Nomada Q : conceptual

conceptual

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Presentadas como historias visuales fragmentadas por la golbalización y las separaciones que produce. Los dípticos fotográficos firmados por la pareja Li Seok de 28 años y Danbi Shin de 23. Nos describe un mundo en el que las distancias se diluyen mientras los habitos y conductas se standarizan.

En la serie titulada Half Half las fotografías nos muestran momentos compartidos por una pareja que debido a su trabajo se encuentran separados por miles de kilómetros. En ellas podemos ver fondos donde el paisaje urbano es similar.

Como marco de momentos que ya pueden describir nos momentos mas íntimos vividos por la pareja, donde a pesar de las distancias transmiten la sensación de estar muy próximos.

O por el contrario nos describen narrativas que se caracterizan por tratar de capturar y trasladarnos, aquellas situaciones se pueden considerar más atenuadas en términos afectivos. Pues su carga emotiva se diluye debido a que son montajes fotográficos, que han sido realizados en un contexto que podríamos calificar de cotidiano y domestico.

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Colgadas a lo largo del ultimo año en una cuenta de Instagram que se actualiza periódicamente. Las fotografías realizadas bajo el seudónimo de ShinLiArt, representan las simetrías de un mundo donde la tecnología nos permite relacionarnos pese a estar separados por largas distancias.

Como en muchos otros proyectos híbridos, en los que la función arquitectónica y tratamiento del espacio se combinan con experiencias creativas, cuyo resultado son soluciones estructurales que obedecen a nuevos parámetros de convivencia social.

En el diseño de Invasión, su autor el artista visual Charles Pétillon recurre a un material tan inusual y ajeno a la práctica artistica, como son cientos de globos que actúan colonizando el interior de diferentes estructuras arquitectónicas, modificando tanto su tratamiento como estética como en términos de uso del espacio.

Realizadas desde una perspectiva conceptual y especifica, que es fruto de una observación y su consiguiente reflexión. Como en cada intervención que forma parte del proyecto Invasion, Charles tiene como objetivo abrir un debate cuestionando los modelos estándar de construcción actuales.

Escasamente flexibles y cuyo alto impacto ecológico supone un empobrecimiento para los consumidores. Así como pretende denunciar el esnobismo y la arquitectura espectáculo. Así como la relación que existe entre la tecnología y su aplicaciones en las interacciones sociales y como modifica la percepción que tenemos de los espacios en los que residimos o ejercemos algún tipo de actividad, ya sea laboral, educativa, cultural, sanitaria.

El proyecto Invasión utiliza como unidad de construcción de la realidad, un globo y su flexibilidad material para adaptarse como dispositivo homogeneo de la misma.

En este contexto Charles trabaja con diferentes metáforas arquitectónicas, tanto orgánicas como artificiales, en las que el espacio abandona su identidad vacía por una física en las que las esferas representan la perfección de la materia, aplicada de forma a diferentes conceptos interrelacionados.

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Inspirado por una celebre canción de Louis Armstrong, la serie de Gifs animados World was Wonderful. Es una feroz y descarnada critica a la sociedad de consumo y a sus automatismos sociales.

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Realizada por el artista visual Milos Rajkovic aunque firma con el seudónimo Sholim. WwW es la continuación de la serie compuesta por retratos animados One Minute Portraits, donde los rasgos de los rostros son sustituidos por objetos y productos de consumo, pero en los que se percibe la satisfación que les produce este habito.

Sin embargo en World was Wonderful, sus protagonistas son representados como individuos devorados por abatimiento. En una serie de situaciones donde lo cotidiano se funde con elementos surrealistas e iconos de la cultura del consumo basura.

Sitiados por la basura los protagonistas de World was Wonderful, buscan transcender a través del consumo

Alternando entornos urbanos con paisajes rurales. Los encuadres de la serie de fotografías Home Series simbolizan refugios precintados donde sentirse seguro.

