Nomada Q

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Utilizando una escala cromática suave en tonos pastel donde la luz cobra una especial relevancia. Galileo es un corto de animacion concebido por Ghislain Avrillon, inspirado por el cuento de El Principito, su trama nos traslada a una situación similar, en este caso se trata de niños que viven aislados en mundos diminutos suspendidos en el espacio de los que tratan de escapar, diseñando con mas ingenio que conocimiento un artilugio volador que emulando a las mariposas que pueden observar desde sus microcosmos les facilite el encuentro de otros mundos.

Ghislain Avrillo

Gottfried Helnwein es un artista polifatetico que reside en la ciudad californiana de Los Angeles. Entre sus numerosas propuestas están sus retratos de gran formato que son expuestos a modo de reclamo publicitario en geografías urbanas en diferentes ciudades.

Intervenciones que tienen el espacio publico como escenario, en el cual y de forma mas o menos sutil construye una narrativa en la que destaca un discurso homogéneo y luminoso. En el cual nos habla de la inocencia que reside en todos y cada uno de nosotros.

Característica en la que puedes reparar en un semblante, que transmiten cierto grado de paz interior y transcendencia. Retratos contemplativos que inmediatamente nos remiten a obras de Veermer o Zurbaran, por citar dos referencias.

Entre las que se nombrar de este rupturista creativo, que se nutre del resplandor de una mirada y unos gestos en los que se combinan la epifanía como acto a partir del que se abre el drama. Que se esta produciendo ante nuestros atrurdidos.

Y el epílogo que lo cierra con más que la pérdida de la inocencia, con el desarrollo de la habilidad para camuflar ese estado de ensueño casi onirico. Que representa el despojarse de esa piel llamada ingenuidad.

Hecho sin retorno que Gottfried nos anuncia como un alegoría surrealista, a través de un maquillaje, tenue casi pálido del rostro fotografiado. Y de un ligero pero intencionado de desaprobación que se parece intuir en unos trabajos por otra parte en los la imagen poética nos puede recordar al tratamiento que realizaban los neorrealitas italianos de la imagen. O de artistas más vanguardistas y próximos en el tiempo como Bill Viola.

Un artista singular y controvertido como pocos, que sin embargo se dio a conocer cuando presentó el diseño, de una de las portadas del legendario grupo alemán Scorpions. Más concretamente el encargo fue realizado para el disco titulado Blackout editado en 1978, siendo el protagonista de la misma Rudolf Schenker, uno de los guitarristas fundadores de la formación.

Experiencia colaborativa que lejos de ser puntual aceptando repetirla décadas despues, como consecuencia de la invitación que recibe del músicos como el mismísimo Michael Jackson o Marylin Manson. Participación en la que tanto estéticamente como tecnicamente le da la oportunidad a Gottfried, de exhibir el dominio que posee sobre corrientes como el Hiperrealismo o el Fotorrealismo.

Helnwein aborda en sus proyectos temas como la ansiedad psicológica y sociológica, cuestiones que trata a través de acontecimientos históricos y tematicas políticas, como resultado de esto su trabajo es a menudo considerado provocativo y controvertido.

Su naturaleza deliberadamente provocativa inspirado en un discurso donde se manifiesta la verdadera naturaleza del horror. En ocasiones utilizando diversos periodos históricos acaecidos en el transcurso del siglo XX, sus fotografías tienen la capacidad de narrar historias en una instantánea.

JUMP INTO THE FUTURE:

Since the end of April 2023, the group exhibition entitled Mimesis | Representational Art 2023 has been on view at the MEAM center in Barcelona. Whose central theme will revolve around figurative art contemplated from a current perspective. In the exhibition, apart from Gottfried, there are works by artists such as Antonio Lopez, his wife Maria Moreno, Don Eddy or Míriam Escofet.

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Desde finales de Abril de este 2023 se ha podido visitar en el centro MEAM de Barcelona la exhibición colectiva titulada Mimesis | Representational Art 2023. Cuyo tema central girará alrededor del arte figurativo contemplado desde una óptica actual. En la muestra aparte de Gottfried, ha contado con obras de artistas de la talla de Antonio Lopez su mujer Maria Moreno, Don Eddy o Míriam Escofet.

