Nomada Q

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Aparentemente la ultima propuesta realizada por el estudio Stereotank para la ultima edición del Pen World Voices Festival que se esta celebrando actualmente en New York, es un elemento cuya función es meramente estética. Pero si guiado por la curiosidad el usuario accede a su interior, descubrirá que The Little Free Library ofrece el soporte perfecto por el que intercambiar libros usados en el espacio publico.

Ubicada en el patio de entrada de St. Patrick’s Old Cathedral School, sus creadores se proponen con su presencia en el espacio publico, facilitar un lugar resguardado pero a la vez visible, donde poder consultar una selección de libros depositados por los propios usuarios.

Realizado con materiales procedentes de reciclaje, una caperuza circular sirve de estantes para los volúmenes que se depositan. Encajada en un cuadripode de madera, el caparazón en este caso de plástico presenta orificio que permiten una comunicación visual con el exterior y viceversa.

Entre las numerosas fotografías que componen el porfolio de Jerry Uelsmann, he escogido aquellas en las que la presencia de los arboles como modelos retratados. De alguna manera son los protagonistas del argumentos a partír del que contar una historia.

Realizadas en blanco negro Jerry no tiene la necesidad de utilizar programas de tratamientos de imagenes para crear montajes. En los que los elementos oníricos se entrelazan con la materia vegetal creando una comunión que visualmente resulta poetica.

Nacido en Detroit, y con sede en Florida el reconocido fotógrafo Jerry Uelsmann ha estado manipulando fotos mucho antes, de que debido a la era digital se desarrollaran aplicaciones como Photoshop transformando el mundo de la fotografía.

Creativos y sugestivas sus trabajos son producto de interpretaciones surrealistas del paisaje. Composiciones que están realizada de forma artesana en su particular cuarto oscuro, en el que ultimamente ha incorporado sin embargo la tecnologia.

Uelsmann utiliza múltiples puntos negativos y hasta una docena de ampliadoras para crear imágenes compuestas que nos sumergen en pasajes oníricos. En los que la naturaleza tiene una fuerte presencia.

Su singular y personal presentación de imágenes que van más allá de la documentación básica. Da como resultado obras que fascinan a casi cualquiera que se aproxime a ellas. Incluso hoy en día donde debido a la incipiente inteligencia se pueden conseguir todo tipo de imagenes igual o más sorprendentes en unos pocos segundos.

Su inventiva a veces mezcla propuestas narrativas que visualmente resultan simple y llanamente de otro mundo. Tratando temas poblados por motivos visuales opuestos a la perfección que muestra una fotografía de forma habitual. Como si la imperfección formará parte de la historia visual de la fotografia. En un contextos en el que la presencia del ser humano y la naturaleza se convierten en uno fundiéndose, y lo imposible se hace posible en el mundo surrealista de Uelsmann.

El Jardín Encendido (ON) es una intervención que combina materiales orgánicos transformando en paisaje interior el hall de la facultad de filosofía Universidad de León en España, y sonidos extraídos de la naturaleza.

Teselas de césped alfombra el patio interior de la facultad en relieve la palabra ON(encendido), da la bienvenida a los estudiantes y catedráticos de forma inesperada que recorren las instalaciones tratando de evitar pisar la extensión que ocupa la totalidad de la plaza central.

La intervención realizada por el artista local Alfredo Omaña supone la ocupación de una superficie de 311 metros cuadrados. El artista ha jugado con el factor sorpresa, ya que desde la perspectiva de la instalación el observador solo contempla una extensión de césped, es cuando accede a la planta superior cuando se muestra en relieve el termino ON.

Montado en tres días de intenso trabajo, El jardín encendido forma parte de las actividades de la XIX edicion de la muestras El Hall Transformado, pudiendo ser visitada hasta finales de mayo/principios de junio siendo la entrada libre. El jardín encendido pertenece a una serie en la que el autor trabaja desde hace años bautizada como ArtGarden.

Aunque de forma ordenada la extensión de césped natural coloniza el pieza rectangular ofreciendo una doble perspectiva del enunciado, dependiendo de la posición desde donde se situé el observador. La experiencia se completa con una banda sonora compuesta por trinos de diferentes especies de pájaros.

Los libros esculpidos por el estudiante de diseño inglés Thomas Wightman, tienen una dimensión social que pretende concienciarnos mediante la realización de obras empleando técnicas de papiroflexia.

