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Realizada tras un visita a la comunidad indígena amazónica de Surui, invitado por el activista y jefe de la tribu Almir Surui Narayamoga, el fotógrafo Philippe Echaroux sensibilizado con la situación de deterioro medio-ambiental que han experimentado los diferentes ecosistemas que componen sus reservas amazónicas.

Causada por el incremento de la actividad económica en la zona relacionada con la industria minera y maderera, por lo que han visto reducido su masa forestal en mas de un 20% en el ultimo medio Siglo, poniendo en peligro muchas de las especies que lo hábitat tanto de la flora como de la fauna autóctona.

Compuesta por una serie de fotografías resultado de proyectar sobre la copas de los arboles, los retratos que hizo a diferentes miembros de la comunidad durante la Primavera de 2.016. El trabajo titulado The Crying Forest (el llanto del bosque) fusiona en un mismo plano la humanidad de los pobladores de la selva amazónica y los diferentes seres que la pueblan, con los que ha convivido en perfecta armonía a lo largo de cientos de años. Enfrentándose en la actualidad a un futuro plagado de incertidumbres causadas por la tala indiscriminada de millones de hectáreas de bosque Armazónica.

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Utilizando como materia prima tanto el paisaje Amazónico como el rostro de sus pobladores y el paisaje que habitan, Philippe Echaroux nos muestrá los profundos vinculos que existen entre su forma de vida y la conservación de los territorios que forman actualmente el Amazonas.

Muchas de las intervenciones del diseñador y artista alemán Thijs Biersteker poseen la virtud de provocar en el espectador, incitandole a reflexionar sobre determinados aspectos de su conducta y de como utiliza para relacionarse con el medio.

En la instalación inmersiva titulada Plastic Reflectic, los protagonistas son los materiales de deshecho que utiliza el autor para establecer un dialogo donde el lenguaje corporal del espectador articula una comunicación a partir del que se desarrolla un constructo con el que el usuario analiza su conducta.

Creandose una dinámica tan sugerente como desconcertante entre el sujeto y la materia contemplada desde una óptica creativa, de la cual trata de obtener una respuesta más o menos comprensible y coherente desde el punto de vista de la interpretación del individuo. Que ejecuta movimientos y gestos al azar con entusiasmo frente a la bañera de plasma de plastico.

Formada por un tanque en el que flotan restos de residuos plasticos entre ellos flotando dispositivos que a modo de sensores registran termicamente los movimientos que ejecutan los deshibidos usuarios que se acercan al tanque. Convirtiendolo en un reflejo de si mismos a través de los que se puede analizar determinados habitos domésticos.

Plastic Reflectic es una intervención híbrida formada por una sopa de plástico y una red pixelada, donde la tecnología se convierte en el hilo narrativo que se convierte en una metáfora del deterioro del estado de los océanos donde se acaban depositando 100 de millones de bolsas y otros residuos plásticos anualmente.

Plástico Reflectic es una instalación cinética interactiva que permite al espectador reflexionar sobre el concepto del creciente problema plástico en nuestros océanos. El planteamiento se percibe tan orgánico como artificial, denunciando nuestras acciones y el impacto sobre nuestro entorno natural y la brecha cada vez mayor entre la humanidad y la naturaleza,

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La practica del Surf no deja de tener un componente creativo importante, el surfista traza sobre las olas diferentes trayectorias. Utilizando movimientos corporales con los que desliza con su tabla sobre las olas del mar.

Dibujando a través de ejercicios más o menos complejos parabolas, que si se pudieran trasladar a un formato físico donde se pudieran como por ejemplo a una cuartilla o un lienzo. Más allá del efecto abstracto del resultado, en muchos casos no dejaría de maravillarnos.

De hecho ha habido algún meritorio intento últimamente personificado por la figura, de ni más ni menos que Shepard Fairday (Obey) en términos artisticos. Que aparte de ser uno de los artistas urbanos más conocidos a nivel global.

Ha demostrado que aparte de ser un seguidor del surf, es un consumado practicante del deporte de las olas. Que libero una serie de laminas serigrafiadas, a través de las que trataba de mostrar su fervor por las tablas y compartirlo con sus numerosos fans.

