Nomada Q : design

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El gran problema que se nos plantea a la hora de emprender un proyecto horticola en el ámbito domestico, no se reduce solamente a una cuestión de espacios. Existen otros factores como el de conseguir desarrollar un micro clima constante que garantice el éxito de nuestro huerto.

Soluciones para el primer escenario existen numerosas y variadas en el mercado, que racionalizan nuestras limitaciones de espacio flexibilizando su uso para adaptarlo a nuestras necesidades. Diseñado por el estudio sueco Tomorrow Machine, que utilizando una sencilla lamina fabricada en plástico de polipropileno, Microgarden reproduce de forma natural las propiedades que ofrece un invernadero de los que ya conocemos.

El kit contiene una hoja reutilizable y reciclable se pliega formando un invernadero piramidal en el que se pueden pequeñas, hortalizas, especias y hongos, además de actuar como semillero. Para su funcionamiento basta con aplicar el gel transparente incluido transparente. Basado en el proceso de cultivo de algas como medio de crecimiento, las plantas nunca requieren riego ya que las raíces absorben la humedad del gel.

Desarrollado en el marco del proyecto INFARM. Aparte de los beneficios nutricionales y dietéticos que proporciona la agricultura ecológica, herramientas producto de la tecnología y la investigación de las propiedades de los materiales para usos agrícolas en el ámbito domestico. Contribuye al conocimiento y la satisfacción de los propios horticultores caseros que con muy poco esfuerzo logra cultivar sus propios alimentos.

Colindante al edificio que albergaba las oficinas donde tenia la sede la compañía Sugoroku, una finca a punto de ser demolido. Situado en un pequeño solar, se convierte en el terreno ideal para trasladar eventualmente la actividad de la empresa.

Situada en un área de oficinas de la localidad japonesa de Gifu, que se encuentra en plena expansión y transformación urbanistica. El proyecto presentado por el estudio de arquitectura Daiken-Met Architects. Se inicia tras limpiar la parcela de maleza y malas hierbas.

En el terreno se situaron los tres contenedores de carga marítimo, que se trasladaron previamente desde un puerto proximo. Volúmenes de deshecho logístico que se apilaron en una fila de tres alturas con atico.

La entrada situada en uno de los laterales sirve de hall donde se recibe a los clientes, además de contar con una cafetería y una sala de reuniones. Para acceder a las plantas superiores una escalera exterior comunica el conjunto de la estructura y las áreas de trabajo que lo componen.

Las oficinas Pop-Up se asoman a la avenida principa, a través de terrazas en las plantas superiores. Ofreciendo una mayor interacción entre el edificio de oficinas y su entorno arquitectonico.

Las zonas exteriores están conectados a través de un mobiliario interior fabricado en madera y aluminio. Que sugieren una mezcla de estilos a partir de los que crea una atmósfera cálida en la zona de trabajo.

Ejecutada en 2.011 este proyecto representa una solución transitoria eficaz, en la que debido al volumen y comoposición de materiales que se utiliza en su ejecución. Supone un mínimo impacto sobre el terreno que se actúa y el paisaje urbano que se sitúa.

Compuesto por módulos adaptables el mobiliario urbano Walklet representa la solución Pop-up idónea a la escasez de espacio en las grandes ciudades. Donde debido a un desarrollo urbanístico en el que se contempla cómo prioridad la presencia del vehiculo privado, es difícil encontrar parcelas sin urbanizar para destinarlas áreas verdes.

De fácil instalación su diseño realizado en madera se convierte en una extensión de la acera, pudiendo añadir tantas secciones como elementos urbanos se precisen. Pudiendo hacer de Walklet un nodo publico de servicios desde donde cubrir la demanda de lugares comunes dentro del entorno publico.

Complementos específicos como bancos, aseos, jardineras, parking para bicicleta, columpios para niños... Se pueden combinar dependiendo de las características y las necesidades que generan los usos en cada zona de transito. Cada una de estas islas urbanas proporciona a los peatones áreas de descanso e interacción social.

