Nomada Q

All post

Realizado para la ultima edición del Rosklide Festival, cita anual que se celebra en Dinamarca y cuya programación se dedica principalmente a la actuación de bandas de Rock y Pop. The Velvet State es un proyecto que combina la arquitectura y la creatividad artística reflejada en su estructura y en su disposición sobre el terreno.

Con el objetivo de crear una comunidad con identidad propia. Inspirado en la idea de liminalidad del antropólogo Arnold van Gennep, recogido en su libro Los ritos de paso, obra publicada en 1909, que supuso un hito en el campo de la antropología y de las ciencias sociales. La expresión que le da título, así como el término "liminaridad", sirvieron para describir en las sociedades tradicionales los ritos de paso que marcan la socialización de las transiciones más importantes en la vida humana poniendo enfasis en lo sagrado, como el nacimiento, la iniciación, el matrimonio y la muerte, y contribuyen a preservar la estabilidad de la sociedad regulando la posición del individuo en su seno.

Y como estos mecanismos en una sociedad contemporanea mas laica y profana se estan transformando. Si bien con el tiempo la obra de Van Gennep ha sido objeto de debates y objeciones, constituye, como toda obra seminal, un referente a traves de cuyo texto se teoriza sobre el comportamiento y naturaleza de la sociedad humana.

Por lo tanto atendiendo a esta premisa el poblado de The Velvet State se divide en siete áreas compuestas por el "el anillo", "el canto", "el reactor", " el establo", y "el vestuario". cohesionados por el "el patio".

Lugar de reunión donde se reunen los miembros participantes. En conjunto crean una estructura unida y un universo paralelo. The Velvet State que pretende ser un ejemplo de como establecer vinculos entre la arquitectura y los usos sociales que se realizan, y de como se retroalimentan.

Es un proyecto del estudio local SHJworks, en total el campamento ocupa una superficie de 794 metros cuadrados, en los que a lo largo de las jornadas que duro el evento se desarrollo un calendario de actividades relacionadas con diferentes manifestaciones artísticas.

Fabricada con laminas de madera contrachapada grapadas con contrafuertes de policarbonato, que mantiene unidos los paneles dándole forma curva. Dispuestos sobre la misma catenaria, cada sección consiste en una secuencia de variaciones que actuaban de apoyo estructural.

El concepto de liminalidad se incorporó a la estructura física. El patio y por lo tanto el interior de la estructura era sólo accesible a través de tres espacios. Estos espacios actúan como umbrales y espacios liminales. Formado por 10 arquetipos: The Bewinged, The Alchymist, The Dictator, The Killer, The Pink Narcissus, The Fetichist, The Critic, The Idealist, The Voyeur y The Creature.

En el mercado ya existen numerosos kits que permiten convertir nuestras bicicletas de pedal en eléctricas o E-bike. Estas soluciones suelen ser presentadas como accesorios de fácil instalación y grandes prestaciones que nos facilitaran la conversión de una bicicleta de pedal en eléctrica, en la practica suelen ser complementos que presentan limitaciones en su autonomía, además de exigir excesivo tiempo para su montajes y conocimientos de electricidad.

Rubbee es un sistema modular basado en el contacto por fricción que soluciona todos estos problemas, integrando todos los elementos necesarios para su funcionamiento en un diseño inteligente y compacto, pensado para que pueda ser utilizado por cualquier tipo de usuario.

Con apenas seis kilos Rubbee Drive se fija a la rueda trasera de la bicicleta mediante un pasador que se engancha a la barra del cuadro donde se sitúa el sillín, esta operación en la que apenas se emplea cinco segundos, se completa con la acción de encendido de la batería, obteniendo como resultado una E-bike con la que podremos optimizar nuestros esfuerzos sobre la bicicleta.

El proyecto dirigido por el ingeniero Gediminas Nemanis que en 2.011 se embarco con un primer prototipo, que tras dos meses de trabajo dio como resultado un primer prototipo de 16 kilos, a esta primera propuesta le siguieron otros cuatro modelos a través de los que se fueron perfeccionando sus características, con el objetivo de que su uso fuera muy sencillo.

La ultima versión que salvo algún detalle en su diseño exterior pretende ser la que definitivamente se comercializara, si sus precursores obtienen finalmente la financiación necesaria para su fabricación, presenta varias mejoras técnicas que mejoran sustancialmente la experiencia del usuario.

