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Karina Smigla-Bobinski/ADA - analoge interactive installation

ADA acrónimo Instalación interactiva analógica, es una escultura cinética realizada por la artista alemana Karina Smigla-Bobinski. La instalación consiste en una enorme esfera de helio inflado atrapado dentro de una pequeña habitación de madera.  En la superficie de la esfera se le han repartido púas de carbón que al contacto con los bordes de la pared realiza un trazo diferente dependiendo de la trayectoria que siga la esfera.

Más recientemente se exhibió en el Festival Internacional de Lenguaje Electrónico de Sao Paulo (Brasil) de este verano. Su interactividad requiere de la participación de decenas si no cientos de visitantes, actuando de manera creativa artista-escultura, la auto-formación de obras de arte, se asemeja a un híbrido molecular, tales como un nano de la biotecnología. Se desarrolla la misma rotación de silicio-carbono-híbridos, máquinas en miniatura capaz de generar estructuras simples.

Pete Turner pionero de la fotografía en color

Lo que distingue a Pete Turner en el mundo de la fotografía es que está constantemente innovando. En 1956, se graduó en el Instituto Rochester de Tecnología, como parte de la primera promoción en recibir una licenciatura en Bellas Artes  dedicada a la fotografía. Ayudó a diseñar portadas de discos fuera de los retratos tradicionales en el reino de las imágenes conceptuales. Él experimentó con el color en los años 50, una época en que sólo se usaba el blanco y negro.
Turner, cuyo nombre es sinónimo de fotografía en color, tiene una larga y distinguida carrera como creador de imágenes para fines comerciales, editoriales y artísticos, entre ellos decenas de portadas de discos. Su  libro, El color del Jazz (Rizzoli, 2006), es una colección de fotografías que aparecieron en los álbumes de jazz de los años 50, 60 y 70. Su arte de tapa fue audaz y atrevido, con interpretación literal en lugar de imágenes en un momento en el que la mayoría de las portadas  sólo  retratos de los músicos.
Su ilustre carrera está llena de innovaciones. Turner ha abrazado el cambio a lo largo de su vida, y la constante innovación le ha permitido producir trabajo que es visionario y muy identificable. Las fotografías de Turner cuelgan en numerosos museos de todo el mundo, entre ellas la Maison Européenne de la Photographie de París, el Tokio Metropolitan Museum of Photography y el International Center of Photography de Nueva York. Él ha hecho un montón de trabajo comercial, publicando su trabajo en  revistas como Esquire y Sports Illustrated.

Chen Liao Hsun Chang Wen-Chih/Wind Cube, sistema de alimentación modular de viento

Fácil de instalar, con un alto coeficiente energético, su diseño modular facilita su adaptabilidad en función de las necesidades del cliente, y estéticamente presenta una imagen realmente atractiva. Wind Cube es un sistema que se viene a sumar a la cada vez mas amplia gama de soluciones domesticas.
  
Para aquellos usuarios que quieren realizar un proyecto de instalación de energías renovables, y que precisan que sus características faciliten su incorporación a la red energética de su hogar o negocio, requiriendo unos mínimos conocimientos de instalación y mantenimiento.


El diseño se compone de tres aspas eólicas montadas sobre una base, un generador, un mango telescópico, cable de alimentación eléctrica y un switch. Una vez instalados, estos aerogeneradores pueden empezar a producir electricidad. Sus creadores Chen Liao Hsun y Chang Wen-Chih estiman que cada cubo del viento será capaz de generar 21.6KWh de electricidad y 15 turbinas trabajando juntos podrían producir toda la energía de una familia de cuatro personas. Los Wind Cube o Cubos de viento puede ser fijado a la pared exterior de su casa con tres tornillos y haciendo clic en un solo conmutador activar el sistema así de sencillo y cómodo. Varios cubos también se puede conectar para generar más energía y potenciar toda la instalación.


Cubos de viento se pueden instalar individualmente o en grupos, la gran facilidad de conexión con otras unidades crean una estructura que recuerda a la de un panal. Cada unidad puede generar 100 vatios de potencia, gracias a la hoja retráctil. Cuando se activa, se puede regular su potencia en función de la demanda de energía. En condiciones meteorológicas adversas, las hojas se retraen en el soporte de pared para evitar roturas.

