Nomada Q : corporal

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Cuando jugaba en su ciudad natal de Johannesburgo practicando Skate o haciendo pintadas con un spray, Ricky Lee Gordon mas conocido en el mundillo del Street Art como Freddy Sam nunca se podía llegar a imaginar que el consejo que le dio su profesora de que no era necesario completar la totalidad del ciclo formativo previo de acceso a la universidad, si lo que deseaba era desarrollar una carrera como artista.

Le iba a suponer en su caso un beneficio en su posterior trayectoria como artista urbano, cuya formación mezcla en principio de cursos pre-universitarios complementada con la experiencia que adquirió por sus propios medios viajando por medio mundo hasta que se asentó en Los Ángeles donde ya el considera que se dan las condiciones y completa su formación titulandose por la Angeles Academy of Figurative Art.

En la que se especializa en arte figurativo cuyos elementos pictóricos implican renunciar al spray y en su lugar (como muchos de sus contemporáneos) volver a utilizar el pincel y la brocha gorda, con los que plasma en grandes murales aquellos elementos sociales con los que esta sensibilizado.

Budismo, realismo y Street Art

Ahondando ya de paso en la conciencia meditativa (no en vano Ricky es un consumado seguidor del Budismo Dharma) o Ley Natural, cuyas enseñanzas plasma en sus monumentales murales. Donde la figura humana representa la piedra angular de su obra y a través de la que trata de analizar y comprender a que pautas y comportamiento obedece el individuo contemporáneo.

Realizados en buena parte empleado tonos monocromo con los que consigue acentúar su dramatismo, sus intervenciones cuyo proceso de trabajo se ha podido seguir en festivales de reciente celebración como el Memorie Urbane en Gaeta, Italia (2016), Pow Wow Hawaii, en Hawaii (2016), o el Matharan Green art festival en Mumbai (2015). Carecen por lo general de muchos detalles con lo que consigue focalizar la atencíon en el elemento central de la obra.

Influenciado por artistas contemporáneos como el Argentino Franco Fasoli aka Jaz Waone o el dúo Aec of Interesni Kazki. Los trabajos de Ricky rinden culto a la expresión corporal en el buen sentido del termino y que el subraya añadiendo mensajes, citas o epifanías que transmiten mensajes universales donde prevalece la igualdad entre semejantes a través de una narrativa emotiva.

Colour Ikamwa educación creativa en países subdesarrollados

A pesar de que cuenta con una carrera relativamente corta Ricky ha conseguido crearse un prestigio como artista y activista social, poniendo en marcha el proyecto Colour Ikamva del que se llevan celebradas dos ediciones. La primera en 2013 tuvo como escenario un colegio de Ruanda donde a través de la practica artística consiguió reformar parte del edificio que se estaba derrumbando.

En 2015 debido al éxito de la experiencia anterior se traslado esta vez a una zona rural de Zambia donde siguiendo el mismo procedimiento implico a la comunidad escolar local, con el objetivo de desarrollar un programa educativo basado en practicas artísticas, que tiene por objetivo desarrollar un modelo de educación creativa que busca actuar sobre diferentes aspectos de la personalidad y comportamiento del niño.

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Las intervenciones de Freddy Sam son el resultado de un trabajo de documentación previo donde trabaja con el tejido social de con comunidad local, a partir del que elabora un discurso donde destacan el compromiso con su entorno, los valores humanos y su conciencia medio-ambiental.

En las ultimas intervenciones de la artista nacida en Polonia de adopción australiana, país en el cual reside desde 1982 Barbara Licha utiliza materiales maleables con el alambre. Creando esculturas donde el paisaje se convierte en el hilo narrativo y soporte de su obra.

Como en la mayor parte de su trayectoria Barbara sigue explorando de forma suscinta la complejidad de la condición humana. Presentándola a través de formas en las que el lenguaje corporal.

Se convierte en el componente discursivo de figuras etereas en su concepción que transmiten fragilidad, creando un fuerte contraste con el vació con el que se relacionan y cuyas limitaciones espaciales parecen desear eludir constantemente.

