Nomada Q : monocromo

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Como espectros fantasmales los retratos familiares realizados utilizando como lienzo las balas prensadas de paja apiladas, reproducenien escenas rurales que se funden con el paisaje, donde su autor el artista español Borondo.

Material poco frecuente en términos creativos pero que Borondo utiliza como si fuera un negativo fotografíco orgánico, a través de los que representa escenas campestres, cuyas referencia abarcan diferentes aspectos de su vida cotidiana.

Aunque en las fotografías originales se sugiere que las personas que han sido retratadas transmiten cierta cordialidad, hay un tono misterioso y lugubre que rodean de cierto aire surrealista todas y cada una de ellas.

RETRATOS QUE HUMANIZAN EL PAISAJE A PARTIR DE ELEMENTOS ORGÁNICOS.

Quizás sea por la escala de tonos monocromaticos que emplea en su realización, las figuras realizadas a escala real se difuminan diluyendose parcialmente con el fondo sobre las que resaltan, formando parte de composiciones de carácter rural inspirados en las escenas en las costumbres locales de Cotignola. Una pedania en la provincia de Ravenna, en la italiana región de Emilia-Romagna, situada a unos 50 km al sureste de Bolonia.

Borondo que cuenta con una extensa obra plástica en diferentes formatos, aplica técnicas clásicas para explorar sobre superficies ajenas a la practica pictórica habitual consiguiendo interesantes efectos tridemensionales, provocados por los volúmenes y las sombras que produce la luz.

Graduado en el IES Margarita Salas Madrid, y la Universidad Complutense de Madrid. A diferencia de otros artistas del street art, Borondo trabaja con las técnicas clásicas de la pintura para intervenir sobre el paisaje tanto urbano como rural humizandandolo.

Coreografía, luz, sonido y movimiento se conjugan como elementos narrativos en la ultima perfomance audiovisual realizada por el dúo artístico Bot y Dolly. Mediante la utilizacion de la proyección de objetos mapeados digitalmente

Las figuras geométricas adquieren volumen desplazándose en 3D por un espacio neutro. La experiencia se planteo en un formato por la que se dividio en bloques la pieza titulada Box combina la robótica y la tecnología digital. Propuesta a través de lo que describe recurriendo a imagenes cargadas de belleza lírica fenómenos físicos como la teletransportación, la levitación o la física cuántica.

Consiguiendo crear sugerentes efectos visuales donde la simetría de las imagenes holograficas se funden con la luz y los efectos sonoros. La acción que se desarrolla en una nave industrial es dirigida por uno de los artistas que interactúa dando forma al movimiento en función de la sintonía que se emite en paralelo.

Box cuyo vídeo recomiendo echarle un vistazo pudiendose ver íntegro en el siguiente enlace actualizado recientemente AQUI, explora la síntesis del espacio real y digitales a través de la proyección de mapeo de superficies móviles.

Bot y Dolly es un estudio de diseño e ingeniería digital con sede en la ciudad californiana de San Francisco. Especializado en la automatización, la robótica y la cinematografía. Su planteamiento creativo consiste en avanzar en los procesos técnicos. Aplicandolos como herramientas creativas en diversas áreas audiovisuales.

Situada en uno de los cruces principales en el centro de la localidad alemana de Sttugart. El moderno edificio que alberga las colecciones de la Arbart contrasta con el paisaje arquitectónico donde se enclava, compuesto por casas cuyo estilo rural es el característico en la zona. Unidades reidenciales construidas en madera muy influenciadas por la época luterana que es de la que datan.

Antes de que los volúmenes rectos formados por cubos superpuestos cuyas grandes lunas permiten al visitante acceder visualmente a su interior, en su parcela se levantaba una vivienda cuya tipología homologable a las adyacentes uniformaba el paisajes arquitectónica del barrio.

Debido a su abandono el edificio de tres alturas presentaba un estado de deterioro que amenazaba ruina, siendo objeto de actos vandálicos pasando a ser conocida como la casa del graffiti, debido a que su fachada había sometida a una intensa actividad por parte de los grafiteros.

Lo que propicio que sus actuales dueños y gestores antes de su demolición la convirtieran en una obra de arte, encargando a los artistas urbanos Simon Jung y Paul Hanno Schweizer, conocidos por su intervención en 2.009 en el edificio Cardillo de Scampia de Napoles. Una actuación que simbolizara su inminente desaparición.

Pintada en negro, de luto integral la vieja y destartalada casona anuncia de forma lúgubre su propio final antes de convertirse en escombros tras ser llevar a cabo su demolición controlada. En una ceremonia donde se hace participe a la comunidad de vecinos donde ha estado emplazada mas de cien años.

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La trayectoria del artista griego INO corre paralela a la situación por la que atraviesa su país. En sus últimos proyectos ha abandonado toda referencia al color, sustituyendolo por una gama de tonos neutros con los que sin embargo consigue efectos próximos al hiperrealismo. Imagenes limpias donde ha suprimido los elementos accesorios.

