Mostrando entradas con la etiqueta escultura. Mostrar todas las entradas

People I Saw But Never Met, la globalización como paradoja que difumina la tenue frontera de la identidad


Mientras su autor el artista Yemeni Zadok Ben-David disparaba su cámara durante las numerosas escalas que compuso su viaje por los cinco continentes, aunque especialmente se centro en retratar diferentes urbes Europeas.

Reflexionaba sobre como un medio convulso y muy volatil como es el sustrato a partir del que se conforma el nuestro, podría afectar al comportamiento del individuo instalandole en una sensación de incertidumbre y resignación permanente.

Primero tomo conciencia de cuales son los efectos sobre  el sujeto, de como la entidad individual esta condicionado por un entorno donde debido a su alta tecnificación se encuentra permanentemente conectado, habiendo cedido la mayor parte de su privacidad a la tiranía del dato y el algoritmo.

Donde los flujos de información y datos viajan de forma instanea, esteoritipando las posibles diferencias en la percepción de una misma realidad que prácticamente se han diluido. Sobre todo cuando se trataba de grandes concentraciones urbanas coma las que se produce en cada vez mas lugares de Asia Central, Europa o Australia.

Así que cuando regreso a su estudio de Londres se propuso reflejar esa homogeneidad que había capturado en las miles de fotografías que había realizado, y tras realizar una selección trasladar visualmente lo que habia capturado a través de la cámara.

DE UN MUNDO GLOBALIZADO, UN INDIVIDUO UNIFORMADO 

Materializandolo en  una instalación de efecto masivo, la cual describiera el proceso por el que las características inherentes a la diversidad en las relaciones que establecemos y  de como las establecemos, además de como los hábitos y comportamientos social nos habían uniformado independientemente de la latitud del mundo donde se encontrara. 

Quedando solamente excluidos los rasgos circunscritos al folklore y costumbres locales de cada región que visito. Compuesta por mas de 3.000 figuras huecas fabricadas en aluminio, la ligereza de cada figura contrasta con el sustrato social que describe y las numerosas lineas de flotación e interrogantes que mantiene abiertas, y que a día de hoy no ha logrado solventar.

Titulada People I Saw But Never Met (gente que vi, pero nunca conoci), tiene sus antecedentes  en obras precedentes como Evolution and Theory (1995) y The Otherside of Midnight (2013). Donde Zadok ya muestra sus inquietudes analizando la multiplicidad de los estándares sociales y su principio organizativo en un mundo donde persisten las fronteras geograficas. La instalación se pudo visitar en la Shoshana Wayne Gallery  en la ciudad de Santa Mónica en California desde el 8 de Abril hasta mediados de Mayo de 2017

Relacionado: Universal Play Machines, es una instalación surrealista que utiliza mobiliario publicitario como medio de expresión natural

El conjunto esculturico People I Saw But Never Met plantea un dilema cuyo punto equidistante divaga entre la inflexión fruto de la globalización y su proceso de uniformidad social, y la persistencia de las barreras físicas como argumento segregador y excluyente.

Lorenzo Quinn - Support


Venezia entre otras muchas cosas transmite fragilidad, aislamiento, cierta nostalgia y serenidad (pese a estar sometida a los rigores de un turismo excesivo), lo que la ha convertido en una de las ciudades mas estresantes del mundo. Por otra parte debido a la elevación del nivel del agua en el interior de la laguna, incremento relacionado con el cambio climático, el casco viejo esta sometido a inundaciones periódicas.

Por lo que esta ciudad anclada en el tiempo ha pasado a simbolizar la resistencia frente a lo que cada vez mas científicos consideran un proceso irreversible. Condición de fortaleza frente a los elementos que hemos tenido oportunidad de ver reflejada en diferentes obras de las que se han exhibido durante la ultima edición de la Biennale de Arte

Muestra que para esta edición ha decidido acertadamente exhibir buena parte de sus obras en el espacio publico convirtiendo a la serenísima en un escenario, donde las obras adoptan un discurso activo.