Células T modificadas genéticamente se convierten en Serial Killer en el tratamiento de la leucemia

investigadores de la University of Pennsylvania's Abramson Cancer Center y la Escuela de Medicina de Perelman han demostrado una remisión sostenida de hasta un año entre un pequeño grupo de pacientes con leucemia linfocítica crónica (LLC) tratados con versiones genéticamente modificadas de sus propias células T. El protocolo consiste en extraer células T de los pacientes y tras reprogramarlas, se inyectan de nuevo en el organismo del paciente después de la quimioterapia. Esta nueva tecnica se podria aplicar en el tratamiento de otros tipos de cáncer como los de pulmón, el de ovarios, el de mieloma y el de prostta. 


Los resultados, publicados simultáneamente en el New England Journal de Medicina y Ciencia Traslacional, son la primera demostración del uso de la terapia de transferencia génica para crear "asesino en serie",  de células T dirigida a los tumores cancerosos.

Los resultados de la prueba piloto de tres pacientes son un claro contraste con las terapias existentes para la LLC. Los pacientes que participaron en el estudio tenían pocas opciones de tratamiento. El único tratamiento curativo potencial habría implicado un trasplante de médula ósea, un procedimiento que requiere una hospitalización prolongada y lleva al menos un riesgo del 20 por ciento de mortalidad - y aún así ofrece sólo un 50 por ciento de curación, en el mejor de los casos. 

Tras Extraer de las células de los pacientes, el equipo dirigido por el doctor Carl June las reprogramo para atacar a las células tumorales mediante modificación genética para este cometido utilizaron un vector lentivirus. El vector codifica una proteína similar al anticuerpo, llamado receptor de antígeno quimérico (CAR), que se expresa en la superficie de las células T, diseñado para unirse a una proteína llamada CD19.

Una vez que las células T comienzan expresando el CAR, centran toda su actividad en matar las células que expresan CD19, que incluye las células tumorales LLC y las células B normales. Todas las otras células en el paciente que no expresan CD19 son ignorados por las células T modificadas, lo que limita los efectos secundarios por manifestadas en las terapias estándar.


Se ha observado hasta un incremento de 1000 veces en el número de células T modificadas en cada uno de los pacientes. Los farmmacos utilizados en quimioterapia no logran eso. Además de una amplia capacidad para la auto-replicación, las células T son asesinos en serie En promedio, cada célula T provoco la eliminacion de miles de células tumorales 

La importancia de las células T auto-replicación se ilustra con la descricion de la respuesta de un paciente, un hombre de 64 años. Antes de su tratamiento con células T, su sangre y la médula se llena de células tumorales. Para las dos primeras semanas después del tratamiento, nada pareció cambiar.En el día 14, el paciente comenzó a experimentar escalofríos, náuseas y fiebre, entre otros síntomas. Pruebas durante ese tiempo mostró un enorme incremento en el número de células T en la sangre que dio lugar a un síndrome de lisis tumoral, que ocurre cuando un gran número de células cancerosas mueren todos a la vez. El día 28 de tratamiento, el paciente se había recuperado del síndrome de lisis tumoral - y de su sangre y la médula no mostró evidencia de leucemia.

El equipo de Penn ya fue pionero en el uso del vector derivado del VIH en un ensayo clínico en el año 2003 en el que los pacientes tratados con el VIH con una versión amodificada del demostró la seguridad del vector lentiviral utilizada en el presente trabajo.

Los métodos de cultivo celular utilizados en este ensayo despertaban las células T que han sido suprimidos por la leucemia y estimulaban la generación de las llamadas células T "memoria", que el grupo espera que proveera protección contra la recurrencia. A pesar de viabilidad, a largo plazo el tratamiento es desconocido, los médicos han encontrado pruebas de que meses después de la inyeccion, las nuevas células se habían multiplicado y eran capaces de continuar su busqueda destruyendo las células cancerosas a través de los órganos de los pacientes.