Manos, gestos, rostros donde la elocuencia de sus miradas pintados aplicando un suave degradado produce, que el tratamiento de las sombras iluminen las imagenes humanizando su expresión, observandose en algunos casos un matiz áureo que transciende el mensaje aumentando su expresividad.

Aunque el grueso de su obra esta realizada tomando el espacio publico como lienzo a través del que manifestarse. También cuenta con una prolija trayectoria como pintor formal donde sustituye el aerosol por una técnica mixta donde aplica los mismos juegos cromáticos. Licenciado en bellas artes trabaja en la calle desde el año 2.000, habiendo organizado varias exposiciones.

Promovido por el fenómeno global del arte urbano, el artista de origen francés JR que aprovechando la difusión mediatica de su intervención en la conferencia que organizo la iniciativa TED en 2011, con motivo de la concesión de los premios que convoca anualmente.

El proyecto Inside Out, hereda tanto en lo formal como en lo estético las características por lo que las intervenciones de JR han sido reconocidas mundialmente. En el caso del proyecto Inside-Out se trata de una propuesta de carácter nómada y global por lo que se han realizado intervenciones similares se han hecho tanto en entornos urbano como en paisajes rurales de un total de 108 países.

Experiencias en las que han participado mas 120.000 mil personas, que representan al conjunto de la humanidad que habita el planeta tierra. Independientemente de su origen geográfico, credo religioso, ideología o raza de los cinco continentes.

Conformando un crisol cultural donde como en otros trabajos, destaca la humanidad que transmiten los semblantes de las decenas de miles de retratos, con las que se han alfombrado los mas variopintos lugares y soportes. Y con los que el autor quiere rendir un homenaje a la madre tierra, y de paso lanzar una advertencia sobre los numerosos peligros sociales y ecológicos que la acechan.

El proyecto que se ha financiado con el 1.000.000 de dolares con los que esta dotado. Parte de un planteamiento que se formula mediante dos sencillas preguntas. ¿Puede el arte cambiar el mundo? O Tal vez deberíamos reformular el sentido y contexto de la cuestión en si, optando por un planteamiento que se dirige a aquellos que poseen las herramientas para transformar la realidad con las que se relaciona habitualmente. ¿Puede el arte cambiar la vida de las personas?

El proyecto Inside-Out nos desafia con interrogantes a través de los que según su promotor se pretende es incitivar la participación enriqueciendo la propuesta artística con un debate dialéctico que combina el activismo social y la creatividad colectiva.

Contemplando el espacio publico como un altavoz expresivo. Donde a partir de las incorporación de una diversidad de sensibilidades, crear un ágora de debate cuyas ideas finalmente se trasladen a la práctica materializandose en propuestas que supongan la adoptacion de medidas que supongan una mejora sustancial de los entornos que compartimos y en los que convivimos con el resto de los seres vivos que habitan el planeta Tierra.

Después de que sus dos abuelos murieron en 2010, con pocos meses de diferencia, el artista Michael Peck decidió investigar para conocer la historia de los hombres pertenecientes a su familia que sirvieron en la Segunda Guerra Mundial.

El pintor con sede en Melbourne (Australia) utiliza su paleta monocromática al oleo para crear pinturas realistas sobre lino de niños jugando con el equipo de la Segunda Guerra Mundial. La serie titulada The Landing explora y analiza las reacciones ante la guerra a través del asombro infantil. Y cuyos retratos nos remiten a los de otro francotirador liminal y crepúscular como es Gottfried Helnwein.

En su obra, que adorna con súbditos inocentes uniformados de piloto de caza y los ojos vendados. La serie esta inspirada en una historia de uno de sus abuelos le habló de un avión estrellado en Londres durante una de las operaciones, donde un grupo de niños rodearon el aparato para jugar, como si los restos fueran un elemento propio del patio de recreo.

Sus obras encarnan una quietud, capturando momentos en medio de una acción frenética. En este desconcierto las manos de los niños, las alas de los pájaros y el fluir de los arroyos se detienen temporalmente, invitando a la contemplación. El arte de Peck plantea preguntas sobre la infancia, la inocencia, la cultura, la naturaleza, en un contexto de transición e incertidumbre. Invitándote como sujeto a crearte tu propia interpretación.

Esta imagen impresa en la memoria del pintor fue el hilo conductor para tratar de comprender las causas que empujaron a la generación de sus abuelos a la gran guerra, y como esos terribles acontecimientos transforman la inocencia en crueldad.

En la serie titulada Santuario, sin embargo Peck utiliza pigmentos disueltos en aceites para representar escenas con las que trata de escapar en el desierto victoriano y distanciarse de la trampa de la vida moderna, Peck tiene como objetivo capturar los momentos que anhelamos, momentos de paz, comprensión y contemplacion. Incluso si estos momentos son fugaces, se vuelven aún más valiosos debido a su rareza.