Rekaone,un verano en París


Las condiciones del lugar donde se desarrolla la obra de un artista definen su obra, existen multitud de ejemplos en los que el vinculo entre el autor y la ciudad donde desarrolla su obra es tan fuerte, que seria complicado reconocer las características de determinado, prescindiendo de la luz, la arquitectura, las sombras, los olores, colores e incluso el carácter de sus gentes.

El artista de Melbourne (Australia) James Reka de nombre artístico Rekaone, se ha formado artísticamente, desarrollando la mayor parte de su prolífica carrera en las antipodas, donde ha realizado numerosas intervenciones en diferentes ciudades, empezando por su lugar de residencia, desde donde ha proyectado su imagen. Pero siempre anhelando alcanzar el viejo, deseo que se ha cumplido este verano.

Bristol y Londres en (UK) y sobre todo París, donde ha concentrado el grueso de su producción estival. Aplicando la mismas técnicas y el estilo que le caracteriza, Rekaone ha logrado profundizar en la identidad de su trabajo, armonizandolo con el paisaje urbano donde cobra un sentido completo, mostrándose los matices en todo su esplendor. 

Sus orígenes se encuentran en los callejones y las líneas metropolitanas en los suburbios de la ciudad, que le vio crecer, donde ha madurado un estilo popular, donde conviven personajes que emergen del imaginario de Reka, y que esta influenciado por el surrealismo, el arte abstracto y la cultura pop. Sus personalidades son similares a los de su contexto metropolitano a menudo decrépito, creando de un diálogo entre el espectador y su entorno a partir de sus murales.

Debido a esto Rekaone ha desarrollado un estilo que surgió de sus habilidades creando logotipo comerciales, con líneas simples pero sorprendentes y formas de color. También tiene una base aportada por el anime y la cultura del juguete. Con el tiempo, los logotipos y símbolos evolucionaron hacia formas más estructuradas, aplicándolo tanto a murales como diseño gráfico y fotografías.


Emily Dickinson

Mucha locura es la mas divina sensatez
Para un ojo sagaz
Mucha sensatez .-es la mas absoluta locura-.
La mayoría
En esto, como en Todo, prevalece
Asiente .-y estarás cuerdo-.
Objeta .-e inmediatamente eres peligroso-.
Y seras encadenado.

Cannondale Concept Bike, una bici sin cadenas


La ultima edición de Eurobike en Alemania, pese a la situación anodina de los fabricantes de bicicletas, se aumentado el numero de expositores y visitantes, aunque según sus organizadores donde se ha observado un mayor incremento ha sido en la presentación de prototipos por parte de los estudios de diseño, que se acercan a los stand para mostrar sus ultimas ideas en cuanto al diseño de bicicletas y e-bikes, un apartado el de las bicicletas  eléctricas, que como ya es costumbre en las ultimas convocatorias ha concitando buena parte de la atención del publico y los medios acreditados.

El modelo Cannondale Concept Bike, presentado  por el estudio Priority Designs destaco por su impactante diseño, y por integrar un innovador sistema modulador que sustituye a los engranajes de la cadena y los piñones de la rueda de la rueda trasera. Regulable de forma dinámica, la conducción de la bici se basa en el concepto CERV, un manillar flexible se mueve de forma dinámica tanto de proa a popa como en vertical de arriba  hacia abajo. 

La genialidad radica en lograr que el sillin no se desplace en relación al manillar. Este sistema pone al ciclista en una posición óptima según las características d el terreno. El manillar se inclina de forma vertical hacia adelante y hacia abajo cuando el terreno es descendente. Al subir, se inclina hacia arriba y hacia atrás, adoptando una posición más equilibrada del manillar. 


Kusmi Robertrowski - Mock-Up of the Demolition Project


Antes de presentar su ultima instalación No-Pain, en el Festival de arte de Edimburgo (Escocia), donde reproduce las instalaciones de una clinica veterinaria clausurada debido a sus malas practicas, donde el artista polaco Kusmi Robertrowski vuelve por sus fueros, realizando una obra a gran escala donde escenifica una localizacion, que en su momento fue reformada, diluyendose parte de su historia. Abre un breve inciso con la intervención Mock-Up of the Demolition Project, siendo prácticamente lo opuesto al proyecto anteriormente mencionado, pero aun así de temática similar. 

