Nomada Q : graffiti

graffiti

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Su mera presencia en mitad de la nada y clavados en la arena o al abrigo de una duna, proyectando su sombra sobre la inmensidad del desierto y acompañados únicamente por el silencio que rara vez es interrumpido. Causa en la visión del curioso que se acerca en busca del encuentro de propuestas insólitas una mezcla de turbación y admiración.

Compuesto por una colección de alrededor de cincuenta vehículos el nombre de The International Car Forest of the Last Church, en el que se combinan la naturaleza a través del termino forest (bosque) y church (iglesia). Indica cuales fueron los parámetros y motivaciones que indujeron al dueño de esta propiedad Michael Rippie, un conocedor del terreno que pisaba una finca de ochenta acres situada en las afueras de la localidad de Goldfield en el estado de Nevada en pleno de desierto de Mojave.

A la hora de iniciar este curioso proyecto al que se incorporo poco después el artista Chad Sorg, y que desde el año 2.002 que abrió sus puertas se ha convertido en un lugar de peregrinaje para los buscadores de experiencias artísticas insólitas. Los vehículos que se presentan en diferentes posiciones, han grafiteados con motivos arbitrarios pero que en conjunto siguen un mismo patrón estilístico en el que lo mesiánico y la cultura ecológica configuran un espectáculo que transforma el paisaje.

Con el objetivo de transformar un paraje urbano compuesto por naves industriales en desuso, solares donde solo crece malas hierbas y vallas cuya superficie parece un libro de visitas. La artista urbana Katharina Grosse ha creado un paisaje donde el gris urbanita.

Ha sido sustituido por una paleta de colores que aplicados en función de las características de las áreas a intervenir revaloriza el entorno sobre el que actúa. Un entorno cuya presencia urbana es casi nula físicamente, pero que debido a que es cruzado por las decenas de lineas de ferrocarril, que desde la ciudad de Philadelphia utilizan decenas de miles de viajeros, que cada jornada de trabajo tenían que ver la versión mas degradada de la ciudad.

El proyecto llamado Psychylustro, forma parte de un ambicioso programa de arte publico promovido por la administración del condado. Philadelphia Mural Arts Program es una iniciativa de carácter abierta en la que participa artistas residentes y foráneos, y que tiene como ámbito de actuación el tejido urbano implicando directamente a los vecinos que afecta.

En total Katherina ha realizado siete intervenciones mediante las que ha conseguido visibilizar zonas de la ciudad que permanecen en desuso, presentando en muchos casos un estado lamentable, instalaciones que han sido revalorizadas estéticamente a pesar de estar catalogadas como distritos en proceso de ruina.

Katharina que cuenta con una amplia trayectoria como artista formal habiendo realizado numerosas exposiciones. Para su primer trabajo urbano ha optado debido a sus grandes dimensiones, la artista ha tenido que dejar de lado su tradicional modo de trabajar, sustituyendo los pinceles y pinturas, por un catalogo de aerosoles cuya aplicación garantizan una mayor resistencia adaptandose mejor a las superficies sobre las que ha trabajado.

No hay mal que por bien no venga, este sabio refrán debió pasar por la cabeza del dueño de una antigua licoreria, cuando el huracán Sandy asolo la ciudad New York en 2.012. Situado en el East Village el local fue parcialmente anegado, inutilizando el mobiliario y la practica totalidad del genero.

Ante este sombrío panorama y con un seguro que apenas le cubria las reformas que precisaba, tenia dos opciones capitular y entregar las llaves al banco o actuar con rapidez y urgencia, evitando perder negocio con el que se ganaba y por el que se había hecho popular en el barrio.

Inspirado por un icono de la cultura local y popular como es Basquiat, el artista urbano RAE residente en el aledaño distrito de Brooklin. Ha redecorado tanto el interior como la fachada exterior en un homenaje al caótico universo representado por la iluminaria pop en sus obras.

Al igual que este el collage realizado por RAE esta compuesto por elementos cercanos al comic, en los que dibujos de caricaturas se alternan con pinturas cubistas y motivos étnicos. Para inaugurar la nueva versión del negocio en cuya nueva etapa se destinara a explotarlo como ultramarinos, han montado una exhibición que debido a su éxito han ampliado hasta diciembre

Titulada Word of Mouth, aparte de la exhibición representada, tanto en las paredes como en el mostrador y en el mobiliario que a penas se pudo salvar tras el paso del tifón. RAE realiza un recorrido por trayectoria mostrando piezas que cubren varias etapas como artista urbano.

