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Dennis Koomen - Cycling USA, un viaje en bicicleta visitando su patrimonio natural


Partiendo de lugar tan inusual para un viaje en el que que el medio de transporte elegido es la bicicleta como la ciudad de Las Vegas en el estado norteamericano de Nevada.


La pareja formada por Dennis Koomen y su compañera Marijcke, recorrieron el suroeste de los Estados Unidos, haciendo escala con sus bicicletas en algunos de los espacios naturales mas bellos y dasafiantes de los Estados Unidos como son el Gran Cañon del Colorado, Monument Valley, Bryce Canyon y Moab-Zion.


Para finalizar esta penúltima visita de su travesía alrededor del mundo utilizando la bicicleta como medio de desplazamiento, de nuevo en la ciudad del juego. Como en anteriores ocasiones nos ofrecen la oportunidad de contemplar.


Paisajes que hemos en infinidad de fotografías desde una óptica y ritmos diferentes, en un trabajo excepcionalmente bien realizado, teniendo en cuenta los medios técnicos con los que cuenta. En su dirección en la red, podéis acceder abundante documentación, sobre los muchos viajes que han realizado hasta ahora y sus motivaciones. 


Aparte de todas estas experiencias podeis excepcional documental de mas de una veinte minutos de duración desde AQUI. A traves de cuyas imagenes comparten su singular aventura reflejándolo en un relato visual unico.


Aunque no es la primera vez que los Verhalen se embarcan en una gran travesia en bicicleta, si es la primera ocasión que se trasladan con todo su equipo al gigante norteamericano. En cuyas latitudes tienen la oportunidad de descubrir un conjunto de paisajes por cuyas caracteristicas solo se pueden visitar en esa zona del planeta. 





John John Jesse - Ilustración Punk, el ultimo iconoclasta de una generación terminal



En las ilustraciones noire de John John Jesse más que las atmósferas taciturnas y un tanto creepy lo que sugiere y lo que construye el relato creativo y estetico es como se muestra la piel y las expresiones tanto de sus figuras femeninas como masculinas. 


Las cuales muestran de forma deshibida y espontánea sus cuerpos tatuados que aparentemente son fragiles y etéreos. Es esa ambientación pull de principios de los años 60´s del Siglo pasado combinada con la tendencia de seres híbridos creando personajes. 

Que están inspirados en la mitología más clásica pero que el re-actualiza a través de incorporar las señas o rasgos de la cultura Pop contemporanea. Lo que define la identidad creativa de su autor, distincion que es difícil de observar en el trabajo de otros autores de su generacion. 


La estética intensa a la vez velada de la gama de colores que en sus pinturas realizadas con técnica mixta sobre madera, es lo que le da esa pátina de paso del tiempo tan propia del Barroco o el Expresionismo Alemán. Son tan diferentes en el fondo de la oscuridad como se percibe en estos tiempos condicionados por el consumo, la hipertecnologia, y la obsesión por el componente estético influenciada por la cultura de superheroes.


En sus entrevistas suele citar como influencias más notables a artistas como Lucien Freud o Mark Ryden o cineastas tan icónicos como Stanley Kubrick y su film La Naranja Mecanica, que para el joven Jesse supuso un shock representando una clara influencia en su obra.


El tono Victoriano, la iconografía punk, los elementos seculares, el contexto onírico, no importa cuál sea el tema o la tensión en lo representado. Siempre se puede mirar más de cerca y la historia se revela pero siempre de una óptica militante iconoclasta. Es sólo la composición de una narrativa más o menos cotidiano para el autor.


Adscrito al movimiento artístico underground R-is-for-Real-Rock-N-Roll, Jesse fue igualmente un pionero del movimiento Punk, en la decada de los 80's del siglo pasado de la escena de New York, al frente de su banda Nausea. Nacido en uno de los distritos mas duros en aquella época como el Lower East Side de Manhattan.


Desarrollan células solares biofotovoltaicas baratas a partir de vegetales

La comunidad científica lleva años investigado el desarrollo de  células solares a partir del conjunto de las moléculas dentro de la planta que realizan la fotosíntesis, conocidas como photosystem-I (fotosistema-I). Sin embargo, este material requiere una película delgada por deposición y tecnología óptica. Un estudio dirigido por el investigador Andreas Mershin perteneciente al MIT y publicado en el ultimo numero de Scientific Reports, describe un método mejorado para la fabricación de "biophotovoltaics" (biofotovoltaicos) productoras de energía de origen solar.  

