que nos indican como desplazarnos de forma civilizada por el conjunto de calles, que conforman el espacio publico.

Elemento que el utiliza como soporte expresivo, sustituyendo los fríos y anodinos pictogramas por reflexiones e ideas alusivas a una diversidad de preocupaciones sociales. Algo que hace utilizando un lenguaje en el que a pesar de que está dominado por un espíritu crítico y mordaz, no se olvida de la ironía mostrando su sentido más informal.

Y que representa un paso coherente de lo que fue en 2007 su proyecto de arte callejero Do Not Enter, con el que inundo de proclamas incendiarias las ciudades de New York, Londres y Copenhague. Una acción global con la que queria reflexionar sobre los flujos de población y sus limitaciones e imposiciones administrativas.

Natural de la ciudad estadounidense de Chicago. A lo largo de su trayectoria que abarca casi dos décadas se ha creado una identidad creativa producto de un enfoque interdisciplinar de su práctica artistica. Aunque se ha hecho fundamentalmente conocido por sus ingeniosas pegatinas con las que ha creado toda una marca reconocible a nivel mayoritario.

Además de su selección de carteles serigrafiados en trampantojo titulados Holes realizados durante la segunda mitad de la última década del siglo XX. Un conjunto de intervenciones que tuvo como marcó el distrito de Brookly. En los últimos años, Witz se ha volcado en la pintura, buscando inspiración en la ciudad de Nueva York y combinando herramientas tradicionales y digitales en sus trabajos que estéticamente parecen collage.

Sus trabajos comienzan con fotografías digitales, las cualesedita en Photoshop y luego imprime las imágenes sobre lienzo. Al igual que los maestros holandeses, Witz aplica el color con técnicas tradicionales de veladura, lo que le permite crear ilusiones de profundidad, forma, luz y sombra.

Las experiencias pop-up (temporales), cada vez son mas frecuentes, se trata de iniciativas que aprovechan espacios o materiales, para darles una utilidad concreta durante un determinado intervalo de tiempo. En el caso del comedor Richmond, desarrollado por los estudios de arquitectura y diseño Foolscap y Right Angle, es el encargo del dueño de un edificio, que en breve lo demolera, para construir una torre de apartamentos. Pero que antes ha querido compartir con la comunidad las viejas instalaciones, dándole un contenido lúdico y social.

Se trataba de transformar una antigua fabrica de pianos, que en su ultima etapa habia albergado los estudios de una cadena en de televisión en la ciudad de Melbourne (Australia), en un centro destinado a realizar diferentes actividades con el propósito destinadas a enriquecer la vida de los miembros de la comunidad, muchos de ellos antiguos trabajadores de la fabrica, o de su descendencia, que han tenido la oportunidad de vivir el espacio donde han desarrollado su vida laboral de forma diferente.

Cada fin de semana decenas de familias se dan cita en The Richmond Weekender en los antiguos platos del Canal 9, ahora se puede degustar una delicioso menú cocinado, con los ingredientes que se cultivan en la parcela que recorre paralelo a la tapia, o deleitarse con los trabajos que han filmado los estudiantes de imagen de la ciudad, y que pasa en lo que era la sala de visionado. El primer fin de semana este proyecto atrajo a más de dos mil visitantes, lo que desbordo todas las previsiones de los organizadores, que ya han recibido nuevas propuestas para realizar proyectos similares.

Los tres espacios han sido enfocados de manera holística, por lo que el lenguaje estructural y la paleta de materiales se repite en todas partes. Uno de los objetivos clave para el diseño se ha ocupado de la fenomenología o la experiencia sensorial, y la forma en que interactúan con el espacio, estos entornos temporales deben ser lugares que exaltan y dan vida al usuario final.

Como no podía ser de otra forma los materiales, que se han empleado en el diseño y decoración interior de las diferentes salas, son de origen renovable. Así como los que se emplean en la elaboración de los productos que el visitante puede adquirir en el mercado de artesanos. Mesas y bancos construidos a partir de andamios, tableros y listones de madera proporcionan el café un aspecto rustico pero acogedor, consiguiendo que el visitante se sienta como en casa.