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Gaza, arte frente al horror y lo irracional de la guerra


Desde que recientemente se anunció el acuerdo por el que se restablecia, al menos parcialmente unas relaciones a nivel diplomático entre las delegaciones de Israel y Arabia Saudi. Un hecho que en principio se podría calificar de acontecimiento sino historico, si de una transcendencia política y estratégica que podría suponer un punto de inflexion.

En la larga sucesión de eventos trágicos acaecidos en un conflicto étnico-religioso y geografico que ya dura demasiadas decadas, y cuyas principales y nefastas consecuencias han sufrido principalmente los miembros de la población civil. Una ciudadanía que tras una sucesión de años.

En cuyo transcurso parecía que se recuperaba en alguna medida la calma suficiente, como para poder garantizar cierto grado de prosperidad. Contempla ahora como en el momento más inesperado ese débil y precario hilillo presidido por una paz muy custionada. Que aunque tensa y pese a todos y casi innumerables episodios que se han sufrido tanto en la comunidad judía como de forma mas acusada en los territorios donde residen la población palestina.


Conatos de violencia activa que han producido un constante goteo de victimas, como de violencia de baja intensidad que han sufrido todos aquellos ciudadanos que residían en las proximidades del llamado "muro de la verguenza". Que finalmente se impuso en un paisaje humano que tan sólo aspira a vivir en paz.

Y que constatan incrédulos y llenos de estupor como ese período de precaria convivencia se ha dinamitado con nocturnidad y alevosia. Declarándose una guerra en la que la practica totalidad de las víctimas pertenecen a aquellos colectivos más vulnerables y por lo tanto más desprotegidos frente a cualquier de violencia, como son los niños y las personas mayores.
Que aunque siempre han vivido instalados en una situación estresante caracterizada por la incertidumbre y la desconfianza hacia el que se considera diferente y ajeno, percibiendose su presencia como un acto de intrusismo que había que evitar. Si habían de alguna forma "normalizar" sus vidas al menos en el terreno de lo cotidiano. Crónica de una muerte anunciada que desde NQ se ha seguido a lo largo de los últimos años.

Haciéndonos eco de algunos proyectos que realizados desde diferentes ámbitos creativos, nos han hecho partícipes de la diversidad de realidades que se viven en ambas comunidades. Propuestas que abarcan una variedad de contextos que tanto desde una perspectiva negativa como positiva afectaba a los miembros de ambas comunidades.


Empezaremos por el proyecto del artista Mohamed Abusal que en 2012 se desplazaba a una estación de servicio de la franja, en cuyo exterior instalaba una marquesina que anunciaba la parada de una  estación de metro por supuesto ficticia. Titulada Metro in Gaza 2012 y de la que podéis ver una muestra AQUI publicada en NQ en 2014. Tuvo una continuación titulada Shambar 2013.

Ambas realizadas aplicando un enfoque similar y que forman parte de una misma narrativa visual y conceptual. Instalaciones, diseños y fotografías, cuyas propuestas fueron elaboradas bajo una ambientación que discurre entre lo distopico, el urbanismo creativo y el deseo de un futuro donde concretar proyectos sobre el terreno que aborden la realidad de una Gaza asediada, que sin embargo sueña con lograr un mínimo desarrollo.


En 2015 publicábamos el fruto de un viaje realizado por el mediático Banksy a la franja de Gaza, un recorrido in-situ sobre el terreno que le permitió ser testigo de los devastadores efectos de la última campaña militar llevada a cabo por efectivos del ejercito israeli un año antes en diferentes localidades autónomas palestina. 

Y que supuso un duro golpe para decenas de familias palestinas que tuvieron que huir precipitadamente de sus hogares, dejando en muchos casos todas sus pertenencias. Además de las decenas de víctimas y de los cuantiosos daños materiales que se valoraron en decenas de millones de dolares.


El artista urbano fue testigo de los daños morales sufridos por el conjunto de sus ciudadanos. Impresiones que reflejo en una serie de intervenciones que podéis ver AQUI, y que se completaron ya de regreso en su estudio, con el montaje de un corto documental titulado Palestina Graffiti Free. Que filmado de forma furtiva registraba algunos de los lugares donde el horror de la guerra convivia con actos más cotidianos que desprendían humanidad.     


Realizado años despues de impartir un cursillo en Israel, el trabajo titulado Holy Land es fruto de la colaboración del celebre director de fotografía Josep Koudeika y uno de sus alumnos. Que tras invitarle a pasar unos días en su casa se embarcan en un proyecto multimedia, en cuyo transcurso realizan un retrato de  lo que se conoce como el "Muro de la verguenza".

