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Pedro Marzorati - Ebb and Flow, una metáfora apocalyptica de los terribles efectos del cambio climatico



Creadas con motivo de la Conference of Parties (COP21), antesala de lo que ha sido la ultimo encuentro contra el cambio climático celebrado en París, coincidiendo con la ultima parte del año,

El artista argentino Pedro Marzorati creo un conjunto escultural, cuya discurso narrativo y conceptual tenia como objetivo abordar los devastadores efectos del cambio climático. En este caso Pedro lo hizo desde un punto de vista humano donde un conjunto de figuras emergen de un lodazal inundado.

 Titulado Ebb and Flow el conjunto reproduce uno de los escenarios mas probables que producirá los efectos de la subida de temperaturas, y por lo tanto el incremento del nivel de los océanos. Por lo que las previsiones es que miles de kilómetros de costa queden sumergidas.


Un escenario cuando menos desolador y plagado de incertidumbres, cuyas consecuencias dramaticas tanto materiales como en perdidas de millones de vidas humanas aun sería prematuro estimar en cifras. Pero que a tenor de los primeros episodios a los que estamos asistiendo, no resultan alentadoras.


Instaladas en el Parque Montsouris de Paris. Los bustos desnudos mimetizados con un entorno apocalíptico debido a las crecidas de las aguas, presentan un azul eléctrico como mensaje profético ante un futuro del que ya no existe la posibilidad de retornar.


Por lo que abordarla desde el punto de vista creativo, implica no solamente cierto grado de capacidad intelectual. Sino de compromiso con tu entorno y de poseer un nivel de concienciacion que te permita trabajar con cierto criterio y conocimiento sobre el tema que empleas como material expresivo.

Elementos activistas que en su trayectoria vértebran buena parte de su obra, en las que el lirismo del Land Art lo utiliza para denunciar la consecuencias del cambio climático debido al calentamiento global. Los proyectos artísticos de Pedro Marzorati se basan en la reinterpretación de la naturaleza, el desvío de objetos y códigos que conocemos. Estos proyectos buscan cambiar la forma en que los percibimos para "jugar" con ellos, en un mundo imaginario y poético. 

Laurence Perratzi - Tree sculpture elegant


Las esculturas de las artista francesa Laurence Perratzi se proyectan en el espacio de forma orgánica a través de movimientos coreográficos, donde la  expresión corporal se enriquece narrativamente con un mensaje ecologista. 

Se trata de piezas cuyas cualidades transmiten fragilidad y elegancia en el espectador excitando los sentidos. Sus figuras con rasgos arboleos realizadas en bronce representan la conexión con la tierra estableciendo una relación orgánica de la que se nutre. 

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El trabajo de Laurence Perratzi es una exaltación visual de la naturaleza de la que en la actualidad, la civilización se ha desvinculado, viviendo ajena a sus ciclos vitales.


Sebastian Cox y Laura Ellen Bacon - The Invisible Store of Happiness, la torre de las ilusiones


Con el sugerente titulo The Invisible Store of Happiness (la tienda de la felicidad). La instalación fruto de la colaboración de los artistas Sebastian Cox y nuestra admirada Laura Ellen Bacon.

Aparte de su aliciente estético puede presumir de que en su concepción y proceso creativo ha contado, con dos de los máximos exponentes del Land Art. Aunque en esta ocasión específicamente el fruto de la colaboración.

No obedezca precisamente a los canones de la corriente citada, sino que más bien se aventuran en otros ámbitos creativos. Otro lenguaje más formal y accesible artisticamente, en el que tandem parece sentirse más cómodo construyendo una narrativa estetica, donde combinan lo abstracto y lo ludico.


 La obra realizada con laminas de madera extraidas de cerezo dobladas al vapor. Esta compuesta por una serie anillos que va de los que presenta un mayor diámetro en la base, reduciéndo su tamaño en cada una de sus seis alturas, trazando un sistema elíptico de cuyo interior cuelgan cientos de tiras de madera.


The Invisible Store of Happiness es una torre que guarda las formas arquitectónicas, con casi tres metros altura, es fruto de la economía de medios y de su aplicación a la expresión artística


Quizás un reto frívolo a ojos de una mayoría de publico, pero teniendo en cuenta las dimensiones de la intervencion además de su volumen tiene su merito.  Realizada para ser exhibida en la ultima edición de la muestra Clerkenwell Design Week de 2015 celebrada en Londres. 
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Barbara Licha - Passage, en los márgenes del lenguaje corporal


En las ultimas intervenciones de la artista nacida en Polonia de adopción australiana, país en el cual reside desde 1982 Barbara Licha utiliza materiales maleables con el alambre. Creando esculturas donde el paisaje se convierte en el hilo narrativo y soporte de su obra. 

Como en la mayor parte de su trayectoria Barbara sigue explorando de forma suscinta la complejidad de la condición humana. Presentándola a través de formas en las que el lenguaje corporal.

Se convierte en el componente discursivo de figuras etereas en su concepción que transmiten fragilidad, creando un fuerte contraste con el vació con el que se relacionan y cuyas limitaciones espaciales parecen desear eludir constantemente.


 Su obra influenciada por el expresionismo sobre por el de origen alemán y su enfoque dramatico. Aunque ella se seguidora incondicional del trabajo de escultores más o menos cercanos como el italiano Giacometti, influencia que se percibe en los primeros encuentros que tiene el espectador con su obra.