Al estar fabricados en su practica totalidad con materiales orgánicos pudiendo ser reciclados en cualquier momento, su impacto medio ambiental se reduce de forma notable. Siendo un producto ecológico, destacando por su movilidad y funcionalidad pudiéndose trasladar con facilidad a cualquier otro lugar debido a su ligereza en relación a su volumen.

En comparación con los costos de las intervenciones permanentes el presupuesto y financiación que requiere el diseño e instalación de Walket representa una reducción de los costes muy importante. Suponiendo un aliciente para los municipios con problemas de liquidez que quieren aplicar políticas orientadas ha humanizar el espacio publico, pero carecen del presupuesto necesario para intervenir a gran escala en términos urbanisticos.

Diseñado por el estudio Reber Art Design, cada sección funciona de forma independiente y en conjunto con otros para crear un entorno personalizado. Fabricados en madera con refuerzos de acero galvanizado. Walklet ofrece un enfoque diferente que permite reformular el espacio publico.

The Good, the Bad and the Ugly fue una experiencia desarrollada a lo largo del año de 2.012, con la que se pretendía aprovechar los soportes publicitarios que nos encontramos en cualquier gran ciudad, destinándolos a crear una comunidad compuesta por artistas nómadas.

El proyecto dirigido por el también artista belga Karl Philips, estaba compuesto por tres remolques construidos con los restos de vallas publicitarias, que tras ser reciclados se constituía en el material con el que fabricaban las casetas que albergaban y en la que ejercían su actividad los artistas.

Cada una de las tres unidades reunía los elementos imprescindibles que le permitían su autonomía, permitiendo planificar iterinarios que abarcaron la totalidad de Bélgica. Ciudades donde la caravana realizaba escalas temporales mostrando las obras realizadas.

Cada modulo conserva la estructura piramidal original que presenta el soporte publicitario, adaptando el espacio interior con el mobiliario preciso que facilite su habitabilidad. Modificando los laterales secundarios, practicando en uno de los extremos el acceso que da acceso al interior de cada cabina y en su opuesto, los ventanucos y las salidas de aire.

El remolque durante el transcurso de nueve fue habitadas por artistas, estudiantes de arquitectura y arte, pero también por okupas y activistas. Experimentando a traves de un modelo de autogestión nomada por el que sus residentes pudieron obtener un ingreso a través de la publicidad en vallas publicitaria

Karl Philips (1984) es un activista y artista conceptual belga que vive y trabaja en Hasselt, Bélgica. Él está especialmente interesado en los márgenes de los fenómenos sociales y los enfoques que genera, centrándose en temas legales, económicos y comunitario y su relación con la publicidad, el capitalismo y el consumismo.

Cada año coincidiendo con las fechas navideñas el Ginebra Light & Trees Festival, una cita en la que presentan proyectos que combinan la iluminación y su relación con la naturaleza en el ámbito urbano, convirtiendo la ciudad Suiza en una exhibición donde el arte en sus múltiples manifestaciones adquieren un carácter lúdico.

Entre la actividades se organiza un concurso informal en el que los ciudadanos deciden cual es la mejor propuesta. En esta edición el proyecto elegido como vencedor, ha sido el presentado por el estudio Allegory y su instalación Sheltree.

Se trata de aprovechar los ejemplares con mayor calibre para adaptandoles una sombrilla que proporciones sombra y protección tanto en los días calurosos como frente a los rigores del invierno. Completando Sheltree integra un sistema de iluminación LED que proporciona luz artificial activándose mediante un sensor cuando se cierne la oscuridad desplegando diferentes colore en función de la estación del años.

Aparentemente la ultima propuesta realizada por el estudio Stereotank para la ultima edición del Pen World Voices Festival que se esta celebrando actualmente en New York, es un elemento cuya función es meramente estética. Pero si guiado por la curiosidad el usuario accede a su interior, descubrirá que The Little Free Library ofrece el soporte perfecto por el que intercambiar libros usados en el espacio publico.

Ubicada en el patio de entrada de St. Patrick’s Old Cathedral School, sus creadores se proponen con su presencia en el espacio publico, facilitar un lugar resguardado pero a la vez visible, donde poder consultar una selección de libros depositados por los propios usuarios.