Su obra influenciada por el expresionismo sobre por el de origen alemán y su enfoque dramatico. Aunque ella se seguidora incondicional del trabajo de escultores más o menos cercanos como el italiano Giacometti, influencia que se percibe en los primeros encuentros que tiene el espectador con su obra.

Concebidas tanto para interior como para exterior, los sujetos encapsulados en cubos de la artista Barbara Licha. Nos hablan de anhelos y deseos no realizados en una sociedad cada vez más vertiginosa y encapsulada.

Donde sus estándares se actualizan atendiendo a criterios sociales contemporáneos. Son obras que por definición exploran los límites tenues entre lo étnico y lo tribal. Que describen visualmente coreografias, que enlazadas ascienden al unisono alcanzando el cielo, y que creativamente se nutre del trabajo de la coreógrafa alemana Pina Bausch cuyo trabajo la ha influenciado en el abordaje de muchas de sus obras otorgandoles una sensación de movimiento.

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El cabello o mas concretamete los peinados o tocados que lucimos, son en el fondo pautas de comportamiento mediante lo que mostramos rasgos de nuestra personalidad y nos relacionamos con nuestro entorno.

La diseñadora gráfica Shurong Diao se inspira de alguna forma en algunos de estos peinados para adaptarlos, o mejor dicho combinarlos con los fonemas de la caligrafía compuesta por pictogramas chinos que forman su abecedario, sustituyendolo por los símbolos utilizados en occidente.

El cabello es un aspecto esencial de la propia identidad y a menudo se ha utilizado para expresar nuestra adhesión a una moda, una convicción o una protesta mientras invoca significados mucho más profundos como la feminidad, la virilidad o la identidad, por nombrar solo algunos.

Por ejemplo segun la autora en las culturas greco-romana o judeo-cristiana, el pelo se percibia como un atributo del animal, lo que explica por qué el pelo tenía que ser constantemente domesticado para quitar a la mujer o al hombre su "vigorosidad". Como en el mito de Samsom.

Para crear su particular versión del lenguaje bautizada como Hair Alphabet. En la que el cabello de las modelos se extiende adquiriendo medidas inverosímiles, donde sus cuerpos completan con posiciones que reproducen las formas sinuosas de los fonemas.

Shurong Diao, artista afincada en Nueva York, ha creado un alfabeto corporal utilizando un medio poco convencional: el pelo. Inspirándose en la elegancia de la caligrafía china, ha querido tender un puente entre los caracteres chinos y los caracteres occidentales. ¿El resultado? Un tipo de letra cautivador que imita el efecto de pintar letras inglesas con "tinta" sobre papel de arroz, todo ello utilizando el rasgo distintivo de las mujeres chinas, su larga cabellera negra.

Formando parte de paisajes lunares que evocan recuerdos metálicos, las figuras esterilizadas de cuerpos tan lisergicos como pálidos pero a la vez tan esbeltos y fibrosos. Cuya sola presencia en un escenario que a la vez que ajeno les parece resultar tan conocido.

No pueden dejar de sugerir (entre otras muchas interpretaciónes posibles). Posibles encuentros casuales protagonizados por entidades que guiadas por una comunicación intuitiva se adentran en los terrenos movedizos de lo onírico.

Carreteras en forma de bucle nos describe una forma de eternidad, en la que la matriz espacio tiempse representa por el color neutro del gris. Una escala cromática por las que estas criaturas perciben la luz en un rango específico de frecuencias

El universo insconciente de su autor, el artista Simon Siwak. Se representa entre lo elegante y lo teatral en una suerte de recreación de Matrix erótico, donde camuflados por el reflejo que proyectan los espejos deambulan deseos inconfesables.

De origen polaco Simon Siwak realiza fotocomposiciones digitales a partir de modelos que describen sugerentes mundos donde los instintos humanos más basicos. Los cuales se mezclan con lo orgánico, en un mensaje dirigido a espíritus deshibidos, creativos y sensibles.

Uno de las propiedades a destacar en términos técnicos de sus trabajos es que no deja de experimentar, explorando la posibilidad de trabajar con nuevas herramientas digitales. Como son aquellas que proporcionan y forman parte de la inteligencia artificial.