Utilizando como lienzos la superficie de las tablas que le regalan sus fans y amigos, en ellas representa simbolicamente su universo a través del surf, devoción que la muestra a través de formas creativas.

Por eso no es de extrañar que haya surfistas profesionales como la Francesa Maud Le Car en cuya carrera ha logrado compaginar, alternando sus citas en la alta competición. Con otras de sus grandes pasiones como es el arte.

Acercamiento creativo a través del que practica ha desarrollado una solida trayectoria. Que ha perfeccionado a través de cientos de diseños elaborados casi de forma artesanal, y los cuales se puede adquirir o encargar directamente entrando en la tienda online, a la cual se puede acceder directamente a través de su sitio web.

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Y en cuyas obra compuesta por cuadros y murales principalmente, realizados en tonos cálidos y realizados en su mayoría aplicando disoluciones cuya base princpal esta compuesta por acuarelas. Están plagados con múltiples motivos que hacen referencia al medio acuático que ella domina y conoce tan detalladamente que combina con retratos que se caracterizan por un estilo donde se fusionan los elementos Pop con una galería de personajes femeninos iconicos y fuertes a la vez.

Como ya sabemos el bambú presenta múltiples propiedades que suponen un importante beneficio desde un punto de vista constructivo, es flexible a la par que resistente, además es un gran aislante térmico presentando una superficie muy fibrosa lo que impide que se filtre el agua.

Si a esto le añadimos de que se trata de una planta de crecimiento rápido y de que por lo tanto en climas tropicales como el de Indonesia se dan las condiciones óptimas para que sea super abundante. Pero sin embargo el bambú se ha visto desplazado durante las ultimas décadas como material de construcción por alternativas mas férreas como el cemento o el ladrillo.

Lo que ha supuesto un empobrecimiento de la arquitectura local, tendencia que iniciativas como la que representa del diseñador Dinesh Ram que trata de corregir a través de proyectos como Hope Waters Dome. Con los que interviene en el espacio devolviéndoles su identidad en un contexto urbano y cosmopolita

Como su propio nombre se trata de una estructura en forma de dome, donde la presencia del bambú no se limita solamente a reforzar las uniones del marco que sustenta la cúpula, sino que aparte de utilizar las vainas como elemento ensamblados se han tratado sus hojas para fabricar los paneles de la cúpula.

Aunque en principio Dinesh lo ha concebido como alternativa urbana a las tradicionales plantaciones agrícolas, por sus características esta tipología podría tener aplicaciones en múltiples ámbitos y sectores de negocio. Pudiéndose instalar tanto como plataformas en un medio acuático, como en terrenos de interinor donde las geología del terreno es mas inestable.

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Presentado a la ultima edición de arquitectura sostenible Biodesing Competition organizado por el magazine digital Inhabitat. Cada dome es el resultado de combinar materiales naturales y de deshecho optimizando al máximo los recursos disponibles.

In many of the interventions of the urban artist Rone, based in the Australian city of Melbourne, a shared constant can be observed, which links uninhabited places and their architecture with their human facet.

Applying soft tones, he transmits through architectural portraits different emotions that the residents of the buildings experienced at the time and that they had to leave in many cases in a hasty manner due to an accident or an eviction or simply because the economic activity that existed in the vicinity of the house ceased.

Creating an atmosphere where nostalgia and uncertainty dramatize the whole, managing to transmit in a poetic way the experiences that were lived in that place at a certain time not so long ago. Portraits full of nostalgia and eloquence that serve to fill architectural voids in languishing buildings.

For his latest work entitled Empty, made over two years in different locations in Melbourne, he explores the relationship between beauty and decadence. For this, she represents the faces of different women according to a specific context, a theatre, a single-family house, or for example the old facilities of a spa.

In this case the chosen scenario is the venue that housed, Art Nouveau Lyric Theatre, a majestic building dating from 1920, and that if no one remedies will be irremediably demolished. A space that Rone already knew because he had been exploring it on different occasions previously studying the possibilities it offered.

