Nomada Q : street art

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Hasta los gestos afectivos más simples realizados en el instante y contexto adecuados suelen ser los detonantes de las mas bellas manifestaciones artisticas. Además en ocasiones estos sencillos a la vez que cotidianos gestos cuando se producen en situaciones extremas.

Cómo puede ser a nivel personal una ruptura sentimental o como consecuencia de un conflicto. Aparte de recibir otro valor se perciben, de otra forma, otorgándoles propiedades casi extraordinarias. Ya sea un sencillo apretón de manos o un caluroso abrazo recibido cuando sobre todo se dán circunstancias digamos anómalas y casi siempre de consideración grave.

Pueden modificar sustancialmente el estado del sujeto que ya sea de forma testimonial o cómo receptor directo de ese gesto o contacto casual. Situacion en la cual la empatia hacia el otro se convierte en una necesidad cuando los factores en tu entorno más próximo se vuelven realmente adversos.

Generando en el individuo la nacesidad de compartirlo con el resto en un intento de comunión a través de algún proceso creativo. Por el que trata de transmitir un sentimiento de fraternidad. Con el que de forma altruista trata de crear conciencia y solidaridad respecto a una causa en concreto.

Tendidas a los pies de la Torre Eiffiel unas manos entrelazadas se extienden como parte del monumento situado al fondo

Nominado en el año 2019 como una de las personas más influyentes por la revista Forbes, el artista autodidacta Saype, experimento en 2012 un momento epifanico cuando en el transcurso de los acontecimientos que se produjeron como consecuencia de lo que ya ha pasado a la historia como la Primavera Arabe.

Fue testigo de cómo una de las muchas enfermeras de las que se manifestaban en las calles de algunas de las ciudades más importantes, desafiaba a las autoridades pidiendo justicia. Escena que se quedó grabada en su retina y que con el tiempo plasmó en diferentes intervenciones en blanco y negro.

Las manos entrelazadas de Beyond Walls que forman parte de un proyecto de arte urbano global, con el que su autor Saype nos quiere trasladar un mensaje donde los perjuicios y los recelos hacia el diferente se diluyen ante el gesto de un abrazo.

Que de forma casi furtiva representaba una sociedad tumultuosa sometida a cambios constantes. Experiencia que le sirvió para acumular conocimientos relacionados con las técnicas del arte urbano. A partir de las que desarrollo la suya propia consistente en aplicar una solución 100% biodegradable.

Con la que comenzo a realizar actuaciones en la que la escala de lo representado aumentaba considerablemente en cada ocasión. Grandes murales que podían realizarse sobre casi cualquier tipo de superficie y con los que Saype se suma a una selecta lista de artistas encabezados por el artista francés JR.

En la ciudad de Estambul las manos sobre el río Bosforo son una metáfora de un puente

De cuya estética es cuando menos participe, afinidad en criterios no sólo estilísticos sino que se observa sobre todo en terminos de activismo y de compromiso social, algo que se percibe más si cabe en el proyecto de más embargadora en el que se ha embarcado hasta el momento.

Proyecto nómada titulado Beyond Walls en el que el símbolo afectivo/emocional a traves del que trata de establecer un nexo con el espectador es la figura formada por dos brazos entrelazados, una imagen cuya trascendencia por su sencillez y connotaciones puede causar un fuerte impacto en el espectador.

Ya sea tendida a los pies de la Torre Effiel, flotando sobre el caudal de rio Bosforo en Estambul o en una parcela de césped en uno de los muchos jardines de Berlín, la unión de las dos manos entrelazadas se convierte un ideal. Donde se tiende un puente por el que tanto la humanidad como la esperanza, en algún momento, al cruzarlo en sentidos opuestos. En algun punto equidistante, de ese puente tendido sobre un río, cuyas aguas se deslizan llevadas por la memoria y el olvido, deben encontrarse en un abrazo.

Con ligeros matices que tienen que ver principalmente con el tratamiento de las escalas, las intervenciones del artista conceptual Christo, ha provocado después de su fallecimiento que florecieran una variedad de propuestas artísticas.