Inquietudes que al contrario que muchos de sus coetáneos el explota sacándole el máximo rendimiento. Plasmando sus resultados en laminas fácilmente reconocibles, rasgo que en muchas ocasiones resulta complejo de identiticar en otros creadores digitales.

Utilizando un dispositivo de lecturas de ondas cerebrales EGG, la artista surcoreana Lisa Park traduce mediante un electrodo implantado en su cuero cabelludo las frecuencias Delta, Theta, Alfa, Beta, así como los movimientos oculares.

En sonidos sintetizados por un software de tratamiento espacializado en interpretar la longitud de onda emitidas a nivel subcortical por el cerebro. La perfomance titulada Eunoia (Hermoso pensamiento en griego) es la sucesora de otras experiencias como la sugerente y a la par peturbadora Le violon d'lisa.

Donde la artista conceptual transforma su cuerpo en violenchelo en el que la calidad del sonido y su melodía varía dependiendo del área corporal que es interpretada. Siebdo la intervención que completa una trilogía en la que se exploran las capacidades de la tecnología en relación a su interacción con el cuerpo humano.

Titulada a Obsesión es triste pasión. Donde Lisa usa un sensor de frecuencia cardiaca vinculado a la narración de un texto del autor Patrick Suskind titulado Tres historias y una reflexión. Narrada por la propia lisa, la velocidad del tono y la calidad de la dicción que emplea varía en función de la frecuencia de su ritmo cardiaco.

Inspiradas en el pensamiento El hombre es algo que debe ser superado. ¿Qué ha hecho usted para vencerlo", del filósofo existencialista Friedrich Nietzsche. Lisa plantea la posibilidad de ampliar el potencial del hombre más allá de sus límites corporales utilizando para ello el arte preformativo.

Explorando cuestiones como la vulnerabilidad, el autocontrol y la liberación a las que con frecuencia todos estamos expuestos. Lisa crea metáforas visuals simples que permite ver claramente los efectos de la actividad del cerebro mediante el uso de tecnología y los efectos generados por elementos como el agua el sonido creando coreografias de movimientos elegantes.

Con estudio en New York se formo doctorándose en bellas artes y multimedia en el Art Center College of Design. Multidisciplinares sus propuestas son una combinación de diferentes técnica como la pintura, la instalación, la fotografía y el vídeo. Su obra explora la integración de la tecnología y el arte.

Las manos aparte de servirnos para realizar multitud de labores a lo largo de una jornada normal de trabajo, por sus características morfologicas representa además una herramienta de comunicación muy valiosa en nuestras relaciones sociales.

El lenguaje mímico fue el primer abecedario que empleo el ser humano para establecer relaciones y transmitir conocimientos a sus iguales. El artista plástico afincado en Milán Guido Danielle, utiliza su capacidad expresiva combinada con el tatuaje corporal y el arte digital.

Para realizar unas sorprendentes recreaciones de las mas diversas especies que pueblan la naturaleza. Guido ha desarrollado su propia técnica tras muchos años de experimentación con métodos de pintura con aerógrafo.

Recientemente ha realizado la campaña de conservación para el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF). En un principio se formó como escultor, pero fue tras su estancia en la India donde muy probablemente inspirado por la técnica de representación corporal Mehndi, en la que se utiliza como pigmento henna.

Cuando empezó a utilizar las manos de modelos para realizar sus trabajos publicitarios, así como eventos de moda y exposiciones. Encargos que comenzo a combinar con sus trabajos más personales y creativos.

En los que explora el rendimiento corporal como elemento expresivo, más concretamente la piel. Que Guido percibe como un lienzo sobre el crear una diversidad de narrativas creativas, aunque predominan los motivos relacionados con el mundo natural.

En los proyectos de la artista visual Miwa Matreyek, explora los límites de la expresión creativa y su rendimiento más allá de lo establecido y ortodoxo. Con este enfoque en mente emplea la mayor cantidad de lenguajes creativas con los que crea trabajos multiformato.

Por lo que para lo realmente importante no es tanto el valor en terminos esteticos y sus cualidades conceptuales, sino los mecanismos y modelos que puede abordar e incorporar a su método de trabajo. El cual en ocasiones presenta herramientas más refinadas y sofisticadas.