ENESS/Mobius

Exhibida durante el mes de Mayo de este año en una conocida plaza de la ciudad australiana Melbourne conocida como Federation Square. Creada por el colectivo de arte en el espacio publico Ennes. Mobius es una instalación que consta de 21 triángulos verdes que se pueden configurar en varios patrones cíclicos con el que crear la ilusión óptica  de movimiento. 

Este es un ejemplo realmente fantástico de obras de arte público, con las que el usuario interactúa con el espacio convirtiéndose en un elemento mas de la obra de arte. Cada pieza está construida en espuma de poliestireno y recubiertos de poliuretano, con el mayor de dos metros por dos metros. Desde su fundación en 1997 Eness ha producido exposiciones interactivas incluyendo instalaciones de luz líquida, colaborando con compañías como Disney y el Cirque du Soleil.


Como una instalación de arte público que mezcla el arte con la tecnología, Mobius tiene la capacidad de adoptar diferentes series y formaciones. Esto permite que la escultura geométrica se comporte con autonomía. El resultado es una cautivador es una ilusión de movimiento e interacción

CLS/HELIOS REHAB SANCTUARY [Solar + Healing]

Las ciudades que verdaderamente aspiran a ser sostenibles aparte de centrarse en la economía de recursos, tienen que tener en cuenta las condiciones en que se desarrollan los ciudadanos que la habitan.  Conceptuada como un edificio de salud y rehabilitación para sus residentes,  el Helios Rehab Sanctuary es un proyecto arquitectónico inspirado en  las conocidas como  "comunidades de esperanza" espacios creados en la ciudad de San Francisco, donde sus residentes se ayudan mutuamente, la ciudad del futuro también se centrará en la vida sana ya promover este estilo de vida entre la población.

 
Diseñado por el estudio CLS, que encabeza el arquitecto Darren Chan, otros miembros del equipo son Emily Lau y Jonas Sin. El rascacielos se propone como una estructura de tres niveles: la zona más baja se centra en la curación del cuerpo, la mitad se dedica a la mente y la zona superior se centra en la curación del espíritu. Los 555 metros de altura del rascacielos están diseñado para ser un refugio de los rigores de la vida moderna. 


Los ciudadanos que requieren una rehabilitacion - ya sea física, mental o espiritual - podrían registrarse en este centro de curación. Se espera que una vez que se introducen en una comunidad pequeña, simpática, y en un entorno que se adapte a sus necesidades específicas, con el cuidado adecuado que volvería a su rol como miembros productivos de la sociedad. El edificio construido en plantas hexagonales, esta recubiertos de vainas en forma de concha que incorporan paneles que eliminan la contaminación purificando el aire, además cumplen con una función energética reflejando la luz solar en paneles Solyndra. Las células Solyndra que mediante unas vainas capturan la luz solar directa, difusa y reflejada por la superficie fotovoltaica de 360 ​​grados generan energía para la cubrir las necesidades del edificio. En función de las variaciones climáticas, se regula la refrigeración y el sistema de ventilación contribuyendo al ahorro energético.

Robots of Brixton

Robots of Brixton es una animación estrenada hace poco mas de dos meses, cuando los disturbios a los que hemos podido asistir acaecidos durante estos días en diferentes ciudades de Inglaterra. Quizás sea por este sentido alegórico del trabajo, por lo que su guionista y director Kibwe Tavares, ha decidido colgar una versión extendida de esta magnifica animación, tanto en el plano técnico  como en el narrativo y visual.

Producido por Factoty Fifteen, y con la fotografía de David Hoffman. La historia se desarrolla en un escenario apocalíptico poblado por comunidades de cyborg en la ciudad de Brixton (UK), que realizan los trabajos que no quieren hacer los humanos. La película sigue las tribulaciones de los robots pequeños que viven una existencia marcada por la pobreza, la desilusión y el desempleo masivo. Cuando la policía invade el espacio de uno de los robots, la convivencia se tensa entre los dos estallando de violencia.

Obey representa su deseo de paz en Oslo frente a la barbarie terrorista


Los antentados perpetrados en la ciudad Noruega de  Oslo el 22 de Julio de 2011 coincidieron con la organizacion por parte de la entidad socio cultural T&J Art Walk con sede en Londres del certamen de street art en beneficio de la organizacion pro derechos humanos Human Rights Watch. 