Que es al fin y al cabo lo que representa un hogar. Realizada por el fotógrafo Alexis Mire. Nos muestran fragmentos donde la reducción de espacio se retrata como un territorio llevado hasta la extenuación.

Donde el individuo trata de establecer un dialogo fructífero con la naturaleza en un esfuerzo por adquirir su forma desde su condición como humano vulnerable, que trata de sobrevivir en un medio que se puede mostrar hostil.

Hechas en localizaciones de los numerosos bosques de su lugar de residencia en Florida. Se presentan como diapositivas que trasmiten atmósferas presididas por una mezcla de melancolía y serenidad contenida.

En sus trabajos combina la ilustración digital con la impresión para crear imagenes tan sugerentes como complices en las que la naturaleza se presenta ante nuestros ojos como un haz de luz y resplandor.

Alexis es una artista y escritora que reside en Jacksonville, Florida. Paso la mayor parte de su vida creando arte en y para internet, y ahora ests trabajando (lento pero seguro) para recuperar mi práctica creativa.

En la instalacion Landscape Abbreviated se plantea como un recorrido diseñado siguiendo la directriz de un laberinto, al que su creador el artista Nova Giant añada el movimiento como elemento que la articula suponiendo un obstáculo que visitante a la hora de completarlo.

La naturaleza adopta de esta forma el papel que suele que suele corresponder al ser humano su desproporcionado afán por acaparar los recursos naturales, que la madre tierra le proporciona para su supervivencia. En este caso los elementos móviles aparte de convertirse en un factor lúdico.

Simbolizan la respuesta instintiva de autodefensa que la naturaleza posee. Exhibida dentro del ciclo de expósitivo titulado Wave Hill Sunroom Project Space celebrado en el centro cultural Wave Hill de New York. Las diferentes piezas que componen Landscape Abbreviated presentan un patrón de movimiento.

Autónomo articulado por un sistema cinético que detecta, mediante sensores de movimiento la presencia de humanos dificultando su paso. La dualidad natural-artificial explora ambos contextos a partir del que .desarrollar un argumento donde establecer el status quo. Las jardineras situadas en los extremos de los brazos móviles, están plantadas con musgo recogido de entre las grietas de las paredes que apenas reunen las condiciones para subsistir.

Landscape Abreviatura se comporta como un laberinto cinético que consiste en elementos modulares con vegetación. Creando una experiencia híbrida formada por un paisaje parcialmente domesticado por la incorporación de elementos tecnologicos.

Nova Jiang nacida en la ciudad china de Dalian actualmente vive y trabaja en Los Ángeles. La práctica de Jiang a menudo combina la nueva tecnología y las técnicas tradicionales de creación de arte de maneras desconocidas, y abarca la pintura, escultura, papiroflexia asi como en el ambito publico. Su trabajo conceptualmente se basa en su experiencia como joven inmigrante creciendo en Nueva Zelanda, así como en preocupaciones más amplias sobre el cambio climático y la xenofobia. Sus obras yuxtaponen elementos familiares y formas inesperadas con las que explora la formación de la identidad y nuestras incómodas relaciones con la naturaleza.

En las obrasdel artista alemán Moto Waganari en vez de esculpir algún tipo de material sólido como puede ser el mármol o mineral similar, teje con alambre formas y volúmenes de figuras delicadas y etereas.

Que trazan los contornos de volúmenes corporales que pueden resultar familiares en un contexto objetivo, pero con las que resultan difíciles empatizar desde una afectivo y emocional. Pues están despojada de aquellos rasgos a través de los uno puede identificar al otro.

A pesar de carecer de la gestualidad que les proporcionan el contorno de unos ojos y la expresividad de unos labios bien definidos. Si poseen esa humanidad mediante la que pueden llegar a cautivar al espectador que se aproxima a su aparente desnude de significado.