Que aplicando su archiconocida técnica consistente en camuflar todo tipo de objetos envolviendolos, aunque principalmente se hizo mundialmente por camuflar con inmensas lonas las cuales podían abarcar miles de metros cuadrados de superficie, las más inverosimiles estructuras arquitectónicas y monumentos.

Actividad por la que en numerosas ocasiones suscitó una polémica que el se resistía a alimentar, siendo las más enconadas aquellas que se posicionan cuestionando a partir de aportar los más variados argumentos, el valor estético de unas actuaciones que podrían acarrear secuelas en los edificios que envuelve.

Argumentos que carecen de fundamento porque las instalaciones de Christo partían de un enfoque efímero del arte, y por lo tanto las customizations camufladas que desarrollo a lo largo de su trayectoria, tenían por objeto uniformar desde una óptica teatral creando diferentes escenarios camuflados.

Edificio envuelto con papel de aluminio en el barrio de Praga en Varsovia

Uno de sus alumnos más aventajados y herederos quizás sea el artista polaco Piotr Janowski, que tras pasar toda su infancia y buena parte de su juventud en la ciudad portuaria Gdanz donde se llega a licenciar en bellas artes.

Se tralada a los Estados Unidos, donde tras residir en varias ciudades se afinca finalmente en una casa de la localidad de Tarpon Springs perteniente al estado de Florida. Casa unfamiliar típica americana, que se convierte en su primera estructura envuelta íntegramente, y con la que el autor tratar de reinvidicar el valor de las cosas y su memoria.

Aunque inmediatamente evocan en la memoria las intervenciones del artista Christo, los edificios envueltos en papel plateado de Piotr Janowski reflexionan sobre aquellas cosas que solemos dejarnos en el olvido a través de convertirlas en monumentos.

Para su segunda intervención conserva la misma sintonia estética, de nuevo en territorio polaco el hijo prodijo actúa sobre un viejo edificio construido en 1870, y que en ese mismo instante está siendo habitado por un techo, persona que se suma a un proyecto que se alarga varios meses.

Dando como resultado la costumizacion que bajo el título de Ząbkowska 9, Take off!, pretende condensar los diferentes periódicos históricos por lo que ha pasado y sus diferentes usos, habiendo sido testigo en el barrio de Praga en Varsovia de las catastróficas consecuencias provocadas por la II Guerra Mundial y del periodo posterior protagonizado por la ocupación por parte de la Union Sovietica.

Locomotora a partir de la que Piotr realizó una de las esculturas más visitadas de Gdanz

Paralelamente a los proyectos a los que podíamos englobar dentro del grupo de obras cuyo nexo es que aparte de recurrir a la técnica de camuflaje, y de los cuales (quizás el más notable sea), el que el artista realiza escogiendo como escenario la estación de ferrocarril de la ciudad que le vio nacer.

Donde escoge una locomotora que abandonada yace en una vía muerta, imagen que causa un fuerte impacto en el artista, simbolizando a su juicio una falta de memoria histórica. Por lo que decide rescatarla convirtiéndola en un monumento con el cual trata de recuperar el vínculo de la comunidad con su pasado.

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Piotr crea una diversidad de obras cuyos rasgos obedecen a diferentes formatos, pero cuyo eje narrativo está guiado, por el concepto de la memoria, o mejor de la facilidad con las que olvidamos las causas por las que estamos en determinado contexto o sometidos a situaciones cuyos desafios se nos antojan difíciles de resolver.

A esta linea de trabajo pertenece una de sus últimas obras. Titulada Don't give up world, la obra cyuo detonante ha sido la actual crisis sanitaria provacada por el Covid/19, nos describe las verdaderas causas detrás de la aparición y expansión del virus, las cuales nos remiten al deterioro que está sufriendo el planeta Tierra.

En el manifiesto que esta a disposición de todo aquel que quiere indagar en las motivaciones detras de todas y cada una de las de las obras del artista Jofre Oliveras, tanto de arte formal como aquellas realizadas en el ambito publico.

Existe un detonante comun que esta relacionado con el concepto de la creación y expresión como una manifestación estetica y semantica a traves de la que poder actuar a partir de una posición netamente activista. Poniendo en ojos del espectador relatos graficos, cuyas herramientas narrativas basadas en un lenguaje que aunque explicito.