Ya sea en clave lúdica o adquiriendo un contexto donde  el plano reivindicativo se combinaa con la poesía y la expresión corporal actuando como un catalizador de emociones visuales. Como por ejemplo en la instalación titulada Support del artista Lorenzo Quinn, donde unas manos emergen desde el fondo del canal para sostener una de las fachadas del Palazzo Ca’ Sagredo.

La escultura que se puede visitar hasta el 26 de Noviembre de este año, representa la tensión entre el bien y el mal que guía cualquier acto relacionado con nuestra condición como seres humanos y refleja nuestra lucha constante por romper la tensión de esta dualidad, algo que al fin y al cabo y por otra parte no deja de formar parte de nuestra esencia como especie y de sus casi infinitas contradicciones.

Relacionado: Murman Arkitekter - Restaurant Tusen

Support es una escultura realizada a gran escala con la que su autor analiza los mecanismos de poder subyacente a la naturaleza humana, y en como este nos ciega convirtiéndonos en seres soberbios y omnipotentes.


Crystallized Books, transforma libros clásicos en esculturas de cristal


A partir de una mezcla de borox y agua hirviendo, la artista Alexis Arnold imtortaliza algunas de las obras literarias de su colección personal en pequeñas esculturas dándoles un aspecto critalizado. Para su criterio de selección no se ha guiado por las listas formadas por grandes best-seller a las que solemos tener acceso.

Sino por aquellos títulos que como lectora le han entusiasmado y cuyas copias las ha rescatado de baratillos o han sido donadas por amigos y amantes de la literatura. Tanto las formas de los libros como los tonos que finalmente adquieren así como de la consistencia que adquieren los tomos.  

Son producto de la combinación de factores como la calidad del papel así como de su antigüedad. Además del tintado o impresión utilizado en el proceso de edición. Y que al ser sumergidos en la solución de borox, bajo la aplicación de una técnica desarrollada por la propia artista experimentan diferentes grados de torsión y de decoloración. 


RELACIONADO: Anupama Kundoo - Unbound, The Library Of Lost Books


La serie titulada Crystallized Books utiliza la dualidad de los materiales empleados y su función original para su transformación en esculturas de cristal adoptando un discurso estético y cultural diferente de su concepción original.


Jordi Díez Fernández - Celia, miradas que atrapan el aire


Cuando vi por primera vez vi la escultura titulada Celia firmada por el escultor Jordi Díez Fernández, pensé inmediatamente que estaba ante uno de los bustos tipográficos del escultor Jaume Plensa.

En este caso la inspiración no tiene nada que ver con la relación entre las letras del abecedario, sino más bien con las relaciones humanas con su entorno humano y el lenguaje corporal, así  como con sentimientos mas afectivos y sentimentales. 

Ejecutada de forma delicada y fragil, los contornos de la cabeza de Celia,  recuerda a los rasgos de la Diosa Minerna, deidad  romana de la sabiduría y la mitologia. Aunque en este caso el volumen hueco y vacío de Celia, nos transmite transparencia y cercania.


Dedicado a su pareja, el busto realizado en acero inoxidable reproduce los contornos de la anatomía de la cabeza del ser querido. La pieza de grandes dimensiones se orienta al frente mirando al horizonte poniendo el acento en lo esencial, en una mirada que desborda el paisaje desnudándose y fundiéndose con el.

Nacido en la ciudad castellana de Valladolid, tras completar una primera etapa en Madrid se instala definitivamente en Barcelona. En cuyo estilo ha logrado crear una trayectoria  prolífica en términos creativos, habiendo en sus esculturas una variedad de materiales típicos de su oficio: piedra, hierro, madera y terracota. 


Celia que cuenta con otros antecedentes similares en la obra escultórica de Jordi, se integra de forma frágil y elegante reflejando la intensidad de su entorno que actúa como metáfora emocional de sus sentimientos hacia su compañera.
 

