Nomada Q : arte digital

arte digital

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Dirigido y editado por el fotorafo Jeff Morris la ambientación musical esta firmada por Tiny Telephones y la canción "A Dream in Death". Su nuevo trabajo ha sido realizado con 40.000 fotografías It was the light "Se fue la luz" es un trabajo grabado con la técnica del timelapse, en el que nos muestra la ciudad de San Diego en California y su entorno natural. Realizado con una Canon 5D Mark II y nos muestra el increíble contraste que se puede observar en este condado enclavado entre el desierto y a pocas millas del mar.

Gracias a los avances en tecnología óptica concursos como BioScapes Digital Imaging, organizado por la marca de cámaras fotográficas Nikon Olympus se han popularizado contando con participantes, tanto con formación científica como aficionados.

Dividido en dos categorías vídeo y fotografía, Bioscapes que ha cumplido su décimo aniversario siendo el decano de los concursos especializados en fotografía microscopica, ha superado todas las expectativas de participación. Con alrededor de quinientos trabajos presentados de los cinco continentes.

El jurado formado por personal científico han valorado un conjunto de técnica sque incluyen, campo oscuro, contraste de fases, contraste de interferencia diferencial, fluorescencia, contraste de modulación Hoffman, multifotónica, y una variedad de métodos avanzados de fluorescencia cuantitativa.

Con los que se consigue capturas a escala microscopica que de otra forma seria imposible de observar por el ser humano, permitiéndonos acceder a un mundo donde podemos presenciar como funcionan diferentes organismos y tejidos a nivel celular.

Los ganadores en esta edición van desde una imagen en tonos neón del cerebro de una mosca de la fruta a una imagen donde se registra la garra de un cangrejo resaltando el pigmento característico de este crustáceo. Por primera vez en la historia de la competición, el primer premio fue otorgado a una presentación en vídeo.

Realizada por Ralph Grimm, un profesor de secundaria, apuntó con su cámara a un estanque donde unos organismos conocidos como rotíferos, pequeños animales microscopicos que se alimentan de bacterias muertas y algas. En otras palabras limo.

Con el elocuente e irónico titulo de How Much Do I Owe?, (¿Cuanro le debo?) la entidad para la promoción del arte contemporáneo en el espacio publico No Longer Empty, ha organizado una exposición en la que han seleccionado un total de 26 artistas de 15 países, pretende reflexionar sobre las causas y consecuencias del actual periodo de depresión económica y de valores

Para exhibir las obras en sus diferente formatos(instalación, escultura, mural, perfomance, vídeo instalación...), han seleccionado como escenario las instalaciones del antiguo Banco de Manhattan en Long Island en New York. No Longer Empty pretende revitalizar las comunidades a través del arte. Organizando exposiciones en lugares específicos, relacionados con la temática de la actividad o con la comunidad donde se desarrolla.

Inaugurada el 12 de Diciembre del año recién finalizado, se podrá visitar hasta el 13 de Marzo de este año, ubicada en el sótano donde situada la cámara acorazada del banco, símbolo y vehículo de la muestra, cuya función era almacenar el dinero hasta que se traspasaron sus depósitos.

¿Cuánto le debo? echa una mirada no sólo a la infraestructura de las finanzas, sino cómo su arraigo en nuestra cultura y en nuestras interacciones diarias. ¿Cuánto le debo? " Es una pregunta que nos hacemos todos los días, de una forma u otra. Ya sea realizando transacciones comerciales o devolviendo el reembolso de un préstamo, estamos constantemente poniendo un valor monetario a nuestras acciones mas cotidianas.

Recientemente tuvimos la oportunidad de conocer la iniciativa Now and then, organizada por el colectivo Detroiturbex , se trata de un interesante proyecto en el que utilizando la fotografía como medio documental, nos ofrece la posibilidad de conocer el antes y después de Detroit, a través de la realización de unas instantáneas sobrecogedoras donde nos muestran el esplendor y su ruina, producto de la despoblación brutal desde la década de los años 80's del siglo pasado.

Contrastando con imagen calamitosa de la que fue en su tiempo icono de lo que se conoció con la expresión (casi eslogan publicitario) "American way of life", hemos conocido el interesante certamen de arte urbano Dlectricity. Un festival que utiliza la luz como materia prima a través de los que artistas participantes desarrollan sus perfomances, y donde el publico asistente representa un parte sustancial, convirtiéndose en parte activa de una experiencia interactiva.

