Nomada Q : caricatura

caricatura

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Aunque ha sido en el transcurso de la ultima decada cuando la Maison Ruinart, una bodega especializada en la elaboración de espumosos situada en las proximidades de la ciundad de Reims en el Noreste de Francia, ha dado cierta continuidad a su programa de becas para artistas invitando tanto a Liu Bolin 2018 como al diseñador Vik Muniz en 2019.

Ya en 1895 tras mas de cincuenta años desde que un monje Benedectino llamado Dom Ruinart plantara las primeras cepas de uva, se le encargo al artista checo Alphonse Mucha que se inspirara en los campos alfombrados por hileras casi infinitas, formadas a su vez por cientos de viñas rigurosamente alineadas, modelo que ha variado muy poco en todo este tiempo.

Para ilustrar un cartel alusivo a la actividad de una de las explotaciónes vinicolas mas antiguas del mundo, colaboración a la que han seguido multitud de participaciones en certamenes y muestras, lo que les ha permitido mantener un vinculo con el mundo del arte que se refleja en la gestión de sus marcas e imagen corporativa.

Una de las obras perteneciente a la serie Unconventional bubbles

Logotipos y tipografias que ha utilizado el artista visual britanico David Shrigley para eleaborar una seleccion de mas treinta obras en una mezcla de estilos y formatos que van desde dibujos, pasando por neones, ceramicas y hasta una vieja puerta que encontro en uno de sus vespertinos paseos por entre los viñedos de la finca.

Piezas que englobadas bajo el titulo de Unconventional bubbles y a traves de las que como en otras ocasiones desde que comenzara su trayectoria en 1995, le ha servido para explorar la conexión entre la palabra y el objeto, en una busqueda del significado y sus diferentes interpretaciones en función del contexto y el periodo de su uso.

La serie Unconventional bubbles del artista visual David Shirgley nos adentra en el mundo del cultivo de la vid, a traves de dibujos y piezas artesanales donde la palabra se convierte describiendo la acción del objeto a la que alude.

En el caso de la bodega Ruinart lo que le atraia era la influencia del paisaje y su relación con el termino y su sintesis, asi como las formas ancestrales de cultivar la tierra y producir champagne y de como paralelamente ha evolucionado la aplicación de diferentes criterios linguisticos en función de cada epoca, realizando de esta forma un recorrido por la historia del viñedo.

Desde que hace trecientos años comenzaran con herramientas hechas a mano de las que hoy no se utilizan habiendo sido sustituidas por sofisticados metodos de producción, donde un modelo industrializado ha relegado el tratamiento artesanal del vino ha tareas como la cata de diferentes muestras, pues aunque todavia hay algunas fanegas que se recogen manualmente.

Una de las muchas aportaciones ironicas del artista

Lo habitual ya es que buena parte del proceso este mecanizado, siendo esta disonancia temporal una de las razones por las David decidio trasladarse a un medio tan ajeno, pues el vive desde hace mucho tiempo en la ciudad de Brighton aunque nacio y paso sus primeros veintisiete años en la ciudad escocesa de Glasgow.

Donde ya cultivaba varias disciplinas artisticas lo que le ha convertido en uno de los creativos visuales mas polifacticos de su generación, otro de los rasgos que definen su proyecto es la incorporación de elementos ironicos a sus discursos, sentido del humor que se observa sobre todo en los enunciados que acompañan muchos de sus dibujos.

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Retratos muchos de ellos de apariencia muy pueril que ya por su trazo parecen caricaturas realizadas por niños, pero que en el fondo revelan a modo de psicoanalisis matices de nuestra personalidad mas instintiva y visceral, artificio que en las obras que componen Unconventional bubbles han pasado a un segundo plano optando por el empleo del color a traves del que el autor representa los colores de su entorno. En concreto el de una especie de cavidades laberinticas llamadas "crayeres" y que desde antiguo se han utilizado para almacenar las barricas que contenian el caldo ya fermentado, grutas que con el paso del tiempo muchos casos han cambiado de actividad convirtiendose en restaurantes.

Los personajes que crea el ilustrador Lucas Leviatan, son el clásico invitado que no se espera. Pero que nocturnidad y alevosía se acoplan a la mesa para degustar las viandas que con tanto esmero has cocinado.