Que se esta todavía celebrando en la ciudad por esos dias. Con motivo de tan brutales hechos sus participantes, algunos de los mas representantivos artistas callejeros que hay en la actualidad, lejos de declinar la invitación y quedarse en casa ante la magnitud de unos hechos tan execrables. 

Decidieron comprometerse en asistir al evento como gesto de solidaridad cono las víctimas y acto de rechazo frente a cualquier tipo de violencia independientemente de su naturaleza y motivacion. En este contexto de incertidumbre los trabajos de artistas urbanos.


Como Logan Hicks, D*Face, The London Police, Faile, Will Barras, Shepard Fairey, Fenx, Galo y Martin Whatson, se percibieron y cobraron otro sentido obedeciendo su ejecución a parámetros y emocionales en los que se percibía el desconsuelo y la urgencia de los acontecimientos terribles.


Que una población, la que no esteban acostumbrada a este tipo de tragedias y actos terroristas desde finalizada la WWII. Lo que provocó que la inmensa mayoría de la población exhibirá síntomas de auténtica rabia, impotencia y conmocion.

  
Reacción que inmediatamente deseo plasmar una de las más ilustres firmas al evento ni más ni menos que el mismisimo Obey que plasmó toda esa serie de sentimientos que apenas podían aflorar en los rostros de las familias de las decenas de víctimas que hubo y que precisaban de un bálsamo que les sosegada y les proporcionara paz interior.

Un cuadro cuyo torrente de emociones desatada decidió incluir entonces una intervención que manifestara su rechazo ante cualquier  acto de violencia y a su vez fuera un manifiesto por la paz. El resultado es un mural realizado aprovechando la doble cara de un edificio. 

Los elementos centrales de tan elocuente intervención consisten en una paloma que emergiendo desde el centro de la composición simbolizaba la paz, y en la contigua dos fusiles que en vez de disparar balas, se convierten en floreros de los que salen rosas representando la vida frente a la barbarie.

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Numen / For Use

La ultima parada donde se ha exhibido la instalación creada por Numen / For Use, ha sido el patio central del Palazzo Strozzi en Florencia con motivo de la celebración de la ultima edición de la Noitte Bianca. Este recorrido que comienza en 2.009 el la semana del diseño en Viena, ha hecho escalas en Belgrado, en Berlin y en Frankfurt entre Agosto y Septiembre del 2.010. En cada cita el planteamiento similar en su concepción. Utilizando como materia prima múltiples capas de cintas adhesivas, La escultura tubular suspendida representa la metamorfosis y regeneracion natural o existencial.
Formado por Sven Jonke, Katzler Christoph, y Radeljkovic Nikola, con sedes en Viena y Zagreb. Cuentan con producción en diseño y en atrezzo de decorados escénicos. Combinacion que trasladan a sus monumentales instalaciones impresionante hechas con cinta de embalaje, tubos elevados y alrededor de las columnas que se extiende lo suficiente para crear pasillos consistentes como para que el visitante interactua con las estructuras.

Alvaro Siza Eduardo Souto de Moura/Serpentine Gallery


Con un frecuencia anual la Serpentine Gallery de Londres invita a un arquitecto de prestigio para que desarrolle un proyecto arquitectónico. Entre otros muchos han tenido la oportunidad de participar estudios como el de Zaha Hadid en 2.007, Oscar Niemeyer en 2.003, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa en 2.009.

En la edición de 2.011 el invitado fue el arquitecto Peter Zhumtor cuyo diseño estuvo expuesto hasta mediados de Octubre de ese mismo año en el jardín que rodea el edificio que alberga la colección de la Serpentine Gallery. 

En la edición del 2.005 (el que nos ocupa) fue seleccionado el diseño presentado por los arquitectos Alvaro Siza y el ultimo galardonado con el Pritzker el tambien portugués Eduardo Souto de Moura en el que colaboro Cecil Balmond. 

Como todos los proyectos el ideado por Siza, era una estructura efímera que representaba fielmente el estilo de su autor. El pabellón fue diseñado entre Portugal e Inglaterra, y fabricado en Alemania con tecnología finlandesa, la fusión de diversos elementos de diseño europeo en un solo proyecto, siendo su innovador diseño un pabellon multiusos temporal un ejemplo inspirador de la arquitectura actual.