Nunca bordea lo obsceno, tratando de evitar herir su susceptibilidad a través de una pedagogía estética digerible. Centrandose en dar preponderancia aquellos aspectos sociales mas representativos, labor cuya dinamica tiene como principal proposito concienciar y poner el acento sobre diferentes situaciones caracterizadas por la exclusión o la violencia.

Que sufren determinados colectivos, para crear ese efecto reflexivo las instalacciones se componen de componentes orgánicos. Como en una de sus mas simbólica creada a partir de las ramas reunidas en lo que parece un nido gigante, y que sirven para transmitirnos la preocupación del autor por la deriva ecológica, pero que representan una casa que esta siendo irreversiblemente devorada por unas llamas que se extienden a lo largo de su fachada

O como en el mural realizado en el barrio de Valdefierro en Zaragoza, donde diferentes bandadas de pajaros se arremolinan en el centro del lienzo blanco de una pared. Trazando una coreografia y cuya ejecución minimalista recuerdan a intervenciones de otros autores generacionales como Pejac o Suso33, representando en este caso a una de las constelaciones mas conocidas como es la de Orion que se pueden observar en el firmamento al caer la noche.

Jofre ha creado una identidad propia trabajando en una diversidad de formatos

Otro de los puntos estimulantes conceptuales contemplado en su manifiesto esta relacionado con la idea de utilizar el arte como una "arma" constructiva sobre la destruccion. Una dicotomia existencial. Que percibe e interpreta la practica artistica como una suerte de sintesis psicoanalitica a traves de la que con un poco de intuición y aplicando siempre el principio de precaución.

En las obras del artista Jofre Oliveras se narra a grandes rasgos diferentes situaciones de ambito social y siempre aplicando una optica activista, con la que pretende crecer a partir de empatizar con el otro y su situación.

Podamos como sujetos confrontandonos a nuestras propias contradicciones sin complejos y a nuestras normativas conducta les. Rutinas circulares las cuales nos impiden empatizar con el otro al que reducimos a una logica donde acaba prevaleciendo el distaciamiento social y a las que Jofre añade en ocasiones su particular interpretación de la ironia.

Para eso Jofre se apoya en otros de los puntos de su particular declaración de principios, siendo un nexo cuya optica ha sido adoptada por muchos otos artistas formales y que nos vincula a la necesidad de superar, el que en una mayoria de ocasiones se comporta como la limitación del espacio, que te proporciona una galeria en terminos expositivos.

En otras intervenciones Jofre se acerca a una estética Land Art

Para convertir el entorno urbano en un escenario donde el rendimiento comunicativo se multiplica exponencialmente. Intervenciones de gran calado, a este ámbito pertenecen murales como el del retrato de un encapuchado gestionado en el 2019 en el que cuenta como colaborador con B-Murals y que tuvo como marco una pared encalada siendo realizada para el festival TÁPIA de Barcelona.

Jofre también está involucrado Perteneciente como miembro fundador en el colectivo de artistas Kovent, iniciativa multi-disciplinar cuyo objetivo es establecer un dialogo entre la manifestación artistica y su entorno abarcando una amplia gama de propuestas creativas, que se realizan aplicando un modelo basado en la autogestion y autonomia de los recursos con los que cuentan.

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Empezando con la administracción del propio edificio donde operan y organizan un nutrido conjunto de actividades. La abadia de un monasterio cuya construcción data del Siglo XIX, situada en las afueras de la localidad de Olivan a escasos kilometros de la ciudad de Barcelona. Se trata de un espacio donde la diversidad de sus residentes se enriquecen creciendo a nivel personal.

A traves del intercambio de conocimientos cuyo origen lo podemos encontrar en muy diferentes ambitos, un ejemplo de ello podria ser una de las ultimas obras de Jofre. Un lienzo que reproduce los retratos de dos niños de la guerra, cuya foto original fue realizada por los reporteros Xavier Aldekoa y Alfons Rodriguez. Lienzo que tras ser expuesto en Berlin este año sera subastado, destinando los beneficios a la organización Open Arms.