Sus conjuntos escultóricos por otra parte añaden el movimiento a sus proyectos, representando modelos tanto de personas como de objetos y animales. A partir de diseños trazados con polígonos, las esculturas que carecen de rasgos faciales adquieren su identidad a partir de la materia con las que están realizadas y el diálogo con su entorno.

Para obtener una experiecia visual completa las piezas de Moto se muestran acompañadas de iluminación, que proyecta sobre el fondo su respectiva sombra realzando su presencia tridimensional en el espacio.

Nacido en 1967 sus esculturas manifestaciones materiales y poliméricas de arquetipos digitales se comparan a menudo con las obras de artista coetáneos como Jaume Plensa. Su obra está influida por el minimalismo del Lejano Oriente y la fuerza expresiva de los maestros clasicos europeos.

Las esculturas sonoras del artista suizo Zimoun que pueden recordar a las instalaciones masivas de coetáneos con Ai WeiWei utilizan materiales sencillos para crear paisajes sonoros únicos que resuenan como mantras. Partiendo de una condición minimalista.

Diseña y construye las estructuras mecánicas que crean un coro de sonidos fascinantes que desafían las expectativas de las capacidades sensitivas del espectador. Que agudiza el oído para tratar de descifrar los sonidos emitidos por una bola de algodón golpeando una caja de cartón,

Produciendo una frecuencia que dependiendo de su amplitud debe ser imperceptible para el oído humano. Las ideas que inspiran las instalaciones de Zimoun suelen surjir de situaciones cotidianas, de la experiencia que supone vivir en una gran urbe que adopta formas ambivalentes en un entorno en el que la contaminación acústica puede ser un problema.

Zimoun recicla este malestar sonoro empleando medios minimalistas y de baja tecnología ofrece propuestas a las que incorpora narrativas inspiradas por la belleza y la complejidad de la naturaleza, así como por sus sistemas metabólicos, su función, y el caos y el orden que representan.

En el montaje de cada instalación del artista y músico suizo se emplea una media de ocho días, se trata de procesos complejos en el que los componente y los mecanismos que lo forman siguen un esquema metódico de montaje. Este sofisticado funcionamiento contrasta con el efecto aleatorio en el patrón de sonido.

El golpeteo monótono con la acústica natural del material de cartón, creadas a través de simples efectos como los producidos por la liviana lluvia que se precipita golpeando sobre un fondo de papel vacío. Es esta superposición de ondas de sonido aleatorio y aturdido la que crea un murmullo casi neutral y relajado que perciben los sentidos auditivos.

Pulsando rítmicamente, cada unidad reverbera creando una huella sonora singular y la vez sincronizada. Microestructuras temporales surgen y cambian, haciendose audibles a través de patrones creativos resultado de una expresión colectiva.

Viajero incansable, invirtió en un viaje por África mas de dos años, el cual completo haciendo autostop. Aventura en la que se embarco recién finalizada la carrera de geofísica por la Universidad de Stanford.

Donde descubre George Steinmetz su pasión por la fotografía. Sus trabajos se caracterizan por realizar grandes panorámicas de las rutas migratorias en altura, para elevarse utiliza un parapente siempre y cuando las condiciones climatológicas son óptimas.

Y dispone del suficiente tiempo, como para realizar unas capturas que destacan por su gran contraste y expresivos colores. Son sus conocimientos sobre geografía adquiridos en su etapa universitaria, lo que le facilita la mejor selección de exteriores en la estación idónea.

Celebres son sus reportajes para publicaciones como Geo o National Geographic, los cuales fueron realizados en expediciones a los desiertos del Gobi y del Sahara. Que pese a que presentan características afines consigue transformarlos en ambientaciones diferentes que parecen extraídas de pasajes de los relatos de Las Mil y Una Noches.

Con mas de veinticinco años de carrera, por sus trabajos ha sido galardonado en dos ocasiones con el premio en ciencia y tecnología que otorga World Press Photo. También ha ganado premios y menciones de Pictures of the Year, Overseas Press Club y premios de la revista Life Alfred Eisenstadt.

