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La ilusión óptica de los dibujos 3D de Nagai Hideyuki


Realizados a lápiz sobre la sencilla lamina de un bloc, los trabajos del dibujante Japones  Nagai Hideyuki exceden los limites del papel provocando una ilusión tridimensional en el que los contempla. 

Un efecto óptico que produce un volumen, que dependiendo de la perspectiva y ángulo desde que el te posiciones para verlos, puede variar más o menos su composicion. Tratándose de dibujos que destacan por su agilidad en su movimiento. 

Hideyuki se identifica y se ascribe a la corriente de arte anamórfico. Un estilo de arte cuyo origen se sitúa en los albores del Renacimiento. Y cuya técnica está basada en el tratamiento de la luz y la ilusión óptica que produce el sombreado de los volúmenes provocando sugerentes efectos 3D.

Hideyuki que además de dibujar también realiza pequeñas muestras de anime y manga, reproduce pasajes oníricos donde conviven con elementos surrealistas además de presentar influencias que son producto de su entorno cultural.  


Scott ListField. Pinto astronautas y, a veces, los dinosaurios.


En las composiciones Pop-Art del artista Scott ListField conviven elementos de la cultura americana e iconos cinematográficos. Elementos narrativos a través de los que crea atmósferas surrealistas donde la memoria del observador. 

Recupera fragmentos de muchos de los iconos culturales de los que hemos sido testigos a lo largo de buena parte del siglo XX. Tratando cada episodio o evento aplicando un enfoque como vehículo mitologico.

En cuya trama existe un personaje o protagonista, un anodino astronauta que actúa de anti-heroe o outsider. Que se asoma a una realidad que no por no conocerla le deja de resultar ajena. 


A pesar de su inexpresividad y su carencia de lenguaje corporal, el expectador es capaz de percibir su desorientación. Así como su indiferencia y soledad que experimenta en una arcadia digital. 


Scott Listfield es conocido por sus fabulas creativas en las psicoanaliza la sociedad que le rodea a través de la mirada distante, anodina y aparentemente nihilista e irónica de un astronauta solitario. Que se muestra desorientado en un paisaje abrumador repleto de iconos de la cultura pop, logotipos corporativos y referencias a ciencia ficción. 


Scott creció en Boston, y estudió arte en el Dartmouth College. Después de algún tiempo viviendo en el extranjero, Scott regresó a Estados Unidos, donde empezó a caricaturizar una sociedad que había crecido influenciada por films de ciencia ficción como 2001 Una Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick o Jurasick Park, así como series como Lost In Space. Relatos cuyas expectativas tuvieron con el paso de las decadas, un reflejo sobre el terreno y en términos domesticos prácticamente nulo, no materializandose prácticamente ninguna de sus predicciones.

En un contexto social sobre-estimulado por la publicidad, que le incita a un consumo voraz de bienes y recursos. Situación en la que el individuo se enfrenta a sus propias contradicciones y fantasmas personales.


Leonardo Erlich - The Furniture Lift, una habitación surrealista flotando en el vació


En la ultima intervención del artista conceptual de Leonardo Erlich sigue poniendo a prueba la percepción del espectador, en relación como concibe normalmente la arquitectura con la que relaciona habitualmente.

Así como las características del espacio donde actua. En este caso el elemento estructural protagonista es el fragmento de una cornisa que se mantiene inerte en la altura apenas sostenido por una escalera. Levitando en el vacio en el centro de la plaza mayor de la localidad francesa de Nantes. 

Su presencia se convierte en seguida en objeto de atención para los peatones que la cruzan, o que sorprendidos se toman un café en una de las muchas terrazas que hay a disposición de los clientes. 


Realizada para la edición celebrada en 2.012 del festival de arte urbano Le Voyage que se celebro entre 15 de Junio y el 1 de Septiembre. The Furniture Lift es un artefacto visual colgado en el vació que causa una mezcla de asombro y admiración en el que la contempla. 