Concebidas tanto para interior como para exterior, los sujetos encapsulados en cubos de la artista Barbara Licha. Nos hablan de anhelos y deseos no realizados en una sociedad cada vez más vertiginosa y encapsulada.


Donde sus estándares se actualizan atendiendo a criterios sociales contemporáneos. Son obras que por definición exploran los límites tenues entre lo étnico y lo tribal. Que describen visualmente coreografias, que enlazadas ascienden al unisono alcanzando el cielo, y que creativamente se nutre del trabajo de la coreógrafa alemana Pina Bausch cuyo trabajo la ha influenciado en el abordaje de muchas de sus obras otorgandoles una sensación de movimiento. 

Second Nature, arte conservacionista en el zoo

En total han sido artistas visuales los que altruistamente han participado en la muestra Second Nature.
 
 Con el objetivo de reflexionar y concienciar al publico que hasta el 31 de Octubre de este, tendrá la oportunidad las diferentes propuestas. Sobre la perdida de diversisidad que implica la deforestación de grandes áreas de los cinco continentes y la desaparición de miles de especies, muchas de ellas en peligro de extinción.

 Organizada por el zoológico de la ciudad de Philadelphia en colaboración con la Foundation Flux (de la que recientemente hemos reseñado otro de sus proyectos en estas paginas ). Todas y cada una de las esculturas han sido realizadas, empleando materiales obtenidas a partir de reciclaje. 

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  Las obras representan a tamaño naturales especies animales que posan, junto a sus homólogos vivos que reside en el zoo. Suponiendo su presencia un alegato ecológico en favor de la conservación.

Gerry-Stecca, árbol pret a porter que se inspira en el paisaje


Las intervenciones del artista  de Land Art Gerry-Stecca consisten en vestir los troncos de los arboles, con vestidos que representan patrones geométricos que emulan y realzan el paisaje en el que actuan de forma no invasiva.


Para eso utiliza objetos cotidianos como las pinzas de madera, que se utilizan para tender la ropa. Con las que confecciona trajes que se ciñen a la rugosa corteza de diferentes especies arboleas modificando su identidad. 

 En otras le sirve para trazar en el aire caprichosas formas, con las que crea espectaculares esculturas que se proyectan en el vació como si fuera un ente vivo.  Piezas con las que trata de emular los elementos que hay en el paisaje que desde era pequeño en la ciudad venezolana de Caracas le fascina.



Entusiasmo que cultivo cuando se traslado a California para completar sus estudios en la Universidad de San Diego, en la que se convirtio en un observación y absorbiendo todos y cada uno de los matices que le estimula, para diseñar sus obras. Las cuales abarcan una amplia gama de formatos.



Influenciado por un entorno familiar orientado a la ciencia, Gerry de origen venezolano esteriliza la figura de los arboles dotándoles de una estética singular que los convierte en identificables


Y que alguna manera reproducen diferentes aspectos de la naturaleza que eventualmente se funden en las profundidades imaginarias del espacio, la línea, el color y la composición de sus obras. Obras inspiradas por las experiencias que fue adquiriendo a lo largo de su vida en la que la practica cientifica, le ha permitido crear sus propios entornos tangibles pero nebulosos. 


La cadencia de un proceso escultórico repetitivo que utiliza miles de pinzas de madera, conectadas por un proceso de costura de alambre, se refleja en mis pinturas de varias capas. En conjunto, sus obras representan experiencias táctiles y multidimensionales que desde el principio crecen de forma organica y que simbolizan el compromiso de su autor con los procesos que emanan de la naturaleza.

El escultor Hugo França realiza mobiliario escultural reciclando arboles amazónicos

La región de Trancoso es un área geográfica situada en Brasil, donde aparte de encontrarse Sao Paulo. Se pueden visitar algunos de los bosques pertenecientes a la biodeversidad de la selva amazónica mas variados y ricos de la región. 


Siendo el lugar de operaciones del que extrae el artista y diseñador urbano Hugo França su materia prima, con la que elabora piezas únicas que combinan una función ornamental con su actuación social como parte del mobiliario publico. 

 El proyecto con mas de 25 cinco años de duración es fruto de la colaboración con la administración local. Con la que Hugo trabaja en la localización y diseño de los elementos adaptandolos a los criterios del espacio, donde prestaran su servicio.


Una historia que se inicia cuando Hugo decide cambiar drásticamente de vidad, tanto en lo personal como en lo profesional, renunciando a un puesto bien remunerado como ingeniero industrial en São Paulo. Así como su lujoso apartamento.


El mobiliario de Hugo compuesto por bancos, mesas así como el más específico destinado a uso infantil. Son tallados como si de esculturas se trataran a partir de troncos de arboles autóctonos.

Que tras amortizarlo en una venta urgente, destina el dinero a la adquisición de una hacienda en la región de Trancoso, más concretamente en el área de la costa de la ciudad de Bahía. En la que se instala conviviendo con los últimos supervivientes de la tribu aborigen de los Pataxó. De los que aprende a tallar la madera desarrollando su propia tecnica.

Con la que realiza sus primeras esculturas iniciando una trayectoria como escultor de madera. Actividad que tanto en el espacio publico como en el ámbito privado ha supuesto que sus trabajos se hayan concretado en una diversidad de encargos hecho con el residuo producto de la de forestación que sufrió la mayor parte de la región desde décadas precedentes. 

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