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Romolo Stanco - e-QBO, un cubo solar inmersivo que actúa como un vestigio de memoria


Situado en el centro de un plaza céntrica de Milan, la instalación e-QBO es a ojos del espectador que se aproxima ella. Ya sea de forma deliberada o en otro sentido de forma casual.

Una instalación de arte moderno con la que interactuar en el primer caso, o una atracción puesta en el espacio espacio con un propósito ludico. Diseñada y ejecutada por el artista Remolo Stanco, cuya práctica le podría situar en la vanguardia del arte contemporaneo.

Es cuando te aproximas a una de las caras digitalizada de este cubo monolítico. Cuando comienzas a comprender su naturaleza y función. Te percatas de que de su aparente aspecto sólido formado por sus planchas de acero, emergen diferentes proyecciones digitalidas. 


Imágenes que comparten espacio con células fotovoltaicas, a partir de las que la energía con la que se cubre las necesidades de este. Creada por el diseñador en colaboración con la compañía de telecomunicaciones TRED.


El cubo aparte de su valor estético es un centro de comunicaciones integrado en sus tripas. Cuyo elevado consumo de energía es cubierto de forma autónoma por las placas solares con las que esta envuelto.


Aparte del acumulador fotovoltaico diseñado e integrado en una forma geométrica cubica. La instalacion acaba capturando toda la atención de su entorno. Creando un diálogo con los edificios históricos de la ciudad y su memoria. 

El cubo e-QBO cuenta con una instalación compuesta por diodos LED, que dibujan visuales patrones de luz con los que iluminan el espacio publico creando divertidos mapeados de su entorno. En un sentido poético el cubo e-QBO, se comporta como una isla urbana de acumulación de energía de origen renovable. 

Su constitución solida cobra vía saliendo de su letargo, a través de la actividad interactiva con la que atiende las necesidades de comunicación de sus usuarios, a la vez que contribuye a la riqueza estética de donde esta ubicado.




Julie de Waroquier - Mujer surrealista esperando el instante del sueño


La  fotógrafa francésa Julie de Waroquier seduce con su lírica estética captando la figura femenina con su cámara y sobretodo con la sutileza de la perpizcacia de su mirada, cultivada con los muchos años de experiencia profesional. 

En este sentido sus fotografias exploran las aspiraciones y frustraciones  del soñador moderno  fundiendo la realidad con una suerte de psicoanálisis fotográfico. Con este enfoque selecciona lugares comunes donde se producen encuentros fortuitos que tienen como escenarios paisajes humanos volátiles y liquidos.

Ráfagas de imagenes registradas en entornos polivalentes y que se nutren de la ficción, donde el anonimato se convierte en una forma de camuflaje que permite la deshibicion no solamente corpora.  Sino aquello que de forma latente subyace debajo de las sucesivas capas y pliegues que forman el órgano más extenso del cuerpo humano.


Cada imagen está construida alrededor de un símbolo y cada imagen cuenta una historia. Julie también trabaja estos conceptos estructurándolos en conjunto de imagenes como las tituladas Inner worlds (Mundos Internos) o Surreal streets (Calles Surrealistas).


Julie estudio filosofía por la Ecole Normale Supérieure Université Lyon. A los 23 años se enamora de la fotografía por azar, de formación autodidacta desde entonces desarrollada un estilo propio, que le ha permitido publicar en numerosas publicaciones.



En las que se centra de forma esmerada en describir personajes atrapados en una fase del sueño, en estado de sonambulismo o simplemente despertando de una pesadilla. Tomás en las que se percibe un lenguaje visual que por momentos te causan la impresión de que estás viendo el avance en imágenes del próximo estreno de una pelicula. Esto sucede porque cada fotografía cuenta con sus propios elementos y motivos rítmicos que le proporcionan esa sensación de movimiento. artística. Según su sitio web, se inspira en cuentos de hadas, mitos, escritos psicoanalíticos y otros artistas y escritores como Perrault, Magritte y Diderot


Jo Peel en la animación Things Change nos describe los efectos de la construcción


Inspirada por los murales animados del artista callejero BLU, el ultimo trabajo del artista Jo Peel utiliza como lienzo un muro de una fabrica del este de la capital británica. Para narrarnos el impacto medioambiental. 

Que supone el desarrollo urbanístico sin la mas mínima planificación, y los estragos que se producen no solamente en términos ecologicos, sino también a nivel social y economico. 

El mural en cuestión lleva por nombre Things Change, tiene dos versiones, la mencionada animación que se puede ver AQUI. Que está elaborada en stop motion, y que condensa el minucioso trabajo de tres semanas que invirtió en su realización.

Y las excelentes fotos del mural, donde se puede apreciar cada detalle de este excelente trabajo. Jo Peel es un miembro del Scrawl Collective (Colectivo de Garabato), comunidad de artistas urbanos que suele colaborar con una diversidad de causas. 

Jo antes de acometer cada nuevo proyecto se documenta sobre el lugar donde posteriormente interviene, según el no hay mejor fuente de inspiración que las escenas cotidianas. Desde las obras abandonadas en los barrios obreros de Londres a los acontecimientos mas variopintos. 

Construyendo un relato con impronta propia que nos ofrece una amalgama de colores, que reflejan como se producen los cambios. Tanto en nuestro entorno mas familiar y cercano como el más general.  



David Hill un pionero de la fotografía digital


Hoy con una aplicacion de tratamiento de imagenes cualquiera puede lograr resultados fotográficos excelentes, quizás lo que marque la diferencia sea aquel matiz subjetivo. en definitiva los elementos psico-afectivos que aporte el fotógrafo.