Realizado con materiales procedentes de reciclaje, una caperuza circular sirve de estantes para los volúmenes que se depositan. Encajada en un cuadripode de madera, el caparazón en este caso de plástico presenta orificio que permiten una comunicación visual con el exterior y viceversa.

Utilizando como soporte de almacenamiento y exposición de libros un sencillo telar, los volúmenes quedan prendados de los cordeles sostenidos por un tope que regula su posición en el bastidor. Tan ingenioso diseño ha sido creado por el estudio con sede en UK Raw Edges como proyecto para la ultima edición de la Semana de Diseño de Milan.

La Bloom Bookshelf fue comisionado por el British Council para sostener las obras de ficción de la revista literaria Granta, una selección de los mejores jóvenes novelistas británicos de las ultimas tres décadas. La obra combina la función de estantería y una estética original creando una instalación inteligente.

Raw Edges esta formado por el tándem de diseñadores Yael Mer y Shay Alkalay, originarios de Tel-Aviv. El enfoque principal de Yael incluye convertir materiales de dos dimensiones en formas funcionales curvas, mientras que Shay se siente fascinado por cómo se mueven los objetos, su función y reacción. Desde que obtuvieron su graduación en el Royal College of Art en 2006, han recibido varios premios de gran prestigio. Sus obras han sido exhibidas a nivel internacional formando parte de la colección permanente del MoMA de Nueva York.

Que te parecía pasar un rato agradable en buena compañía escuchando música en directo y degustando una carta de cocktails de autor, tentador, sugerente, exclusivo. Son palabras que enseguida asaltan la mente, pero en el caso de The Nigth Heron el ultimo proyecto pop-up producido por Wanderlust Projects, y del que como en otras ocasiones se encuentra su principal artífice N.D. Austin, nos muestra que existen formas alternativas de vivir el ocio nocturno.

Conocido en la noche Newyorkina por rodearse de colaboradores de diferentes disciplinas; decoradores, diseñadores, músicos...... Austin explora los mas recónditos lugares de la ciudad, seleccionar uno que por sus características se adapte a su idea de ocio nocturno, y tras acondicionarlo decorandolo con una temática acorde con la actividad que se va a realizar, convocar vía redes sociales a los invitados que deseen asistir a una de sus efimeras veladas.

En este caso tras explorar el distrito de Chelsea, localizaron dos depósitos de agua construidos en madera y que datan de finales del siglo XIX, situados sobre la cubierta de una fabrica abandonada. Su acondicionamiento suposo una labor intensa, inspirándose en la estética de las cantinas marineras para su interiorismo.

En total la cifra de invitados ascendió a seiscientas personas, que tras presentar como tarjeta de invitación un determinado tipo de reloj, accedían al interior del deposito por una trampilla. Eran recibidos por el propio Austin como anfitrión y maestro de ceremonias.

Debido a las limitaciones de superficie útil y la forma estructural circular propia del deposito, se opto por liberar espacio desde el centro utilizando como mobiliario mesas plegables adaptadas a las paredes curvilíneas del deposito. Situando a los músicos en altura por encima de los asistentes lo que facilita la distribución homogenea del sonido.

Debido a su carácter efímero The Night Heron se mantuvo abierto durante seis semanas consecutivas, con el cartel de no hay en billetes en cada sesión cada uno de los invitados que pagaban entre 80 y 300 dolares por cada reloj, cuya posesión daba derecho al que le era regalado, poder disfrutar de una experiencia única en un ambiente acogedor que explora alternativas al ocio nocturno actual, donde el elemento arquitectónico se corresponde con la actividad programada y el tipo de publico que participa.

Formando parte de la urbanización del proyecto de apartamentos Mad Edificio recién inaugurado en Oslo, Noruega, su responsable el arquitecto noruego MAD Arkitekter, ha ideado un conjunto compuesto por bicicletas fabricadas en acero inoxidable. La bicicletas que se distribuyen a lo largo de un corredor de noventa metros de largo que se separa el edificio principal del un centro comercial adyacente.