Realizados en la mayoría de ocasiones como caricaturas en blanco y negro. Lucas lo introduce con toda naturalidad como si fueran polizones en fotografías de época, o formando parte de escenas mas cotidianas.

Con las que en un momento todos y cada uno de nosotros nos podemos sentir identificados. Muestras domesticas en las que estos invitados casuales sin embargo se adaptan como si formarán parte de nuestro grupo de amistades de toda la vida.

Incluso logran arrancar nos una leve sonrisa complice, sobre todo en aquellas ilustraciones. En las que la acción transcurre en situaciones más íntimas, como por ejemplo cuando cepillandote los dientes en el cuarto de baño o te desperezar en la madrugada, dispuesto a emprender otra ardua jornada de trabajo.

Denominadas como Photo Invasion cada foto nos muestra su antagonista en forma de ilustración, creando un fuerte contraste entre la realidad y la ficción protagonizada por caricaturas orondas y con un toque naif.

Se trata de composiciones que utilizando un lenguaje próximo y reconocible, que recuerda a las tiras de humor. Se caracterizan por su fina y sutil ironia, realizados en tonos neutros. El aspecto bonachón de sus personajes transmiten cierto aire de inocencia.

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Parafraseando al oscarizado cineasta y realizador italiano Roberto Benigni autor conocido por filmar la conmovedora película La vida es bella. Cinta que te cuenta la relación paterno-filial ambientada en un campo de concentración durante la segunda guerra mundial.

La animación titulada Life is Beautiful y que podéis ver AQUI. Trata de transmitirnos que aún en las situaciones más complejas se debe mantener el sosiego y tratar de arrancarle una sonrisa a la vida. Un relato que a la vez resulta tan fascinante como un tanto peturbadora que se centra en contarte los días más anodinos de un antiheroe.

El cual no logra escapar de su drama existencial que consiste en que encontrándose acosado por sus circunstancias, entre las que destacan una sucesión de malas decisiones, tanto laborales como afectivas. Decide tomar una decisión drástica sobre su vida cuyo resultado poco tendrá que ver, con las expectativas que se había creado al principio.

Decisión de la que inmediatamente se arrepentirá, cuando de forma surrealista a la vez que cómica se despierta en lo que parece ser una carrera por regresar a la vida en la que el ha adoptado el papel de espermatozoide. Candidatura que finalmente será elegida en un proceso embrionario o viaje cíclico hacia el nirvana.

Dirigida por Ben Brand, la cinta animada titulada Life is Beautiful, que fue estrenada en 2.013. Es la odisea de alguien que busca una segunda oportunidad renunciando a la prisión que representa su cuerpo.

Protagonizada por Anton, un sujeto corriente, un canto rodado que trata de sobrevir en un entorno social cada vez más hostil. Y que ademas hay que añadirle su condición de individuo bajito, lo que le convierte a los ojos de los demás en alguien insignicante.

Rodada con mucho sentido del humor, pese al planteamiento dramático de la situación que le toca vivir a su protagonista y a las limitaciones sociales que se le plantea tanto en su entorno social como personal. El modelo de narración lo acentúa aplicando grandes dosis de comicidad, presididas por los contrastes en las tipologías sociales que se nos muestran de forma caricaturesca.

Que mejor modelos a partir de los que realizar una versión caricaturizada que tus propios compañeros de estudios y profesores. ¿O no?. Como parte de su proyecto fin de ultimo curso de fotografía en el Edinburgh College. El avezado estudiante de fotografía Lee Howell realizo su particular interpretación del cartel cinematográfico de la opera prima del director de cine Quentin Tarantino titulada Trainspotting.

Tratando de imitar la imitar la misma pose el bueno de Lee tras realizar las instantáneas las deformo tratándolas con photoshop. El resultado es la serie titulada Caricature Project for Free Range, en las que desproporciones que presentan las anatomías de sus compañeros recuerdan a las de muchos cuadros del artista mexicano Fernando Botero.

Material gráfico vía Behance

Quien no ha tenido la tentación alguna vez de posar como modelo para algunos numerosos dibujantes callejeros que a cambio de unas monedas, alteran las facciones de tu rostro hasta convertirlo en una caricatura, y que te los encuentras situados en lugares estrategicos de plazas, parques o en época estival con el caballete situado de cara al mar en uno de los muchos paseos marítimos que se inundan de gente tras ocultarse el sol.