Para Jordi Díez estos materiales son el preludio para trabajar exclusivamente con acero inoxidable, un metal en el que encuentra el potencial expresivo que necesita para sus obras, dejando atrás el discurso de la representación virtuosa y dando paso al interior, a la energía interior. En esta investigación formal se encuentra plenamente con la presencia del vacío, el vacío, la deconstrucción de la superficie. 

Así, Jordi Díez utiliza el metal estrictamente necesario para tratar de atrapar el aire que contiene la forma, alcanzando un grado de síntesis y ligereza que potencia la expresión y la sensación de estar frente a la realidad que hay detrás de lo tangible.

RELACIONADO: Louise Fili - Graphique de la Rue




Urs-Peter Twellmann - Arquitectura natural, del círculo a la esfera en espiral

Con una extensa trayectoria que abarca desde finales de la década de los años setenta del siglo pasado hasta practicamente las actualidad las intervenciones del artista de  Land Art Urs-Peter Twellmann

Han evolucionado desde una practica temprana donde sus obras se fundían con el entorno adoptando un papel pasivo con el mismo. Depurandose a lo largo de estas cuatro décadas transcurso de tiempo en el que ha refinado su estilo, creando formas mas identificables y elaboradas.

En las que los volúmenes adoptan lineas rectas y curvas finamente pulidas. No como en sus comienzos, en los que abundaban las espirales, los volúmenes esfericos y los círculos casi perfectos. Tres características que por otra parte comparte con muchos otros autores de su generacion.

De esa época son las piezas tituladas Ficthe 280-Tellig de 1998, una contundente espiral cuya foto abre esta entrada. Erlen Kulgen firmada dos años antes, una esfera realizada con troncos de menor tamaño que podéis ver a continuacion, o Aneeau D'apicea de 2002 una pieza circular de gran tamaño con la que se cierra esta entrada.
 

Nacido en Suiza, país en el cual aún todavía reside, aunque habría que añadir que tuvo varios residiendo en New York. Destino del que finalmente regreso para crear instalaciones que se proyectan a través de residuos vegetales como materia prima. Esculturas que representan las diferentes unidades mínimas de origen orgánico que se observan en la naturaleza. Aunque esta interesado en todos los materiales, es la madera a la que más recurre por su capacidad para integrarse en el paisaje. 

En sus propuestas no hay solo diferentes puntos de partida y posibilidades a la hora de explorar la expresividad de la materia. A medida que el propio material forma un proceso, también lo hace cada lugar con su topografía, su carácter y particularidades paisajisticas, así como los patrones climatologicos. Las cuales intervienen en la modelacion indirecta de cada intervención.


Las obras de Urs se nutren de un lenguaje donde las referencias arquitectónicas establecen un dialogo con la naturaleza, donde las texturas estéticas son producto del sustrato natural de su entorno.

Definido según el mismo como un artista nómada las actuaciones sobre el medio del artista Suizo, supone un impacto visual donde establece una relación con el paisaje donde las esculturas realizadas a partir de troncos vaciados de madera revalorizan el entorno donde se asientan con esculturas de fino encaje de cuyo interior fluye un relato que describe la naturaleza y los elementos que lo componen. 


RELACIONADO: 
Jim Kazanjian - Sinister Architecture Constructed




Edoardo Tresoldi - Incipit, una escultura frágil en busca de su materia en el paisaje


Compuesta por bloques rectangulares y arcos la instalación titulada Incipit, se eleva sobre dos alturas fundiéndose con la linea del horizonte dominada por el Mar Adriático. 

De carácter monumental su autor el artista Italiano Edoardo Tresoldi recurre como en otras ocasiones al alambre como materia prima para elaborar formas arquitectonicas que permiten relacionarse con el espacio y el paisaje que lo componen. De forma casi liviana casi inocua en relación a su entorno en el cual actúa de forma fragil.