Tentándole ha ascender por una escalera entre cuyos peldaños hay uno que está bloqueado, dificultando el ascenso. Debido a que hay depositado en mitad del peldaño un conjunto de muebles que hace de barrera transfronteriza entre la realidad de lo que vivimos y lo que deseamos obtener y el trauma que nos puede suponer 

Se trata de una instalación inmersiva que recurre a elementos cotidianos para crear una la ilusión óptica, a través de la que nos interroga sobre la percepción que tenemos de la realidad y cómo manejamos nuestras emociones exponiendonos a una variedad de situaciónes más o menos imprevisibles.


Y cuyo primer antecedente es la instalacion titulada Bâtiment, que data de 2004 y que tuvo como escenario la Nuit Blanque que se celebró en Paris. Y en la que ya concebía el espacio publico como un medio de expresión artística a través del que implicar al espectador de forma activa en la contrucción de una ficción interactiva. 

JUMP INTO THE FUTURE:

At last this year, the first ever exhibition dedicated to the Argentinean artist in Europe has been announced. It will be celebrated between 22 April and 4 October 2023 at the Palazzo Reale Milano. An exhibition in which they will be able to interact with his large-scale proposals.

ALSO IN SPANISH:

Por fin este año se ha anunciado la primera exposición restropectiva dedicada al artista argentino en Europa. La cuál se celebrará entre el 22 de abril al 4 de octubre de 2023 en el Palazzo Reale Milano, de la ciudad lombarda de Milan. Una exhibicion en la que podrán interactúa con sus propuestas a gran escala. 



Dariusz Klimczak, paisajes monocromaticos surrealistas colgados en el tiempo


Formado como artista plástico Dariusz Klimczak ha conseguido hacerse un prestigio como fotógrafo freelance, actividad con la que adquirido los conocimientos necesarios y que combina con su labor periodística en una fecunda trayectoria. 

Apasionado por la naturaleza, faceta en la que ha mostrado contar con una diversidad de recursos y habildades,  muchas de sus fotografías son producto de instantáneas de paisajes que captura en el transcurso de las numerosas excursiones que realiza por los alrededores de la localidad polaca de Leba, donde reside con su familia. 

Nacido a finales de la década de los años sesenta del siglo pasado en la localidad de Sieradz, una ciudad en el centro de Polonia, Klimczak cuenta con una carrera profesional que cubre tres decadas. A lo largo de este tiempo ha creado una identidad propia, sus comienzos fueron precoces mostrando grandes cualidades que perfeccionó en su periodo de formación en la Escuela de Arte Zduńska Wola. 


SUS FOTOGRAFÍAS SURREALISTAS SON ODAS AL TIEMPO

Aparte de su labor como fotógrafo ha trabajado como pintor, y periodista freelance. Antes de centrar su atención únicamente en la fotografía. Ciertamente se puede observar esta experiencia en otros ambitos en su trabajo fotográfico.

En cuanto a las técnicas que emplea su favorita es el filtro monocromático, la cual aplica de forma recurrente en sus trabajos. Con el que les da a sus imágenes una sensación de simplicidad y extrañeza que involucra al espectador en una historia no lineal que combina ironía y significados volatiles. 

Está mezcolanza puede atribuirse en gran medida a su yuxtaposición de objetos y figuras cotidianas y reconocibles con paisajes vacíos, como desiertos y extensiones de campos de cultivo. Creando imágenes que no tienen restricciones en términos de imaginación vinculando inextricablemente su práctica con el movimiento surrealista.


Aunque en su porfolio predominan las fotografías en blanco y negro, sus habilidades para manipular cuidadosamente paisajes hasta convertirlos en surrealistas, a los que de forma sutil añade elementos domésticos y objetos cotidianos con los que reinterpreta el paisaje humanizandolo. 

La secuencia recurrente de figuras y formas complejas, incluye esquemas visuales irregulares y patrones donde la limpieza de la perspectiva simétrica contextualiza la escala del terreno donde se narra la acción. Cada imagen monocromática presenta un vasto paisaje que se extiende y profundiza en una visión a veces desoladora, donde el paso del tiempo prevalece relegando cualquier otro vestigio material al terreno de lo desconcertante. Patrones geométricos se alternan con elementos naturales, provocando que la imagen llegue a adoptar una escala panorámica dotando de profundidad a la fotografía que se extiende abarcando todo el contexto visual.


