Nomada Q : pintura

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Dead Man’s Tales (Cuentos del hombre muerto) es una serie de ilustraciones inspiradas en los ambientes arrabaleros de puertos como Marsella, Rotterdan o Buenos Aires de principios del siglo XX.

Firmadas por el ilustrador Derek Nobbs es un apasionado del mar con el que mantiene una estrecha relación desde la infancia, elemento que en su caso representa las diferentes etapas de la vida, el sueño se complementa con alusiones a la muerte, en emblemas redactados al pie de marineros esqueléticos.

Conocido por su serie de astronautas etéreos, representados en paisajes urbanos donde la ausencia de gravedad les mantiene levitando en la atmósfera. Conjunto de trabajos de atmo esfera renancetista.

Con los que ha llegado ha protagonizar la portada de la prestigiosa publicación de tendencias artísticas contemporaneas y diseño Juxtapoz. Además de servir como argumentos narrativos en numerosas muestras convirtiéndose en un icono. No solamente para su autor.

Influencias que el ha incorporado en algunas de las etapas de su carrera y que les confiere a sus obras una naturaleza que abarca una línea temporal, por la que el espectador, a poco que utilice su perspicacia. Puede contemplar cuadros en los que se observan una variedad de matices.

Con los que Jeremy crea composiciones que trascienden lo terrenal acercándose a lo mistico, está particularidad con la que provoca que lo representado casi se eleve, levitando por un instante. No deja de provocar cierto extasis tras el desconcierto inicial, estado que se diluye entre la tensión y la fragilidad gracias a la presencia de una paloma. Que ya sea como testigo mudo o en grupo añade algún resto de humanidad y movimiento a la obra.

Que trata de fundir el aura del pasado con un presente-futuro dominado por la era digital y una especie de cyborg mitad ser humano y resto maquina. El cual por si solo representa para bien y para mal al nuevo prometeo, una entidad que es incapaz de procesar tanta información por si sola y que por lo tanto por flotar en una sociedad liquida y cada vez más nihilista.

El artista Jeremy Geddes con estudio en Melbourne Australia, cuya obra navega entre técnicas como el hiperrealismo salpicados con elementos surrealistas. Habiendo heredado algunos de los mejores rasgos de pintores coetaneos.

Escritor ocasional publicado algún relato tan sugerente como esclacedor de cuáles son en síntesis los puntos fundamentales de su credo. Titulada The Mystery Of Eilean Mor. Se trata de un relato iniciatico dirigidos a niños tan luminóso como peturbador. Además ha sido director de arte por cinco años en la industria de los vídeos juegos y dibujante de cómics, experiencia que aplicado en su trayectoria posterior pintor.

Mirando los primeros trabajos que forman parte de la Self- Dissections. Un proyecto anatómico-artístico con el que según su autor el artista Danny Quirk.

Aspira a convertirse en ilustrador medico, o eso es al menos lo que deduce de las laminas tan delicadas como frágiles, a la vez dramáticas. Ya no sólo por la fuerza expresiva de como interpreta las diferentes partes de un cuerpo humano.

Sino por la expresividad que consigue a través del que articula un lenguaje corporal, en el cual lo más intimo e inaccesible de nosotros mismos. Aflora, en este caso de forma fluida y natural.

Trabajos que recuerdan a los antiguos modelos de plástico que había en los colegios. Esqueletos en los que se mostraban diferentes órganos de la anatomía humana y que en rara ocasión se utilizaban.

Porque causaban aprensión en aquel que por primera vez tenía la oportunidad de contemplarlos. Sin embargo en las ilustraciones de Danny, los torsos parcialmente descubiertos nos muestran las "supuestas" vísceras de lo voluntarios.

Que de forma altruista adoptan una posición posando durante jornadas como musas para su autor. Las sensaciones que transmiten son de naturalidad pese a lo violento que en principio puede resultar, sus gestos son serenos pese a la tensión de la situación.