Cumplen una doble función, por una parte se presencia en el área residencial del edificio cumple con un propósito funcional, facilitando a los inquilinos el estaciónamiento a pie de calle y evitandoles el engorroso tramite de tener que subir a su domicilio la bicicleta.

Por otra parta el Peloton enriquece estéticamente las áreas comunes, siendo un mobiliario fácil de identificar. Su diseño estilizado cuenta con un diodo LED que permite la visión en condiciones escasas de luz, además de convertirse en el sustituto ideal del sistema de iluminación compuesto por farolas, lo que se traduce en un ahorro económico.

Pelotón se convierte de esta forma en un punto de encuentro donde los vecinos aparte de aparcar su bici, establecen relaciones sociales en una experiencia donde un lugar de paso cobra utilidad.

Cuando en 2010 las autoridades de la localidad alemana de Erfurt, sacaron a concurso la remodelación y ampliación de la estación de ferrocarril, en el pliego de condiciones del concurso no se especificaba la construcción de una parking destinado exclusivamente para bicicletas, pese a la gran afluencia de usuarios que transportan su bicicleta en sus trayectos, lo que les permite desplazarse por la ciudad.

Fue la presión popular realizada mediante el tejido asociativo principalmente las asociaciones de ciclistas, las que provoco la modificación del pliego estrategico incorporando un anexo dedicado a la construcción de un equipamiento destinado al aparcamiento de bicicletas.

Tres años además del centro de estacionamiento para bicicletas es una realidad que utilizan cada día cientos de usuarios, habiendo descongestionado de vehículos el centro de la ciudad. Diseñado por el estudio de arquitectura Osterwold + Schmidt, su diseño ha sido merecedor del primer premio en la categoría de Parking Structures otorgado por Architezer A.

Situado en un lateral de la estación, el parking facilita el transbordo de usuarios con la estación de ferrocarril. El diseño ganador es una de las primeras estructuras de este tipo que combinan estacionamiento para bicicletas con otros tipos de medios de transporte.

Además de proporcionar doscientos sesenta bastidores para bicicletas y treinta y dos taquillas, cuentan con servicio de alquiler de bicicletas y una estación de servicio, la instalación también incluye talleres y oficinas, así como una cafetería para tomar un refrigerio.

El exterior está cubierto de paneles de policarbonato de alta resistencia, transparentes adornadas con oro y plata de los ciclistas que forman parte del equipo de la marca especializas y storage Redhaus. Durante las horas de luz, los paneles permiten que la luz natural sustituya la utilizacion de luz artificial. Por la noche las luces del interior resplandece contrastando con las siluetas serigrafiadas a lo largo de los setenta metros de longitud de la fachada.

A pesar de vivir inmersos en plena digital gracias a la que la practica totalidad de los contenidos que produce la industria del entretenimiento, son distribuidos aplicando un algoritmo basados en ceros y unos. Estamos asistiendo a un revival de viejos formatos como el vinilo, un mercado que fundamentalmente que se nuestra de reediciones míticas de la música contemporánea y que esta experimentado un gran auge.

Este fenómeno retro también tiene su versión artística. Mark Drew con oficina en Tokyo ha querido realizar su particular aportación sumandote a esta corriente vintage, que consiste en utilizar la iconografía Pop para realizar un viaje temporal, que correlacione episodios de nuestra historia actualizando a través de manifestaciones artísticas actuales.

Mark ha elegido para realizar su homenaje a la música que escuchaba en la década de los 80´s, de la que es un autentico fan, las conocidas como costuras o filetes laterales de loa míticos cassettes de cinta analógica, donde figuraba aparte del nombre del autor y titulo de la obra, por las que el consumidor identificaba la tipografía original, la editora discografica y el numero de serie del producto.

Para eso Mark recurre a diferentes técnicas artísticas a través de las que reproduce en cuadros, diseño web, laminas, murales, instalaciones e incluso camisetas, algunos de sus músicos y grupos favoritos. En general viendo las obras de Mark se tiene la sensación de que la parte gráfica de la música, con la era digital ha perdido su protagonismo, beneficiándose de otras áreas del como el marketing o la promoción.