Los complejos pigmento-proteína también contienen componentes específicos para la transferencia de electrones, que son importantes para la obtención de energía mediante el proceso de fotosíntesis. La organización de los complejos pigmento-proteína dentro de la membrana del tilacoide es tal que en realidad pueden ser distinguidos dos fotosistemas. Cada fotosistema contiene un conjunto de clorofilas y carotenoides conocido como pigmentos antena, por la función que realizan. 


Los investigadores del MIT imprimieron células solares en un papel del tamaño de dos por uno: puntos cuánticos, el resultado es  la creación de una célula solar  viable usando una combinación de nuevos materiales que aislan a las moléculas de PS-I y forman un conjunto de diminutos nanocables de óxido de zinc, así como dióxido de titanio esponjoso (TiO2) nano estructura revestida con el colector de luz material derivado de las bacterias. logrando una superficie semiconductora. Por último, se demostró una alta afinidad péptido motifs10 para promover la adsorción selectiva  de sustratos que pueden mejorar el rendimiento fotovoltaico. Estos materiales, se podrían al diseño de dispositivos sencillos, robustos y de rendimiento sin precedentes.

El avance representa una mejora de la eficiencia 10,000 por ciento respecto a las células solares anteriores producidas con materia biologica, a pesar de esta mejora todavía están lejos de ser productivas, ya que solo aprovechan 0,1 por ciento de la luz solar, tasa que aun esta muy lejos de ser rentable. La clave para la consecución de este gran mejora en la eficiencia,  fue encontrar una manera de exponer mucho más de la zona de PS- I por unidad de superficie del dispositivo al sol, la inspiración Mershin para el nuevo avance fue debido a una visita de un bosque de  pinos.
Debido a que el sistema es tan barato y sencillo, se espera que esto se convierta en una forma de conseguir electricidad a personas que nunca han sido considerados como consumidores o productores de energía solar" Se espera que las instrucciones para hacer un solar celular será lo suficientemente simple para ser reducido a "una hoja de instrucciones." El único ingrediente que se adquiría  serían los químicos para estabilizar las moléculas de PS-I, que combinados con residuos vegetales producirian.

Oyler Wu Collaborative - Anemone, mobiliario urbano que imita a la fauna marina


Anemone es una instalación arquitectónica que se exhibe en Taipei, Taiwan, diseñada por el estudio de diseño y arquitectura Oyler Wu Collaborative con sede en California. 

El concepto detrás de Anemone era crear una instalación que no sólo sea apreciada por su belleza, sino que permita la interacción a través del tacto. Construida con miles de varillas flexibles transparentes a diferentes profundidades para añadir a la estructura una sensación ondulante.

Dándole el aspecto erizado, con tentáculos, la forma invita al espectador a tocar sus pared, así como sentarse en los bancos incorporados. La cubierta en voladizo le da elegancia, además de protección. Destinada a entrelazar la experiencia estética y el compromiso táctil, una combinación generalmente considerada fuera de los límites dentro del mundo del arte contemporáneo. 


Oyler Wu Collaborative aborda la arquitectura con una intención crítica y rigurosa que desafía la visión típica del entorno construido. La oficina se apoya en el intercambio constante entre grandes propuestas arquitectónicas y pequeñas instalaciones arquitectónicas.


Anemone ha sido diseñada con la idea de la interacción como uno de sus objetivos. Al mirar más de cerca, sin embargo, uno descubre que, como los tentáculos erizados de la anémona de mar te acoge de forma delicada.

Dwayne Oyler y Jenny Wu fundaron la firma de arquitectura y diseño de Oyler Wu Collaborative en Los Ángeles en 2004. Su práctica está orientada hacia la  experimentación e investigación de materiales. Contemplando el espacio publico como un lugar dinámico y social.




Mikolaj Rejs - Graffiti del este

El grafitero polaco Mikolaj Rejs, utiliza la iconografía de los viejos espíritus eslavos, para a través de su imagen extrapolar el pasado al presente. A pesar de que, paradójicamente, no se considera un "artista callejero", pinta sobre todo en fábricas abandonadas, producto de otra de sus aficiones que consiste en visitar edificios abandonados de la época soviética y fotografiarlos.
Después de algún tiempo nació la idea de proporcionar nuevos residentes en esos lugares. La prioridad es conseguir que sus murales formen un todo coherente con el medio  y los personajes que pertenecen a esos lugares si están cumpliendo con su condición inicia la integración de la realidad con la ayuda de los objetos encontrados en el sitio. Sus murales están poblados por personajes fantásticos y colores suaves en combinación con las formas irreales.

Råk-Arkitektur - The Stone, un templo universal inspirado en la leyenda del Rey Arturo


Producto de la ficción e inspirado en la leyenda del rey Arturo, el estudio de arquitectura sueco Råk-Arkitektur ha diseñado un monolito de cristal y acero que alcanza una altura de 36 metros de altura. El cual albergara las instalaciones de un futuro centro cultural.