Producto de combinar con más o menos fortunas herramientas multi-media con los que oxida imágenes hasta desnudadarlas y convertirlas en narrativas abstractas, en los que los elementos surrealistas afloran hablándonos del paso del tiempo y la memoria.

Utilizando el lenguaje corporal en su forma más minimalista y organica, en este sentido un simple parpadeo puede provocar en el espectador un efecto hipnótico que le abstraiga por un momento de la realidad. En otros trabajos, sin embargo opta por recurrir por lo esencial a la hora de describir y trasladar en términos plasticos.

Aquella idea que bulle en su cabeza y que se plasman en obras en las que el observador se percata de la tenue frontera entre lo real y lo irreal se difumina. En el corto de animación titulado Lumerence que podéis ver integramente AQUI. Se podría considerar que pertenece a este primer apartado integrando la instalación, la animación y el vídeo.

Originalmente inspirada en una visita al Observatorio del Monte Wilson, . El corto tiene como argumento el deseo humano de encontrar una conexión con el universo. Incluye la canción Quite de Careful que podéis escuchar AQUI.

Repasa cómo los cambios en la animación se combinan con el cuerpo y el espacio (y viceversa). Seleccionada para los galardones TED a los jóvenes talentos. Inicia su narración en el espacio y en los flujos de información que se producen y como transforma la realidad. Utilizando como discurso su propia sombra en movimiento, Miwa completa una hermosa pieza meditativa cargada de lirismo sobre el descubrimiento interior y exterior que tiene el sujeto sensorial como protagonista.

A ser de ascendencia japonesa, el trabajo de Matreyek se ha nutrido de los escasos recuerdos de su infancia, los cuales hacen referencia a los paisajes y la arquitectura japonesa así como del constructivismo ruso. Otra influencia destacada es la de cineastas franceses Georges Méliès y Michel Gondry.

Mirando los primeros trabajos que forman parte de la Self- Dissections. Un proyecto anatómico-artístico con el que según su autor el artista Danny Quirk.

Aspira a convertirse en ilustrador medico, o eso es al menos lo que deduce de las laminas tan delicadas como frágiles, a la vez dramáticas. Ya no sólo por la fuerza expresiva de como interpreta las diferentes partes de un cuerpo humano.

Sino por la expresividad que consigue a través del que articula un lenguaje corporal, en el cual lo más intimo e inaccesible de nosotros mismos. Aflora, en este caso de forma fluida y natural.

Trabajos que recuerdan a los antiguos modelos de plástico que había en los colegios. Esqueletos en los que se mostraban diferentes órganos de la anatomía humana y que en rara ocasión se utilizaban.

Porque causaban aprensión en aquel que por primera vez tenía la oportunidad de contemplarlos. Sin embargo en las ilustraciones de Danny, los torsos parcialmente descubiertos nos muestran las "supuestas" vísceras de lo voluntarios.

Que de forma altruista adoptan una posición posando durante jornadas como musas para su autor. Las sensaciones que transmiten son de naturalidad pese a lo violento que en principio puede resultar, sus gestos son serenos pese a la tensión de la situación.

El lenguaje corporal ofrece un componente visual y estético que se caracteriza por su plasticidad y belleza, aparte de poseer una capacidad de comunicación innata. Puede ser un inspirador creativo.

La serie de fotografías titulad Smoke firmadas por artista digital Stefano Bonazzi, están realizadas bajo este prisma en el que el lenguaje corporal, inspira todas y cada una de las formas que las volutas de humo expresan de forma arbitraria.

Las cuales por otra parte podrían formar parte de una campaña para la concienciación de los efectos del tabaco sobre la salud. Estos retratos etéreos, llenos de humo, utilizando una combinación de la fotografía digital, edición fotografica y dibujo al carboncillo.

Nos muestran cuerpos disolviéndose mientras interactúan con un medio hostil que les envuelve en una cortina de humo. La imagen engañosa de una falsa realidad cargada de "colores" artificiales, que su autor prefiere observar como una sucesión de imágenes caprichosas productos del azar.