UN PABELLON MULTIUSOS INSPIRADO EN LA NATURALEZA

Se trataba de un pabellón destinado al ocio y tiempo libre, donde el visitante podía sentarse y descansar mientras asistía a una performace o a una presentación, estamos ante una estructura versátil que debido a su amplitud y la carencia de obstáculos permitia la celebración de múltiples eventos de forma fácil y precisa. Su estructura una a ondulante de celosía fabricada en madera, rellenada con paneles de policarbonato, que se parece a una tortuga. 

En contraste con el exterior, el espacio interior es inesperadamente grande y sin embargo casi eclesiástico tranquilo. Los paneles semi-opacos daban al techo un brillo luminoso, y las hojas de los árboles circundantes se perfilan en las paredes. 

La luz de energía suministrada por células solares se enciende automáticamente al anochecer. Y como con otras obras de Siza, el pabellón es muy sensible a su entorno, las paredes parecen inclinarse hacia el exterior, formando parte del paisaje.
Serpentine Gallery Pavilion 2005 by Alvaro Siza and Eduardo Souto de Moura from Dezeen on Vimeo.


Haruki Murakami/Tokio Blues

Aunque se trata de una obra que difiere del estilo habitual al de las novelas de Haruki Murakami siempre misterioso y surrealista, Tokio Blues nos puede ayudar a profundizar en la complicada naturaleza humana en la que el romance de un hombre maduro lo deja emocionalmente en un estado de nostalgia metafísica. A pesar del tirón emocional y psicológico que implica la narración, la propia historia es muy clara: Toru Tatanabe, un empresario de 37 años de edad, escucha una versión de  The Beatles noruego, que le transporta 18 años atrás, al día en que su mejor amigo, Kizuki se suicidó.

Tokio Blues explora la soledad y el aislamiento que les suceden a las jóvenes generaciones en los cambios políticos de finales de 1960. El corazón del libro trata de cómo la memoria del amor se conserva y se conserva después de la muerte. Naoko no quiere enamorarse de Toru, y mucho menos ser su concubina ni íntimar con él, porque quiere preservar el pasado de su memoria íntima de Kizuki. Ella sabe que siempre recordara Kizuki, por eso no quiere mantener un relación con otra persona perteneciente a su mismo circulo de amistades. Esto realmente pone de manifiesto las perspectivas (principalmente) diferentes entre hombres y mujeres en las relaciónes que establecen. Las mujeres  dan tanto valor a la fidelidad sólo física: como a la fidelidad emocional. Watanabe trata de permanecer fiel a Naoko, que no está enamorada a pesar del deseo lujurioso que despierta en ella su presencia. La representación del sexo en el libro es relativamente poco común, pero la novela en sí es más evidente que la mayoría de las obra de Murakami. Del exceso de suicidios (los más significativos  lo protagonizan un par de figuras periféricas y familiares).
Chicas que piensan que son lesbianas, niños que idealizan  el amor, encuentros casuales en hoteles de carretera. Misteriosas desapariciones y la tristeza por igual anticipan un escenario donde la incertidumbre  y la esperanza se debaten en la confusión tejida por la niebla que crean malentendidos debido a los convencionalismos que preside toda sociedad. Graficamente nos describe un paisaje sombrío en lo psicológico, en el que Haruki Murakami  se mueve con solvencia acreditada en una larga trayectoria. Geográficamente, es Tokio, pero podría ser cualquiera de cualquier gran metropoli, la ciudad implacable, donde la gente se pierde como lágrimas en la lluvia y encuentran el amor a veces.

Esto no quiere decir que los libros no son buenos. La lectura de Murakami es una experiencia inquietante, desconcertante que puede hacer que te sientas tan bien, como inmensamente vacío. "Sputnik, mi amor",  aunque más leves que algunos de sus predecesores, rápidamente te atrae y te mantiene enganchado.  Con sus delicadados bocetos sobre las miserias humanas

Hector Zamora - White Noise, las tensiones climáticas y medio-ambientales en una intervención de bandera blanca


Miles de banderas en color neutro, ondean crepitando sus mástiles oradando la arena de la playa. El resplandor de la tela se convierte en rumor siendo el sentido del oido es tan importante como el de la vista para valorar White Noise.  