Una herida de hormigón construida a lo largo mas de una década por las autoridades israilis. Y que a día de hoy sólo ha servido para aislar a los ciudadanos de las dos comunidades que mayoritariamente ocupan los territorios de Israel y Palestina, alterando aún más si cabe su frágil convivencia.

Un muro de varios metros altura coranado con alambre de espino, cuya opacidad y grosor no solamente no impide que se tenue la violencia y represión en la que viven el conjunto de ciudadanos a la que afecta. Sino que acentúa las diferencias a ambos lados de la verja. El trabajo de un alto contenido emocional supuso cinco años de arduo trabajo que podéis recuperar desde AQUI.


En cuarto y último lugar invitaros a visitar el trabajo que bajo el título de Points of View realizó la artista Zohar Kfir por encargo de la organización no gubernamental BTSELEM, que se dedica prioritariamente a defender y denunciar la violacion de los derechos humanos.

Que sufre de forma cotidiana y administrativa los ciudadanos que viven en los territorios ocupados. Haciendo una labor a través de la que documenta en imágenes el conflicto haciendo especial énfasis en el impacto social que tiene sobre la poblacion en su entorno domestico.

Publicado en NQ en 2014 se trata de un mapa interactivo que todavía está vigente y que podréis consultar a través del siguiente enlace AQUI. Se trata de una experiencia que te permite localizar el lugar concreto en el que se ha producido el incidente y la denuncia. Pudiendo poner nombres y apellidos a un drama que en su ultima version se ha dilatado durante ya demasiado tiempo causando demasiado dolor a unas víctimas que en su inmensa mayoría son inocentes.


Zenga Bross, es un documental que nos cuenta la historia de las bicicletas altas


Para mucho los seis hermanos que fundaron la empresa familiar Zenga Brothers con sede en la ciudad canadiense de Vancouver, representan una rara avis o simplemente unos frikis de las bicicletas. Para sus nutridos grupos de admiradores y en muchos casos clientes.

Sus atrevidos diseños sin embargo representan un acto de creatividad cuyo origen hay que relacionarla cuando uno de sus miembros, decide durante el transcurso de una tórrida tarde de Verano dibujar sobre un papel el primer boceto de lo que muy poco después. Se convertiría en la primera Tall Bicycle o bicicleta alta con la que causaría una mezcla de asombro y alarma entre sus vecinos y allegados.

Y que con el paso del tiempo se ha convertido en un lucrativo negocio del que vive buena parte de la familia, y en un guión para la realización de un documental titulado The Zengas. Donde uno de los miembros de la familia relata la historia de la marca desde sus inicios en la década de los 90´s del siglo pasado hasta la actualidad.

Relacionado: Xfire - Bike Lane SafetyLight, luz láser para la seguridad del ciclista


Bajo el lema Three Beans: Create Everywhere, Redeem Everything, and Be a Fool  (Crear en todas partes, reutilizar todo, y hacerlo con entusiasmo). El documental estrenado en la ultima edición del festival de cine de Tribeca, pretende ser un elogio a la creatividad y la imaginación


Kyouei Design - Light of thought



El diseñador Kouichi Okamotor perteneciente al estudio de diseño creativo, fotografía y arte luz  Kyouei Design representa el cerebro. Ese órgano interconectado por mas de 100.000 millones de neuronas y mediante las que el yo percibe la realidad del mundo que le rodea limitada por sus caracterices biológicas y evolutivas. 

Como un objeto de decoración donde lo estético de unas formas y minimalistas y lo poético de su mensaje y laborioso de una estructura tan compleja como el cerebro. Titulada Light of thought (la luz del pensamiento) la instalación reproduce las estrías cerebrales mediante miles de puntos de luz LED soldados sobre una plancha de vidrio. Los filamentos apenas perceptibles se iluminan alternativamente ambos hemisferios. Asignando el lado derecho una carga negativa y al lado izquierdo una carga positiva.  


Paco Pomet, psicoanaliza las costumbres a traves de un lenguaje mixto cargado de ironia


Los lienzos del artista Paco Pomet, nos habla de las identidades efimeras que puede adoptar el individuo, sus incongruencias y afinidades. Asi como su increíble capacidad para adaptarse a situaciones poco propicias.