Situada en uno de los cruces principales en el centro de la localidad alemana de Sttugart. El moderno edificio que alberga las colecciones de la Arbart contrasta con el paisaje arquitectónico donde se enclava, compuesto por casas cuyo estilo rural es el característico en la zona. Unidades reidenciales construidas en madera muy influenciadas por la época luterana que es de la que datan.

Antes de que los volúmenes rectos formados por cubos superpuestos cuyas grandes lunas permiten al visitante acceder visualmente a su interior, en su parcela se levantaba una vivienda cuya tipología homologable a las adyacentes uniformaba el paisajes arquitectónica del barrio.

Debido a su abandono el edificio de tres alturas presentaba un estado de deterioro que amenazaba ruina, siendo objeto de actos vandálicos pasando a ser conocida como la casa del graffiti, debido a que su fachada había sometida a una intensa actividad por parte de los grafiteros.

Lo que propicio que sus actuales dueños y gestores antes de su demolición la convirtieran en una obra de arte, encargando a los artistas urbanos Simon Jung y Paul Hanno Schweizer, conocidos por su intervención en 2.009 en el edificio Cardillo de Scampia de Napoles. Una actuación que simbolizara su inminente desaparición.

Pintada en negro, de luto integral la vieja y destartalada casona anuncia de forma lúgubre su propio final antes de convertirse en escombros tras ser llevar a cabo su demolición controlada. En una ceremonia donde se hace participe a la comunidad de vecinos donde ha estado emplazada mas de cien años.

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Tipografías, geometrías o grecas formadas por diferentes patrones, toman forma a través de materiales orgánicos como el musgo o el césped principalmente. Como materiales a través de los que actuar creativa mente dentro del espacio publico.

Donde la diseñadora Anna Garforth con sede en Londres, en cuya ciudad se puede visitar la mayor parte de su obra. Ha demostrado su potencial discursivo y estetico. Aunque hay que subrayar que aparte de materiales de origen organico, en ocasiones añade papel pintado a sus intervenciones.

Las que son el resultado de combinar técnicas de paisajismo y arte urbano. Intervenciones que en todo están realizadas bajo un enfoque casi artesanal. Por lo tanto cada intervención se circunscribe en función de la tipología del paisaje urbano donde va a actuar.

Aplicando esta metodología consigue que la obra se integre en el contexto del lugar, viéndose como un elemento que limita con lo artístico y la función meramente ornamental en su entorno.

Matas de césped pulcramente troqueladas se incorporan de forma natural en las paredes y muros, creando la impresión de que su presencia tiene origen en las entrañas del hormigon y la arcilla roja de los ladrillos.

Siendo consecuencia de un fenómeno ajeno a nuestra compresión, que provoca el origen de trazos y figuras que utilizan como lenguaje narrativo el graffiti. Anna aplica un enfoque colonizador y parasitaria en el que experimenta con las posibilidades que ofrece una diversidad de materiales orgánicos como medio.

A través de las que manifesta ideas e inquietudes de diferente indole. Creando un discurso donde el mensaje y significado de la obra evoluciona con la germinación de los materiales empleados.

Con esta dualidad entre lo conceptual de la obra y su proceso germinal, Anna tiene por objeto reflejar el mundo y sus infinitas texturas y formas. Donde muchas especies de diferentes plantas y elementos hechos por el ser humano conviven en un ejercicio de simbiosis, construyendo un discurso armonico en el que participan formas naturales y elementos del mobiliario urbano retroalimentandose.

La trayectoria del artista griego INO corre paralela a la situación por la que atraviesa su país. En sus últimos proyectos ha abandonado toda referencia al color, sustituyendolo por una gama de tonos neutros con los que sin embargo consigue efectos próximos al hiperrealismo. Imagenes limpias donde ha suprimido los elementos accesorios.

Manos, gestos, rostros donde la elocuencia de sus miradas pintados aplicando un suave degradado produce, que el tratamiento de las sombras iluminen las imagenes humanizando su expresión, observandose en algunos casos un matiz áureo que transciende el mensaje aumentando su expresividad.

Aunque el grueso de su obra esta realizada tomando el espacio publico como lienzo a través del que manifestarse. También cuenta con una prolija trayectoria como pintor formal donde sustituye el aerosol por una técnica mixta donde aplica los mismos juegos cromáticos. Licenciado en bellas artes trabaja en la calle desde el año 2.000, habiendo organizado varias exposiciones.