Sus referencias hay que situarlas en África, aunque también en sus obras se encuentra referencias de grandes iconos del arte muralista Mexicano del siglo XX como Sequeiros, Diego de Rivera u Orozco. Su nombre ha adquirido determinada relevancia entre los nuevos valores del arte cubano debido precisamente a su labor como muralista, una buena muestra de ello se puede contemplar en todo su esplendor en El Callejón de Hamel, localizado en el distrito Cayo Hueso de La Habana, en franca decadencia y que ha experimentado una transformación gracias a la intervención de una comunidad de artistas que lo han adoptado como lugar de residencia y de trabajo. De formacion autodidacta Salvador Gonzalez Escalona nos muestra estéticamente buena parte de las corrientes artísticas que han configurado la centuria pasada. En el apartado conceptual realiza una constante reivindicacion de lo étnico, aludiendo al acervo histórico, haciendo un ejercio de imbricacion de culturas, estando representadas en su obra las diferentes etapas de la historia afro-americana.

En Chino Americano con guión e ilustración de Gene Luen Yang es un volumen que contiene tres historias, las dos primera convergen en la tercera, donde se desentraña un inesperado desenlace de la fabula. El hilo conductor de la trama es la identidad, o mejor dicho la negación de la misma, como consecuencia del rechazo que se produce en su entorno. En el caso del rey mono su afán por transcender la jurisprudencia que le ha sido otorgada, desembocara en un enfrentamiento con el hacedor que le proporciono la vida, debido a su acto de soberbia sera sentenciado a padecer el peso de su necedad en forma de toneladas de rocas. En un plano mas terrenal se desarrolla la crisis de identidad de un niño chino americano que enseguida se convierte en escarnio de sus empañaros de clase al ser el único niño con rasgos orientales.

Las fotografías de Pierre Gonnord podrían ser calificadas en según casos de hiperrealistas, su contemplación provocan un shock en el espectador, desnudándole la mirada. Los retratos que realiza son dentelladas que describen vidas que oscilan en el filo de la realidad

Se trata de retratos en los que exhibe una técnica donde destaca la crudeza del instante, que casi se mastica, puedes oler los efluvios que desprenden percibir la decrepitud hasta sentirte intimidado. De todos y cada uno de los sujetos, que de forma casual o explicita posan para su objetivo.

En este contexto el rostro de los demás es un misterio, un enigma de una historia escondida en cada uno de nosotros que Pierre Gonnord cuestiona diariamente bajo su superficie trasladando a imagenes. En las que las luces y las sombras de aquell@s que posan se someten a su psicoanálisis se arriesgan a revelar rasgos de su personalidad ocultos.

Nacido en la localidad francesa de Cholet, se trata de un fotografo autodidacta que desde que establecio su estudio definitavamente en Madrid a finales del siglo pasado, paralelamente fue trabajando en la depuración de una identidad creativa muy especifica que puede al periodo de las pinturas negras de Goya.

A lo largo de su trayectoria Pierre Gonnord ha centrado su carrera en el campo del retrato, capturando magistralmente la diversidad de matices de diferentes grupos sociales. El énfasis de su trabajo siempre está en la mirada desnuda y poderosa de las personas que ha conocido. La profundidad psicológica de sus imágenes es una de las señas de identidad de su obra.

Sus retratos de rostros cetrinos, curtidos por el paso del tiempo, nos muestran las cicatrices de aquellas experiencias que nos forman como individuos, siendo un testimonio grafico de nuestra herencia como sujetos.

influido por fotógrafos como Dorothea Lange y Walker Evans, el trabajo de Gonnord refleja tanto la belleza como la trascendencia más allá de la estética, el proyecto de Gonnord tiene un propósito más profundo: preservar la memoria, inmortalizando sus rostros, sus historias y sus luchas.

Al iconico a rquitecto Peter Zumthor no se le puede considerar una arquitectura crepuscular, al menos si aplicamos el termino en su sentido estricto.

Mas bien obedece a un compromiso con una narrativa constructiva cuyo estilo se proyecta con un propósito contemplativo, en cuyo proceso el empleo y aplicación de la luz forma parte del tratamiento y uso del espacio.

Por lo tanto se puede considerar que carece de los rasgos atribuibles a la arquitectura mas artificiosa. Uno de sus últimos diseños, es una mudesta e incluso espartana capilla ubicada en la localidad de Wachendorf (Alemania).

Una leve construcción que situada entre trigales, emerge de forma orgánica sin por ello resultar un elemento intrusive en el paisaje. Donde actúa estableciendo un dialogo donde sus formas rectas lo enriquecen.

Por lo tanto se podía valorar como una construcción tan áspera y distante, como frágil y eterea. Su presencia puede ser sobrecogedora, pero sin embargo enseguida eres capaz de asumir el propósito para la cual ha sido concebido.

Pues se trata de un espacio minúsculo, recogido, que carece de ventanas por las que se filtre la luz, pero irradia luminosidad. Esa es la mayor virtud del trabajo de Peter Zunthor, que no necesita voluminosos argumentos para trazar y materializar sus obras, ni para dotarlas de sentido.