Informándole en tiempo real del nivel de carga y el estado en que se encuentra la batería de 20000 mAh de capacidad hora y una vida útil de 2000 ciclos de vida, que le avalan cinco años de garantia, teniendo un tiempo de recarga de tan solo dos horas y 280 voltios. El motor con 800 watios de potencia permite una autonomía y una velocidad de hasta 25 kilómetros.

La fricción es una de las más antiguas formas de transferencia de energía mecánica que existen. Siguiendo este principio de Rubbee Drive transfiere hasta un 98% de energía mediante el rodillo fabricado de una formula de poliuretano especial que al entrar en contacto con el caucho de la rueda produciendo la fricción necesaria para que avance la biciclet '

Desde que descubrimos las esculturas orgánicas del artista Henrique Oliveira, quedamos fascinados por su personal tratamiento que realiza de la materia para recrear paisajes naturales en sitios cerrados, convirtiendo las raíces en el origen del continente donde se exhibe.

Siguiendo esta pauta de metamorfosis su ultima instalación titulada Baitogogo, nos muestra una red intrincada de raíces, cuyo origen son las columnas y vigas que supuestamente evitan que se precipite al suelo, y que aparentemente pertenece a la estructura original del edificio.

Creada para su ultima exposición organizada en el Palais de Tokio en París. Exhibicion que esta programada hasta el 9 de Septiembre. Realizada con la ayuda de un equipo numeroso de colaboradores. Baitogogo es una escultura orgánica elaborada básicamente con madera de tapume.

Sistema originario de Brasil que es utilizado principalmente en la construcción, para delimitar la zona de construccion. Y que Henrique recoge al finalizar la obra incoroporando como principal material creativo a su practicca artistica.

Con la que crea esculturas organicas como la enorme forma de Baitogogo, un híbrido de medios y disciplinas, que combina escultura y espacio. Con la que Oliveira manipula el espacio extendiendo y multiplicando las columnas.

Envolviendo al espectador en un vertiginoso circuito de material anudado y enraizado. Para su diseño se inspiro en textos médicos y en patologías físicas como tumores, que se hacen evidentes en la complejidad de sus estructuras en forma de telaraña. El resultado es una inesperada fusión de escultura, diseño urbano y biología.

Quizás el principal handicap las farolas que facilitan la visitan la visibilidad en condiciones de escasez de luz natural, es su enorme derroche de energía y su gran impacto ecológico debido a las emisiones de CO2 que generan sobre el entorno. Consecuencia de tener que estar permanentemente encendido en horario nocturno. Siendo lo ideal diseñarlas incorporando algún sistema de detección de cuerpos en movilidad, pudiendo habilitarlas tan solo cuando fueran necesarias.

Desarrollada por el diseñador holandés Chintan Shah, Tvilight es una farola inteligente que obedece a estos criterios de funcionalidad inteligente y ahorro. Instaladas sus primeras mil unidades en el campus de la Universidad Tecnológica de Deft en Irlanda y en la localidad holandesa de Assen.

Se trata de un prototipo equipada con diodos LED y sensores de captación de movimiento, las pruebas con Twilght esta dando tasas de ahorro hasta de ochenta por ciento, reduciendo la factura de su coste, además de evitar la emisión de toneladas de CO2 a la atmósfera.

La red que conforma la instalación y funcionamiento del mobiliario urbano de iluminación Tvilight, esta administrado por un software que domotiza su gestión, informando en tiempo real de su estado, pudiendo actuar in situ en caso de que pudiera suceder cualquier incidencia en su norma funcionamiento.

Para cerear su trilogía dedicada al skate, recordemos primero fue Beasts From The East, al que le siguió The Epic n´ The Beasts. Nos brinda un espectáculo visual y técnico en el que su creador y protagonista Sebastian Linda, realiza un despliegue de medios con el que consigue rodar unas imagenes que destacan por su gran plasticidad estética.

Titulada The Revenge of the Beasts es sin duda la mejor de las entregas, donde Sebastian de profesión director de anuncios de publicidad. Pone en practica todo tipo de técnicas y efectos especiales, consiguiendo desarrollar una narración donde la épica y lo lúdico se funde con el paisaje arquitectónico. que se muestra como escenario de atmósferas oníricas.

Filmado durante el ultimo fin de semana de Junio de 2.013 T.R.O.T.B, es un trabajo donde la elaboración de la post-producción, supone un esfuerzo intenso e imaginativo, que se puede apreciar en el making of, donde se nos muestra en detalle el proceso desde el inicio hasta el montaje final.