De un tiempo a esta parte estamos asistiendo a un resurgimiento del movimiento surrealista, ya sea en pintura, escultura, instalaciones o street art. Desde que Guillaume Apollinaire acunara el termino en 1.917 mientras contemplaba una pieza del ballet de Jean Cocteau titulada Parade, el surrealismo se ha convertido en una de las manifestaciones artísticas con mas significado y mas fácil de identificar por parte del publico en general. Quizás sea porque nos traslada al universo onírico descrito por el percusor del psicoanalisis Sigmund Freud.

Quizás uno de los autores en el que mas evidente encontramos los diferentes elementos que definen el surrealismo, sea el artista polaco Rafal Olbinski afincado en New York desde 1.981, ilustrador de profesión su trabajo se ha publicado en las mas importantes cabecera sobretodo americanas Newsweek, Time, Business Week, Atlantic Monthly, Playboy, Omni, The New York Times, New Yorker y Der Spiegel (Alemania). Su ortodosia a la hora de reflejar el imaginario surrealista en su extensa trayectoria le ha supuesto el reconocimiento internacional habiendo recibido mas de 150 premios incluyendo oro y plata Medallas del Art Directors Club de Nueva York, Medallas de Oro y de Plata de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York y Los Ángeles, y el Gran Premio Crit de 2000 por la crítica la revista en San Francisco. En 1994 fue galardonado con el Oscar Internacional de Cartel más memorables del mundo, el Premio Savignac en París.

Este estudiante de arquitectura cuenta con una extensa trayectoria pictórica. Sus imágenes nos describe unos personajes con una psicología compleja., donde el paisaje de la realidad no remite a un discurso científico. Al igual que Salvador Dalí y Magritte delante de él, el trabajo de Olbinski hace resonancia en clave poética describiendo la mente como un teatro de los sueños.

Sus pinturas han sido adquiridas por muchas colecciones de arte importantes, entre ella:s La Biblioteca del Congreso Print Collection en Washington, DC, la Fundación Carnegie, en Nueva York, República de Nueva York Corporation, Corporación Searle; Browne y Cía, El Club Nacional de las Artes en Nueva York así como de numerosas colecciones privadas en Estados Unidos, Europa, Asia y América del Sur.

Barcelona es una de las ciudades más cosmopolitas y multiculturales de Occidente, pero a la vez ha tenido la habilidad de conservar su esencia y buena parte de su patrimonio, tanto hartistico como arquitectonico.

Elementos que sin duda pueden resultan altamente sugerentes para cualquier persona creativa, independientemente de la faceta artística desde la que aborde explorarla para finalmente hacer una interpretación artística que pueda ser lo suficientemente atractiva de cara al esspectador.

Esta lectura como es razonable puede ser por principio un pequeño que sino se gestiona debidamente, puede llegar a convertirse en algo cuyo resultado puede desconcertar desde el mismo momento de su concepcion. Ofreciendo tantas e infinitas posibilidades a la hora de retratarla que puede llegar ha provocar un seísmo en el autor.

BARCELONA CONTEMPLADA COMO UN PAISAJE DINÁMICO Y ARTISTICO

A ser una ciudad que presenta en su patrón urbanístico tal amalgama de estilos cuyos antecedentes se remontan a cientos de años atras, pudiendo descubrir el visitante estilos que arrancan en la edad media con estilos como el Romanico o el Gótico de su casco antiguo. O aires más actuales desarrollados a lo largo de los últimos dos siglos como el modernismo y todos sus afluentes como Art Nouveau o Art Deco.

Sin olvidar la huella indeleble y totalmente identificable de los numerosos edificios e intervenciones firmados por Gaudi, quizás el más ilustre de sus arquitectos. Cuya vida y obra aparte de poder considerarse una revolución desde el punto de vista constructivo, ha supuesto una de las más notables influencias para centenares de estudiantes a lo largo de las decadas posteriores. Algo que en el caso de la ciudad condal es muy pusible que pueda suceder.

Por lo que es muy importante saber seleccionar aquellos lugares que van a ser objeto de ser retratados, consideraciones que el artista independientemente del enfoque que aplique puede cometer el error de no materializar la idea que en principio había concebido tal como la había imaginado previamente.