En el que se expondrá los últimos hallazgos arqueologicos, que según los expertos, representan las evidencias de que los dominios del reino de Camelot existieron en realidad sobre el terreno, no siendo sólo producto de la mitologia o de leyendas que se han heredado de generación en generación hasta nuestros dias.



The Stone, que es el nombre que recibirá el centro, estará ubicado en un claro del bosque donde se han encontrado los restos arqueologicos relativos al asentamiento en el que se estima que estuvo el condado de Camelto, el cual se supone que estaria ubicado al norte de Londres. 


La forma y el color de la fachada del edificio hacen referencia, quizás al pasaje mas celebre de la leyenda. En el que se describe la supuesta roca donde estaba clavada la espada  del Rey Arturo, y en la que los caballeros venidos de reinos lejanos, probaban su valor tratando de extraer su filo incrustado en la roca.

El interior del pabellón diáfano se culmina con una claraboya colocada encima de la estructura, cuyo haz de luz dibujara la silueta de tan mítica espada. Efecto visual que se producirá al caer el Sol, cuando la iluminación dirigida a través de este agujero trace una línea brillante en el cielo por encima de Trent Park simbolizando la hoja de la espada. 

Los administradores pretenden que las actividades programadas en sus instalaciones se basen en el pasado histórico y mitológico del lugar, siendo un lugar donde los diferentes credos que conforman la multiculturalidad que se vive en Londres.

Una ciudad que se ha caracterizado durante las últimas decadas por su diversidad religiosa. En este contexto The Stone actuara como un santuario espiritual en el que todas las religiones y las creencias sean bienvenidas por igual. En sus instalaciones además se programara espectáculos como teatro, ópera y otros eventos culturales.

Anne Hardy, mundos posibles y ancestros comunes


En cada composición realizada por la fotógrafa Anne Hardy, el tratamiento del objeto en relación al espacio describe un universo.


donde hay una pauta que cohesiona y hace de hilo conductor de todos y cada uno de los decorados o escenarios donde hasta el mas mínimo detalle es símbolo de algo. Conjuntos cuidadosamente construidos, creados en su estudio, que luego fotografía. 

Los temas de las obras de arte de Hardy son por lo general objetos o basura que ha encontrado en los mercados, tiendas de bricolaje, contenedores urbanos o bazares. 

El tipo de objetos que elige van desde grandes muebles, cables de colores brillantes, los viejos árboles de Navidad, bombillas, balones de baloncesto, tubos de ensayo científico... Hardy combina estos objetos cotidianos creando ambientes inusuales, casi de ensueño.

Obra realizada durante su instancia en Marfa

Hardy con sede en Londres trabaja con esculturas e instalaciones a gran escala. Sus obras incorporan materiales encontrados y objetos fundidos en delicadas cosmologías que exploran estados energéticos, sensibilidad, transformación, fragilidad y fuerza. 

Sus instalaciones escultóricas a gran escala, «FIELDWORKS», combinan materiales físicos con luz y sonido para crear entornos inmersivos y sensuales que surgen de lugares que ella denomina «espacios salvajes»: huecos en el espacio urbano donde se conjugan materiales, atmósferas y emociones. 


Hardy concibe estas obras como momentos fuera del tiempo: vacíos en el espacio cotidiano que actúan como un hechizo o un sueño para reencontrarnos con nuestra relación con los mundos que habitamos.



Anne Hardy que siempre ha querido trabajar con tierra, una opción que práctica en Marfa, donde es difícil escapar de ella. El patio trasero del estudio de Locker Plant es un trozo de tierra, rodeado por un muro de adobe que funcionaba como marco de tierra para la línea indicial que ella cavó, fotografió y rellenó. Aligerar su práctica de estudio durante su estancia era otro de sus objetivos. Hardy llegó sin más materiales que un puñado de frijoles fundidos en peltre.



A finales de 2022, Anne Hardy fue artista residente en la Fundación Chinati en Marfa, Texas, EE. UU., y comenzó una nueva obra, Hechizo de Supervivencia. Para Hardy, un hechizo es algo que otorga autonomía: "Pensaba en ello en relación con las estructuras dentro de las cuales existes; cómo pueden restringirte, pero cómo puedes tomar autonomía en esas circunstancias al expresar tus intenciones.




Gibbs Farm, parque escultural al aire libre en Nueva Zelanda


A tan sólo una hora en coche al norte de la ciudad de Auckland en Nueva Zelanda, el parque de esculturas al aire de Gibbs Farm, es la culminación de un proyecto de Alan Gibbs, un coleccionista de arte que en 1.991. 