Resultado de la pasión por la guitarra y la practica del skate mas el ingenio de su creador, la Skate Guitar es una guitarra fabricada de forma artesanal y elaborada con materiales de reciclaje.

En este caso el luthier argentino Ezequiel Galasso utiliza tablas de skate usada para fabricar modelos únicos y muy ligeros. La idea fruto de la colaboración con el skateboarder también argentino Gianfranco de Gennaro.

Se plasma en un un modelo de guitarra totalmente funcional, siendo una muestra excelente de economía creativa y circular. Una guitarra que pese a sus limitaciones técnicas hara las delicias de cualquier fan de las seis cuerdas.

Ezequiel Galasso que fabrica guitarras por encargo aprendió el oficio de la mano de Horacio Lista, considerado uno de los mejores luthier de Argentina. Tras un periodo en el que compaginaba el estudio del oficio de luthier con otras actividades. Decide dedicarse a tiempo completo al diseño y montaje de guitarras por encargo.

El proceso de fabricación de cada Skate Guitar es muy sencillo, consiste en escoger dos tablas de skate. De la primera se fabrica el mástil de la guitarra, dividiendose por la mitad a lo largo.

Tras pegar los dos lados se dibuja la silueta del mástil y se troquela. En el caso del cuerpo el proceso es el mismo, salvo que la tabla se divide a lo ancho. Cada modelo es único por el valor estético de la tabla de skate de la que se realiza cada instrumento.

No añadiéndose ningún elemento decorativo mas. Técnicamente en cada modelo de Skate Guitar se incorpora un micrófono, un modulador de volumen y un jack. Con lo que se consegue una experiencia próxima a la de un guitarrista profesional.

Las algas son considerada una fuente futura de combustible, debido a su alta concentración de lípidos. Por los que los científicos lo han estudiado como una alternativa a los combustibles fosiles, que durante décadas ha sido el ingrediente clave en la producción de biodiesel.

Sin embargo presenta un problema, casi tres cuartas partes de la luz del sol energía absorbida por las algas se pierde antes de convertirse en los azúcares o almidones utilizados para producir biocarburantes.

En 2010, los científicos de la Universidad de Yonsei y la Universidad de Stanford fueron pioneros en el desarrollo de una técnica que mediante la actividad de electrones en las células de las algas individuales. La fotosíntesis excitan los electrones, los cuales pueden ser convertidos en una corriente eléctrica utilizando un nanoelectrodo de oro especialmente diseñado.

Inspirado por este estudio el diseñador Miki Thompson ha ideado la lampara Latro (del latín ladrón) que incorpora el potencial de la energía natural de las algas y la funcionalidad de una lámpara.

Las algas son muy fáciles de cultivar, requiriendo únicamente la luz solar, dióxido de carbono CO2 y agua, ofreciendo una forma muy sencilla de producir energía. La energía producida se almacena en una batería que es emitida por un diodo LED situado en la base, mientras que un sensor controla la intensidad de la luz.

La respiración proporciona a las algas el CO2, mientras que el agua libera oxígeno. La colocación de la lámpara a la luz del día, permite a las algas utilizar la luz solar para sintetizar los alimentos a partir de CO2 y el agua.

Creada por el estudio Studio Weave la intervención Lullaby factory es una experiencia que va mas allá de lo visual. Adosada a una fachada del Great Ormond Street Hospital, la instalación que ocupa 110 metros y las diez alturas de las que se compone el edificio.

Esta formada por una red de cañerías de cuyos extremos se emiten periódicamente diferentes melodías, compuestas atendiendo a criterios médicos. Como las especialidades o los diagnosticos, así como el material sanitario que emplean en su trabajo.

Los elementos que componen Studio Wave han sido fabricados a partir de la reutilización del mobiliario de la antigua cocina de la institución. En conjunto la composición parece extraída de un relato victoriano, los amplificadores estilo gramófono le da un aire retro años veinte casi surrealista. El color cobrizo de las tuberías, los depósitos y bobinas se entrelazan siguiendo un patrón parecido a un laberinto.