Lo más importante de esta capilla, es el interior y la forma en que se construyó. Comenzando con un wigwam (Un wigwam o wickiup es una vivienda cupulada de una sola estancia usada por ciertas culturas nativas norteamericanas).

Construido a partir de ciento doce troncos de árbol. Al finalizar el marco, se vertieron capas de hormigón y se apisonaron sobre la superficie existente, cada una de alrededor de cincuenta centimetros de espesor. Cuando el hormigón vertido capas se había fijado. Al marco de madera se le prendió fuego, obteniéndose como retultado una cavidad ahuecada ennegrecida y paredes carbonizadas.

La ultima novela de Belen Gopegui publicada en 2.009 El deseo de ser punk arranca con hecho luctuoso, que vive una adolescente, este acontecimiento altera la vida de la protagonista porque esta idealizaba la figura de esta persona, que fallece relativamente joven, paralelamente se desencadenan diversos conflictos en su entorno mas próximo, que no hace mas que añadir mas confusión a su vida cotidiana, la de una una buena estudiante que pierde el único referente en valores que le servia como base . Con estos ingredientes se va elaborando el caldo de cultivo por el que en un determinado momento decide emprender una acción reivindicativa, que decidirá urdir en solitario. -Ni siquiera tienen valores a los que oponerse.-Esa es mi madre-. Y nosotros hemos tenido parte de culpa.

Harmonizar el pasado y el futuro en cualquier disciplina es una tarea ardua y que en contadas ocasión se suele dar. Rlove es un valor en el alza del diseño actual, un creativo versátil (publicidad, grsffiti, ilustración, serigrafia, diseño..... ) que ha tenido la oportunidad de recibir una buena formación, que aplica sus conocimientos y su escasa pero bien aprovechada experiencia.

http://www.rlove.es/

No se pude encontrar mucha documentación sobre Rafael Ebrero, pero con el trabajo que expone en su sitio web, te puedes hacer una idea de cuales son sus motivaciones a la hora de proyectar y desarrollar sus productos. Su gama se centra básicamente en elaborar diferente mobiliario (sillas, mesas, espejos, lamparas) empleando materiales de deshecho, el proceso es íntegramente artesanal convirtiendo cada referencia en única, obteniendo resultados son excelentes, muy minucioso en el acabado y sólidos en su concepción, dando prioridad a la utilidad del mueble.

http://www.ebrero.com/

Santiago Valenzuela conocido por sus series Las aventuras del Capitán Torrezno y el álbum El gabinete del doctor Salgari. Publica en 2.005 El lado amargo, álbum protagonizado por un antiheroe llamado Julio Cesar Cienfuegos que es director, redactor e ideologo de una publicación que es fiel reflejo de sus colaboradores. Individuos utópicos, que viven en el limite de lo que se puede considerar la sociedad bien pensante, y en el caso de nuestro protagonista coquetea con el limite que delimita el fin de la cordura.

http://www.astiberri.com/media/

Boa Mistura es un colectivo de artistas urbanos cuyo origen es la popular barriada de la Alameda de Osuna en la ciudad de Madrid, que contemplan el espacio publico como un lugar creativo y dinámico en términos expresivos. En su ya dilatada trayectoria han desarrollado una identidad artistica.

Siendo el entorno urbano donde han realizado la práctica totalidad de sus intervenciones, espacio donde han demostrado que se sienten realmente comodos. Actuaciones que se caracterizan por seguir un patrón de colores, geometrías y tipografias similares.

Que combinados y ejecutados a gran escala obedecen conceptualmente a las características tanto humanas como sociales de los lugares, en los que ejecutan sus murales. En cuyo diseño así como en su realización suelen participar de forma activa los miembros de la comunidad.

Praxis cuya pedagogía social tiene por enfoque establecer un vínculo con el lugar, la historia, y sus habitante. Así como las motivaciones que actuan como argumento a la hora de construir una narrativa especia independientemente de la localización geográfica seleccionada.

Por las que sus tenido la capacidad de madurar transcendiendo la superficie natural del graffiti que es la pared. Actuaciones con las que acentúan su compromiso y activismo social.

Aunque se han dado a conocer por sus encargos urbanos. Además cuentan con un extenso porfolio en el que han completado proyectos para publicaciones editoriales, ediciones discográficas, así como en encargos realizados para marcas comerciales o en publicidad.