Realizada expresamente para la muestra Your Text Here (tu texto aquí), instalación de ubicación específica creada por Marcos Zotes. El arquitecto transformó la fachada de una planta de producción de calor de gran tamaño en un tablón de anuncios gigante utilizando como interlocutor los mensajes enviados un mensaje a un sitio web con un móvil.

La instalación tenia como objetivo empoderar a las comunidades locales, proporcionando una herramienta que transforma las voces de los ciudadanos en ideas que se comparten en comunidad utilizando como vaso comunicador el espacio publico.

Zotes quiere crear un lugar visible para que los ciudadanos puedan expresarse en un medio el urbano, saturado donde información la publicitaria ha sustituido el dialogo con los ciudadanos, relegándolo su oponión un segundo plano.

La ciudad está constantemente nos diciendo constantemente qué hacer, qué pensar y cómo actuar. Con un lenguaje visual explícito, una multiplicidad de carteles, señales, imágenes y símbolos invaden nuestros espacios públicos limitando nuestra capacidad de expresión. Your Text Here es un proyecto que desafía esta condición: Los ciudadanos tienen la oportunidad de cambiar su papel como receptores pasivos de información con el fin de llegar a ser los autores.

Mas de mil mensajes de texto anónimos fueron proyectados durante aproximadamente entre 10 y 20 segundos en un bucle continuo hasta finalizar el evento. De esta forma el espacio se convirtió en un lugar para el debate y un catalizador para la interacción social.

Desde que se pusiera el servicio de exploración cartográfica Google Earth, los usuarios hemos tenido la posibilidad de trasladarnos a casi cualquier punto del planeta de tierra a golpe de click, mostrándonos los infinitos matices y perspectivas que puede ofrecer un mismo lugar.

Realizadaa mediante la orientación geoestacional de satélites situados a kilómetros de altura o sobre la superficie, el departamento de fotografía GE recepción cada día cientos de miles de instantáneas, que son catalogadas digitalmente. Suponiendo un índice de consulta visual al que cualquiera puede tener acceso, ofreciendo al usuario un caudal de documentación por el que hacer un análisis de los cambios que ha podido experimentar un lugar, aplicando variables temporales, estacionales, geograficas, medio ambientales, arquitectónicas, climáticas...etc.

Por las que se pueden realizar estudios sobre el estado de evolución de las condiciones cambiantes que presenta un determinado lugar en relación a un intervalo de tiempo o reflejar las secuelas producidas como consecuencia de por ejemplo una catástrofe medio ambiental.

Un día realizando una consulta para un futuro viaje la la artista italiana Elena Radice, se percato de como había fotografías de que presentaban imagenes solapadas, siendo esta particularidad debido a incidencias técnicas en el tratamiento de las fotografías fruto de la casualidad, lo que le proporciono la idea para la realización de la serie Abstract Season Changes.

Radice nunca estuvo tan interesada en el estudio de la geografía pero aquellos contrastes que mostraban las imagenes la fascinaba, para ella representaba la realidad desde diferentes puntos de vista y su relación con el paso del tiempo.

En las cientos de panorámicas recopiladas tras largas jornadas de navegación observando miles de ciudades y paisajes. Elena realizo un álbum compuesto por fotografías en las que apenas en unas pulgadas de terreno se aprecia la transformación de la que ha sido objeto.

El cauce de un rió seco de repente se inunda debido al deshielo producido por el cambio de estación, una linea costera desaparece sumergida por la marea, o barrios enteros de una ciudad se diluyen tras los destrozos producidos por un huracán. Como si alguien hubiera ejecutado un efecto morphing sobre el terreno, un campo baldío se parcela adoptando una geometría especifica por la se modifica la percepción que se tiene de el.

El lenguaje gestual es muy rico proporcionando mucha y variada información sobre la persona, el rostro y sus facciones suele ser lo primero que nos fijamos cuando nos presentan alguien.

Los ojos, la boca, los pómulos, la nariz y como interactúan representan nuestra tarjeta de presentación en sociedad. Aparte de la impresión estética que proyecta de nosotros sobre los demás, nuestro rostro es como un mapa.

