Nomada Q : CGI

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El formato 360º se suele identificar habitualmente con la fotografías realizadas con la función panorámica que integran buena parte de las ultimas versiones de las cámaras que se ofertan al publico y de la mayoría de los smartphones, con las que se consiguen espectaculares tomas de la totalidad del espacio que se enfoca.

Pero que no dejan de ser capturas que carecen de movimiento, algo que se corrige gracias a las nuevas aplicaciones que permite dotarle de movimiento permitiendo al creador realzar el resultado final, y suponiendo un aliciente de cara al usuario que tiene la posibilidad de interactuar con la película obteniendo mayor profundidad y una experiencia mas completa.

Un buen ejemplo de esta tecnología que cada vez es mas utilizada en diferentes ambitos creativos, es el corto de animación titulado Longing for Wilderness escrito y realizado por el artista digital Marc Zimmermann, un trabajo audiovisual en el que a través de diferentes escenarios muy sencillos nos permite internamos en lo profundo de un bosque.

Y donde el usuario puede interactuar con la amplitud de campo, desplazándose con las teclas de dirección tanto de derecha a izquierda como de arriba abajo cubriendo la totalidad de la imagen, lo que le permite obtener una experiencia inmersiva completa del entorno con el que se relaciona visualmente.

Galardonado en diferentes festivales a lo largo del año pasado como el de Berlin en su penultima edición, ademas del Oculous Conect o el premio especial en el prestigioso Screen 4 All, la producción y distribución ha corrido a cargo a través de Epic Studios siendo un proyecto en el que en total se han invertido seis meses de trabajo y en el que se han empleado técnicas de modelado CGI y 3D Graphics.

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Como en anteriores trabajos en la animacion titulada Longing for Wilderness su autor nos traslada a un entorno natural proporcionándonos herramientas virtuales con las que poder explorar como espectadores las diferentes perspectivas visuales de un mismo entorno digital.

Longing for Wilderness from EpicScapes on Vimeo.

Si en anteriores proyectos de los que aquí podéis ver una muestra, el artista digital Chris Labrooy, diluía materiales como el acero con el que se construye un avión. Transformándola en una balsa de materia que se expande sin contención perdiendo su identidad

En la serie titulada Tales of Auto Elasticity, el objeto elegido es una selección de vehiculos y rancheras. A los que Crish dota de cualidades flexibles alargando su forma y modificando su fisonomía y comportamiento en relación al espacio que ocupa y su función.

En un trabajo que sigue explorando las posibilidades de transformación de la materia gracias a la utilización de herramientas digitales. Con las que tunea objetos de consumo cotidianos adoptando formas caprichosas en imagenes visualmente impactantes y sugerente, en las que utilizando un lenguaje basado en la ficción modifica la realidad.

Tales of Auto Elasticity, de Chris Labrooy, es una cautivadora serie inspirada en los viajes californianos por carretera a lo largo de interminables autopistas que atraviesan desérticas tierras yermas. En el imaginativo mundo de Labrooy, camionetas de colores vibrantes desafían las leyes de la física, estirándose y retorciéndose hasta adoptar formas imposibles.

En el conjunto de fotografias que forman las series tituladas Tales of Auto Elasticity y Land of the free respectivamente, su autor Chris Labrooy nos vuelve a sorprender transformando la materia. En este caso coches y picabs que se muestran como esculturas casuales cuya función original se sustituye por una artistica.

Estas falsas y brillantes esculturas son representaciones de vehículos manipuladas digitalmente, que traspasan los límites de lo que percibimos como realidad. Otra intrigante obra de Labrooy es Land of the Free (Tierra de la libertad), donde los vehículos recreativos se apilan y organizan en estructuras tipográficas3. Su obra combina a la perfección el diseño automovilístico con la expresión artística, creando un festín visual para la imaginación.

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Derramado por el suelo un Boeing 747 se transforma en un serpenteante rió de color amarillo metalizado. Como si fuera un bote de dentífrico las pasta se solidifica al entrar en contacto con el ambiente exterior.

Creado por artista visual Christopher Labrooy. En la serie titulada Flight Intestines maneja elementos surrealistas, con los que ironiza sobre la realidad y en como los medios de comunicación nos la transmite.

La obra de Christopher estéticamente bebe de fuentes como la cultura Pop, lenguaje mediante el que se articula un discurso donde la tecnología se muestra de forma desmitificada. Que se caracteriza por el empleo de colores estridentes y formas dinamicas.

Después de finalizar su formación como diseñador, Chris comenzó a usar el 3D como una herramienta estandar para visualizar ideas para muebles y productos. A medida que la tecnología 3D y el hardware evolucionaron, Chris vio la oportunidad de explorar el rendimiento de las herramientas CGI como un medio creativo en sí mismo con el que podía modificar y transformar objetos cotidianos y familiares en nuevas formas tipográficas y escultóricas.

El que quizas sea uno de los aviones mas míticos y empleados en vuelos comerciales, el Boeing 747, se nos muestra como un elemento con cualidades creativas que reinterpretación estéticamente su significado.

Con sede en Escocia Chris está interesado en la intersección entre la tipografía, la arquitectura, el diseño de productos y el arte visual. Conceptos a partir de los que versiones que se inspiran en formas surrealistas con las que ha creado un universo propio con el que alimenta la imaginación de sus numerosos seguidores.

Aunque parezca que su elaboración y montaje son sencillos, lo cierto es que cada breve secuencia cuyo metraje puede oscilar entre unos cuantos segundos y un intervalo de tiempo que no supera los treinta segundos.

Puede implicar dependiendo de la cantidad de sujetos que su autor el artista y fotógrafo turco Erdal Inci varias horas. En un proceso donde emplea secuencias de vídeo, para crear efectos de movimiento en formato gif.

La sensación de clonacion del cuerpo que se desplaza en el espacio y el tiempo, experimenta con el fenómeno de deja-vu. Convirtiendo la expresión corporal en un gesto autómata.

Ubicados en multitud de contextos cada carrusel adopta una personalidad aunque transmita sensaciones muy similares. Aunque buena parte de los fragmentos están protagonizados por Erdal teniendo como escenario de filmacion el espacio publico.

Hay ocasiones en las que recurre a espacios cerrados. Donde debido a las limitaciones recurre a herramientas CGI, con las que multiplica las veces que estima cada acción ejecutada por el mismo. Acciones casi siempre casuales que son fruto de escenas que observa en la calle y le sirven como argumento inspirador.