La ultima instalación del artista mexicano Hector Zamora, con sede en Sao Paulo aunque nacido en México D.F. Se despliega sobre la arena de la playa Bethells, situada en la costa oeste a poco kilómetros de la Auckland, Nueva Zelanda, con motivo de la celebración de la ultima edición de Auckland Arts Festival.

Representa un trozo de poesía visual y un gesto hacia la compleja historia de la presencia humana en la región y el compromiso con la tierra. White Noise responde a la ubicación específica, simbolizando en términos estéticos un gesto cordial ante lo desconocido que está por venir de mar adentro. Una propuesta de carácter activista por el clima y medio ambiente de Bethells Beach. 


La intervención consiste en conjunto uniformado de banderas que permanecerán como gesto desafiante durante el transcurso de una jornada. Por lo tanto se  trata de una propuesta efímera con una lectura activista en defensa del medio-ambiente. Se trata de una replica que ya se expuso en un hangar en  la ciudad y que se complementa con la documentación filmada de la instalación.


Como en otras ocasiones Zamora capta hábilmente la multiplicidad e intensidad de los relatos que en algún momento han sucedido en el lugar que emplea como relato creativo para su proyecto. reflejandolos en proyectos que se caracterizan por su fecundidad visual. Lo que provoca que no puedas permanecer indiferente ante el mensaje implícito que hay en sus trabjos.


Estás constantes y elementos se  observan en actuaciones como Untitled de 2006, una instalación compuesta por una simple cuerda por la que se puede ascender a un punto que apenas se puedevislumbras. Realizada para una de las últimas ediciones de  la Bienal de La Habana, 

Se trata de una propuesta que nos transmite incertidumbre, un estructura que se integra con la arquitectónica de su entorno. Del mismo modo en Atopic  Delirium obra de 2009, que tuvo como escenario el hueco de las ventanas abiertas del edificio CDB Bogotá. Cada una de las ventanas se relleno hasta el tope con manojos de bananas. Siendo una sugerente mezcla de los absurdo, y de los débiles que resultan las divisiones entre lo que considerada rural y urbano en un contexto global.




Urban Green Energy - Sanya Skypump, estación de coches eléctricos eolica para uso comercial y domestico


Desarrollado por el fabricante de aerogeneradores Urban Green Energy en colaboración con General Electric. La unidad de recarga Sanya Skypump es una estación de energía eólica de carga para vehículos eléctricos y una farola para el espacio publico de la ciudad. 

El dispositivo combina la tecnología  WattStation combinada con una turbina eólica. Que captura hasta 4 KW de energía eólica, la estructura principal presenta una altura de 13 metros (42 pies). El Skypump puede ser fácilmente instalado en los estacionamientos, las paradas, y áreas de descanso. 

Está equipado con una luz LED (colocada a 7 metros o 23 pies desde el suelo).  Incluso cuando un vehículo no está conectado, la turbina sigue funcionando, volcando la energía a la red. También existe un modelo de Skypump para uso doméstico. La recarga de vehículos eléctricos dura entre cuatro y ocho horas dependiendo del nivel de descarga de la batería del vehículo.


Las primeras unidades de la Skypump Sanya se instalaran a partir de este otoño en Nueva York, Pekín y Barcelona, desplegándose en el resto del mundo a principios de 2012. El Skypump está diseñado con los usuarios comerciales en mente, mientras que los usuarios residenciales puede utilizar una combinación de la turbina de viento UGE-4K y la WattStation™ para vehículos eléctricos. 


Se trata de una estación de carga  rápida y fácil de usar, una solución para aplicaciones residenciales. Está diseñado para el nuevo hogar, se puede instalar en el garaje o en el exterior, así como adaptar en las viviendas existentes.

Instalada por UGE Iberia, la sucursal española de Urban Green Energy con sede en Nueva York, la primera estación de carga de vehículos eléctricos eólicos se encuentra en la sede global de Cespa cerca de Barcelona. Cespa es la filial de servicios medioambientales de Ferrovial Servicios, el mayor inversor de infraestructuras de transporte privado del mundo.



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