Un edificio, poco antes de ser demolido, es sometido a un lavado de cara, pintado de blanco, junto con todos los objetos relacionados con la estructura, su aspecto inmaculado a punto de ser derribado, contrasta con los edificio adyacentes, que pese a ser de construcción mas reciente, presentan ya las cicatrices del paso del tiempo. En esencia el resultado es un modelo para la deconstrucción en el lugar donde se construirá un nuevo edificio, borrando cualquier referencia a la antigua edificación, en esencia el blanco simbolizaria el alma de la antigua vivienda.

Conocido por recreaciones meticulosas de escenarios históricos, las instalaciones de Kusmirowski desafían a la noción de lo real. Un híbrido de la imaginación del artista y los recuerdos personales de lugares reales, y de la versión representada en las películas y fotografías, estas obras reunen objetos encontrados con elementos construidos como madera, cartón, pintura y otros materiales como estructuras y objetos diversos, con los que el artista profundiza en las historias del pasado personal y colectivo, hurgando en la memoria del lugar, e interrogándose sobre lo que sucedió.


André Broessel/Spherical Glass Solar




El prototipo solar diseñado por el arquitecto alemán André Broessel para la firma Rawlemon, adopta la forma esférica del disco solar, en un modelo que imita al astro rey, y que según su creador alcanza una eficiencia de radiación solar del 35%. Las células de Spherical Glass Solar están fabricadas con laminas ultrafinas de silicio monocristalino, que permite adaptarse a las esferas.

Las lentes Spherical Glass Solar, emplea tecnología fotovoltaica concentrada, con un sofisticado sistema de seguimiento óptico. Actuando como una lente, la plataforma grande llena de agua el orbe, concentrando la luz del día difusa o luz de la luna en una célula solar con la ayuda de seguimiento óptica. En ciertas configuraciones, el prototipo puede ser utilizado para la generación de energía solar térmica. Además del modelo estándar destinado para grandes explotaciones. Broessel ha desarrollado una versión móvil del destinado a uso doméstico.

Estos dispositivos no son su primera incursión en la energía fotovoltaica concentrada, pero probablemente es el visualmente mas impresionante. Si la visión del arquitecto con sede en Barcelona del futuro se hace realidad, el diseño de Spherical Glass Solar, se podría combinar con diferentes materiales, adaptandose a las mas diversas estructuras arquitectónicas, produciendo un efecto decorativo e incluso artístico.


Helsinki Plantram, montaña rusa vegetal


A lo largo de la ultima semana, una de las líneas de tranvía de Helsinki ha estado llevando un cargamento inusual - plantas donadas por los pasajeros para su inclusión en un jardín urbano parque, construido a partir de madera reciclada en un sitio industrial en desuso en la capital finlandesa.

Inspirado en una montaña rusa emblemática de madera construida para los Juegos Olímpicos de 1952 en Helsinki, el tranvía Planta Urban Garden fue comisionado por el Briti Councilsh y diseñado por el estudio de paisajismo londinense Wayward como un "proyecto participativo" que utiliza la red de la ciudad, el transporte local para construir un  jardín para disfrute de sus ciudadanos. 

Compuesto por cajones de madera alineados a diferentes alturas, el jardín urbano en sí permanecerá en exhibición en Suvilahti, una antigua central eléctrica y  fábrica de gas en el noreste de la ciudad,  hasta el 16 de septiembre, como parte de World Design Capital de Helsinki 2012.

Alicia Martin - Sculpturen van letters


Invitada por la Papier Biënnale 2012, que se celebra en La Haya (Países Bajos), la artista Alicia Martín, convoco a los ciudadanos de la ciudad, para que aportaran los miles de libros con los que ha realizado la instalación Sculpturen van letters. Una cascada en forma de torrente, que se precipita desde una ventanas del piso superior, del Museo Meermanno, marco que acoge una de las muestras mas singulares del viejo continente, un encuentro en las que sus participantes elaboran sus obras in situ, utilizando como principal material el papel y la celulosa en sus diferentes variantes.

