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Studio ID Eddy y Hunk-Design - Flying Grass Carpet, crea paisajes urbanos a partir de alfombras



Corria el año 2007 cuando los diseñadores holandeses Bart Cardinaal, Nadine Roos, y Eddy Kaijser, pertenecientes a los estudios  Studio ID Eddy y HUNK-design respectivamente, deciden poner en marcha el proyecto Flying Grass Carpet


Propuesta desarrollada a partir de un antecedente socio-cultural como es el diseño y elaboración tradicional de alfombras persas y artesanales. Y un concepto que combina la creatividad y la creación de instalaciones de uso publico destinados al ocio y el esparcimiento, y que tiene como ámbito de gestión un entorno urbano.


Gestionadas como intervenciones enmarcadas en la corriente del Pop-UP, tendencia cuya versatilidad permite que se aplique a múltiples escenarios. Las acciones realizadas a través de Flying Grass Carpet tienen como propósito crear lugares de reunión colectivos caracterizados por si diversidad étnica y cultural.


VOLANDO EN UNA ALFOMBRA MULTI-CULTURAL

Utilizando como aliciente el confort que proporciona las alfombras sintéticas, que realizadas por módulos se ensamblan en el lugar donde van a operar. Cada una de las alfombras reune unos motivos que hacen referencia a la cultural diferente.

Encargadas tanto para entidades privadas como para eventos organizados por diferentes administraciones publicas. En el transporte y logística de cada alfombra pueden llegar a emplearse hasta cincuenta operarios, cifra que supone una fuente de empleo importante y un fuerte impacto económico.



A lo que hay que añadir el periodo de elaboración previo en el que se precisa personal especializado cuyo conocimiento añade valor a su resultado final. Un planteamiento socio-económico donde las herramientas creativas tienen un peso especifico a lo largo del todo tiempo que dura el trabajo. Tanto del diseño como de la fabricación de los diferentes elementos de cada instalación.
 

GENERANDO RIQUEZA SOCIAL Y ECONÓMICA CREATIVAMENTE


Y donde los vinculos sentimentales de cada alfombra reflejan además del paisaje local del lugar donde va a instalarse, los habitos de la población y su diversidad y la relación que establece con su entorno. 


Aunque por principio se aplican criterios que resaltan la complejidad y universalidad de la sociedad globalizada en la que nos relacionamos. En cada diseño se introduce elementos o tonos cuyo propósito es atender a las particularidades de cada lugar, con el objetivo de crear un anclaje emocional con el que identificar a sus usuarios.


Flying Grass Carpet modifica el paisaje urbano y social con el que interactúa en un contexto social caracterizado por el multiculturalismo, a través del que generar sinergias creativas.

Nos dimos cuenta de que debíamos ampliar el rango de patrones que utilizabamos, añade Nadine Roos, cuando comenzamos a recibir propuestas de otras ciudades algunas tan exóticas como Shangai, Tenerife, Estambul o Shenzhen en Hong Kong

Donde las diferencias culturales y sociales difieren de ciudades europeas como Amsterdam, Berlin, Madrid o Utrecht  de forma considerable, por lo que tras documentarnos realizamos un diseño con el que identifique la población local.

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El artista Christo reproduce el camino de baldosas amarillas del Mago de Oz sobre un lago


Cuando la pequeña Dorothy en el Mago de Oz desafiaba a la fortuna recorriendo el sendero de baldosas amarillas para cumplir su deseo de libertad y justicia. Su autor L. Frank Baum no podía imaginar que en pleno Siglo XXI su obra inspiraría. 

Al mediatico artista Christo para diseñar y ejecutar una de sus intervenciones mas ambiciosas. Formada por módulos flotantes unidos hasta formar las secciones de una pasarela casi infinita, las cuales unió por un breve periodo de tiempo.

Las diferentes localidades que hay a lo largo del perímetro del lago Iseo en Italia. Baldosas que tras ser tendidas sobre la superficie de las aguas del lago, se cubrieron con una lona amarilla transformándose en un camino mágico.  Por el que dependiendo de la dirección que se tomara te llevaba a un destino u otro.

Aunque parezca que como en muchas intervenciones precedentes en The Floating Piers, aplica el mismo procedimiento camuflando un edificio o un accidente geografico con la que consigue transformarla despojándolo de su identidad original. 

En el caso del lago Iseo se observan matices, en vez cubrir con el objetivo de esconder. Se limita a añadir un elemento artificial, que es ajeno al entorno natural donde se incorpora cumpliendo una función estética y ludica. 

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Con una distancia de 3 kilómetros y formada por 220.000 modulos flotantes, las baldosas de la pasarela tras desmontarse el 3 de Julio de 2015 se destinaron a reciclaje, permitían a sus visitantes recorrerlo como en un cuento.





Mattia Paco Rizzi - Alfabeto


Distribuidas en diferentes localizaciones de las zonas verdes con las que cuenta el distrito de Conquistadores en la la ciudad Colombiana de Medellin, las estructuras construidas en madera forman parte de la intervención titulada Alfabeto.

Obedecen a un patrón y contexto donde su función consiste en establecer cauces de comunicación entre los miembros de la comunidad, actuando como dinamizador social. Diseñadas por el artista italiano Mattia Paco Rizzi con motivo de los celebrado dentro del encuentro de arte MDE15, para su realización contó con la colaboración del colectivo de artistas El Puente Lab.

Cada volumen posee una autonomía que le permite ser trasladado orientado en función de diferentes criterios de uso y estéticos vinculados a las caracteristicas de la zona donde operaban. Construidas a partir de estructuras moviles, cada obra se integra en su entorno adaptandose e integrándose en el paisaje urbano a traves del uso que se le da.

