Nomada Q : arte digital

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En la serie titulada Anthropocene (antropoceno), su autor el fotógrafo David Thomas Smith analiza a través de la simetría urbano, el impacto que ha tenido sobre el medio ambiente el desarrollo urbanístico en buena parte de las ocasiones escasamente planificado. Para eso utiliza tomas extraídas del conocido programa de localización geográfica Google Earth.

Centrándose en los temas de la globalización, la economía y la industrialización, David Thomas Smith realiza composiciones fotografícas donde las áreas geograficas se delimitan a partir de geometrías que se contraponen como en un espejo. Aunque estas imágenes se basan en la realidad, muestran una fantasía calidoscópica del mundo creado por la voluntad del ser humano.

Antropoceno es un término usado para describir la era en la que la presencia del ser humano moderno ha impactado sobre la tierra. Si bien no es un término oficial en el campo de la geología, si sirve para definir todo un periodo de nuestra historia que se caracteriza por la modificación del medio ambiente, debido a las malas practicas de nuestra civilización.

El artista con sede en Dublín fragmenta extensas áreas contempladas a vista de pájaro, componiendo un mapa paisajístico visual a través del que se encarna una realidad en muchos aspectos desoladora, a partir de la que cualquier buen observador puede reflexionar, sobre las consecuencias de la actividad humana sobre el planeta tierra.

Compuestos por miles de fotografías equivalentes a otros tantos momentos, los trece collages seleccionados para la serie Diorama Map, son el resultados de los viajes realizados por su autor el artista japones Sohei Nishino en el transcurso de los últimos diez años.

La muestra representa fragmentos del urbanismo realizados a vista de pájaro. La colección que se exhibe actualmente como parte de las actividades de la ultima edición de la feria Pulse Art que se celebra en New York.

Y que congrega a numerosos expositores y galeras de arte tanto de la ciudad como del extranjero. Se presenta en formato fotográfico de grandes dimensiones. Lo que permite al visitante sumergirse en cada uno de los cuadros reparando en cada uno de los miles de detalles que contiene cada obra.

SOHEI HACE FOTOGRAFÍAS QUE MAPEA CONVIRTIENDO EN DIBUJOS A GRAN ESCALA.

Aunque muchas de las fotografías están realizadas en color, ha sido necesario tratarlas en blanco y negro dándoles un aire retro, donde las sombras de los elementos mas significativos de cada ciudad seleccionada para la serie transmite un aire de nostalgia.

Su primer proyecto tuvo como referencia su ciudad natal de Osaka. En 2005, tras vagar por la ciudad durante un mes, disparó más de 150 rollos de película, a lo que añadió tres meses más reconstruyendo las imágenes de calles y edificios.

Empleando como herramientas unas tijeras y pegamento dando forma a la ciudad como la recordaba. Aunque una parte importante de la colección esta compuesta por ciudades localizadas en el sureste asiático, área que su autor Sohei conoce bien también ha tenido tiempo de retratar en su viajes ciudades de otros continentes, como Estambul, Paris, Rio de Janeiro o Jerusalen la única representante del continente africano.

El artista con sede en Londres Quayola fusiona lenguajes narrativos como la videoinstalación, las geometrías o la música electrónica, con artistas flamencos como Rubens o del renacimiento como Caravaggio.

Con otros mas recientes en el tiempo y contemporáneos entre los que se podría citar a Kandinsky, Paul Klee o Oscar Fischinger. Produciendo artefactos audiovisuales donde el color producto de la mezcla de pigmentos con las que se crearon algunas de las obras, mas la historia del arte.

Se pixelan adoptando un formato gráfico donde se incorpora el sonido realizados con programas de edición digital como banda sonora. La materia en su obra se reinventa como escultura digital a través del tiempo. Dando como resultado una celebración de la materia misma.

La sustancia de todas las cosas físicas describe una articulación dinámica, continuación de un bloque sólido basada en formas primitivas. Una obra maestra que nació como el avant-garde que se ha convertido en un icono clásico universal y ahora se considera el puente desde lo clásico a lo moderno.

Esto provoca sucesos multimodales en la percepción de una obra ya conocida por el publico, que hace una relectura donde la obra se contextualiza como un fenómeno donde el sonido y el movimiento se añaden a lo estético, en una experiencia enriquecedora de una referencia artística conocida.

Las imágenes producidas ceden parte de su exclusividad relacionandose con la acción de la accionn que transcurre al dictado de la melodía interpretada a partir de una partitura digital. El software ofrece un control con más de quinientos parámetros visuales diferentes, así como algoritmos para la creación de cientos de tonalidades diferentes complementando la paleta de colores como herramienta de trabajo.

Cuando vamos caminando por la calle, los peatones no tenemos por costumbre de alzar la vista por lo que nos perdemos una parte importante de lo que nos rodea.

