Nomada Q : instalacion

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Asentada sobre los restos de una laguna, la Plaza Mayor de Madrid fue construida en extramuros, concebida en origen como un mercado popular a lo largo de sus 400 años de existencia ha tenido tantos usos como denominaciones.

Mudando al nombre de la República en diferentes ocasiones, aunque su primer bautizo fue bajo el nombre popular de Arrabal, a lo largo de sus cuatro Siglos de existencia en este emblemático monumento de la Corte y Villa.

Se han celebrado todo tipo de actos festivos, efemerides que por otra parte esta salpicada de hechos luctuosos como los tres incendios que sufrió, consecuencia de que buena parte de las fincas que echaron raíces bordeando su plaza cuadriculada estaban construidas integramente en madera.

Por lo que apenas queda algún vestigio que se pueda encontrar en algunas de sus 10 arcadas, siendo la principal la de Cuchillerros, o en sus galerias interiores donde decenas de comercios comparten el espacio con terrazas o mercados tan castizos como el de filatelia y numismática.

UNA PLAZA CIRCULAR VERDE QUE EMERGE DENTRO DE OTRA PLAZA COMO UNA ISLA

Celebrado los Domingos y que tanto a lo largo de 2017 como de este 2018 ha visto incrementar la afluencia de visitantes, debido a los actos organizados por la corporación municipal, y que bajo el nombre de Plaza Mayo 4C, están ofreciendo un amplio abanico de actividades.

Entre las que sus vecinos han podido participar, incluyendo un apartado dedicado arte urbano y del que nos vamos hacer eco, a través de dos de sus firmas invitadas y sus respectivas propuestas.

La primera protagonizada por el artista SPY que coincidiendo con el inicio del Otoño del año pasado alfombro con césped, buena parte de los 129 metros de largo por 94 de ancho que mide la Plaza Mayor en la actualidad.

La instalación titulada Cesped, estaba realizada a partir de teselas de césped natural al cual se podia acceder desde el centro de la plaza, piezas que reunidas formaban un circulo verde cuyo diámetro tenia una medida de 70 metros, actuando como contrapunto estético en relación a su entorno mas inmediato y como un lugar de reunión y esparcimiento colectivo en el sentido mas lúdico del termino.

1,78 EXPLORANDO LOS CICLOS DEL TIEMPO

Ya a mediados de Febrero se pudo ver la instalación titulada 1,78, intervención alegórica cientifica gestionada por Janet Echelman, el objetivo de Echelman como artista con esta obra es recordarnos los múltiples ciclos de tiempo a diversas escalas, que van desde un solo día hasta los 4 siglos,

Y de como el paso del tiempo influye modificando nuestro comportamiento en relación a un mismo espacio. En los últimos cuatrocientos la plaza se ha utilizado destinándola a diferentes cometidos de diferente índole, como por ejemplo para organizar festejos taurinos o ejecuciones inquisitoriales, sin embargo a día de hoy se organizan actos culturales o encuentros donde se intercambian ideas.

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Tanto Cesped de SPY como 1,78 de Janet Echelman son dos propuestas que desde dos ópticas subjetivas, analizan los cambios de uso que experimenta un mismo espacio a lo largo de su existencia.

De forma parsimoniosa un trazado pintado en negro sobre blanco o viceversa en una pared, se suma a los anteriores proyectando una imagen que en ocasiones representa una figura, y en otras da como resultado formas psicodelicas.

La trayectoria del artista Never 2501 urbano que como muchos de su generación descubrieron la practica en el ambito publico mientras completaban su formacion academica. En su caso tuvo la oportunidad de estudiar en la prestigiosa New Bahaus University of Weimar en Alemania, donde tras estudiar cinematografía y vídeo.

Y coquetear con diferentes disciplinas artísticas como la escultura, la vídeo-instalación, o la fotografía a traves de cuyo ejercicio experimento con otros formatos. Disciplinas a traves de los que exploraba la tensión que a su juicio existe entre la naturaleza como medio y la adaptación de las diferentes especies que lo habitan.

UNA MIRADA DESDE EL OTRA LADO

Breve etapa durante la que refina su estilo con el que retoma su carrera enfocándola definitivamente al street art, relación que se inicia en su Milan natal a los catorce años y a la que da continuidad en Sao Paulo donde desembarco coincidiendo con la aparición y desarrollo de toda una nueva y excitante escena de arte urbano.

La que deslumbro a Never 2501 enriqueciéndole desde una perspectiva no solamente creativa sino a nivel humano. Añadiendo a su personalidad una visión nomada de la vida y de su trayectoria como artista que se reflejan en sus murales, a los que incorpora motivos de los lugares donde trabaja.