Que conceptualmente reproducen diferentes episodios vividos por pacientes que padecen transtorno obsesivo compulsivo (TOC). Y de las consecuencias de experimentar este trastorno.

Utilizando una simbología que navega entre el surrealismo y experiencias cercanas al psicoanálisis. Cada escultura-libro es una aproximación a las pulsiones que propician este tipo de comportamientos repetitivos.

Utilizando un lenguaje alejado de los tecnicismos formales de la psicoterapia. Cada trabajo está realizado con esquisito detalle, habiendo sido rescatados de la basura o donado. Se "reescriben" artisticamente, narrando un testimonio transmitido en primera persona al autor.

Thomas esculpe libros con imagenes metafóricas alusivas e inspiradas por los testimonios de paciente con TOC, a través de las que recrea en un contexto visual el lado emotivo de estas personas.

Compuesta por tres piezas esculpidas la serie comienza con un titulo elocuente Ahogamiento de Obsession, donde se muestra un barco de papel que se hunde en una espiral de obsesión.

En otra escultura titulada Plagado por la duda utiliza como figura del TOC un enjambre de insectos y tipografías de letras. En las que los insectos devorando un libro, representando en este caso como el transtorno anula la conducta.

Finalmente en Descarrilamiento mi tren retrata la enfermedad incorporando un tren que ha interrumpido su viaje, simbolizando el período de ansiedad y pánico que causa el TOC.

En la serie titulada Anthropocene (antropoceno), su autor el fotógrafo David Thomas Smith analiza a través de la simetría urbano, el impacto que ha tenido sobre el medio ambiente el desarrollo urbanístico en buena parte de las ocasiones escasamente planificado. Para eso utiliza tomas extraídas del conocido programa de localización geográfica Google Earth.

Centrándose en los temas de la globalización, la economía y la industrialización, David Thomas Smith realiza composiciones fotografícas donde las áreas geograficas se delimitan a partir de geometrías que se contraponen como en un espejo. Aunque estas imágenes se basan en la realidad, muestran una fantasía calidoscópica del mundo creado por la voluntad del ser humano.

Antropoceno es un término usado para describir la era en la que la presencia del ser humano moderno ha impactado sobre la tierra. Si bien no es un término oficial en el campo de la geología, si sirve para definir todo un periodo de nuestra historia que se caracteriza por la modificación del medio ambiente, debido a las malas practicas de nuestra civilización.

El artista con sede en Dublín fragmenta extensas áreas contempladas a vista de pájaro, componiendo un mapa paisajístico visual a través del que se encarna una realidad en muchos aspectos desoladora, a partir de la que cualquier buen observador puede reflexionar, sobre las consecuencias de la actividad humana sobre el planeta tierra.

En 1.996 se finalizo el edificio mas alto de Estocolomo en Suecia. El diseño original del mismo firmado por el arquitecto Henning Larsen contemplaba en principio la contrucción de un inmueble de cuarenta alturas.

Suficiente altitud como para proporcionar al Söder Torn la categoria de rascacielos, pero debido a la normativa de edificación de la ciudad. Que limitaba la construcción en vertical estableciendo una altura maxima, se tuvo que modificar ante la alternativa de no llevarse a cabo.

Diecesiete años después este marcó normativo municipal se volvió más flexible permitiendo ampliar las veintiseis alturas actuales, añadiendo las catorce que faltan. Siempre y cuando el diseño cumpla con determinados requisitos tanto esteticos como funcionales.

Este resquicio en la normativa lo aprovechado el estudio local Belatchew Arkitekter, para rediseñar el proyecto original, convirtiendo parte del edificio en un enorme aerogenerador eólico. Solución energética de origen renovable con el que estima que se conseguirá su autonomía energetica.

Ademas de producir energia a partir de un sistema basado en la piezoelectricidad, lo que permitira que las autoridades representantes municipales puedan conceder los permisos necesarios para que se continue con la construccion. Concesión que se lograr gracias a la incoporación al proyecto original de sistemas basados energias renovables.

La piezoelectricidad trabaja a través de la compresión de cristales termodinamicos, que se encuentran dentro de los ventanales que recubren el edificio. Al cubrir la fachada exterior con millones con esta solución altamente sensible a las variaciones de temperatura exterior.