Compuesta por siete intervenciones, la serie Suburban pretende subliminar a través de arte urbano la esencia de los arquitectónicos y sociales. Estos estereotipos que desmitificados estéticamente. Según su autor el artista australiano Ian Strange con Suburban no trata de cuestionar los valores que constituyen la forma de vida de las clases medias en la cultura occidental, pero si crea un contra plano donde realizar un sucedáneo de psicoanálisis, a partir del que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones.

Para realizar Suburban Ian selecciono siete residencias en diferentes localizaciones de los Estados Unidos, y se embarco en un viaje que le ha permitido ser testigo en primera persona del crisol a partir se articula el modus vivendi de sus habitantes.

De carácter especifico, ha utilizado como argumento el continente arquitectónico como calidoscopio a través del que observar estas realidades, para a renglón seguido transformar esta realidad solida, en la materia de una obra arte, en la que la mirada del artista muestra su versión de los hechos.

Suburban es un proyecto que comienza a planificarse en 2.011 extendiéndose hasta principios de 2.013. Que es cuando Ian catalogar toda la documentación acumulada en forma de miles de fotografías y decenas de grabaciones de vídeo, centrándose primero en la contextualización de todo el proceso.

Donde se detallan las motivaciones que propiciaron la selección de ciudades como Ohio, Detroit, Michigan, Nueva Jersey, Nueva York o New Hampshire. El resultado es una colección de fotografías completadas de un vídeo, donde se redifine la identidad de las viviendas unifamiliares retratadas.

Para su primera intervención en el espacio publico el artista plástico Tom Sanfords con sede en New York, recurre a la técnica del retrato, disciplina en la que es un experto y por la que obtenido un cierto reconocimiento. Dividido en siete secciones Saints of the Lower East Side reproduce los semblantes de otros tantos artistas.

Cuyo nexo de unión es el distrito de Lower East Side de Manhattan, a este común denominador hay que añadirle otra coincidencia, que sus trayectorias corrieron paralelas al origen, desarrollo y epilogo, del movimiento contra cultural norteamericano.

Realizada en el marco del programa de arte público ArtUp organizado por FABnyc. La exposición al aire libre cuenta con siete retratos pintados y montados sobre un bastidor de catorce metros. Estaba situado sobre el nivel de la calle, en un andamio que ocupa la marquesina del antiguo Culture Centre Street.

Martin Wong, Joey Ramone, Miguel Piñero, Ellen Stewart, Charlie Parker, Arthur Fellig y Allen Ginsberg. Son los siete iconos de la cultura norteamericana (la mayoría desaparecidos). A los que Tom homenajea se retratan añadiendo elementos que hacen referencia al genero o movimiento al que pertenecieron.

Tanto las pinturas como los murales realizados por el artista Hense guardan elementos comunes en su ejecución, compuestas por patrones de figuras geométricas combinadas con símbolos abstractos heredados de corrientes como el cubismo.

Hense crea patrones simétricos en secciones donde los planos están definidos por colores muy vivos que se solapan mostrando paisajes Pop, donde la arquitectura de la estructura donde se realiza el mural queda reflejada.

Con sede en Atlanta, las intervenciones de Hense debido a sus grandes dimensiones precisan de la participación de un numeroso equipo de colaboradores. En su ultima intervención ocupa la totalidad de una fachada lateral de un céntrico edificio del barrio de Miraflores en Lima.

Una obra para cuya ejecución se precisaron de la participación de hasta diez voluntarios que se apuntaron altruistamente para colaborar en la realización de un mural. En el que se emplearon 756 litros de pintura látex además de innumerable sprays de aerosol.

El trabajo de Hense que ha sido objeto de múltiples exposiciones, posee un marcado carácter lúdico. Suponiendo un delicado juego de formas geométricas, líneas y garabatos frenéticos ejecutados con un derrame furioso de tonos pastel saturados.

Su faceta como creador urbano no es solamente una extensión natural de la herencia visual radical del expresionismo abstracto. Sino que está impregnado de una paleta inspirada en algún paraíso tropical y una singularidad estetica que lo coloca firmemente entre los artistas urbanos con un estilo más personal del panorama actual.

Alex Brewer, también conocido como HENSE, es un artista contemporáneo estadounidense, conocido sobre todo por sus dinámicas, vivas y coloridas pinturas abstractas con las que materializa monumentales obras murales. Brewer, natural de Atlanta (Georgia), empezó su carrera pintando paredes de su ciudad a una edad temprana. Forjandose una carrera aceptando numerosos encargos a gran escala mediante una combinación de técnicas aprendidas a través de la escritura de graffiti y el lenguaje formal de la pintura abstracta. Consciente de que la arquitectura representa en su concepto y proceso de diseño y trabajo algo más que un soporte espacial, Brewer transforma drásticamente sus entornos recreando objetos y superficies existentes e infundiendo su obra en el paisaje existente.