Como en anteriores ocasiones Alicia Martín recurre a un elemento de la naturaleza, para trasladarlo al paisaje urbano. Utilizando los libros como chorros de agua, un artificio que  visualmente tiene un gran impacto estético sobre el espectador, para el que el significado de la intervención es facilmente comprensible.  

Alicia Martín ha utiliza medios como la fotografía, la escultura, la instalación, el dibujo o más recientemente el vídeo. Una de las constantes que caracteriza su obra es la utilización casi obsesiva del libro como materia prima. La metáfora del tiempo, la ocupación del espacio, la relación del arte contemporáneo con la cultura, la memoria bibliográfica como representación física del conocimiento, o la ética como cuestionamiento de todo aquello que se enseña, son algunos de los elementos que configuran su imaginario.


Fotografias COLLABCUBED

Jonpasang - Hyper-Matrix, cine pixelado en 3D, una experiencia revolucionaria


Desde que la tendencia en la realización y exhibición de obras cinematográficas en 3D se pusiera de moda, obligandota a ponerte unas gafas con lentes de colores para poder visionar una producción audiovisual.

Un accesorio que mas enriquecer tu experiencia de visionado, supone una molestia seudotecnologica, mi asistencia a las salas de proyección ha disminuido considerablemente. Habito que podría recuperar si algún visionario aplicara la tecnología, creada por el colectivo de arte multimedia Jonpasang para la instalación Hyper-Matrix.

Encargada por la compañía Hyundai para su pabellón en la ultima edición de la Expo Yeosu 2.012 en Corea. Según la creativa de Jin-Yo Mok, uno de los integrantes de Jonpasang -Bueno ... no es exactamente un salvapantallas, su concepto esta mucho mas cercano a una proyección de 180º-. 


Formada por cubos de poliestireno accionados por un motor, conectados a un ordenador, esta instalación cinética reproduce fragmentos de coreografías que incorpora figuras geométricas y objetos. 


Hyper-Matrix es una instalaccion que ofrece una experiencia visual completa en 3D, que podría tener un recorrido comercial en salas cinematograficas.

Las superficies tridimensionales rodean a la audiencia, que experimenta ópticamente como los cubos componen una diversidad de figuras geométricas y objetos, la matriz de esta manera se convierte en una superficie de proyección panorámica.




Paola Pivi - Pieles de oso


Como parte de la primera restropectiva que se realiza de su obra en el Rockbund Art de Shangai, la artista Paola Pivi, una serie de instalaciones por reproducciones de pieles de oso, que impactan por su realismo, dispuestas superpuestas el gesto amenazante de la cabeza de los oseznos, parecen cobrar vida. 

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Paola Pivi (n. 1979, Milán, Italia) vive y trabaja en Anchorage, Alaska. Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en toda Europa, Oriente Medio, Asia, Australia y Estados Unidos. Pivi recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia de 1999. Las Instalaciones de Paola Pivi, así como las esculturas, performances, y fotografías crean asociaciones sorprendentes y enigmáticas, relaciones visuales que amplían nuestra comprensión de la experiencia del arte contemporáneo. Reuniendo referencias sorprendentes de nuestro mundo cotidiano, ha orquestado  situaciones inesperadas, donde se mezcla lo cotidiano y lo surrealista, su trabajo en última instancia, nos habla de la  expectativa y lo imprevisto. En la práctica  Pivi desafía nuestro modo de compromiso mediante la presentación de la inconcebible como real.

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KOOP.AM - Detroit Hotel Project, contendores para transformar la arquitectura de Detroit


La ciudad de Detroit fue durante décadas símbolo del progreso y la prosperidad de la economía estadounidense, sede de muchas de las mas importantes compañias automovilisticas de los Estados Unidos.

Sus años dorados ya han pasado, produciéndose un deterioro económico que ha traído aparejado un abandono del tejido urbanístico. Quedando extensas áreas de la ciudad y sus edificios despoblados.

¿Entonces porque no reutilizar todo este excedente arquitectónico para otros usos?. Según los responsables del colectivo artistico Detroit Collision Works, que han optado finalmente por realizar el encargo de su nuevo espacio multiusos.