Este innovador sistema mixto garantiza su eficiencia energética y bio-climatizacion interior, sistema que complementara con las turbinas eolicas instaladas en determinadas áreas de la fachada del edificio.

Un aspecto adicional es el componente estético que se revela cuando el movimiento constante de las vainas que lo recubren, crean un paisaje ondulado en las fachadas. El edificio, de repente cobra vida dando la impresión de ser un cuerpo que está respirando.

El Strawcraper (nombre alusorio a la función del proyecto) es una extensión del Söder Torn transformándolo en una central productora de energía urbana, Belatchew Arkitekter quiere dar al Söder Torn sus proporciones originales y al mismo tiempo explorar nuevas técnicas que podrían crear el parque eólico urbano del futuro. Mediante el uso de tecnología piezoeléctrica.

En las obras de David Emitt Adams un fotógrafo que experimenta con viejas técnicas fotográficas implementándolas en diferentes objetos. En su ultima serie titulada Conversations with History.

Ha elegido como medio expresivo la técnica conocida como colodión húmedo, creando impresiones de paisajes desérticos utilizando como soporte los cubos de las latas de refresco.

Que se encuentra en sus expediciones, las cuales realiza por las numerosas y extensa áreas desérticas, que componen la mayor parte del estado de Arizona.

En Conversaciones con Historia se compara el pasado y el presente de la fotografía y su relación con los paisajes desérticos del Oeste americano. Adams recoge latas desechadas, algunas datan de la década de 1970, que han sido esparcidas por el desierto.

Estas latas "extraviadas", oxidadas y corroídas representan la evidencia del paso del tiempo y la presencia de la luz. Los dos componentes principales inherentes a la propia naturaleza de la fotografía, sirviendo como una reliquia donde fijar imágenes en su superficie.

El colodión húmedo es un procedimiento fotográfico creado en el año 1851 por Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto. Consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro.

El proceso de trabajo intensivo produce una imagen negativa en la superficie del metal. El resultado es una obra, un artefacto donde la fotografía vincula el paso del tiempo con el soporte y el lugar de donde fue recuperado.

David nació en la población de Yuma Arizona en 1980, en la que siempre ha residido por lo que es un perfecto conocedor de cada palmo del desierto que ha recorrido en numerosas ocasiones.

Este conocimiento del terreno y su afición por la fotografía y su historia lo combina creando piezas donde la pátina es la evidencia de lo que en ese lugar pudo haber sucedido en algún momento más o menos reciente.

Realizada con fibra reforzada la Micro-House es un habitáculo compacto que bien podría haberse inspirado en la pieza de un juego Lego de construcción. Cada unidad parte de una realidad geométrica rectangular formando una cruz.

Se trata de un concepto modular apilable, ideado para que sus piezas encajadas construyan una estructura habitable. Un modelo constructivo que permite ampliar las alturas en función de las necesidades y demanda del cliente, de forma discreta y acortando de forma notable los tiempos de construcción en relación a una obra ordinaria.

Diseñado por el Studio Liu Lubin con sede en Beijing, se trata de una estructura ligera fácil de trasladar e instalar, pudiéndose ubicar como anexo a una vivienda ya existente o como entidad independiente. La MH es una propuesta arquitectónica que planifica el acceso a la vivienda desde la unidad.

Actuando como una combinación de muebles y elementos de arquitectura modulares. al ser girada, la unidad cambiará su contexto espacial. Cada unidad se puede utilizar como una habitación individual-funcional, su rendimiento se maximiza cuando se presenta en términos de conjunto.

El diseño de la MH se basa en la utilización del ahorro de materiales y máximo rendimiento del espacio habitado. Marchándose cómo prioridad el facilitar la interaccion de las personas que lo habitan en un entorno reducido

Acabada en colores claros con los que se logra ampliar la sensación de espacio en su interior, las esquinas tanto en su cubierta exterior como interior se han pulido quedando redondeadas evitando posibles accidentes. Una gran ventana en el centro se convierte en acceso al mudulo, actuando como lugar desde donde comunicarse con su entorno.

Utilizando como soporte de almacenamiento y exposición de libros un sencillo telar, los volúmenes quedan prendados de los cordeles sostenidos por un tope que regula su posición en el bastidor. Tan ingenioso diseño ha sido creado por el estudio con sede en UK Raw Edges como proyecto para la ultima edición de la Semana de Diseño de Milan.