Read it in Spanish: Rone y su serie Empty, retratos en un teatro Art Nouveau abandonado

Finally he decided to undertake an epic transformation that would include not only the main stalls with their seating capacity, but also the rest of the rooms. A building in which the first time he was there he experienced a feeling that overwhelmed him, it had such a cold atmosphere, those high ceilings and the corridors in semi-darkness, that he tried to imagine those frequented by the artists and the public that filled it for seasons.

he set of murals is painted over some original artwork that was only revealed by accident when they decided to clean the wall before painting it. Running along both sides of the space are two rows of hanging art pieces that seem to magically float in the air. On the right side twelve painted portraits, on the left eight photos of Rone's works are displayed in a dramatic context.

A discreet peephole looking into the black warehouse next door revealed another mural rising from the rubble covered floor. The boards had numerous small holes drilled into it allowing light to pierce the black void. The whole spectacle was impeccable, a true testament to the two thousand people who came during its opening weekend when all the works were sold.

The works of the Empty series in photographic format are part of a traveling exhibition whose first exhibition held in October of last year took place in a disused hangar that was presided over by one of the portraits made on a large scale.

En buena parte de las intervenciones del artista urbano Rone con sede en la ciudad australiana de Melbourne se observa una constante compartida, que vincula lugares inhabitados y sus arquitecturas con su faceta humana.

Aplicando tonos suaves transmite a través de retratos arquitectonicos diferentes emociones que en su momento experimentaron los residentes de los edificios y que tuvieron que abandonar en muchos casos de forma precipitadas debido a un siniestro o a un desahucio o simplemente a que se cesó la actividad económica que existía en las inmediaciones de la vivienda.

Creando una atmósfera donde la nostalgia y la incertidumbre dramatiza el conjunto, logrando transmitir de forma poética las experiencias que se vivieron en ese lugar en un determinado momento no hace mucho tiempo. Retratos cargados de nostalgia y elocuencia que sirven para rellenar vacíos arquitectonicos en edificios que languidecen.

Para su ultimo trabajo titulado Empty (vació) realizado a lo largo de los dos años en diferentes localizaciones de Melbourne, explora la relación entre la belleza y la decadencia. Para eso representa el rostro de diferentes mujeres en función de un contexto especifico, un teatro, una vivienda unifamiliar, o por ejemplo las viejas instalaciones de un balneario.

En este caso el escenario elegido es el recinto que albergaba, Art Nouveau Lyric Theatre edificio majestuoso que data de 1920, y que si nadie remedia será irremediablemente demolido. Un espacio que ya conocía Rone pues había estado explorandolo en diferentes ocasiones con anterioridad estudiando las posibilidades que brindaba.

Finalmente decidió acometer una transformación épica que comprendería no solamente su platea principal con su aforo, sino el resto de las dependencias. Un edificio en el que la primera vez estuvo experimentó un sentimiento que le abrumaba, presentaba una atmósfera tan fria, aquellos techos altos y los corredores en penumbra, que trataba de imaginarse los frecuentados por los artistas y el público que lo lleno durante temporadas.

El conjunto de murales está pintado sobre algunas obras de arte originales que solo se revelaron por accidente cuando decidieron limpiar la pared antes de pintarla. Corriendo a lo largo de ambos lados del espacio hay dos filas de piezas de arte colgadas que parecen flotar mágicamente en el aire. En el lado derecho doce retratos pintados, a la izquierda ocho fotos de las obras de Rone que se muestran en un contexto dramatico.

Una discreta mirilla mirando hacia el almacén negro de al lado reveló otro mural que se elevaba del piso cubierto de escombros. Las tablas tenían numerosos agujeros pequeños perforados en ella permitiendo que la luz perforara el vacío negro. Todo el espectáculo fue impecable, un verdadero testimonio al que dos mil personas que vinieron durante el fin de semana de su inauguración en el que se vendieron todas las obras.

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Las obras de la serie Empty en formato fotografía forman parte de una muestra itinerante cuya primera exhibición celebrada en Octubre del año pasado tuvo lugar en un hangar en desuso que estaba presidido por uno de los retratos realizado a gran escala.

Apartir de los restos de la estructura de uno de los primeros antecedentes industriales de la ciudad de Maryland en Estados Unidos. El artista Heather Clark en colaboración con diferentes entidades locales.

Han transformado urbanisticamente y socio-culturalmente una de las zonas mas deprimidas de la ciudad. Concebido estructuralmente en función de los escasos materiales de construcción de los que disponian.