Al estudio especializado en construcción modular KOOP.AM. Existen varios handicaps como son las pésimas condiciones que presentan muchas de las estructuras arquitectónicas, ademas están las trabas administrativas y las condiciones económicas.

En este sentido los contenedores de embarque son considerablemente más duraderos que los materiales de construcción y baratos, y lo que más importante el proceso de construcción es aproximadamente un 30%, mas rápido. 


Cuando se finalice de la construcción de Detroit Hotel Project en 2.013, contara con un hotel boutique y un espacio de uso mixto para uso comunitario. El edificio pondrá a disposición de sus clientes 36 habitaciones distribuidas en contenedores de transporte, creando un espacio ecléctico, artístico y verdaderamente único hasta ahora en Detroit. 


Los diseñadores, ayudados por el Centro de Diseño de Detroit, eligieron el material de construcción modular debido al largo historial de Detroit con la importación y exportación de mercancías. También consideraron que el material era lo suficiente robusto, fácil de transportar, prestándose a múltiples combinaciones.

El objetivo de esta nueva instalación es proporcionar un espacio a sus colaboradores y artistas, en donde poder desarrollar y experimentar en un lugar donde estén las diferencias áreas integradas en un mismo edificio.

Además de ofrecer una estancia acogedora, sin tener que hospedarse en un establecimiento exterior. Además, la comunidad quiere más espacio para reunirse y colaborar, apoyar los programas de tutoría y compartir historias y experiencias. 

Aakash Nihalani reinterpreta la ciudad al cubo con cinta adhesiva


Utilizando cinta adhesiva convencional de la usamos de forma cotidiana en nuestras casas el artista Aakash Nihalani dibuja una diversidad de formas geométricas. Intervenciones con las que actúa sobre el  espacio publico transformando el paisaje urbano y su contexto desde una óptica lúdica e interactiva.


Utilizando sencillos cubos bidimensionales, trazados con cintas de múltiples colores, el polifacetico artista Aakash Nihalani, aborda el espacio publico desde una perspectiva en el su rendimiento a través de procesos creativos

Los cuales se inspiran en las mismas formas a partir de las que se construye en términos urbanisticos el entorno, con el que establece un diálogo estético que se muestra versátil desde un enfoque visual. Invitandote a participar integrándote en el a través de sus propuestas.


Contemplando los lugares comunes como un lienzo en el que diferentes texturas conforman un mosaico que nos muestra su diversidad. Juego de formas que cogen volumen y en el que tu como sujeto no te limitas tan sólo a observar.

Con su ultima serie titulada Long Island, culmina un periplo que se inicia en 2.007 en New York. Ciudad en la que reside desde su infancia cuando se traslado desde la India con su familia. Habiendo pasado la mayor parte en la gran manzana donde se ha formado academicamente.



Sus trabajos intervienen sobre el espacio publico, creando una ilusión óptica en 3D. En las que tanto el entorno donde se realiza como sus habitantes se transforman, reinterpretando el espacio donde se desarrollan y su uso.



Su próximo proyecto en 2013 será un encargo realizado para un proyecto recientemente finalizado del estudio de arquitectura de en el Herzog y Demeuron. Mas concretamente el escenario sera el Parrish Museum en Long Island en New York. Sobre cuyas fachadas actuara ofreciendo una yuxtaposición gráfica del paisaje y su influencia sobre el edificio.

 

David Mach - Adding Fuel to the Fire, tsunami de papel como alegato anticonsumista


Quizás sea muy pretencioso pensar que un caudal de palabra impresas sobre papel, puede transformar la realidad, desplazando otro tipo de estrategias que por su naturaleza parecen más propicias y evidentes a la hora de abordar cambios que afecten a la percepción que tenemos nuestro entorno.

Pero hay ocasiones en la que no es tan obvio como demuestra el escultor escoces David Mach, que creció en la localidad escocesa de Fife, es hijo de un minero polaco que se había mudado a Escocia después de haber sido encarcelado por las autoridades soviéticas en la década de 1930.

Tras ser nominado al prestigioso premio Turner, comienza a explorar las tenues frontera que existen entre la escultura tradicional y la capacidad expresiva de materiales como el papel. Por lo que se dedica a recoger toneladas de revistas y publicaciones, que tras procesarlas convirtiéndolas en bloques sumamente compactos y prensados.