Eligió el parapente como plataforma desde la que fotografiar, porque le ofrece las mejores condiciones de estabilidad en condiciones de calma y una visión de 180º. Prefiriendo las primeras horas de la mañana temprano y las ultimas de la tarde, porque presenta las mejores condiciones de luz.

La fotografía tiene la facultad de provocar en el observador reflexiones acerca de las mas variadas cuestiones. Tanto pertenecientes a nueestra esfere mas íntima y personal, como a otros ámbitos más generalistas y triviales.

Es esta propiedad única de congelar una acción en una única instantanea la que nos permite percibir, la practica de la fotografía como un lenguaje narrativo. El cual nos ofrece la oportunidad analizar la realidad con la que nos realizamos desde una perspectiva más sosegada y reflexiva.

En el caso de los trabajos del fotógrafo Alex Kisilevich el sujeto se convierte en el objeto de diseccion, o más bien su conducta. Tanto aquella de la que es consciente como de la que aquella que por instinto emplea para delimitar su territorio respecto a sus iguales congéneres.

Paradójicamente este comportamiento obedece a su necesidad de socializarse con los de su propia especie y con su entorno. Producto de este este fenómeno de auto-protección, gracias a ese especie de burbuja que hace de filtro, se desarrolla la peronalidad que se nutre de ese intercambio constante de experiencias tanto negativas como positivas.

El trabajo del fotógrafo Alex Kisilevich se circunscribe en el marco de la fotografía de autor. En su caso se aproxima al lenguaje corporal con una sensibilidad luminosa y transparente para mostrarnos aspectos de nosotros como individuos desconocemos.

El artista Alex Kisilevich residente en Toronto (Canada), en su ultima serie de fotografías nos muestra a tres personas que correspoden a tres estadios diferentes en la vida de cualquier persona, con aire melancólico que nos recuerda lo que fuimos y lo que seremos.

Creada para la ultima edición de arte callejero del FAME Festival, que se se celebra en la ciudad italiana de Grottaglie una de las citas mas importantes que se celebran a lo largo del año.

Obama Beach Ball es una obra contextualizada creada por el artista alemán Boris Hoppek, y que reune sus características esenciales lo irreverente en su mensaje y la participación activa de las personas que están implicadas.

Quizás por el titulo elegido se ha polemizado con sus supuesta connotaciones xenófobas. Hoppek se niega con frecuencia a elaborar sobre el significado de su arte, dejando a la interpretación individual si la obra de arte busca problematizar la cuestión del racismo.

O si en realidad cruza la línea y se convierte en una expresión de racismo en sí mismo. A juzgar por la recepción, muchas personas parecen pensar Obama Beach Ball no cruzar la línea, y si tuviéramos que tomar simplemente el trabajo a su valor nominal (sin doble sentido) y fuera de contexto.

Podría estar inclinado a aceptar que la lectura de la misma como una expresión racista tiene algún mérito.

Las obras de Boris tratan sobre tabúes y problemas de nuestra sociedad, centrandose principalmente en la sexualidad y el racismo. Mostrando la realidad tal como la ve en este sentido trata de ser lo mas objetivo objetivo, por lo que su trabajo no es didáctico; tomando una posición equidistante entre lo malo y lo bueno.

El resultado es confuso, como la vida misma. Por ejemplo, la sexualidad. Hay cosas claramente malas, violentas y sucias, pero en el momento adecuado pueden ser buenas. La interpretación depende del espectador, de sus propios valores, creencias e ideas. Le gusta darle al espectador la responsabilidad de completar mi obra.

Para hablar del racismo, utilizo la imagen de la cara pintada de negro. A diferencia de las típicas caras pintadas de negro, elije que el rostro sea siempre neutro, sin expresión, ni sonriente ni triste. Una versión de cara pintada de negro, muy reducida, abstracta y neutra. Depende del espectador cómo la vea; el contexto es importante.