Jerry Uelsmann y su facisnación por incluir arboles en sus fotografías surrealistas


Entre las numerosas fotografías que componen el porfolio de Jerry Uelsmann, he escogido aquellas en las que la presencia de los arboles como modelos retratados. De alguna manera son los protagonistas del argumentos a partír del que contar una historia.

Realizadas en blanco negro Jerry no tiene la necesidad de utilizar programas de tratamientos de imagenes para crear montajes. En los que los elementos oníricos se entrelazan con la materia vegetal creando una comunión que visualmente resulta poetica.

Nacido en Detroit, y con sede en Florida el reconocido fotógrafo Jerry Uelsmann ha estado manipulando fotos mucho antes, de que debido a la era digital se desarrollaran aplicaciones como Photoshop transformando el mundo de la fotografía. 


Creativos y sugestivas sus trabajos son producto de interpretaciones surrealistas del paisaje. Composiciones que están realizada de forma artesana en su particular cuarto oscuro, en el que ultimamente ha incorporado sin embargo la tecnologia. 

Uelsmann utiliza múltiples puntos negativos y hasta una docena de ampliadoras para crear imágenes compuestas que nos sumergen en pasajes oníricos. En los que la naturaleza tiene una fuerte presencia.


Su singular y personal presentación de imágenes que van más allá de la documentación básica. Da como resultado obras que fascinan a casi cualquiera que se aproxime a ellas. Incluso hoy en día donde debido a la incipiente inteligencia se pueden conseguir todo tipo de imagenes igual o más sorprendentes en unos pocos segundos.


Su inventiva a veces mezcla propuestas narrativas que visualmente resultan simple y llanamente de otro mundo. Tratando temas poblados por motivos visuales opuestos a la perfección que muestra una fotografía de forma habitual. Como si la imperfección formará parte de la historia visual de la fotografia. En un contextos en el que la presencia del ser humano y la naturaleza se convierten en uno fundiéndose, y lo imposible se hace posible en el mundo surrealista de Uelsmann. 




Thomas Wightman, libros en 3D en homenaje a los pacientes con TOC

Los libros esculpidos por el estudiante de diseño inglés Thomas Wightman, tienen una dimensión social que pretende concienciarnos mediante la realización de obras empleando técnicas de papiroflexia.

Que conceptualmente reproducen diferentes episodios vividos por pacientes que padecen transtorno obsesivo compulsivo (TOC). Y de las consecuencias de experimentar este trastorno. 

Utilizando una simbología que navega entre el surrealismo y experiencias cercanas al psicoanálisis. Cada escultura-libro es una aproximación a las pulsiones que propician este tipo de comportamientos repetitivos.


Utilizando un lenguaje alejado de los tecnicismos formales de la psicoterapia. Cada trabajo está realizado con esquisito detalle, habiendo sido rescatados de la basura o donado. Se "reescriben" artisticamente, narrando un testimonio transmitido en primera persona al autor. 

Thomas esculpe libros con imagenes metafóricas alusivas e inspiradas por los testimonios de paciente con TOC, a través de las que recrea en un contexto visual el lado emotivo de estas personas.


Compuesta por tres piezas esculpidas la serie comienza con un titulo elocuente Ahogamiento de Obsession, donde se muestra un barco de papel que se hunde en una espiral de obsesión. 

En otra escultura titulada Plagado por la duda utiliza como figura  del TOC un enjambre de insectos y tipografías de letras. En las que los insectos devorando un libro, representando en este caso como el transtorno anula la conducta. 

Finalmente en Descarrilamiento mi tren retrata la enfermedad incorporando un tren que ha interrumpido su viaje, simbolizando el período de ansiedad y pánico que causa el TOC. 


Evan Viera - Caldera, la visión multi-premiada en formato animado de una persona con esquizofrenia

El corto titulado Caldera (la cual podéis ver AQUI) es una animación de 11 minutos que tardo en producirse tres años, los mismos que el padre de su director Evan Viera, comenzo a experimentar frecuentes episodios ezquizoafectivos. 

Una alteracio emocional que se caracteriza por padecer una amalgama de estados depresivos y delirantes que precisan de una medicación específica. En este caso Evan que también es autor del guión, nos pone en antecedentes utilizando un lenguaje repleto de símbolos oníricos. 