Compuesta por siete intervenciones, la serie Suburban pretende subliminar a través de arte urbano la esencia de los arquitectónicos y sociales. Estos estereotipos que desmitificados estéticamente. Según su autor el artista australiano Ian Strange con Suburban no trata de cuestionar los valores que constituyen la forma de vida de las clases medias en la cultura occidental, pero si crea un contra plano donde realizar un sucedáneo de psicoanálisis, a partir del que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones.

Para realizar Suburban Ian selecciono siete residencias en diferentes localizaciones de los Estados Unidos, y se embarco en un viaje que le ha permitido ser testigo en primera persona del crisol a partir se articula el modus vivendi de sus habitantes.

De carácter especifico, ha utilizado como argumento el continente arquitectónico como calidoscopio a través del que observar estas realidades, para a renglón seguido transformar esta realidad solida, en la materia de una obra arte, en la que la mirada del artista muestra su versión de los hechos.

Suburban es un proyecto que comienza a planificarse en 2.011 extendiéndose hasta principios de 2.013. Que es cuando Ian catalogar toda la documentación acumulada en forma de miles de fotografías y decenas de grabaciones de vídeo, centrándose primero en la contextualización de todo el proceso.

Donde se detallan las motivaciones que propiciaron la selección de ciudades como Ohio, Detroit, Michigan, Nueva Jersey, Nueva York o New Hampshire. El resultado es una colección de fotografías completadas de un vídeo, donde se redifine la identidad de las viviendas unifamiliares retratadas.

Para salvar un desnivel de treinta metros de altura de un muro lateral de los restos de un fuerte que forma parte del conjunto arquitectónico de Royal William Yard, el estudio de arquitectura Gillespie Yunnie Architects ha optado por una solución estética consistente en una escalera de dos alturas y seis tramos.

Realizada en acero su estructura contrasta con la piedra milenaria del fondo. La escalera que ha sido instalada cumple una doble función, por una parte une dos área tradicionalmente permitiendo la movilidad de los miles de visitantes, que sobre todo los fines asisten a sus instalaciones para pasar un día de ocio.

Por otra parte estética, su presencia se divisa desde cualquier parte del recinto, al caer el día se ilumina adoptando diferentes tonalidades dependiendo de la fase en que se encuentra esa noche la luna.

Situado en la localidad inglesa de Plymouth, se trata de una de las zonas mas antiguas de la ciudad, que esta siendo actualmente objeto de una remodelación. Optando por una urbanización para la que se ha tenido en cuenta las especificaciones arquitectónicas datando del XIX.

La escalera asciende sobre la pared de forma sinuosa, trazandose en el paisaje frente al mar. Su aspecto solido conecta con una plataforma que permite el acceso a un parque que forma parte del Royal William Yard, diseñado por Sir John Renny para abastecer a toda la con cerveza, ron, barcos y carne curada. Construido entre 1826 y 1831 fue utilizado continuamente por la Armada Real hasta la década de 1990 cuando se cerró, desde entonces ha sido objeto de varios proyectos urbanísticos.

El arte cinético presenta en su ejecución una fuerza visual que encandila al espectador, los diferentes elementos que lo componen deben estar diseñados de forma minuciosa, para que en funcionamiento estén perfectamente coordinados.

Las instalaciones realizadas por el artista coreano U-Ram Choe representan escenas de la naturaleza en la que los movimientos elegantes de sus figuras, nos trasladan a mundos oníricos, donde el componente visual se aproxima a una variante del surrealismo que enriquece la acción narrativa.

Choe utiliza diferentes metales, motores, engranajes, incluso las placas de CPU personalizadas para controlar los movimientos precisos de cada escultura. Aunque se ha especializado en intervenciones a gran escala, también cuenta con una amplia muestra de pequeñas piezas donde el gusto por los detalles es destacable desde el punto de vista artístico.

PLASTICIDAD CYBORG DE VUELTA A LOS ORÍGENES DE LA POETICA

Choe que de niño ya mostró querencia por las manifestaciones artísticas, no en vano creció en una familia donde sus progenitores eran escultores. Sin embargo fue su relación con su abuelo con formación científica, la que influyo en su maduración como artista.

Las obras de U-Ram Choe describen con un lenguaje aparentemente corporal y orgánico basado en materiales como acero inoxidable, el latón o el aluminio. El rendimiento físico de la materia y su movimiento, explorando los limites de la morfología evolutiva. Para bautizar a sus creaciones emplea nombres latinos inspirados por las tradiciones lingüísticas de la nomenclatura científica.

