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Akio Hizume - Bamboo Fibonacci Paraboloid House, reconstruye la casa tribal Japonesa inspirada en la Espiral de Fibonacci


Con el propósito de rememorar viejas hazañas universitarias, uno de sus antiguos alumnos vuelve e imparte unas clases durante los meses de estío. Este alumno es ni más ni menos que Akio Hizume, quizás el arquitecto japonés con más proyección internacional en la actualidad.


Cuyo proyecto final consiste en diseñar y construir aplicando criterios participativos un poblado cuyas características arquitectónicas. Obedezcan a criterios sostenibles y vinculados a las características paisajistica e historia constructiva de la region.

Y que hagan referencia directamente a los primeros antecedentes de asentamientos de los que se tiene constancia en la zona. Proyecto realizado en el perímetro del campus de la Musashino Art University en Japón, en el Verano de 2.015.


Su autor principal Akio Hizume recurre a un discurso. En el cual en términos arquitectonicos, lo afectivo y experimental se plasman en la ejecución de un poblado compuesto por un conjunto de chozas. En cuyo diseño aplica la fórmula conocida como la Espiral de Fibonacci, también conocida como espiral dorada.

Se trata de una secuencia lineal infinita generada a través de un logaritmo matemático descrito por Leonardo de Pisa. En términos prácticos se trata continuar la secuencia sumando el último valor más el anterior, por ejemplo: 2+1= 3 3+2= 5 5+3= 8 hasta que se desee.  


Las cuales han sido construidas con vainas de bambú cruzadas, dando como resultado unos refugios que se sitúan alrededor de una plaza central, distribución sobre el terreno que es heredada de la época en la que se asentaron.



Bamboo Fibonacci Paraboloid House simboliza la recuperación de materiales y usos ancestrales, aplicados a una arquitectura cuyo enfoque pone el acento en la gestión de los recursos de forma comunitaria y sostenible


Los edificios presentan una estética que visualmente confiere uniformidad al conjunto, pero que se comportan como entidades autónomas aplicando diferentes criterios de uso dependiendo de las necesidades dentro de la comunidad.

Como el granero destinado al almacenaje de la cosecha, la cocina colectiva donde se elabora la comida y se consume en grupo. Además de los espacios comunes, donde planificar y realizar el resto de las tareas y relaciones sociales. 

Que conforman una red donde los recursos existentes, se contemplan desde un enfoque colectivo. Vinculando la arquitectura al desarrollo de todos y cada uno de los miembros que forman parte de la comunidad.

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Aisslinger Werner - Pielsen Domus, el desafio de crear un museo dentro del museo


Diseñada con motivos del programa de actos que se celebraron para la capitalidad cultural, que en el año 2.015 tuvieron como sede la ciudad checoslovaca de Pilsen.

Domus es una instalación producto del trabajo de un equipo interdisciplinar compuesto por diseñadores, ingenieros y botánicos, siendo el compendio de la metabolizacion de los recursos y tradiciones de la región y sus tradiciones culturales agrarias. 

Todo ello presentado narrativamente estéticamente bajo una atmósfera donde los componentes mesiánicos, nos trasladan a los orígenes de sus primero pobladores.


 Ubicada en una vieja nave industrial que albergaba las cocheras de un tranvía, para instalar esta heterogenea colección sus creadores encabezados por el artista Aisslinger Werner.  Han utilizado un diseño inspirado en uno de los muchos invernaderos que se podían encontrar por la zona hasta hace no mucho tiempo y que gradualmente han ido desapareciendo.

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Domus es una interpretación de la cultura local a través de la aportación realizada por diferentes artistas, y su particular interpretación de unos elementos comunes


El Studio Aisslinger teje narrativas entre la arquitectura, los espacios, los objetos con las que ofrecer experiencias creando nuevos paradigmas que puedan guiar su práctica de diseño concibiendolo como un desafio. El diseño va más allá de la forma. Se trata de la constitución del espacio, de las atmósferas. Hoy en día, ni el minimalismo elegante ni la apariencia uniforme del diseño de interiores modular y esquemático pueden ser el objetivo. El nómada urbano quiere experimentar el diseño como un mosaico creativo e identificativo que surgen de su propia biografía. 





Future Cities Lab - Theater of lost species, una experiencia que te permite conocer los efectos de una extinción masiva de forma inmersiva


En el transcurso de los últimos cien años debido a la presión ejercida por el conjunto de la humanidad sobre su entorno. Se ha producido un desequilibrio en la naturaleza.

Esto antecedente cultural producto de una visión antropomórfica de la vida, ha propiciado la mayor extinción de seres vivos que haya conocido el planeta tierra. Esta situación desconocida ha implicado entre otras muchas causas. La expulsión de la mayoría de las especies animales del hábitat del ser humano, rompiendo un vinculo que había permitido la cohabitación entre el ser humano y el resto de las especies que lo pueblan, suponiendo un beneficio recíproco.

El proyecto Theater of lost species, desarrollado por el estudio de arquitectura y urbanismo avanzado Future Cities Lab. (FutureForms desde 2020) Pretende ser un laboratorio donde experimentar las consecuencias y fenómenos que se producen debido a este distanciamiento entre el ser humano y el resto de las especies.

La estructura concebida como un ente desconocido se presenta como una forma de vida desconocida para el ser humano. Fabricada con membranas porosas hechas con carbono ligero reforzado y resina el ente establece un compromiso ecológico con el publico curioso que se acerca.


Equipado con un sistema compuesto por sensores y diodos LED que cubren su superficie. Esta pensada para permitir la interacción en un supuesto escenario donde el desconocimiento mutuo, se propicia a partir de un primer encuentro entre seres que han vivido permaneciendo en planos diferentes.

Expuesta en el centro de arte moderno YBCA de la ciudad de San Francisco en California.  Theater of lost species es una proyecto que combina el arte digital y la ciencia ficción desde una óptica conservacionista. Que forma parte de la agenda de actividades de la exposición colectiva Dissident Futures.





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