Los arquitectos se inspiraron en las tuberías sucias y sistemas de drenaje que ya cubren la superficie de las paredes de ladrillo. Por lo que en vez de camuflarlas, decidieron añadir a ellos un amplio marco que abarca los diferentes elementos de la instalación.

Las melodías compuestas por Jessica Curry, representan agradables pasajes sonoros que se ejecutan a través de las tuberías emitidos en frecuencias especificas. Que contribuyen a crear una atmósfera relajante y estimulante amenizando el ingreso de los pacientes y su restablecimiento.

Studio Wave transforma un paisaje urbano agreste y gris en en una instalación lúdica, donde intervienen aspectos sensoriales y el entorno arquitectónico en una estrategia terapéutica para beneficio de los pacientes.

En un mundo cambiante en el que cualquier cosa parece posible y cuyo futuro parece difícil de predecir, en un contexto social, económico y tecnológico volátil y por definir, el diseño combinado con herramientas de cultivo alternativo en el ámbito urbano se esta convirtiendo en uno de los fenómenos emergentes.

Con una proyección social y económica que revierte positivamente sobre los miembros de las comunidades mejorando sus habitos de consumo a través de su implicación directa en el proceso de cultivo y elaboración del producto.

El diseño de UFU (Urban Farm Units) propone abordar estas cuestiones de carácter prospectivo a través de la utilización de elementos arquitectónicos modulares que faciliten la proximidad y el desarrollo de actividades horticolas en entornos desfavorables.

Creado por el diseñador francés Daniel Chivialle los UFU son unidades agrícolas que están formados por un invernadero en la parte superior de un contenedor que alberga un acuario con peces. Su agua y las heces se transforman en fertilizantes con los que se nutren los diferentes cultivos, que a su vez purifica el agua, que se devuelve al acuario, reiniciando el ciclo.

Desde que se creo en 2.010 UFU se ha exhibido en París, Lisboa, Zúrich y Bruselas. Pudiéndose visitar desde el 24 de febrero en el Grote Markt (mercado general) en la localidad de Levuen, Bélgica, como parte de la programación del ArtefAct Festival.

Un generador transforma el metano de una parte de los residuos acuíferos en energía alimentado un generador alternativo. en el caso de la instalación de varios recipientes, uno se puede imaginar el llenado de una planta de biogás para recoger y reciclar los residuos orgánicos. Cada estructura está diseñada con componentes estándar: cultivos hidropónicos, un invernadero industrial, andamios, y un recipiente abierto por la parte superior, todo ello destinado a ser escalable y evolutivo.

El resultado es una granja pop-up del tamaño de una plaza de aparcamiento totalmente autónoma, que modifica los habitos de consumo ofreciendo productos de primera calidad y cosechados con criterios ecológicos. Esto se consigue gracias a las nuevas tecnologías relacionadas con la acuaponia y la micro-metanización, que permiten obtener muy buenos rendimientos en un área muy pequeña.

El cuarto de baño no es el espacio de la casa donde mas tiempo pasemos, pero si es al que mas solemos acudir y es el elemento de la casa junto a la cocina que resulta imprescindible, sin embargo es un elemento que suele resultar secundario, quizás por que sus funciones están muy definidas y solo recurrimos a el cuando nuestras necesidades lo precisan.

La firma alemana especializada en el diseño de muebles de baño y utilitarios VDS, realiza proyectos donde el cuarto de baño es algo mas que un lugar especifico, al que solo se recurre cuando las necesidades fisiológicas lo demandan, concibiéndolo como un lugar donde estar.

Su ultima propuesta es mas osada si cabe, proponen llevarse el cuarto de baño e instalarlo donde uno lo considere oportuno. Realizado para presentarlo en la próxima edición de la del sector Feria ISH en Frankfurt que se celebra entre el 12 y el 16 marzo, 2013.

Bathroom Bubble Pops se compone de una estructura con forma ovalada cuyo diseño esta inspirado en la de los iglus de los esquimales. mediante la aplicación de una membrana delgada y transparente, la estructura inflable crea un modulo portable habitación-baño con una vista panorámica. la vaina se puede colocar entre los árboles o en el techo de un edificio.