El Sky Stage, es un equipamiento orientado hacia la organización de eventos artisticos y representaciones dramáticas, como funciones de teatro, pases de cine, veladas de danza, titeres o conciertos de música.

Construido a lo largo de un plazo de un año, la intervención se completo en varias fases. En la primera etapa se contó con la participación de expertos en peritaje y conservación del MIT, que tras realizar un estudio técnico del conjunto arquitectonico.

Que comprende el edificio principal víctima de un incendio en 2.010 y un patio adyacente, objeto de la actuación principal. Se procedió a realizar el diseño y a la ejecución del mismo. Que ha consistido en la construcción de un escenario principal y un anfiteatro con su platea correspondiente.

Con un aforo de 140 personas el Sky Stage es el resultado de combinar la tecnología y la economía de medios ademas de añadir procesos creativos y elementos arquitectónicos pre-existentes en el entorno donde de forma temporal ejercerá como espacio de encuentro para los residentes de la comunidad.

Construcción en el que aparte de emplear madera como elemento principal. Aparte de los elementos propios del equipamiento así como su mobiliario. El teatro cuenta con un jardín vegetal en vertical que serpentea trazando un zig-zag recorriendo toda la parte superior del escenario.

Y cuyo objetivo es crear una cubierta organica que protega los diferentes escenarios que componen el teatro. Y contribuya a bio-climatizar las instalaciones de forma natural.

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Formada por cientos de ramas entrelazadas el artista Indonesio Joko Avianto realiza tejidos arquitectonicos, que se adaptan estructuralmente a las cornisas o las fachadas ocultando su aspecto original.

En el caso de su intervención titulada Pohon Besar (grandes arboles), Joko cubre con vainas de bambú la entrada principal del museo Frankfurter Kunstverein de la ciudad alemana de Frankfurt.

Realizada con motivo de la presentación de la exposición Roots Indonesian contemporary art celebrada en Octubre de 2.015. La celosía representa un homenaje al patrimonio natural de su tierra natal a través de una de sus especies arboleas mas características.

Como es el bambú y su proceso de crecimiento. Pautas y materia con las que Joko establece puntos coincidentes a través de formas antagonistas. Las formas rectas que constituyen los volúmenes solidos de los edificiós y su contraposición a las delicadas vainas de bambú.

Con las que traza un sinuoso recorrido de capas que se solapan unas encima de otras de forma delicada. Actúando de forma dicreta sobre un paisaje urbano cuyas características le son en principio ajenas, pero que con las que sin embargo consigue armonizar embelleciendo el entorno.

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Apoyado sobre cuatro columnas el entramado de bambú se comporta como una marquesina donde guarecerse que imita un paisaje natural, ofreciendo un contraste visual entre lo artificial de la piedra y lo natural de las ramas con las que se forman los nudos.

No es la primera que se realiza un mapa o atlas a través del que se puedan consultar las diferentes cuencas hidrográficas, los territorios que abarcan y las fronteras que las dilimitan en términos globales. Incluso existen bases de datos muchos mas exhaustivas y detalladas de todas y cada una de las cuencas hidrográficas que existen en el mundo.

Además de las múltiples conexiones que existen entre ellas y de las variaciones que han experimentado a lo largo del tiempo, e incluso te muestran como evolucionaran en función de diferentes parámetros y escenarios relacinados por ejemplo. Con las variaciones a las que están siendo sometidas buena parte de ellas como consecuencia del cambio climático.

Sin embargo en los mapas donde se reflejas el ámbito de influencia geográfico a partir de sus coordenadas continentales realizados por Robert Szucs. Tanto el aficionado a la cartografía como el profesional ve desplegado ante sus ojos la totalidad de los afluentes, tanto de las grandes arterias hidrográficas que garantizan el suministro a las grandes concentraciones de población como las decenas de miles de vasos capilares que vasculan el resto del territorio irrigandolo.

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Utilizando software de edición de imagenes como QGIS o GIMP, Robert colorea las diferentes cuencas hidrográficas de una zona geográfica especifica utilizando una variedad de tonalidades a través de las que la representa graficamente, trazando su trayectoria así como su fuente original y sus posibles afluentes.