Que sitúa al espectador ante una historia dramática de forma sutil, utilizando un discurso donde la fantasía y unos escenarios surrealistas generan la tension donde su protagonista se debate. Mostrándote el retrato de una joven que debido a la enfermedad está medicada, agobiada por un entorno hostil y afectivamente adverso.


Por lo que en un momento determinado decide renunciar al tratamiento, huyendo de la ciudad gris y lacrimógena que la rechaza. A partir de ese momento su percepción de la realidad la convierte en un ser vulnerable, lo que precipitan los acontecimientos provocando un final trágico.


Estrenada en 2.012 Caldera ha sido galardonada en diferentes festivales como el Prix Ars Electronica, Seattle International Film Festival, Festival de Cine Independiente de Roma o el Festival de Cine de Rockport. Siendo uno de los trabajos mas premiados desde su estreno.


A nivel técnico la cinta destaca por el excelente tratamiento de la iluminación que se ha realizado, lo que le confiere una atmósfera de naturaleza espectral. El metraje que carece de diálogos se apoya en la gran selección de los efectos de sonido, que vertebra una historia donde los silencios cobran un protagonismo esencial para el discurrir de la misma.


Jacquet Yannick y Fred Penelle, creando mecanismos oniricos


Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación  Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses  Jacquet Yannick y  Fred Penelle.



A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.



Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.


Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista


Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.


Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon  cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.
 

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.


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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.


Muayad Muhsin - Arte saqueado, el gran olvidado de la guerra de Irak


Una de las muchas consecuencias de todo conflicto armado es el expolio del patrimonio artístico y cultural del país o comunidad que es invadida. En el caso de la ultima guerra de la Irak. 

El latrocinio se perpetro sobre su colección arte antiguo, selección de piezas de incalculable valor albergadas en el Museum of Irak. Se estima que en total se sacaron del país alrededor 15000 piezas, muchas de incalculable valor.

Entre los numerosos tesoros que fueron victimas del saqueo, están piezas como por ejemplo como el Vaso de Warak o la Dama de Warka. Piezas halladas en los yacimientos de los templos dedicados a la deidad sumeria de Inanna imagen venerada en la antigua ciudad Sumeria de Uruk en Irak, emplazamiento arqueológico que es considerado la cuna de la civilizacion.

Recuperadas poco después de sustraerse, son dos muestras de las 7.500 piezas que casi diez años mas tarde han conseguido ser devueltas a las autoridades irakies.  Las mayoría de estos restos únicos fueron sacados del país, siendo revendidas finalmente en el mercado negro del arte.


Aunque no se sabe con certeza pues se carecen de evidencias de donde finalmente están todas y cada una de las piezas que fueron sustraidas. Según sugiere las autoridades las miles de piezas no recuradas fueron vendidas a colecciones privadas de países occidentales.

El artista iraki Muayad Muhsin reproduce a través de las series American, Iraqi freedom y Worldwide. Los episodios de esta diáspora cultural y patrimonial. Influenciadas por el surrealismo, las pinturas de Muayad combinan paisajes orinicos, a través de los interpreta los episodios de un conflicto belico.

Representados a través de figuras decapitadas, escenarios donde las heridas de la guerra refleja el desgarro provocado por el conflicto. En este sentido una de las muestras más destacadas de la serie es la que lleva por titulo Picnic, se trata de una critica mordaz y sórdido de aquel período y de como las guerras son producto de decisiones e intereses personales.

Muayad Muhsin nació 19 de abril 1964 en Babilonia en Irak. Fascinado por el color, comienza a dibujar a la edad de cuatro años. Cuando era niño, Muhsin se paraba por el camino entre su casa y la escuela a dibujar los objetos,  pájaros y  gatos que salían a su encuentro. 

Muhsin recibió su educación artística en el Instituto de Arte de Bagdad 1979-1984. Después de terminar sus estudios en el Instituto, Muhsin fue reclutado por el ejército y obligado a luchar en la guerra  Irak-Irán 1984-89 y la guerra de Kuwait de 1990-91, periodo que le marco profundamente y que acabo trasladando a su pintura.
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