Uno de sus últimos trabajos ha sido la ilustración del álbum gráfico titulado Chambao en el fin del mundo del grupo de música Chambao. Un reto relativamente nuevo en su corta pero intensa carrera con el que obtenido una candidatura para los premios Grammy Latinos de 2010 en el apartado de mejor diseño.

Aunque no es la primera vez que colaboran con en el diseño de portadas para vinilos, pues ya se han encargado de ilustrar las portadas de músicos como Dani Martin o el grupo Pereza. Si se trata de un trabajo cuyo concepto se inspira en las intervenciónes que se observan en sus numerosos trabajos callejeros.

Freshlatino es una convocatoria itinerante que en sus diversas citas a lo largo de la ultima década han reunido a arquitectos iberoamericanos con el propósito de mostrar un modelo de proyectar diseños al margen de la doctrina oficial, planificando un entorno urbano que se basa en valores mas humanos donde se concede protagonismo a la convivencia entre las personas y los espacios que habitan. Comisariada por la arquitecta Adriana Cantis para la presente edición han seleccionado la ciudad alemana de Frankfurt como primera sede de la exposición donde ha sido instalada en el instituto Cervantes. Mediante la selección de un total de catorce oficinas tenemos la oportunidad de acercarnos a un planteamiento del espacio publico donde contemplar la realidad desde otra perspectiva alternativa a la habitual.

http://cvc.cervantes.es/artes/freshlatino/

Cuando crees que en determinado ámbito creativo se ha impuesto un dogma definitivo, estándar o metodologia que te induce a pensar, que es prácticamente imposible el hecho. De que pueda existir con la capacidad de ofrecerte alguna novedad o avance.

Lo suficiente sugerente que te induzca o sugiera que en esa corriente o manifestación expresiva. Posea el margen suficiente para ni siquiera articular una respuesta a un planteamiento, necesidad o demanda de carácter social. Hecho que se produjo en el mundo de la práctica de la arquitectura coincidiendo con el ocaso del siglo XX.

En el que se percibía un cierto agotamiento en cuanto a la posibilidad de que el diseño abandonará o delegara su faceta mas tecnica. Constante que se venía observando durante un periodo de tiempo que ya se antojaba demasiado largo. En favor de propuestas más dinámicas a través de las que se abordarán temas como las del impacto medio-ambiental de la construcción, o el empobrecimiento estetico y tambien de los espacios habitados y su uso.

Inquietudes que se obviaban debido a que la especulación inmobiliaria había convertido la arquitectura en un proceso similar al de la fabricación en serie. Situación adversa para los que creemos que un edificio es producto de la imaginacion, el deseo y la luz.

Tendencia que parece que está variando el rumbo gracias a la presencia de renovadores como Peter Wetsch que desarrolla su arquitectura desde su estudio en Zurich (Suiza), aplicando una concepción activista y comprometida de la arquitectura que ha sido calificada de orgánica y sostenible.

En este contexto su proyecto más relevante denominado como Earth house se define por carecer de esquinas y sus paredes curvas, renunciando a las lineas rectas. Se trata de una vivienda unifamiliar que desde que se finalizo teniendo una diversidad de replicas.

Que incorporando leves matices presentan el mismo patrón conceptual que se basa en las caractericas del paisaje con el que se relaciona y el tratamiento de la luz. Son construcciones que se integran en el entorno gracias a los planteamientos ecológicos que poseen y que recuerdan a las casas que se excavaban en cuevas.

Al estar parcialmente enterrada en el subsuelo la Earth House ofrece un equilibrio termodinámico y bioclimática óptimo, integrándose en el paisaje que le circunda reduciendo la huella medio-ambiental en su proceso constructivo de forma notable.

Peter tuvo muy claro desde el principio que los materiales que se emplearian en sus edificaciones favorecerian el ahorro energético de las viviendas. En definitiva estamos ante inmuebles cuyas principales propiedades es que son acogedores y nada ostentosas, ofreciendo espacios donde prevalece la comodidad y el contacto con la naturaleza de forma no invasiva.

Rodrigo Blaas es un animador que ha trabajado para Pixar en producciones como Wall-E, influenciada por esta ha escrito y dirigido Alma un corto de animación que ha cosechado tantos premios como en certámenes ha sido exhibida. Con música de Mastretta Alma narra es un cuento navideño que narra la historia de una niña y su atracción por un muñeco...

Aunque no es muy habitual todavía que artistas urbanos participen en proyectos audivisuales como puedan ser cortos animados. Si existen en la hemoreteca algunos ilustres que han hecho algunos trabajos modestos pero meritorios.