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Fruto de un trabajo colaborativo Alfabeto es un proyecto donde el proceso artístico se nutre del acervo que mana de las costumbres y las inquietudes locales que se manifiesta a través de procesos artísticos


Edoardo Tresoldi - Incipit, una escultura frágil en busca de su materia en el paisaje


Compuesta por bloques rectangulares y arcos la instalación titulada Incipit, se eleva sobre dos alturas fundiéndose con la linea del horizonte dominada por el Mar Adriático. 

De carácter monumental su autor el artista Italiano Edoardo Tresoldi recurre como en otras ocasiones al alambre como materia prima para elaborar formas arquitectonicas que permiten relacionarse con el espacio y el paisaje que lo componen. De forma casi liviana casi inocua en relación a su entorno en el cual actúa de forma fragil.


En este caso elementos como el mar y el vaivén de las olas completan con su banda sonora una experiencia multisensorial. En la que el receptor de la obra la observa de forma contemplativa como si estuviera en estado zen,  creando un nexo o comunión con su significado.


En su interior, revoloteando en busca de una salida apenas pueden aletear por falta de espacio unas gaviotas que parecen desear desesperadamente de su jaula de alambre. Edoardo nacido en Milan recurre al uso del alambre y el estudio de la transparencia para realizar esculturas etereas y poeticas.


Realizada para la ultima edición celebrada en 2.015 de la muestra de arte urbano Meeting del Mare, que se celebro en la localidad italiana de Camerota, la instalación explora las posibilidades espaciales que ofrece la arquitectura y su relación con el paisaje


En las que partiendo del concepto Ausencia de la materia, crea una narrativa en la que perfila el espacio explorando la tenue frontera entre la arquitectura y la escultura. En obras en las que lo estetico y simbólico son representaciónes de una proyección mental, un filtro y una forma a través de la cual contar la simbiosis mutua del paisaje y corporal, tanto natural como artificial. 

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Jakub Geltner - Nest


Combado hacia un lado como un racimo cuajado de uvas de una parra, las múltiples cámaras que emergen de su interior radiografian al transeúnte que se deja retratar por ellas. Obteniendo como resultado un álbum donde se captura todos y cada uno de los detalles hasta el mas insignificante. 

Realizada por el artista Jakub Geltner, la instalación forma parte de la serie titulada Nest. Que colocadas en ubicaciones tan dispares como son las rocas que emergen a la sombra de un acantilado, y con las que su autor reflexiona sobre como la exposición del individuo ante la masificación de dispositivos que permiten capturar su imagen le afecta y condiciona sus relaciones con su entorno.

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Instalada en uno de los accesos del paseo marítimo de la ciudad de Sidney, el multidispositivo se comporta como un imán atrayendo todas las miradas que posan de forma inocente



Vik Munik - Paper boat



Este año que finaliza ha sido especialmente dramático para los miles de refugiados. Que tratando de escapar de las desastrosas consecuencias de los múltiples conflictos que asolan el norte de África. 

Pierden la vida en su intento de alcanzar las costas del sur de Italia. Embarcaciones en pésimo estado y atestadas de seres humanos son el reclamo de organizaciones mafiosas sin escrúpulos, que convierten un desastre humanitario en un negocio genocida y carente de moral alguna. 

Realizada para la ultima edición de la Biennale de arte de Venezia. La instalación acuática titulada Paper Boat supone una sutil denuncia sobre la fragilidad de los derechos humanos y la indefensión de millones de desplazados inocentes que se ven expuestos a las cruentas atrocidades.

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Obra del siempre sugerente Vik Munik, el barquito de papel surca en silencio los canales de la serenesima, suscitando su presencia el interés de los miles de turistas. Que ajenos a su significado, lo observan como una atracción de la organización de la muestra


Simon Kirsch - Anatomie Spiegel, reproduce el movimiento corporal explorando su potencial expresivo

S
imon Kirschas
es un artista digital que explora las posibilidades del movimiento en modelos corporales. Para eso desarrolla soluciones en las que combina aplicaciones de software y accesorios tecnologicos que en principio son ajenos a sus proyectos.



En la instalación multimedia titulada Anatomie Spiegel utiliza sensores de los que viene integrados en la consola de v2 Kinect. Simon Kirsch utiliza un interfaz que conecta a una pantalla reproduciend la musculatura del usuario, de los que captura sus movimientos a través de sensores de movimiento. 

Obteniendo un conjunto de datos con los que el artista construye una narrativa en la que se generan diferentes patrones en lo que la expresión corporal se traduce en coreografías ineditas, en las que se combina la magia y la lírica en secuencias en las que el movimiento refleja la plasticidad del cuerpo.  


Anatomie Spiegel se comporta como un espejo virtual que refleja las vísceras y órganos del cuerpo humano, representandolos en diferentes situaciones. Pudiéndose emplear los datos obtenidos en diferentes áreas como la salud, el deporte, el urbanismo o la moda.

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    Modelados con aplicaciones como 3dsMax. Anatomie Spiegel ofrece una experiencia inmersiva a través de la que mapea el interior de la anatomía del cuerpo humano y sus movimientos.

Es esta conexión entre la actividad creativa y otros ámbitos productivos los que explora Simon a través de buena parte de sus propuestas, en las que la esencia de lo orgánico se combina con lo artificial de la máquina y su rendimiento expresivo. Siendo el reflejo de una sociedad que se encuentra en plena transición de lo analogico lo digital.