El distrito de Dumbo en Brooklin, New York hasta hace no mucho tiempo concentro buena parte de la actividad industrial entre los puentes de Manhattan y Brooklin que salvan el East River (Rio Este) conectandolo con la gran manzana.

Frenetica actividad economica realizada en las numerosa naves y almacenes que a lo largo de la rivera se han ido reformando convirtiendo en espaciosos lofts, cuyos residentes (principalmente artistas), han conseguido transformar la imagen de un barrio que tradicionalmente se ha considerado gris y aislado, en un lugar caracterizado por la creatividad.

Cambios que ademas ha propiciado que algunas calles como Washington Street se convierta en el lugar donde miles de turistas se apiñan cada jornada, con el unico objetivo de fotografiar una de las postales mas iconicas de la ciudad, como es la del puente de Manhattan que tendido sobre el lecho de rio emerge majestuoso dominando con el fondo de rascacielos elevandose sobre el horizonte.

Y que su acceso por Brooklin nos ofrece ya una pequeña muestra de la intensa y prolifica actividad artistica que se respira nada mas pisar sus calles, con sus numerosos murales. La mayoria intervenciones de Arte Urbano que se realizaron durante el intervalo de tiempo, que abarca los años comprendidos entre 1997 y 2014.

Fragmento de una de las intervenciones de CAM en Dumbo

Que fue el periodo de tiempo durante el que se celebraron las diferentes ediciones de la muestra de arte vanguardista Dumbo Arts Festival, una cita que supuso una plataforma excelente a traves de la que dar a conocer a una diversidad de artistas, que desde los mas variopintos ambitos creativos contribuyeron con sus intervenciones y obras a transformar el espacio publico.

En un lugar de intercambios y conocimientos, donde la transformación de los espacios comunes era un rasgo identitario del barrio. Entre los muchos artistas destacados que se podrian mencionar estaba un incipiente artista plastico oriundo de Brookin llamado Craig Anthony Miller (aunque sus obras la firma con el acronimo de CAM).

Y que tras finalizar su formación y obtener su BFA por la Saint Johns University (institución que se encuentra en el barrio vecino de Queens,) abre su propio estudio en el barrio que le vio crecer. Comenzando una fecunda trayectoria cuyo proposito es trasladar su propia concepción del arte al entorno urbano, creando una cosmologia propia.

Un Universo poblado por una variedad de especies animales, entre los que podrian citar buhos, elefantes, jirafas...(entre otros), que CAM combina en ocasiones deidades de origen Hindu como la diosa Ganesh (representada por la cabeza de un elefante) que forman parte de series como la titulada Rituals of the Urban Yoga. Triptico conceptual realizado en 2015 en la que se reflejan los rasgos principales en los que se podia resumir su credo artistico.

En las intervenciones del artista urbano CAM y que tienen como marco creativo el distrito de Dumbo perteneciente a Brooklin en New York, donde crecio y tiene su estudio, se combinan tecnicas antiguas como el de las vidrieras actualizandolo a traves de la incorporacion de motivos naturales a traves de las que realiza un viaje donde crece como individuo.

El arte de CAM usa la técnica de la vidriera con los que representa una naturaleza de fragmentada

Y que se plasman en una obras realizadas a partir de actualizar una tecnica tradicional, casi artesanal como las de las vidrieras que forman del arte sacro que se pueden ver en muchos templos. Sustituyendo los motivos religiosos por representaciones y escenas extraidas de la naturaleza, protagonizadas por criaturas del reino animal.

Cristaleras donde los colores vivos sin embargo acentuan ese sentimiento mistico y manifestación espiritual, que se puede percibir sobre todo contemplando sus murales repartidos a lo largo del barrio de Dumbo. Murales que previamente ha completado en su taller y con las que ha conseguido crear una marca reconocible a lo largo de todo el distrito.

Intervenciones como Owls, Pedro´s Willamsburg, Water Street o Pedro´s Dumbo, que realizadas entre 2006 y 2013 todavia se pueden visitar, aunque alguna apenas se pueda percibir. Murales a los que CAM añade mantras como Always be mindful of your ability to fly (ten siempre en cuenta tu habilidad para volar.) Frases con las que el artista nos transmite un mensaje donde prevalece la esperanza.