El dibujante Tobias Gutmann se ha inspirado en la tecnología del fotomaton, para reinventar la caricatura añadiéndole un matiz irónico. Tomando como modelo la estructura de este estudio fotográfico casual y urbano, del que debido a las nuevas tecnologías su uso y presencia esta siendo relegado.

Tobias ha creado el Face-o-mat, una versión artesanal e informal con la que ha recorrido hasta ahora mas de 40.500 kilómetros. En un viaje vital y artístico por el que ha tenido la oportunidad de recalar en ciudades de los cinco continentes, en una experiencia donde el contacto con lo que es la tarjeta de presentación de toda persona, le ha supuesto un mejor conocimiento no solo de su fisonomía sino de sus diferentes caracteres.

Realizado en cartón, el candidato se siente exponiéndose su rostro a través de una abertura cuadrangular que representa el objetivo de una cámara. Al otro lado Tobias mientras representa sus rasgos sobre una cuartilla de papel donde utilizan una técnica minimalista, emerge lo que según el criterio del autor es su retrato mas cercano y fiel a su aspecto físico.

Mas allá del beneficio económico, Face-o-mat es un proyecto que partiendo de un antecedente tecnológico, realiza una radiografia en clave cómica y en un contexto global de la increíble variedad de razas que humanizan el mundo, convirtiéndolo en un lugar mestizo y en constante transformación.

Cuando vamos caminando por la calle, los peatones no tenemos por costumbre de alzar la vista por lo que nos perdemos una parte importante de lo que nos rodea.

El artista digital Thomas Lamadieu sin embargo utiliza esta perspectiva, para mostrarnos la ciudad desde otro punto de vista. Ofreciéndonos un conjunto de fotografías que nos revela un fragmento a la cual y por lo general no solemos acceder.

Sus fotomontajes redibujan el paisaje de la ciudad, mediante la aplicación de técnicas de fotocomposición digital, por las que yuxtapone fotografías realizadas en tonos tenues con ilustraciones hechas con estilográfica.

Con este contraste entre el blanco y negro de los dibujos sobre escenarios urbanos reales, consigue el efecto de maximizar el campo visual. Unas veces desde una posición cenital y otras de frente.

Thomas contextualiza las estructuras arquitectónicas como si fuera un molde a las que adapta las formas de ilustraciones con las que humaniza el espacio publico, rellenando las con retratos a cuerpo entero de ciudadanos anonimos.

De esta forma el espacio vació adopta un papel activo, cornisas, patios, charcos de agua o la recortada silueta de un skyline se ocupan con volúmenes con figuras planas que rellena el horizonte.

Me pregunto si el artista Italiano se vera obligado a pagar derechos de autor, por utilizar la imagen de algunos de los iconos del arte de la animación del siglo XX, para realizar sus irreverentes caricaturas de dictadores genocidas, deidades e imagenes monoteístas y mascotas del consumo de masas y comida rapida.

Ejercicios iconoclastas que este outsider y elefant terrible de la cultura Pop más irreverente y de la forma bizarra posible. asocia con acontecimientos que representan hechos históricos, de los que como seres racionales nos tendrían que hacer reflexionar.

O al menos de los que tendríamos que guardar una memoria más o menos aproximada. Algo que lamentablemente no siempre sucede asi, provocandonos lapsus de anexia colectiva. Que lejos de ser casuales no parecen que queremos ignorar o directamente tergiversar determinados aconcentimientos historicos.

Que por su trascendia y connotaciones socio-politico deberíamos tratar de conservar en nuestra memoria colectiva sin ambigüedades. Y que Max de forma incisiva ya se encarga de recordarnos esta impostura devolviendonos un poco de la perspectiva perdida que tenemos sobre la realidad.

Un equilibrio necesario, al que el, por otra parte le añade ciertas dosis de humor, un tanto cáustico si se quiere. A medio camino entre la caricatura destinada a la sección de humor de cualquier rotativa y el periodismo de investigación.

Fue a raíz de cuando intervino realizando un gran mural a gran escala sobre una fachada de un edificio en el centro de Poznan en Polonia, accion activista que lo proyecta en la escena global.