El artista digital Thomas Lamadieu sin embargo utiliza esta perspectiva, para mostrarnos la ciudad desde otro punto de vista. Ofreciéndonos un conjunto de fotografías que nos revela un fragmento a la cual y por lo general no solemos acceder.

Sus fotomontajes redibujan el paisaje de la ciudad, mediante la aplicación de técnicas de fotocomposición digital, por las que yuxtapone fotografías realizadas en tonos tenues con ilustraciones hechas con estilográfica.

Con este contraste entre el blanco y negro de los dibujos sobre escenarios urbanos reales, consigue el efecto de maximizar el campo visual. Unas veces desde una posición cenital y otras de frente.

Thomas contextualiza las estructuras arquitectónicas como si fuera un molde a las que adapta las formas de ilustraciones con las que humaniza el espacio publico, rellenando las con retratos a cuerpo entero de ciudadanos anonimos.

De esta forma el espacio vació adopta un papel activo, cornisas, patios, charcos de agua o la recortada silueta de un skyline se ocupan con volúmenes con figuras planas que rellena el horizonte.

The Web es la instalación del artista Jon Kessler se trata de una experiencia en la que el elemento principal es la tecnología, intervención con la que el autor quiere mostrar hasta que punto influye en nuestros habitos y nuestras relaciones sociales todo lo relacionado con la era digital.

Compuesta por elementos digitales, cinéticos y pantallas de ordenador alojadas dentro de una estructura de madera. En la que Kessler ha montado iPads, iPhones y otros equipos de Apple, mientras que las cámaras de vigilancia giran hacia atrás y adelante sobre soportes rotatorios.

Creando un perímetro supuestamente seguro que sin embargo no puede evitar que se oiga el zumbido silencioso de la maquinaria, que se ve interrumpida por el sonido emblemático de inicio un ordenador de Apple. El cual nos alerta como visitantes de que estamos inmersos en la nueva epifanía del siglo XXI.

En exhibición hasta el 28 de Abril en el Swiss Institute Contemporary Art de New York. Los visitantes también pueden descargar una aplicación para el iPhone, para poder exhibir las imágenes de su teléfono en los monitores.

Monitores de televisión que apilados crean un caleidoscopio de imágenes, en el que los visitantes sin que ellos sean conscientes aparecen formando de una narrativa donde su identidad deja de ser anomima para a ser de dominio publico.

En las obras de Kessler a menudo se trata las relaciones sociales en un contexto contemporáneo, y la influencia de la tecnología y su utilización política desde un punto irónico. Creando un relato crítico a la vez que comprometido en el que recurre a modos de presentación donde utiliza materiales de deshecho.

Convirtiendo la sala en un salón tecnológico de los espejos, el montaje de vídeo en directo y grabado produce un bucle confuso de personas que se observan a sí mismos y de paso a los demás. Mientras que ellos también son vigilados por esas mismas cámaras.

Jon Kessler empezó su trayectoria como becario en el instituto Guggenheim, en 1996 ocupo plaza como profesor en la Escuela de la Universidad de Columbia de las Artes. Esta actividad docente la ha compaginado con su carrera como artista exponiendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1986), el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh (1991), y el PS 1 en Nueva York (2005), entre otras.

La sala de espera de cualquier hospital debido a su función asistencial se caracteriza por ser un lugar neutro, donde los pacientes citados suelen pasar largos ratos sumidos en el tedio e incertidumbre, este estado en el caso de los usuarios infantiles se acentúa.

Para paliar esta desagradable situación el Hospital Great Ormond Street para niños, en Londres, encargo al artista visual Jason Bruges una instalación que amenizaran las estancias de los niños que asisten a su sección de pediatría. Con el titulo de Nature trail, su creador quiso desde un principio que su utilidad excediera lo meramente visual y estético.

La instalación que representa al mundo natural, es un mural digitalizado equipado de sensores que ante la interactividad de los peques, reproducen en sus paneles escenas protagonizadas por animales tanto salvajes como domésticos perfectamente reconocibles, lo que provoca el juego y la curiosidad de los niños que de esta forma permanecen distraidos.

Nature trail, está formada por setenta paneles de LED integrados donde se reproducen las escenas en modo gráfico. Los sensores de movimiento detectan la presencia de visitantes y pacientes, la activación de las pantallas muestran las siluetas de los animales en acción en su propio hábitat.

La idea era diseñar e instalar una obra de arte que distrajera a los pacientes hasta ser atendidos por su facultativo. La inspiración vino al obsevar a los pacientes como trataban de abstraerse leyendo o dibujando. De esta forma Jason traslado esta idea, interpretando las paredes del hospital como un lienzo natural.

Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses Jacquet Yannick y Fred Penelle.

A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.

Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.

Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista

Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.

Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.

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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.