Como autómatas complejos las esculturas amorfas expresan de manera refinada a través simulaciones, que respiran con el movimiento evocando la ingravidez de las coreografías acuáticas, o de las exhibiciones de los cortejos rituales ejecutadas por diferentes especies de aves.

El estado de California esta considerado en términos económicos como la octava potencial mundial, este hecho requiere contar con una gran infraestructura aero-ferroviaria que articule y facilite la movilidad de mercancías y pasajeros. La realidad sin embargo nos revela que a pensar de contar con una extensa red ferroviaria que conecta las grandes ciudades de la costa oeste como L.A., San Francisco, Portland o San Diego.

Su antigüedad y la escasa inversión realizada en el ultimo medio siglo para su conservación y mejora tecnológica, la ha convertido en un servicio de transporte con cada vez menos demanda por parta de los usuarios y de las grandes compañias de distribución de mercancias.

Un consorcio dirigido por Elon Musk el co-fundador de PayPal, Solarcity, Tesla y SpaceX, anunciado el proyecto Hyperloop, mediante el que pretende implantar una nueva tecnología, que según sus palabras podría revolucionar el medio de transporte terrestre del ferrocarril, 150 años después de que entrara en marcha la primera locomotora de vapor.

En la actualidad el trayecto que une las ciudades de Los Angeles y San Francisco, que cubre una distancia de poco mas de 450 kilometros, se invierte en su recorrido un tiempo equivalente que supera en algunos servicios las tres horas, tiempo que se reduciria a la nada desdeñable cifra de 30 minutos.

Hyperloop que supondría una inversión de 6.000 millones de dolares, estaría muy por debajo del desembolso final que supondría la recién anunciada construcción de linea de alta velocidad, que uniría la capital del estado con Sacramento y San Francisco, proyecto que cuenta con un presupuesto inicial de 68 billones de dolares.

El proyecto Hyperloop esta basado en una tecnología similar a la que hay detrás de la iniciativa de la compañía ET3, del que ya dimos cuenta en su momento en NQ, y que acaba de anunciar que iniciaran los primeros ensayos de su cápsula propulsada por levitación magnética a finales de 2.013.

La diferencia con Hyperloop estriba en la fuente de energía que emplearía, en este caso la idea planteada por parte de su equipo de ingenieros es usar la energía solar como acelerador y conductor de la unidad de propulsión, con la que se lograría doblar la velocidad de los aviones comerciales que vuelan en la actualidad.

Como en un organillo el usuario gira una manivela que acciona un carrusel que reproduce a su vez una melodía. En este caso la experiencia interactiva que ofrece The Musical Torch es una instalación fruto de la colaboración de diferentes artistas e instituciones educativas con un propósito común, desarrollar plataformas de colaboración en las converjan intereses artísticos y educativo.

Presentada en el marco de la edición de 2.012 de la olimpiada cultural Music Nation celebrada en Londres. The Musical Torch se compone de un rodillo que interpreta la partitura creada con las esculturas de las manos de los niños de la Academia San Martin, y un bastidor en donde se imprimen en diferentes colores una pieza de la música popular china, inspirada en la trayectoria del grupo Washed Out.

Diseñada por los artistas Alexander Schnell Sramek , Kevin Yeo, Seung Youn Lee, Amy Wallace y Elisa Magnini. La instalación TMT explora las posibilidades educativas que brinda la música y el arte a través del juego y la expresión corporal.

El proyecto Kempart Loft interviene en el espacio integrando volúmenes con el propósito atmósferas diferentes. La reforma de una antigua nave industrial ubicada en la localidad de Liege en Bélgica conserva la identidad de la actividad industrial para la que fue concebida originalmente.

El loft que carece de entradas de luz natural salvo el acceso lateral a una enorme terraza que contrasta en su decoración con el mas andrógeno que presenta el interior, es sustituida por una solución que combina los diodos LED y los tonos metálicos del mobiliario con los que se consigue crear la sensación de amplitud proyectandose sobre el espacio.

Realizado por el estudio Dethier Architectures, el tejado a dos aguas configura un diseño en el que los tabiques interiores han sido eliminados, apoyandose sobre vigas de acero transversales que cruza el ancho de la nave, permitiendo una visión de la totalidad del loft.

Dividiendo la planta una cápsula modular fabricada en acero divide el espacio, concentrando los usos domésticos. Sanitarios, cocina, soluciones de almacenamiento varias además de los sistemas de calefacción y ventilación racionalizan el espacio de forma funcional por áreas.