Decidió emplazar su catalogo de instalaciones en un paisaje dominado por extensas praderas, donde en colaboración con arquitecto Noel Lane, ubicaron todas y cada una de las piezas acumuladas a lo largo de 30 años de adquisiciones. 


El visitante del conjunto escultórico puede contemplar algunos de los mas representativos escultores, de la ultima parte de siglo XX, una selección cuyo valor se estima en 450 millones de dólares.

En total el recinto del parque escultural cuenta con casi mil acres que corren a lo largo Kaipara Harbour, un paraje natural situado a unas treinta millas al norte de la ciudad de Auckland en Nueva Zelanda. 

Dos perspectivas diferentes de la escultura titulada Horizontes de Neil Dawson

Horizontes de Neil Dawson es una de las primeras esculturas que se ubicaron de la granja de Gibbs. Instalada en uno de los puntos más altos de la propiedad también es una de las pocas obras que se pueden ver desde la carretera. Lo que parece ser un pedazo de papel dibujado es en realidad una construcción hecha de acero soldado.


Ocupando la mitad de un lago Floating islands of Inmortals emerge como un artefacto

Floating islands of inmortals esta inspirado en los edificios de oficinas en Beijing y el arte floral tradicional del feng shui. Creada por Zhang Wang es una ampliación de la llamada "paisaje en miniatura  Chino. 


El recinto escultural se tarda cuatro horas en completar su recorrido paseando por un sendero flanqueando por esculturas, la mayoría son asombrosamente sugestivas y perfectamente ubicadas en este paisaje costero bien cuidado y bucólico.


La búsqueda de un mundo ideal de inmortales dentro de estos paisajes en miniatura. Aparte de usar el material industrial de acero inoxidable para crear una montaña hueca, la obra conserva la imagen de una efímera isla flotante de los inmortales. En este caso, el artista ha creado una copia a escala de una roca en miniatura.



En palabras del propio artista, Rakaia es la culminación de una serie de esculturas, descriptivas de los viajes por su autor Peter Nicholls. Su trabajo tiene que ver con la tierra. El tiempo y los materiales, y el uso de todos estos recursos, son una constante en su propuesta.


La madera retorcida hace referencia a el recuerdo de los antiguos bosques y las fluctuaciones de las estaciones húmedas y secas, de modo que, descansando en un pequeño barranco que alguna vez fue una corriente, actúan como indicativos de los cambios de estaciones del Kaipara y su paisaje. 


Anish Kapoor por su parte contribuyo con la pieza titulada Dismemberment, Site 1. Compuesta por una gran membrana de PVC se extiende entre las dos elipses de acero gigante, el trabajo de Kapoor es la arquitectura. 


Y sin embargo, también tiene una calidad carnosa que el artista describe como "una piel desollada". La membrana carnosa de color rojo oscuro que este trabajo comparte con obras anteriores de carácter temporal.

Estas son algunas de las muchas obras que se pueden contemplar en un sin fin de combinaciones, de artistas de la talla de Richard Serra, Graham Bennett, Marijke de Goey, Sol LeWitt o León van den Eijkel entre otros. Con las que redibujan el paisaje donde están asentadas sus obras, dándole una lectura diferente.




Velo Chic, Bicicleta exclusiva para mujeres ciclistas

El uso de la bicicleta como medio de desplazamiento en los grandes núcleos urbanos esta experimentando un ritmo de crecimiento en todos lo extractos sociales, este incremento sin embargo entre el publico femenino se esta produciendo exponencialmente, observandose mayor predisposición a la utilización de la bicicleta para realizar pequeños trayectos. Velo Chic modelo de bicicleta plegable ideado por el diseñador Guo-Shiung Hung, parte de esa realidad para crear un producto dirigido preferentemente al publico femenino.



La parte delantera y las secciones traseras se pueden plegar, lo que garantiza que el espacio de estacionamiento destinado sera mínimo en la oficina o en el mercado. La bisagra plegable y el manillar también plegable por la necesidad de aparcar en algún lugar en concreto en su casa. Ofrece más espacio de almacenamiento en la parte delantera, así como en la trasera, atando su bolso o alimentos que han recogido del mercado. Viene con un sistema de eje Sussex impulsada y un sistema de asistencia eléctrico que garantiza un viaje confortable durante las horas pico de tráfico.
El Chic Velo por Guo-Shiung Hung es un concepto innovador bicicleta nueva que se centra exclusivamente en las necesidades de las usuarias y no-ciclistas para promover el uso de la bicicleta como un modo viable de transporte en las ciudades y comunidades más pequeñas. El usuario de destino de las Chic Velo  serían usuarias que viven en apartamentos con poco espacio en las zonas urbanas.

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