El artista Max Papeschi, haciendo gala de una acidez y humor sardónico. Nos muestra sin tapujos cual el proceso por el que la mas cruda realidad se suele tamizar, para que nos resulte mas fácil de digerir.

Después de una experiencia como autor y director de teatro, televisión y cine, Max Papeschi se inicia con el arte digital. Como artista figurativo su acercamiento con el mundo del arte tuvo éxito inmediato entre los críticos y el público.

Su trabajo políticamente incorrecto muestra una sociedad globalizada y consumista, y pone de manifiesto de una manera irónica realista tanto lo positivo como lo negativo de nuestros hábitos de vida. Así como de nuestros temores y nuestras incertidumbres.

Aunque su trabajo esta orientado hacia el mundo de la publicidad, contando con una amplia cartera de clientes. Este Joven dibujante e ilustrador ruso residente en la ciudad rusa de San Petersburgo, posee una especial habilidad cuando se trata de la utilización de colores y matices para crear profundidad.

Su estilo un tanto naif, puede recordar a las formas orondas del artista colombiano Botero. Comenzó a dibujar a partir de la edad de doce años ayudando a su padre la elaboración de tarjetas en su copisteria. Fil Dunsky se graduó con un diploma en Diseño Gráfico y Artes por Far Eastern Pedagogical University de Rusia.

Pronto comenzó a ganar una valiosa experiencia en el estudio de diseño local antes de situarse como freelance a tiempo completo. Su Jornada laboral inusual comienza antes de despuntar la madrugada, antes de ponerse a dibujar completa su sesión de yoga, es entonces cuando comienza a realizar sus ilustraciones pobladas por personajes caricaturescos e históricos.

Caminas realizadas a mano alzada y dibujados a lápiz, tratando de hacer variantes, selecciona la que considera la mas óptima, la escanea y procede a tratarla con una diversidad de aplicaciones digitales. Aunque preferentemente suele recurrir a una de las mas empleadas como Photoshop.

Dunsky que comenzó hace unos ocho años no solo como diseñador grafico desde una perspectiva profesional, sino también como una forma de ayudarle a superar las adicciones a las drogas, el alcohol y el tabaquismo.

Nacido en la ciudad de Jabárovsk, se trata de un creativo que muestra una intuición y una habilidad muy desarrollada para comunicar, a la hora de crear composiciones. Que se caracterizan por su capacidad de empatía y su sentido del humor, virtudes gracias a la que consigue establecer una respuesta inmediata en el espectador.

Cabezas desproporcionadas en relacion al resto del cuerpo, ojos que se salen de las cuencas, escasos matices en la selección de colores. En las propuesta del artista urbano Brasileño Claudio Ethos existe una clara referencia a la caricatura.

Sus estampas callejeras se definen por ser de grandes dimensiones. Con algunas de ellas tienes las sensacion de que son calcamonias o pegatinas que han sido adheridas a la textura de la pared, impresas mas que pintadas. Son intervenciones que en todo caso dejan huella en la corteza urbana.

No dejando indiferente al transeúnte que tiene que aminorar su marcha, sino detenerse e inundar su retina con los volúmenes de sus figuras y el tratamiento que realiza del espacio. Invitando al espectador a sumergirse en el trazo de la escena como un elemento mas de la obra que se despliega ante sus ojos.

El artista brasileño Claudio Rafael, más conocido como Claudio Ethos, crea murales surrealistas a gran escala utilizando una paleta de colores mínima. Las intervenciones de Ethos a menudo representan figuras que muestran una diversidad de estados emocionales y espirituales.

Claudio Ethos nació en la ciudad brasileña de Sao Paulo en 1982. Ya en la adolescencia fue uno de los miembros mas destacados del incipiente movimiento conocido como Sao Paulo Pichacao.

Relación que dio como resultado que mostrara interés por otros ambitos creativos. Por lo que a la edad de quince años comenzó a rociar y dibujar en libros y lienzos con un bolígrafo. Dos años después de entrar en un colegio de artes visuales decidió dejar la educación formal y simplemente trabajar como artista autodidacta habiendo trabajado en numerosos certamenes y muestras de arte urbano en todo el mundo.