Tres ventanas de ojo de buey y los variados elementos tonales metalizan el interior donde predomina la luz indirecta que refleja la piel de aluminio, líneas limpias y una sencilla gama tonal producen una sensación de ingravidez - una noción reforzada por el mobiliario de alta tecnología.

En conjunto las instalaciones rurales de la artista Paula Rebsom tienden a la ambigüedad estética, aparentemente parecen fachadas pertenecientes a viviendas tradicionales del medio oeste americano.

Estilo arquitectónico que su autora conoce bien debido a que Paula vivió la primera parte de su infancia en una granja arrendada situada en las afueras del condado de Dickinson en el estado de Dakota del Norte. Hogar que tuvieron que desalojar ella y su familia a causa de un informe sobre la estructura.

Que especificaba su deterioro siendo catalogada como inhabitable. Al no ser derribada la vivienda principal y los establos se convirtieron en el lugar idóneo, para que anidaran y se reprodujeran cientos de parejas de diferentes especies de aves, que cada temporada hacen escala en sus rutas migratorias pudiéndose ver en sus inmediaciones.

Realizando un ejercicio de instropección Paula decidió treinta años después volver a la vieja granja, constatando que apenas quedaban restos de los edificios originales. Desaparición que como es natural aboco a las colonias de pajaros establecidas a buscar otro lugar donde anidar.

Por lo que decidió reproducir parte de la fachada original añadiéndolo nidos, con la intención de crear las condiciones por las que decidieran volver anidar en su añorada granja.

El resultado es una instalación que combina lo estético y funcional. Como el decorado de una función teatral If we lived here se establece en el paisaje, rindiendo un emotivo homenaje en el que la infancia de la autora esta muy presente. Completando la instalación y a modo de documento testimonial, se puede observar la actividad que se desarrolla en la granja ficticia, accediendo en tiempo real a través de dos web cam instaladas en sus alrededores.

Formado como artista plástico Dariusz Klimczak ha conseguido hacerse un prestigio como fotógrafo freelance, actividad con la que adquirido los conocimientos necesarios y que combina con su labor periodística en una fecunda trayectoria.

Apasionado por la naturaleza, faceta en la que ha mostrado contar con una diversidad de recursos y habildades, muchas de sus fotografías son producto de instantáneas de paisajes que captura en el transcurso de las numerosas excursiones que realiza por los alrededores de la localidad polaca de Leba, donde reside con su familia.

Nacido a finales de la década de los años sesenta del siglo pasado en la localidad de Sieradz, una ciudad en el centro de Polonia, Klimczak cuenta con una carrera profesional que cubre tres decadas. A lo largo de este tiempo ha creado una identidad propia, sus comienzos fueron precoces mostrando grandes cualidades que perfeccionó en su periodo de formación en la Escuela de Arte Zduńska Wola.

SUS FOTOGRAFÍAS SURREALISTAS SON ODAS AL TIEMPO

Aparte de su labor como fotógrafo ha trabajado como pintor, y periodista freelance. Antes de centrar su atención únicamente en la fotografía. Ciertamente se puede observar esta experiencia en otros ambitos en su trabajo fotográfico.

En cuanto a las técnicas que emplea su favorita es el filtro monocromático, la cual aplica de forma recurrente en sus trabajos. Con el que les da a sus imágenes una sensación de simplicidad y extrañeza que involucra al espectador en una historia no lineal que combina ironía y significados volatiles.

Está mezcolanza puede atribuirse en gran medida a su yuxtaposición de objetos y figuras cotidianas y reconocibles con paisajes vacíos, como desiertos y extensiones de campos de cultivo. Creando imágenes que no tienen restricciones en términos de imaginación vinculando inextricablemente su práctica con el movimiento surrealista.

Aunque en su porfolio predominan las fotografías en blanco y negro, sus habilidades para manipular cuidadosamente paisajes hasta convertirlos en surrealistas, a los que de forma sutil añade elementos domésticos y objetos cotidianos con los que reinterpreta el paisaje humanizandolo.

La secuencia recurrente de figuras y formas complejas, incluye esquemas visuales irregulares y patrones donde la limpieza de la perspectiva simétrica contextualiza la escala del terreno donde se narra la acción. Cada imagen monocromática presenta un vasto paisaje que se extiende y profundiza en una visión a veces desoladora, donde el paso del tiempo prevalece relegando cualquier otro vestigio material al terreno de lo desconcertante. Patrones geométricos se alternan con elementos naturales, provocando que la imagen llegue a adoptar una escala panorámica dotando de profundidad a la fotografía que se extiende abarcando todo el contexto visual.