En este caso elementos como el mar y el vaivén de las olas completan con su banda sonora una experiencia multisensorial. En la que el receptor de la obra la observa de forma contemplativa como si estuviera en estado zen,  creando un nexo o comunión con su significado.


En su interior, revoloteando en busca de una salida apenas pueden aletear por falta de espacio unas gaviotas que parecen desear desesperadamente de su jaula de alambre. Edoardo nacido en Milan recurre al uso del alambre y el estudio de la transparencia para realizar esculturas etereas y poeticas.


Realizada para la ultima edición celebrada en 2.015 de la muestra de arte urbano Meeting del Mare, que se celebro en la localidad italiana de Camerota, la instalación explora las posibilidades espaciales que ofrece la arquitectura y su relación con el paisaje


En las que partiendo del concepto Ausencia de la materia, crea una narrativa en la que perfila el espacio explorando la tenue frontera entre la arquitectura y la escultura. En obras en las que lo estetico y simbólico son representaciónes de una proyección mental, un filtro y una forma a través de la cual contar la simbiosis mutua del paisaje y corporal, tanto natural como artificial. 

RELACIONADO: Ben Butler - Unbouded

 

Amy Goda - Dinosaurios de paja creados a escala real

La era protagonizada por esos majestuosos animales con tintes épicos que fueron los dinosaurios, siempre ha causado una atracción especial para el gran publico. Formando parte de numerosas manifestaciones culturales, desde películas, hasta comics. 


Fascinación que pese a todas las alternativas de ocio de las que disponemos a nuestro alcance como consumidores, no solamente no ha dejado de menguar, sino que ha  aumentado. Creandose una mitología a su alrededor que ha llegado hasta nuestros dias, a través de iniciativa en muchas ocasiones que se pueden  calificar de un  tanto bizarras.

Pero que en otras muchas veces se puede percibir como propuestas que no solamente se pueden definir cautivadoras estéticamente y estimulantes visualmente. Sino que reunen reunen parámetros técnicos por las que se puede  afirmar que se tratan de actuaciones realmente creativas.


Y es que la iconografía que produce la era de estos colosales seres ya extintos se aproxima casi a lo mitologico, pasando por una amalgama de productos que son consumidos de forma ávida por millones de fans en todo el mundo. La ultima propuesta de la artista japonesa Amy Goda es la realizada como culminación de la campaña agrícola en muchas zonas rurales de Japon. 


La muestra realizada al aire libres esta conformada por una serie de esculturas realizadas a gran escala que reproducen algunas de las figuras de estos mastodonticos animales que poblaron el planeta tierra hace millones de años. Realizadas con los residuos generados tras finalizar la recogida de la cosecha del arroz, las vainas trenzadas sirven como material con los que modelar cubriendo las osamentas de madera.


Como la que se lleva a cabo en la prefectura de Niigata y que sirve de excusa para celebrar el Wara Art Festival. Una cita que combina actividades lúdico-festivas con otras mas expresivas y que encargo a Amy que realizará un conjuntos de esculturas organicas, que tuvieran como mecanismo inspirador la  figura de la diversidad de especies que formaron parte de su bio-diversidad. 


RELACIONADO: Jessica Drenk, escultura simbiotica




Pedro Marzorati - Ebb and Flow, una metáfora apocalyptica de los terribles efectos del cambio climatico



Creadas con motivo de la Conference of Parties (COP21), antesala de lo que ha sido la ultimo encuentro contra el cambio climático celebrado en París, coincidiendo con la ultima parte del año,

El artista argentino Pedro Marzorati creo un conjunto escultural, cuya discurso narrativo y conceptual tenia como objetivo abordar los devastadores efectos del cambio climático. En este caso Pedro lo hizo desde un punto de vista humano donde un conjunto de figuras emergen de un lodazal inundado.

