Nomada Q : escultura

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La era protagonizada por esos majestuosos animales con tintes épicos que fueron los dinosaurios, siempre ha causado una atracción especial para el gran publico. Formando parte de numerosas manifestaciones culturales, desde películas, hasta comics.

Fascinación que pese a todas las alternativas de ocio de las que disponemos a nuestro alcance como consumidores, no solamente no ha dejado de menguar, sino que ha aumentado. Creandose una mitología a su alrededor que ha llegado hasta nuestros dias, a través de iniciativa en muchas ocasiones que se pueden calificar de un tanto bizarras.

Pero que en otras muchas veces se puede percibir como propuestas que no solamente se pueden definir cautivadoras estéticamente y estimulantes visualmente. Sino que reunen reunen parámetros técnicos por las que se puede afirmar que se tratan de actuaciones realmente creativas.

Y es que la iconografía que produce la era de estos colosales seres ya extintos se aproxima casi a lo mitologico, pasando por una amalgama de productos que son consumidos de forma ávida por millones de fans en todo el mundo. La ultima propuesta de la artista japonesa Amy Goda es la realizada como culminación de la campaña agrícola en muchas zonas rurales de Japon.

La muestra realizada al aire libres esta conformada por una serie de esculturas realizadas a gran escala que reproducen algunas de las figuras de estos mastodonticos animales que poblaron el planeta tierra hace millones de años. Realizadas con los residuos generados tras finalizar la recogida de la cosecha del arroz, las vainas trenzadas sirven como material con los que modelar cubriendo las osamentas de madera.

Como la que se lleva a cabo en la prefectura de Niigata y que sirve de excusa para celebrar el Wara Art Festival. Una cita que combina actividades lúdico-festivas con otras mas expresivas y que encargo a Amy que realizará un conjuntos de esculturas organicas, que tuvieran como mecanismo inspirador la figura de la diversidad de especies que formaron parte de su bio-diversidad.

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Creadas con motivo de la Conference of Parties (COP21), antesala de lo que ha sido la ultimo encuentro contra el cambio climático celebrado en París, coincidiendo con la ultima parte del año,

El artista argentino Pedro Marzorati creo un conjunto escultural, cuya discurso narrativo y conceptual tenia como objetivo abordar los devastadores efectos del cambio climático. En este caso Pedro lo hizo desde un punto de vista humano donde un conjunto de figuras emergen de un lodazal inundado.

Titulado Ebb and Flow el conjunto reproduce uno de los escenarios mas probables que producirá los efectos de la subida de temperaturas, y por lo tanto el incremento del nivel de los océanos. Por lo que las previsiones es que miles de kilómetros de costa queden sumergidas.

Un escenario cuando menos desolador y plagado de incertidumbres, cuyas consecuencias dramaticas tanto materiales como en perdidas de millones de vidas humanas aun sería prematuro estimar en cifras. Pero que a tenor de los primeros episodios a los que estamos asistiendo, no resultan alentadoras.

Instaladas en el Parque Montsouris de Paris. Los bustos desnudos mimetizados con un entorno apocalíptico debido a las crecidas de las aguas, presentan un azul eléctrico como mensaje profético ante un futuro del que ya no existe la posibilidad de retornar.

Por lo que abordarla desde el punto de vista creativo, implica no solamente cierto grado de capacidad intelectual. Sino de compromiso con tu entorno y de poseer un nivel de concienciacion que te permita trabajar con cierto criterio y conocimiento sobre el tema que empleas como material expresivo.

Elementos activistas que en su trayectoria vértebran buena parte de su obra, en las que el lirismo del Land Art lo utiliza para denunciar la consecuencias del cambio climático debido al calentamiento global. Los proyectos artísticos de Pedro Marzorati se basan en la reinterpretación de la naturaleza, el desvío de objetos y códigos que conocemos. Estos proyectos buscan cambiar la forma en que los percibimos para "jugar" con ellos, en un mundo imaginario y poético.

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Las esculturas de las artista francesa Laurence Perratzi se proyectan en el espacio de forma orgánica a través de movimientos coreográficos, donde la expresión corporal se enriquece narrativamente con un mensaje ecologista.