La destina como material con los que crea enormes olas, cuya escala gigantesca engulle todo tipo de objetos, vehículos, muebles, Antigüedades, trastos viejos, electrodomésticos. Y todo aquello que por su volumen y peso se a ponga en su camino.


Acabando por ser engullidos y arrastrados por un oleaje impetuoso que brama palabras. Términos formados por fonemas, que a su vez sirven como piezas par crear frases que carecen de sentido y sintaxis alguna, más allá de la que el espectador quiera otorgarle.


Expuestas por primera vez en Galería Metronom de Barcelona en 1987, bajo el nombre Adding Fuel to the Fire, desde entonces ha conocido múltiples versiones. Que se han podido en ciudades que abarcan prácticamente todo el mundo convirtiéndola en una experiencia nomada.


Las instalaciones de David, minuciosamente elaboradas a partir de los excendentes  de residuos generados por esta sociedad hiper consumista, tiene como objeto analizar este comportamiento compulsivo en el individuo occidental. Que le ha convertido en un coleccionista de objetos, de los que se acaba deshaciendo, causando un enorme impacto sobre el medio ambiente.

JUMP INTO THE FUTURE:

After the end of the Covid-19 pandemic and a period of crisis, in 2023 David presents a piece entitled The Oligarch's Nightmare. With it he tries to express all his frustration from a creative point of view. Presented earlier this year in London, it is an irreverent and bizarre installation, in which one can identify the artistic traits that have constituted and forged Mach's identity.

ALSO IN SPANISH:

Tras finalizar la pandemia por Covid-19 y superar un periodo de crisis, David en 2023 presenta la pieza titulada The Oligarch’s Nightmare (la pesadilla del oligarca). Con la trata de volcar toda su frustración desde una óptica creativa. Presentada a comienzos de este año en Londres, se trata de una instalaccion irreverente y bizarra, en la que se pueden identificar los rasgos artísticos que han constituido y forjado la identidad de Mach.



Botiquín refrigerador portátil que funciona con energía producida por tracción humana


Diseñado por un estudiante de la Universidad de Northwestern de Chicago, que responde al nombre de James Dyson, su prototipo de refrigeración portátil, cuya energia para su funcionamiento se obtiene de la tracción humana, podría reducir el numero de personas que enferman en los países en vías de desarrollo, debido al deterioro y perdidas de millones de unidades de vacunación, por la falta de sistemas de refrigeración, que mantengan la temperatura de las dosis de vacunación entre 2 y 8 grados Celsius.

Con un coste medio que no llega a los 50 dolares, el refrigerador de medicamentos, creado por este aplicado estudiante de ingeniería industrial, ha sido recientemente galardonado con el primer premio que otorga anualmente la Fundacion James Dyson. Una convocatoria humanitaria dirigida a estudiantes universitarios de 18 países, cuyo objetivo es encontrar soluciones tecnologicas que proporciones a comunidades en vías de desarrollo.

El botiquín refrigerador, presenta un funcionamiento muy sencillo, solucionaría el problema de conservación de los farmacos y vacunas, en aquellas zonas remotas o aldeas, que por no disponer de acceso a la red eléctrica, carecen del mobiliario hospitalario preciso para conservar material clínico, y que según datos ofrecidos por OMS es responsables de hasta el 50% de las perdidas de medicamentos.

El botiquín funciona con un dispositivo de giro manual que alimenta un pequeño generador que carga una pila de 9V recargable de litio-ion. A su vez, la batería potencia la refrigeración termoeléctrica . Al girar la palanca por un plazo de tiempo de cinco minutos, una persona es capaz de proporcionar 15 minutos de potencia. 

El diseño simple presenta dos ventajas principales sobre los modelos más convencionales. En primer lugar, el circuito evita caídas repentinas de la temperatura, lo que destruiría las vacunas. Esta es una característica de seguridad que muchos países en vías desarrollo en todo el mundo carecen. En segundo lugar, no hay fluidos de refrigeración que podrían filtrarse al exterior, haciendo de este un producto respetuoso con el medio ambiente.