Ademas de su volatilidad y sus deseos inconfesables y en ultima instancia de sus mezquindades. Y todo haciendo gala de un sutil sentido del humor, que se hace comprensible si el espectador repara en los detalles y elementos ajenos a la narración de una obra 

En la que el movimiento nos conduce al significado de lo explicito en cada trazo. Su lenguaje se nutre de las corrientes fotográficas de principios del siglo XX, ademas de iconos del cine mudo como Chaplin y Buster Keaton o de las tiras de comic clásicas. 



Todas estas influencias las combina con brochazos en las que predominan las selecciones monocromaticas, donde en algunos casos se añaden tenues pinceladas de color. Logrando que las sombras enfaticen la acción y la profundidad de la composición donde la iluminación fotográfica dramatiza la acción del cuadro.


Nacido en la ciudad andaluza de Granada en1970, donde estudió, vive y trabaja. Su formación superior comenzó en la Facultad de Bellas Artes de Granada, pero la continuó en Italia (Academia de España en Roma). Completandola  con diferentes becas y residencias a traves de las adquiere experiencias con las que enriquece su identidad creativa.


Conocido por fusionar en sus obras tecnnicas de la practica pictorica mas formal y fragmentos de fotografía. Sus creaciones se enfocan en lo cotidiano pero con una lectura ironica. Su obra está representada en España por la galería My Name’s Lolita Art de Madrid y en el resto de Europa también por la danesa Bendixen Contemporary. En Estados Unidos es representado por la Galería Richard Heller de Santa Mónica. 




ENESS - Mobius, creatividad y función en el espacio publico que juega con la luz



Exhibida durante el mes de Mayo de este año en una conocida plaza de la ciudad australiana Melbourne conocida como Federation Square. Creada por el colectivo de arte publico Ennes


Mobius es una instalación que consta de 21 triángulos verdes que se pueden configurar en varios patrones con los que crear una ilusión óptica  de movimiento. Este es un ejemplo realmente fantástico de actuaciones en el espacio público, con las que se interactúa de forma inmersiva.

Convirtiéndo el paisaje urbano en un elemento mas de la actuación. Cada pieza está construida en espuma de poliestireno y recubierta de poliuretano, de uno dos metros de largo cada modulo. Desde su fundación en 1997 Eness ha producido exposiciones interactivas incluyendo instalaciones de luz líquida, colaborando con compañías como Disney y el Cirque du Soleil.

 
Fundado en 1997, ENESS es un estudio de arte y tecnología multidisciplinar que explora la intersección entre el mundo virtual y el físico teniendo como escenario creativo el espacio público interactivo temporal y permanente. Las obras de ENESS combinan escultura, textiles, diseño, mobiliario, desarrollo de software, música e historia.


Como una instalación de arte público que mezcla pautas creativas con tecnología, Mobius tiene la capacidad de adoptar un rol expresivo y dinamico. Esto permite que la escultura geométrica se comporte con autonomía. El resultado es una cautivador es una ilusión de movimiento e interacción.


Dirigido por el artista y fundador Nimrod Weis, su practica se centra en profundizar en el potencial y rendimiento de los lugares comunes, tanto desde una optica estetica como desde una narrativa expresiva. Su planteamiento principal consiste en proponer y diseñar instalaciones de arte digital que incorporen criterios funcionales.




O*GE Studio - Solar Powered Nightgarden, un jardín de flores solares para iluminar Jerusalén


A lo largo del día cuatro células fotovoltaicas producen 720W de electricidad que se  almacena en unas baterías conectadas a un circuito eléctrico que la distribuye entre jardines compuestos por multitud de tipos de flores.

Pero no son las flores tradiciones que germinan de la tierra y que su condición efímera las hace perecer marchitandose con el transcurrir de los días. Estas flores están fabricadas con tecnología LED y cuando cae la noche y la luna hace acto de presencia.


Se iluminan creando un tapiz presidido por miles de colores que ilumina la milenaria y sacra ciudad sagrada de Jerusalén. Las flores cuya estructura esta realizada con alambre de acero están cubiertas con un malla metálica que simbolicamente al menos les da un aspecto que el que las contempla puede apreciar e identificar con el de una flor.



Diseñado por O*GE Studio especializado en realizar intervenciones luminicas desarrolladas a partir de principios sostenibles en colaboración con InteractiveGallery, han pretendido crear un espacio donde la armonía se combine con una atmósfera magica.


Que ofrezca al visitante un lugar diferente donde mediante una experiencia unica protagonizada por la luz y el ritmo de la música  compuesta por los autores Ravid Hang (GB) y Andy Isler (CH), participen interactuando con un entorno que pese a ser artificial pretende crear conciencia ecológica.