El ilustrador de origen ruso Ivan Astafurov ofrece su propia interpretación estética de las diferentes caras que ofrecen sus calles y monumentos con muchos aciertos y exhibiendo una gran diversidad de estilos, teniendo en cuenta mucho de los argumentos que he citado. Haciéndolo a la vez de una armoniosa y coherente, donde los tonos suaves de las acuarelas, se complementan con los lienzos panorámicos de la ciudad realizados en diferentes horarios, añadiendo un matiz que te permite como principal receptor de su obra obtener diferentes perspectivas de la ciudad.

Aunque las obras del artista chino Yue Mingun se puedan interpretan como odas al propio ego. Independientemente del formato que emplee como medio expresivo. Ya sean los tan característicos retratos duplicados en los que se ríe a mandíbula batiente.

O en sus encarnadas esculturas. Su autor básicamente nos traslada un mensaje optimista, en su caso motivación militante en la que se aplica de forma casi obsesiva. Un discurso con el que establece un diálogo con el espectador en el cual aflora la empata de forma instantanea. Actitud positivista que se manifesta a través de las mismas emociones y mostrando el mismo rictus.

Es uno de los artistas mas relevantes del emergente arte que se produce en China y el mas cotizado de sus coetáneos, nos formula esa pregunta mediante la constante reproducción de su mandíbula desencajada en una cínica risotada, quizás nos hace una invitación para que lo emulemos.

Conocido fundamentalmente por sus pinturas al óleo, además cuenta con una amplia obra escultórica. En la que destaca la ultima que con motivo de la muestra que organizo el museo Today Art, una instalación que nos traslada al futuro.

Donde un grupo de clones de si mismo nos muestra reliquias de nuestro pasado mas reciente, mientras mantienen una animada conversación. Su discurso mantiene un vinculo atávico, donde las referencias a la historia mas inmediata de China son constantes.

Así como la referencias a las costumbres mas tradicionales, también aparecen en el tratamiento que realiza desde su entorno mas próximo a las periferias, configurando un discurso homogéneo donde lo local se cruza con lo global y una versión de la cultura Pop proyectada desde su tierra natal.

Adscrita al arte figurativo a través del que ha tenido la oportunidad de relacionarse artísticamente con casi todas las técnica artísticas entre las que se podrían citar la pintura acrílica, el oleo o la acuarela. La artista levantina Tete Dura Pau cuenta ya con una larga trayectoria a sus espaldas.

Trayectoria profesional que a pesar de que básicamente y en su práctica totalidad se ha circunscrito a su tierra natal. No habiendo salido prácticamente de su radio de acción situado en la costa este de España, más concretamente la Comunitat Valenciana. Limitación geográfica que sin embargo no le ha impedido crearse una identidad como artista plastica.

Que se ha especializado en realizar, casi se podría decir un exhaustivo análisis de la mirada femenina. En un contexto globalizad, una seña o rasgo, la intuición femenina, que en su pintura traza un retrato que se puede completar como un compendio.

Que se puede percibir como un elemento persuasivo o en otros lienzos más sugerente de lo que para Tete, puede representar tanto con todos sus matices como reservas, lo que podemos denominar. Como su particular interpretación del universo femenino. Algo que realiza desde una perspectiva que implica desprenderse de todo tipo de perjuicios.

Y que ella aborda aplicando un enfoque donde lo esencial no está tanto en la poses de las modelos que selecciona, sino más bien subrayando lo que transmiten sus miradas y sobre todo su capacidad expresiva. Unas veces cargadas de elocuencia y en otras sin embargo más contenidas y conmovedoras, pero casi siempre delicada.

Sus retratos femeninos inspirados por el arte de origen chino Guo Hua construyen una narrativa delicada y luminosa, en la que la mirada se traducen en gestos cómplices y colores nitidos.

Características conceptuales que le ha acompañado en su ya dilatada carrera, y que le ha servido para forjarse un status casi se podría valorar de culto, contando con un nutrido culto de admiradores, que han sabido apreciar su particular forma de retratar a la mujer. Independientemente de su contexto socio-economico, cultural o ceografico.