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Aunque CAM como otros artistas en su faceta urbana tambien ha protagonizado casos relacionados con procesos judiciales por mal uso de su obra, como en el caso de la demanda que interpuso contra una promotora. Polemico episodio que se suscito como consecuencia de que esta firma supuestamente se apropio de parte de una mural ralizado por CAM en colaboración con miembros del Collective 303. Utilizando fragmentos de su como imagen publicitaria. Demanda que finalmente salió adelante siendo favorable a los intereses del artista.

En el primer corto documental editado por la marca de sprays Auster titulado Latinoamerica tenemos la oportunidad de conocer la trayectoria y obra del artista mexicano Stinkfish aunque habría que decir que desde que era un niño de corta edad lleva residiendo en Colombia, donde emigro con su familia afincándose finalmente en Bogota.

Una trayectoria breve pero intensa por momentos furtiva que comenzó como la de otros muchos artistas urbanos, realizando pintadas urgentes y clandestinas a comienzos de la primera década de este siglo hasta que alrededor de 2005 ofrece su primera muestra de que el lo que en un futuro seria su principal vocación pintar retratos, en este inesperado bautizo eligiría la figura de uno de los estadistas mas iconicos del Siglo XX.

Ni mas ni menos que John Fitgerald Kenedy con cuya efigie empapelo buena parte de la ciudad incluyendo marquesinas y algún que otro baño publico donde se tuve que esconder de las fuerzas del orden, los tiempos por fortuna han cambiado y le ha sonreído, en la actualidad se pueden contemplar retratos suyos por medio mundo como New York o en Ho Chi Minh capital de Vietnam y donde recalo por iniciativa propia.

Vista general de Porcida y su puerto a media tarde

Tras finalizar una intervención en la vecina Camboya para un certamen, allí como siempre con su cámara de fotos entre la muchedumbre Stinkfish trataba de capturar esa imagen que a su juicio representaría la esencia del lugar que esta visitando, podría ser un edificio o cualquier escena cotidiana de las muchas que sucede a nuestro alrededor y en las que apenas reparamos.

Pero como en muchas otras ocasiones Stinkfish capturo una serie de rostros todos ellos pertenecientes a gente anónima entre los que finalmente selecciono el de una niña que formaba parte de una clase cuya escuela había salido de excursión, la cual acabo retratando fielmente en uno de los muchos muros de una de las muchas calles de su ciudad, convirtiéndose finalmente en la carta de presentación del artista y por la que se ha hecho mundialmente conocido.

Con casi veinte años de trayectoria como artista urbano Stinkfish ha desarrollado una identidad propia como retratista de una sociedad en constante movimiento, capturando la diversidad que le rodea que recicla nutriendo su propia óptica de un mundo cada vez mas fluido y menos inocente.

Según la filosofía de Stinkfish, el lo que hace es reutilizar una imagen extrapolando de su paisaje original para integrarla en un contexto social en el que en principio supone la antítesis del original, para darle contenido también recicla muchos de los materiales que emplea en la reutilizaron de sus obras, cuyo proceso comienza con una aplicación de tratamientos de imágenes.

Los retratos Stinkfish reflejan el lado humano de los lugares que visita

Con la que selecciona un fragmento de la fotografía realizada sobre el terreno, cuyo detalle en la mayoría de las ocasiones se recortara como motivo principal sobre una plantilla de stencil, a través de la Stinkfish trata de atenuar lo que el considera las diferencias que existen entre individuos en un mundo fruto del postmodernismo en la que estamos embarcados.

Y que Stinkfish retrata de forma tan acertada tratando de conectar a través de la expresión contenida en una mirada las diversidad de un mundo cada vez mas fluido y poroso, retratos ejecutados en una miríada de colores luminosos entre los que destaca el amarillo con el que rellena la mayoría de los contornos faciales.

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Obedecen a una concepción del mundo netamente optimista. visión positiva del ser humano que el artista traslada al espectador en murales que situados en las mas inverosimiles sitios te asaltan transmitiéndote un mensaje positivo y con los que trata de alejarse de los estereotipos con los que habitualmente identificamos el lugar de procedencia de las personas con la que tratamos.