Que describe nuestras preferencias, gustos, fobias, debilidades ante los demás y ante nosotros mismos. La artista y fotógrafa Charlotte Caron, aplica una tecnica mixta en su serie de retratos, sustituyendo el rostro humano por el de animales con los que se identifica.

Tratando de dar una respuesta a una forma de dualidad humano animal, desafiando al animal que llevamos todos en el interior, y que camuflamos con máscaras de humanidad. Para crear finalmente una ósmosis entre los dos medios, entre el animal y el retrato.

Por su parte el ilustrador Ed Fairburn traza las coordenadas de los principales rasgos del rostro humano, empleando como soporte mapas cartográficos que llegan abarcar varios países. Explorando el origen de la identidad múltiples de cada individuo y su vinculo con su entorno.

Entre la infinidad de retratistas, hemos seleccionado a tres que por sus peculiaridades son muestras de la variedad de técnicas que se pueden emplear a la hora de realizar un retrato.

Por ultimo el creativo y publicista argentino Diego Beyró, emplea de soporte el blanco inmaculado de una sabana como lienzo, para crear con el explicito titulo de Orgasmo. Una serie de retratos donde reproduce el momento justo en el que se produce el climax, provocando la liberación de cantidades ingentes de hormonas que nos proporcionan placer.

Las producciones de Diego se caracterizan por la fuerza, el impacto de sus imágenes y la combinación de la artesanía y el uso de las nuevas tecnologías y dispositivos. Tanto en su serie orgasmos, en la que pintó ese instante singular de éxtasis entre sábanas, y en sus vídeos más experimentales, o su trabajo digital, vemos el cuerpo como objeto de estudio a fondo. El cuerpo, como punto de partida, describiendo sentimientos en el ámbito privado.

Creada a partir de paneles hexagonales, la instalación Cerebral Hut, esta equipada con sensores, que pretenden emular de alguna forma las complejas reacciones sensitivas del cerebro.

Conectados a un interfaz se trata de una experiencia interactiva que mide las frecuencias del publico asistente y las reproduce en el momento.

Creada por OZEL (Ozel Office) para la ultima edición de la Bienal de diseño Musibet que se esta celebrando estos días en Estambul. Hut Cerebral se convierte en un espacio de juego donde el usuario controla los límites físicos de su entorno por sus pensamientos.

A medida que el usuario participa en las actividades aumentan los niveles de concentración, la capacidad para imaginar, el movimiento, estableciéndose una respuesta en tiempo real que cambia su propia percepción como sujeto en relación al espacio en el que se mueve.

Cerebral Hut explora los vinculos de la cinética y la relación con la tecnología, el movimiento y el espacio, concebida como una arquitectura móvil que responde directamente al pensamiento humano.

En consecuencia, se crea una forma colectiva de arquitectura, que cuestiona las nociones estáticas de las percepciones espaciales y del movimiento. Cerebral Hut es un sistema electromecánico controlado por ordenador que se activa mediante una entrada inalámbrica desde un casco de EEG que el usuario lleva puesto. El casco EEG lee los niveles de concentración del usuario y los traduce en movimiento a través de un código. Cuanto más se concentra el usuario, más puede transformar los límites físicos del espacio.

Aunque parezca que su elaboración y montaje son sencillos, lo cierto es que cada breve secuencia cuyo metraje puede oscilar entre unos cuantos segundos y un intervalo de tiempo que no supera los treinta segundos.

Puede implicar dependiendo de la cantidad de sujetos que su autor el artista y fotógrafo turco Erdal Inci varias horas. En un proceso donde emplea secuencias de vídeo, para crear efectos de movimiento en formato gif.

La sensación de clonacion del cuerpo que se desplaza en el espacio y el tiempo, experimenta con el fenómeno de deja-vu. Convirtiendo la expresión corporal en un gesto autómata.

Ubicados en multitud de contextos cada carrusel adopta una personalidad aunque transmita sensaciones muy similares. Aunque buena parte de los fragmentos están protagonizados por Erdal teniendo como escenario de filmacion el espacio publico.

Hay ocasiones en las que recurre a espacios cerrados. Donde debido a las limitaciones recurre a herramientas CGI, con las que multiplica las veces que estima cada acción ejecutada por el mismo. Acciones casi siempre casuales que son fruto de escenas que observa en la calle y le sirven como argumento inspirador.