THE NOMADIC PROJECT, ATREVERSE A SALIR AFUERA

Principio que ha cultivado en su reencuentro con la paisaje urbano convirtiéndolo en un vinculo a partir del que se nutre, habiendose convertido en una de las referencias mas solicitadas en cualquier cita de arte urbano que se precie.

Lo que ha permitido tener la oprtunidad de participar en muestras como Back 2 Back to Biennale un evento satelite programado dentro de la 55th Venice Biennale, o ganar en 2009 el Street Art Award o el Metropolis Art Prize tambien ese mismo año al que presento su vídeo instalación titulada Mask proyectandose en el mismísimo Times Square en NYC.

Aunque su prestigio como artista se ha consolidado gracias a intervenciones que tienen como escenario el espacio publico, y a través de las que aborda diferentes temas que le preocupan, inquietudes humanistas-ecologitas con las que simpatiza.

Como por ejemplo y sirviendo de breve introduccion a su ideario, las intervenciones tituladas "LA MACCHINA" obra exhibida en el MAC Museo d'Arte Contemporanea di Lissone, Italia en 2016, "Seascapes" at Scope Art Fair o una de sus mas recientes titulada On the Brink of Disaster realizada expresamente para ser exhibida en la Wunderkammern Gallery de Roma.

Las intervenciones del artista urbano Never 2501 obedecen a la necesidad de representar una realidad donde la naturaleza y sus simbolismos familiares con los que cualquiera se puede identificar.

Y que como muchas forma parte de lo que el denomina como proyecto "en curso" y que bajo la denominación de The Nomadic Experiment arranca en 2013, mostrandonos todos aquellos elementos tantos tecnicos como expresivos que configuran el credo de Never 2501.

Inspirado por una cancion de Joy División titulada Autosuggestion de la que extrae la cita "Take a chance and step outside" (toda una declaración de intenciones que traducida significa -Arriesgate y sal fuera). Y con la que Never 2501 se reafirma dando a su propuesta una dimensión donde lo importante es la circulación de ideas a través de vasos comunicantes basados en principios creativos.

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Entre los escasos beneficios que proporcionan los procesos migratorios, se cuenta el que la opinión publica pueda conocer a través de sus supervientes o testigos, las causas en su inmensa mayoría dramáticas que ha propiciado el desarraigo de centenares de miles de personas.

Que tras huir de sus lugares de origen, se tienen que enfrentar a una diáspora en las que son acechados constantemente por innumerables peligros, y donde el termino incertidumbre les acompaña en cada paso de un camino de obstáculos y sinsabores.

Que para su desgracia no finalizan cuando entienden que han llegado a su lugar de acogida, donde por norma suelen tener que lidiar con un entorno hostil y excluyente. Bienvenida que no hace mas que acentuar su condición de apátrida y de acrecentar la sombra donde la falta de autoestima e incompresión

Contribuyen a que se cree el caldo de cultivo perfecto para que el aislamiento y el recelo anide entre las comunidades de acogida haga acto de presencia, instalándose como situación endémica en los diferentes sustratos sociales que las componen.

LA INMIGRACIÓN COMO EXPERIENCIA E INSPIRACIÓN ARTÍSTICA

Algo para lo que después de extenderse de forma permanente existen escasos antídotos, siendo quizás junto al de la educación mas eficaz y accesible, el de la expresión artística y sus numerosas manifestaciones el mas eficaz.

Quizás por su sentido de inmediatez o por la versatilidad visual que ofrecen sus narrativas, lenguajes algo que conocen y dominan el dúo artístico icy and sot, en el que además de la condición de hermanos se da la circunstancia de que son inmigrantes.

En su caso su particular odisea tiene inicio en la ciudad irani de Tabriz de la que partieron sin rumbo fijo en 2006, un periplo que en una primera fase les llevo hasta Amsterdan, para tras un breve estancia trasladarse finalmente al distrito del Bronx en New York.

ARTE Y CONCIENCIA SOCIAL EN EL ESPACIO PUBLICO

Cuyo periodo de aclimatización suposo para ellos todo un choque cultural, contradicciones que trasladaron a su polifacetica obra, en la que despliegan una amplia variedad de recursos estilísticos. A través de las que muestran su preocupación reflejando las diferentes sensibilidades relacionadas con la inmigración y las complejas problematicas sociales que se generan a su alrededor.

Algunos escasamente retatados como el miltarismo, a los que añaden su preocupación por la ecología y el deterioro medio ambiental, además del racismo, el sistema capitalista y las desigualdades sociales que produce, que tratan incorporando el mobiliario urbano como recurso de proximidad.

Y cuyo resultado se traduce en propuestas como Human reflection on nature (2017) obra a medio camino entre el land art y el pop art, donde en clave ecologista utilizan bolsas de plástico para reproducir la figura de un cuerpo humano.