Titulado Ebb and Flow el conjunto reproduce uno de los escenarios mas probables que producirá los efectos de la subida de temperaturas, y por lo tanto el incremento del nivel de los océanos. Por lo que las previsiones es que miles de kilómetros de costa queden sumergidas.


Un escenario cuando menos desolador y plagado de incertidumbres, cuyas consecuencias dramaticas tanto materiales como en perdidas de millones de vidas humanas aun sería prematuro estimar en cifras. Pero que a tenor de los primeros episodios a los que estamos asistiendo, no resultan alentadoras.


Instaladas en el Parque Montsouris de Paris. Los bustos desnudos mimetizados con un entorno apocalíptico debido a las crecidas de las aguas, presentan un azul eléctrico como mensaje profético ante un futuro del que ya no existe la posibilidad de retornar.


Por lo que abordarla desde el punto de vista creativo, implica no solamente cierto grado de capacidad intelectual. Sino de compromiso con tu entorno y de poseer un nivel de concienciacion que te permita trabajar con cierto criterio y conocimiento sobre el tema que empleas como material expresivo.

Elementos activistas que en su trayectoria vértebran buena parte de su obra, en las que el lirismo del Land Art lo utiliza para denunciar la consecuencias del cambio climático debido al calentamiento global. Los proyectos artísticos de Pedro Marzorati se basan en la reinterpretación de la naturaleza, el desvío de objetos y códigos que conocemos. Estos proyectos buscan cambiar la forma en que los percibimos para "jugar" con ellos, en un mundo imaginario y poético. 

Laurence Perratzi - Tree sculpture elegant


Las esculturas de las artista francesa Laurence Perratzi se proyectan en el espacio de forma orgánica a través de movimientos coreográficos, donde la  expresión corporal se enriquece narrativamente con un mensaje ecologista. 

Se trata de piezas cuyas cualidades transmiten fragilidad y elegancia en el espectador excitando los sentidos. Sus figuras con rasgos arboleos realizadas en bronce representan la conexión con la tierra estableciendo una relación orgánica de la que se nutre. 

Relacionado: Olga Ziemska - Stillness in Motion, la mujer árbol


El trabajo de Laurence Perratzi es una exaltación visual de la naturaleza de la que en la actualidad, la civilización se ha desvinculado, viviendo ajena a sus ciclos vitales.


Sebastian Cox y Laura Ellen Bacon - The Invisible Store of Happiness, la torre de las ilusiones


Con el sugerente titulo The Invisible Store of Happiness (la tienda de la felicidad). La instalación fruto de la colaboración de los artistas Sebastian Cox y nuestra admirada Laura Ellen Bacon.

Aparte de su aliciente estético puede presumir de que en su concepción y proceso creativo ha contado, con dos de los máximos exponentes del Land Art. Aunque en esta ocasión específicamente el fruto de la colaboración.

No obedezca precisamente a los canones de la corriente citada, sino que más bien se aventuran en otros ámbitos creativos. Otro lenguaje más formal y accesible artisticamente, en el que tandem parece sentirse más cómodo construyendo una narrativa estetica, donde combinan lo abstracto y lo ludico.


La obra realizada con laminas de madera extraidas de cerezo dobladas al vapor. Esta compuesta por una serie anillos que va de los que presenta un mayor diámetro en la base, reduciéndo su tamaño en cada una de sus seis alturas, trazando un sistema elíptico de cuyo interior cuelgan cientos de tiras de madera.


The Invisible Store of Happiness es una torre que guarda las formas arquitectónicas, con casi tres metros altura, es fruto de la economía de medios y de su aplicación a la expresión artística


Quizás un reto frívolo a ojos de una mayoría de publico, pero teniendo en cuenta las dimensiones de la intervencion además de su volumen tiene su merito.  Realizada para ser exhibida en la ultima edición de la muestra Clerkenwell Design Week de 2015 celebrada en Londres. 

RELACIONADO: Better Block - Bloquear la calle