La burbuja baño es parte de una exposición itinerante llamada Pop Up My bathroom , que explora el concepto del cuarto de baño moderno a través de los ojos de los diseñadores más importantes. Burbuja Cuarto de baño ofrece toda la relajación de un baño de lujo - excepto para el inodoro. La burbuja se inspiró en una encuesta en la que los participantes se les pidió que enumeraran cualidades de su baño de ensueño. El consenso fue que la mayoría de los encuestadores quería una habitación con una vista que tuvo acceso a un jardín o una terraza.

Cada año se celebra en la Singapur el festival de arquitectura y urbanismo Archifest, un evento abierto, donde mediante un programa de actividades tanto profesionales como publico en general participan en debates, talleres, excursiones urbanas, actividades culturales... Un foro donde se intercambian ideas y donde se presentan algunos de los proyectos que tendrán como objeto la bulliciosa capital del sureste asiático.

Para desarrollar las actividades y ofrecer un lugar de encuentro a los asistentes se precisa de unas instalaciones que cumplan con unas condiciones idóneas. En vez de alquilar un edificio los organizadores del festival convocan con antelación un concurso de ideas, con el objetivo de construir un pabellón al que se presentan numerosos estudios.

En la ultima edición celebrada entre el seis y treinta y uno de Octubre de 2.012, se selecciono el proyecto de la oficina de arquitectura local WOW Architects. Instalado dentro del perímetro de uno de los espacios verdes mas concurridos de la ciudad, el conocido como Fort Canning Park.

La estructura ondulante del pabellón temporal Wonder Wall fue construida con cientos de andamios recuperados, en las numerosas obras que operan en la ciudad y que la están convirtiendo en una de las urbes mas pobladas del mundo.

El pabellón pop-up también cuenta con una fachada reciclable en las de que jardineras y tanques cuelgan con plantas autoctonas con las que consigue regular la temperatura en el interior de la estructura, creando una atmósfera acogedora y distendida.

El tranquilo parque se refleja en el volumen íntimo, mientras que es accesible a través de la membrana permeable del pabellón. cuenta con dos espacios para eventos: un área de visualización completamente cerrada para las ocasiones íntimas y una sección semi-cerrada, que cuenta con una pantalla al aire libre para las noches de cine.

Que mejor presentación para tu negocio que acercar tus productos o servicios a tus clientes potenciales, no existe herramienta de marketing mas eficaz que el contacto directo con el publico, eso aplicado actividades como el diseño gráfico donde la comunicación es imprescindible a la hora de conseguir un encargo, puede determinar que tu negocio tenga éxito o por el contrario acumule perdidas.

El DesignBuss es una iniciativa basada en la practica pop-up, que desarrolla su labor in situ estableciendo una relación directa entre el cliente y el profesional. La estrategia de negocio desarrollada por el estudiante de diseño Olevsson Erik es sencilla recuperando una practica ancestral.

Consiste en aceptar encargos vía Internet o en las localidades donde hace escala con su autocaravana, ofreciendo sus servicios a los lugareños o entregando los proyectos a domicilio.

La autocaravana que aparte de oficina es la vivienda donde vive Erik, realiza itinerario planificados abarcando buena parte de Suecia. En lugar de esperar a que los clientes e inspiración llamaran a su puerta, decidió salir a la carretera a emprender.

Desde marzo 2012 esta viajando por todo Suecia con su DesignBuss, un vehículo que diseño con el logotipo de su estudio de diseño y por el que es identificado. Su pop-up empresa está ofreciendo servicios relacionados con el diseño gráfico e impresión para empresas locales, mientras que los pagos se realizan en forma de intercambio de servicios.

Especializado en el diseño de menús, de trabajos de animación, de producción de folletos y tarjetas de visita para las empresas locales, el diseñador inconformista trabaja con sus clientes para determinar un precio adecuado por sus servicios o la posibilidad de un trueque que sustituya la transacción monetaria.