En Safe Water recurren al sentido del humor, para denunciar por una parte la escasez de agua y por otra el suministro garantizado de derivados del petróleo, aunque implique el saqueo de los recursos naturales y la perpetuación de conflictos militares en diferentes áreas del mundo.

Y ya para finalizar a este escueto repaso a su extenso catalogo de obras, dos que forman de su recién finalizada primera restropectiva que bajo el titulo de Nature ha organizado el colectivo Thinkspace de New York.

La primera tiene como marco y lienzo una verja abandonada, de la que extraen parte de su contenido dejando el contorno de dos figuras, en la segunda añaden unas cintas de colores a las tradicionales alambradas que coronan muchos de los muros en pasos fronterizos, que tratan de impedir que las partidas de inmigrantes puedan acceder al primer mundo.

Tituladas The Lot Radio e Imagine a world with borders, migration crisis and inexorable, en sintesis se trata de obras que reunen los elementos crepusculares del credo artístico y social de icy and sot, y por lo que han convertido en uno de los principales referentes de una corriente dentro del arte urbano contemporáneo donde que se caracteriza por su activísimo y compromiso social.

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Ya sean intervenciones realizadas con recursos de arte urbano como el spray o las plantillas de stencil, o utilizando como medio expresivo elementos del mobiliario publico, las obras de icy and sot poseen la cualidad de interrogarnos provocando reacciones que no dejan indiferente a nadie.

Aunque no se caracteriza por ser muy prolífica cada intervención del artista con sede en Detroit Michael McGillis, esta definida por unas constantes mediante las que trata de crear un vinculo entre el medio natural y el ser humano.

Presencia cada vez mas esporádica y distante, siendo este cambio de percepción uno de los motivos principales, tanto del deterioro de los diferentes ecosistemas que lo forman como de la perdida de bio-diversidad que esta íntimamente relacionada con su proceso evolutivo y social.

Por el cual el urbanita que reside en ciudades cada vez mas masificadas y artificiales, donde la naturaleza ha sido domesticada convirtiéndola en un sofisticado souvenir, ignora y por lo tanto permanece ajeno a los bioritmos y ciclos que se rigen el medio natural.

Habiendo reducido su relación con su habitat natural a un objeto de consumo esporádico y trivial que se consume bajo determinadas condiciones, por lo que la naturaleza se convierte en un producto de consumo puntual que se adapta e integra formando de una estrategia mercantilizada del territorio.

MOTIVACIÓN QUE INSPIRA LA ACCIÓN

Formado en la Bachelor of Fine Arts Center for Creative Studies, Detroit en Michigan, en la que se licencia en 1989 no es hasta bien entrada la década siguiente cuando este coleccionista de dioramas, comienza a realizar sus primeras incursiones en campo abierto.

Primerizas obras donde ya se pueden observar las preocupaciones de su autor por la desconexión que se establece del individuo respecto a su entorno natural, y la sustitución de este medio contemplativo, por uno donde la tecnología cada vez mas venerada como si fuera un totem modifica su percepción relativa del tiempo y espacio.

Dinámica que amparada en una época convulso y marcada por una transición de una economía basada en un modelo productivo, a uno donde la prioridad es el consumo y las desigualdades que genera, tiene una repercusión directa sobre el clima y los diferentes ecosistemas que regula.

CREANDO VINCULOS EMOCIONALES CON LA NATURALEZA

De esta forma Michael actualiza el significado del ethos- pathos y logos de un individuo que pasa de ser deudor y dependiente del medio natural con el que co-existe, a convertirse en su dominador omnipotente elaborando su particular discurso estético moldeando el paisaje que le rodea.

Lo que produces un escenario desconocido hasta ahora que provocas serias dudas e interrogantes en el observador de su obra y su consiguiente reflexión sobre lo que ve. Con ese objetivo incorpora materiales cotidianos con los que cualquiera nos podemos identificar, como pinturas, bolsas, cerámicas o cables (entre otros).

Que recicla y combina con residuos forestales con los que crea obras que simboliza la ruptura que se viene produciendo entre la civilización y el planeta que lo acoge. Situación que se escénica en obras como Curved Rige que data de 1998, donde un camino formado por tocones de arboles previamente talados, se interrumpe abruptamente.

O en la obra titulada Flou Line de 2007 donde una masa vegetal es recorrida por un fluido que sangra que representa la turba que arde, o por ultimo en su obra mas representativa hasta la fecha Wake, intervención realizada por encargo del Parque de Franconia Sculpture Park de Shafer en Minnesota, que consta de una zanja de cincuenta metros de largo compuestaa por troncos cortados a ras y encarnados que colocados ambos lados, representan el cauce de un rió seco.

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Las intervenciones del artista de land art Michael McGillis trabajan con valores como la ecología o el compromiso natural, creando espacios de reflexión y compresión mutua.