Se trata de piezas cuyas cualidades transmiten fragilidad y elegancia en el espectador excitando los sentidos. Sus figuras con rasgos arboleos realizadas en bronce representan la conexión con la tierra estableciendo una relación orgánica de la que se nutre.

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El trabajo de Laurence Perratzi es una exaltación visual de la naturaleza de la que en la actualidad, la civilización se ha desvinculado, viviendo ajena a sus ciclos vitales.

Con el sugerente titulo The Invisible Store of Happiness (la tienda de la felicidad). La instalación fruto de la colaboración de los artistas Sebastian Cox y nuestra admirada Laura Ellen Bacon.

Aparte de su aliciente estético puede presumir de que en su concepción y proceso creativo ha contado, con dos de los máximos exponentes del Land Art. Aunque en esta ocasión específicamente el fruto de la colaboración.

No obedezca precisamente a los canones de la corriente citada, sino que más bien se aventuran en otros ámbitos creativos. Otro lenguaje más formal y accesible artisticamente, en el que tandem parece sentirse más cómodo construyendo una narrativa estetica, donde combinan lo abstracto y lo ludico.

La obra realizada con laminas de madera extraidas de cerezo dobladas al vapor. Esta compuesta por una serie anillos que va de los que presenta un mayor diámetro en la base, reduciéndo su tamaño en cada una de sus seis alturas, trazando un sistema elíptico de cuyo interior cuelgan cientos de tiras de madera.

The Invisible Store of Happiness es una torre que guarda las formas arquitectónicas, con casi tres metros altura, es fruto de la economía de medios y de su aplicación a la expresión artística

Quizás un reto frívolo a ojos de una mayoría de publico, pero teniendo en cuenta las dimensiones de la intervencion además de su volumen tiene su merito. Realizada para ser exhibida en la ultima edición de la muestra Clerkenwell Design Week de 2015 celebrada en Londres.

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En las ultimas intervenciones de la artista nacida en Polonia de adopción australiana, país en el cual reside desde 1982 Barbara Licha utiliza materiales maleables con el alambre. Creando esculturas donde el paisaje se convierte en el hilo narrativo y soporte de su obra.

Como en la mayor parte de su trayectoria Barbara sigue explorando de forma suscinta la complejidad de la condición humana. Presentándola a través de formas en las que el lenguaje corporal.

Se convierte en el componente discursivo de figuras etereas en su concepción que transmiten fragilidad, creando un fuerte contraste con el vació con el que se relacionan y cuyas limitaciones espaciales parecen desear eludir constantemente.

Su obra influenciada por el expresionismo sobre por el de origen alemán y su enfoque dramatico. Aunque ella se seguidora incondicional del trabajo de escultores más o menos cercanos como el italiano Giacometti, influencia que se percibe en los primeros encuentros que tiene el espectador con su obra.

Concebidas tanto para interior como para exterior, los sujetos encapsulados en cubos de la artista Barbara Licha. Nos hablan de anhelos y deseos no realizados en una sociedad cada vez más vertiginosa y encapsulada.

Donde sus estándares se actualizan atendiendo a criterios sociales contemporáneos. Son obras que por definición exploran los límites tenues entre lo étnico y lo tribal. Que describen visualmente coreografias, que enlazadas ascienden al unisono alcanzando el cielo, y que creativamente se nutre del trabajo de la coreógrafa alemana Pina Bausch cuyo trabajo la ha influenciado en el abordaje de muchas de sus obras otorgandoles una sensación de movimiento.

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En total han sido artistas visuales los que altruistamente han participado en la muestra Second Nature.

Con el objetivo de reflexionar y concienciar al publico que hasta el 31 de Octubre de este, tendrá la oportunidad las diferentes propuestas. Sobre la perdida de diversisidad que implica la deforestación de grandes áreas de los cinco continentes y la desaparición de miles de especies, muchas de ellas en peligro de extinción.

Organizada por el zoológico de la ciudad de Philadelphia en colaboración con la Foundation Flux (de la que recientemente hemos reseñado otro de sus proyectos en estas paginas ). Todas y cada una de las esculturas han sido realizadas, empleando materiales obtenidas a partir de reciclaje.

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Las obras representan a tamaño naturales especies animales que posan, junto a sus homólogos vivos que reside en el zoo. Suponiendo su presencia un alegato ecológico en favor de la conservación.