La Bloom Bookshelf fue comisionado por el British Council para sostener las obras de ficción de la revista literaria Granta, una selección de los mejores jóvenes novelistas británicos de las ultimas tres décadas. La obra combina la función de estantería y una estética original creando una instalación inteligente.

Raw Edges esta formado por el tándem de diseñadores Yael Mer y Shay Alkalay, originarios de Tel-Aviv. El enfoque principal de Yael incluye convertir materiales de dos dimensiones en formas funcionales curvas, mientras que Shay se siente fascinado por cómo se mueven los objetos, su función y reacción. Desde que obtuvieron su graduación en el Royal College of Art en 2006, han recibido varios premios de gran prestigio. Sus obras han sido exhibidas a nivel internacional formando parte de la colección permanente del MoMA de Nueva York.

Que te parecía pasar un rato agradable en buena compañía escuchando música en directo y degustando una carta de cocktails de autor, tentador, sugerente, exclusivo. Son palabras que enseguida asaltan la mente, pero en el caso de The Nigth Heron el ultimo proyecto pop-up producido por Wanderlust Projects, y del que como en otras ocasiones se encuentra su principal artífice N.D. Austin, nos muestra que existen formas alternativas de vivir el ocio nocturno.

Conocido en la noche Newyorkina por rodearse de colaboradores de diferentes disciplinas; decoradores, diseñadores, músicos...... Austin explora los mas recónditos lugares de la ciudad, seleccionar uno que por sus características se adapte a su idea de ocio nocturno, y tras acondicionarlo decorandolo con una temática acorde con la actividad que se va a realizar, convocar vía redes sociales a los invitados que deseen asistir a una de sus efimeras veladas.

En este caso tras explorar el distrito de Chelsea, localizaron dos depósitos de agua construidos en madera y que datan de finales del siglo XIX, situados sobre la cubierta de una fabrica abandonada. Su acondicionamiento suposo una labor intensa, inspirándose en la estética de las cantinas marineras para su interiorismo.

En total la cifra de invitados ascendió a seiscientas personas, que tras presentar como tarjeta de invitación un determinado tipo de reloj, accedían al interior del deposito por una trampilla. Eran recibidos por el propio Austin como anfitrión y maestro de ceremonias.

Debido a las limitaciones de superficie útil y la forma estructural circular propia del deposito, se opto por liberar espacio desde el centro utilizando como mobiliario mesas plegables adaptadas a las paredes curvilíneas del deposito. Situando a los músicos en altura por encima de los asistentes lo que facilita la distribución homogenea del sonido.

Debido a su carácter efímero The Night Heron se mantuvo abierto durante seis semanas consecutivas, con el cartel de no hay en billetes en cada sesión cada uno de los invitados que pagaban entre 80 y 300 dolares por cada reloj, cuya posesión daba derecho al que le era regalado, poder disfrutar de una experiencia única en un ambiente acogedor que explora alternativas al ocio nocturno actual, donde el elemento arquitectónico se corresponde con la actividad programada y el tipo de publico que participa.

El artista urbano frances Levalet utiliza elementos del mobiliario urbano y accesorios como complementos de sus intervenciones, con los enfatiza la acción dramatizada de sus personajes reproducidos en papel. Realizados a escala real, suelen adoptar posiciones que recuerdan a los gestos de los mimos que te encuentras actuando en las plazas de muchas ciudades.

Aunque las técnicas que emplea son de exterior, muchos de sus proyectos se realizan en espacios cerrados lo que les confiere una dimensión decorativa donde el entorno se convierte en parte activa de la intervención.

Son estos recursos inusuales en el arte urbano y su tratamiento lo que permite al espectador emplear la imaginación a partir de lo inesperado y lo fortuito en la naturaleza de la acción, suponiendo un estimulo para el que contempla su obra.

Residente en París donde ha desarrollado la mayor parte de su trayectoria artística, cada uno de sus proyectos implica un intervalo de tiempo que se dilata hasta que cristaliza en la localización adecuada, para eso se tiene quedar las condiciones idóneas de luz. Inspirado por la gestualidad teatral algo que traslada a sus dibujos con un estilo donde se acentúa la expresividad de los modelos que participan en sus proyectos.