Los hay románticos, didácticos, metafisicos e incluso los hay interrogativos, pero ninguno finaliza con puntos suspensivos. Las declaraciones poéticas realizadas por el colectivo Acción Poética Lima, tiene como escenarios algunas de las paredes (muchas de ellas en situación de ruina) ubicadas en los distritos mas pobres de la capital peruana.

Negro sobre blanco los versos a veces proclamas asaltan el paisaje urbano, lanzando mensajes concisos y directos donde el componente emocional diluye la retorica convirtiéndose en ideas que acompañan el caminar de aquel que tiene la fortuna de leerlas.

(En sus propias palabras)

Acción Poética Lima es un movimiento literario-mural. Este movimiento dio inicio en Monterrey (México). Fundado por el poeta Armando Alanís, con un propósito social, pretende fomentar un cambio en la sociedad con respecto a la desesperanza por lo evidentes conflictos que padecen en aquel país.

Por ello, el fin de este proyecto es la difusión de la poesía a través del pintado de muros, con lo cual podrás generar reflexión y también llevar un poco de romanticismo a una sociedad necesitada de cultura. Acción Poética Lima, como tal, inició formalmente sus acciones el 15 de diciembre del 2012 con lo cual se dio inicio a la aventura poética. El trabajo se ha ido expandiendo en diversos distritos de la ciudad con el mismo propósito por el cual inició.

El artista urbano frances Levalet utiliza elementos del mobiliario urbano y accesorios como complementos de sus intervenciones, con los enfatiza la acción dramatizada de sus personajes reproducidos en papel. Realizados a escala real, suelen adoptar posiciones que recuerdan a los gestos de los mimos que te encuentras actuando en las plazas de muchas ciudades.

Aunque las técnicas que emplea son de exterior, muchos de sus proyectos se realizan en espacios cerrados lo que les confiere una dimensión decorativa donde el entorno se convierte en parte activa de la intervención.

Son estos recursos inusuales en el arte urbano y su tratamiento lo que permite al espectador emplear la imaginación a partir de lo inesperado y lo fortuito en la naturaleza de la acción, suponiendo un estimulo para el que contempla su obra.

Residente en París donde ha desarrollado la mayor parte de su trayectoria artística, cada uno de sus proyectos implica un intervalo de tiempo que se dilata hasta que cristaliza en la localización adecuada, para eso se tiene quedar las condiciones idóneas de luz. Inspirado por la gestualidad teatral algo que traslada a sus dibujos con un estilo donde se acentúa la expresividad de los modelos que participan en sus proyectos.

Me apetecía dedicarle una entrada al artista urbano Seth, nacido en Paris se trata de un viajero incansable que ejecuta sus intervenciones desde un contexto que fusiona lo local y lo proximo en una sociedad que globalizando.

Allí donde aplica sus aerosoles y pinturas, refleja mediante sus trabajos las costumbres, y los rasgos propios de los miembros de la comunidad con los se relaciona, ademas de su religión. Empapándose en definitiva de la cultura de cada país y el continente al que pertenece.

Intervenciones a los que posteriormente añade su estilo. Motivos étnicos que se amalgaman con referencias a la situación socio-politica que experimentan las ciudades que visita y que posteriormente traslada a sus trabajos.

Desarrollando una dinámica donde la reciprocidad se convierte en una constante de su trabajo. Ejercicio que obedece a parámetros relacionados con la diversidad. A los que añade una cierta dosis de inocencia que se trasluce en las miradas ensoñadas de los retratos.

Seth realiza trabajos en el espacio público en los que suele conremplar la incorporación elementos surrealistas con los que deslocaliza la acción trasladandola a una visión global. Quedando lo subjetivo en el plano secundario.

Graduado por la Escuela Nacional de Artes Decorativas de París, Julien Malland ha pintado murales en la India, China, México, Brasil, Sudáfrica y en muchos otros países. Trabajos a partir de los que ha ido tejiendo su propio imaginario popular donde se funden lo cosmopolita y lo artesanal.

Creando un lenguaje comprensible por todos. En la actualidad trabaja para la televisión francesa como documentalista, faceta que le ha proporcionado herramientas a partir de las que enriquecer su discurso narrativo.