Construido en 1.934, el edificio que alberga el Museum of the Seam en la milenaria Jerusalem, simboliza el conflicto árabe israelí. Expulsados de su propiedad en 1.948, los que se consideran sus legítimos dueños la familia palistani Baramki siguen reclamando su resistitución.

Desde la azotea del museo, se puede ver a través de la Línea Verde a Jerusalén Este, justo enfrente de lo que era Mandelbaum Gate, el único punto de cruce entre los dos lados de la ciudad en ese momento.

La estructura del edificio así como la fachada semi derruidos "conserva" los arañazos y cicatrices de los numerosos ataque a los que se ha visto expuesto. Debido a que se utilizó como un puesto de avanzada militar israelí entre 1948 y 1967 ya que se sitúa justo en la frontera de entonces entre Israel y Jordania.

Elegido por su relevancia en la tensa convivencia que mantienen los pueblos israelita y palestino. Creado en 1.999, esta dirigido por su fundador el comisario de arte Raphie Etgar cuenta con la financiación de la Fundación Jerusalem.

Es a partir de 2.005 cuando desarrolla una actividad con la organización de importantes muestras anuales como Dead end (2005), Equal and less equal (2006), Bare life (2007/08), Heartquake (2008), Nature nation (2009) o las dos ultimas HomeLessHome y The Right to Protest que datan de 2010. Con cada una de las muestras se ha pretendido buscar tender puentes entre las partes enfrentadas.

El museo se compromete a evaluar la realidad social dentro de nuestro conflicto regional, para promover el diálogo frente a la discordia y al fomento de la responsabilidad social que se basa en lo que todos tenemos en común, más que lo que nos separa.

La colección permanente incluye obras de artistas de 11 países - entre ellos Israel -Palestina, Irán, Corea del Sur, China, Francia, EE.UU. y Sudáfrica - usando formatos como fotografía, vídeo, instalación o escultura.

Filmado en diferentes localizaciones de diferente desiertos de situados en los estados norteamericanos de Utah y California. Lugares que pese a su hostilidad paisajistica y sobre todo climatica.

Han sido elegido por el cineasta Jeff Frost como campo de operaciones donde adentrarse, con el objetivo de explorar y encontrar localizaciones en los que recientemente.

Haya habido algún tipo de construcción o pequeño asentamiento, de los tras ser abandonados quede algún tipo de rastro como algún edificios o estructura. Que atestigue que en aquel lugar inhospito.

En algún momento de su historia más o menos próxima hubo vida. Lugares abadonados, los que escenifica con motivos geométricos y con colores hipnóticos. Dando como resultado la vídeo instalación titulad Flawed Symmetry of Prediction.

Grabación que navega entre lo hipnótico y lo surrealista, convirtiendo el paisaje, tanto diurno como nocturno. En una narración mágica donde la presencia humana se percibe pese a su ausencia.

Para su montaje Jeff utilizo la friolera de 40.000 negativos de alta resolución, realizados con su equipo de fotografía compuesto por una cámara Canon. Trabajo en el que invirtió cerca de año y medio.

Tarea ardua y laboriosa que comenzaba cuando ya seleccionado el emplazamiento, colocaba su trípode en una posición fija respecto al objeto, y disparaba en formato timelapse. Creando una experiencia visual de movimiento y magia en mitad en la soledad del desierto. Flawed Symmetry of Prediction, ganó el premio Best in Show en su exhibición de graduación en 2012 y fue un éxito viral cuando se estreno onlíne. Pudiendose ver AQUI.

En los retratos de rasgos hiperrealistas de la ilustradora Innes McDougall, son sobresalientes por la perfección del rostro de las retratadas, de la intención, de su gran fuerza y de la sensualidad que proyectan sus miradas que le otorga un halo de misterio sugerente. Residente en el Reino Unido, Innes se muestra como una consumada experta en la utilización de programas de tratamiento de imagenes, con los que tras un elaborado proceso convertir la belleza en algo mas una que una pose, reflejando sus matices. En su porfolio disponéis de un extenso catalogo de ilustraciones donde os muestra el proceso y el resultado de cada trabajo realmente sorprendente