Tan escasos antecedentes quizás sean debidos a que los artistas urbanos, a pesar de que siempre que se dan las circunstancias participan y se comprometen con proyectos colectivos. Si muestran más reparos a colaborar en propuestas de otros ámbitos creativos.

Que aunque si puedan parecer en principio reunir las habilidades para poder abordarlos, en el fondo suponen un hándicap el hecho de tener que renunciar a trabajar en el espacio publico, siendo este su territorio de trabajo predilecto.

Donde por convención y propiedades ellos, los artistas urbanos han demostrado que se suelen sentir más comodos en términos creativos. Una de estas raras excepciones es el artista urbano italiano BLU, uno de los máximos exponentes del Street Art transalpino en la actualidad.

Y que ha participado en el proyecto titulado Combo, una performance animada que podéis ver AQUI. Realizada en colaboración con el artista David Ellise. Una experiencia cuyo resultado artístico y estético ha sido realmente sugestivo de cara al espectador.

Pues aparte de tratarse de un trabajo singular en términos visuales, en cuya ejecucion han combinado su talento para ofrecernos una historia conjunta. Que no deja de ser el resultado de un dialogo creativo producto de lenguajes narrativos, que aunque no se puedan valorar como diametralmente opuestos.

Si presentan matices y por lo tanto mecanismos artísticos cuyas técnicas si difieren a la hora de acometer en el plano tecnico, la planificación y realización de una obra determinada. Por eso tuvieron un encuentro previo al trabajo en el que tras mucho dialogar y contrastar una diversidad de ideas.

Han seleccionado primero el lugar en donde se filmaria buena parte del material que se usaría en el montaje final de este sorprendente e inusual corto de animación, que navega entre lo bizarro y lo lúdico contando con altas dosis de ironía en su puesta en escena.

Un lugar que sino recuerdo mal eran los restos de lo que podría ser un palacete abandonado, a cuyos edificios decrépitos se trasladan dos amigos para convertirlo en un set improvisado en el cual ruedan una sesión de graffiti que se percibe y espontanea.

Tratándose en realidad de una colección de imágenes que han sido dotadas de movimiento posteriormente en el estudio, siendo el resultado de un arduo y elaborado trabajo de post-produccion. Imagenes en las que el espectador puede identificar muchos de los elementos plásticos y conceptuales que definen la trayectoria de ambos artistas a lo largo de sus dilatadas carreras.

Siempre me ha llamado la atención Shibam, la ciudad de arena, su luz, su perímetro totalmente amurallado, sus dédalos de callejuelas traviesas, los tonos de sus paredes de adobe, su aparente fragilidad que se ha mantenido firme durante miles de años. Shibam es una localidad del Yemen, su población no asciende a mas de siete mil personas y tras quedar gravemente deteriorada por las inundaciones que sufrió en 2.008, existe una iniciativa para restaurarla.

Detrás de la firma Retrain encontramos al diseñador Barcelones residente en Holanda Rubcn, que ha presentado su trabajo en el recientemente celebrado Creative Groote Club certamen que se desarrolla en Holanda y que muestra los diseños y obras de diseñadores que trabajan por principio con materiales reciclados, en el caso de Rubcn sus ultimas propuestas se basan en el diseño de mobiliario y decoración en la que el papel adquiere un papel protagonista.

http://retrain.endekos.com/

The Mills es una productora global especializada en efectos especiales y animación su participación se puede encontrar en los mas variados trabajos, desde animación, cine, televisión, publicidad... En el caso de la campaña desarrollada para la ONG City Harvest Food Resource Organization que desarrolla su labor en el área de New York atendiendo a la población indigente, tratan de concienciar al resto de los ciudadanos de la necesidad de optimizar nuestra bolsa de la compra, evitando que parte de nuestra despensa acabe en el contenedor de la basura, y fomentando un consumo responsable.

http://www.cityharvest.org/

Con La caricia del escorpión, Ignacio Garcia-Valiño fue

finalista del premio Nadal 1.998, es básicamente la historia de una relación de pareja que se teje y consolida en un plano donde la comunicación se realiza en base a silencios, El es un profesor de matemáticas anodino, ella trabaja eventualmente de traductora y aspira a formalizar una relación reglada (números Vs. Letras), en principio una mala combinación. El desarrollo de la trama en su primera parte nos pone en antecedentes, el se ve en un determinado momento contrariado, se siente desbordado por los acontecimientos, se fija la fecha para la celebración de la boda, se trasladan a otra vivienda, le resulta muy prematuro desearía disponer de mas tiempo para afianzar su vida en pareja. Ella aunque en segundo plano es la que propicia los cambios, la que establece los plazos y los escenarios donde pretende compartir el resto de sus vidas.

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