Y por lo tanto las habilidades que despliegue en el proceso creativo y los conocimientos técnicos que el fotógrafo atesore. David Hill es un ejemplo de lo expuesto con anterioridad, sus fotografías en HDR, reúnen tanto en su ejecucion, como en su composición, así como en el tratamiento de imágenes que realiza en el estudio.

Donde retoca en ocasiones hasta la extenuación cada imagen, algo que hace no obstante con el único objetivo de que cada una de las muchas fotografías que ha realizado ya a lo largo de su dilatada trayectoria. Refleje aquellos elementos e inquietudes a partir de los que ha creado un universo muy particular.


EL LENGUAJE CORPORAL DESDE UNA ÓPTICA CREATIVA
Cuya narrativa visual aparte de conservar unos signos de identificación perfectamente reconocibles por cualquiera que se acerque a su trabajo. En el que prevalece su vocación de que en muchas de su fotografías no aprecias la diferencia con lo que podría ser una ilustración.

Dave no hace uso de un simple plugin de Photoshop, con las que retoca aquellos aspectos de la fotografía hasta conseguir dotarle de su particular impronta. Prestando especial atención a las luces mediante la aplicacion de filtros específicos a través de los que consigue esa iluminación tan localizada como realista. 

Su técnica desarrollada a lo largo de muchos años, por lo tanto requiere de una combinación, en las que los parámetros relacionados con la iluminación buscan un movimiento de esa imagen que en principio es inamovible y que cobra vida a través de esa acción que se percibe. Creando una narrativa altamente seductora. En el siguiente enlace tienes la oportunidad de seguir el proceso de aplicacion de la técnica HDR.  

David Hill es un fotógrafo comercial que vive en Los Ángeles. Nacido en 1979, creció en San Diego. Su amor por la fotografía ha evolucionado a lo largo de los años, y ahora se ha convertido en su obsesión. David Hill es uno de los más grandes nombres en el negocio de la fotografía.



ParanoidBR/Balões un globo, dos globos, tres globos a ritmo de Rock



La ultima campaña diseñada y realizada por la agencia de publicidad ParanoidBR para MTV Brasil. Es un divertido clip cuya duración no excede en poco mas de un minuto de duracion.  

En el que se utiliza un argumento tan simple como eficaz y sugerente visualmente, que consiste en reproducir el efecto domino. En este caso una aguja recorre una pasarela pinchando cientos de globos ilustrados con diferentes motivos musicales. 

Su creativo Dulcidio Caldeira  invirtió 24 horas en realizar una toma en la que 600 globos, dispuestos en un carril de 200 metros de longitud y alineados mediante una guia láser.

Para crear el efecto de imagen en movimiento, dando como resultado una animación muy ingeniosa y con mucho movimiento. Estrategia visual cuyo lenguaje es muy de fácil comprensión por el gran publico.





Hin Chua fotografiando lo que ha sucedido y sus ausencias

Hin Chua es un fotógrafo nacido en Malasia emigrante en Australia y afincado en Londres ciudad finalmente en la que se asentó, y donde ha desarrollado la mayor parte de su trayectoria como fotógrafo. 

Según cuenta en su biografía, en su juventud mostró un gran interés por el estudio de la historia militar. Inquietud que con el paso del tiempo fue cultivando, dotándole de una serie de conocimientos.

Que ya en su edad adulta y tras haber completado academica, incorporo a muchos de sus trabajos sobre el terreno. Experiencia y bagaje que uno puede observar en cada y uno de sus trabajos.


En los que se perciben de forma sutil el drama que supone ser una víctima colateral involucrada de forma gratuita, y casi siempre arbitraria en un conflicto armado. Construyendo un relato cuyo escenario y su consecuencias están plagados de ausencias.

Que sin embargo se pueden percibir encarnadas en cada una de las cicatrices, que se han producido en las fachadas de los edificios y espacios comunes.  Hasta hace no mucho rebosantes de vida. Señales que dejan constancia de una pérdida muchas veces irrecuperable.

Eso extrapolado a la percepción que aplica a sus fotografías se traduce en composiciones, donde el objeto donde fija su objetivo independientemente del contexto donde se realice la fotografía representa la nota disonante.


En un escenario poblados de personajes ausentes y mudos, de objetos o paisajes que han quedado como testimonios de la acción irracional, la barbarie y sus consecuencias.


Su nombre es habitual en los numerosos certamenes de fotografía en los que participa, habiendose convertido en un referente de un tipo de fotografía por su contenido social. Donde asiste como testigo que registra con una cámara a los acontecimientos mas convulsos de una sociedad que se encuentra en pleno proceso de globalizacion.



John Pugh, el creador del estilo urbano del Trompe l'oeil y sus ilusiones ópticas en 3D e hiperealistas


El arte en el espacio publico es una poderosa herramienta de comunicacion que posee la capacidad para transmitir ideas y emociones (entre otras muchas cosas). Estableciéndose un dialogo continuo entre el creador y el ciudadano anónimo que contempla su creacion.

En la mayoría de casos obras que forma circunstancial obedecen a inquietudes del propio autor. Es en este intercambio de información creativa en donde se produce una cierta empatia entre la capacidad expresiva del artista y la predisposición y grado de compresión del receptor de la obra.

Y lo que sirve de cuerda de transmisión que termina revalorizando estéticamente el mensaje implícito en la obra, tanto desde una óptica estetica, como artística y social. El muralista John Pugh afincado en la localidad de Santa Cruz al sur de la ciudad de San Francisco en el estado Americano de California. 


Es considerado en este contexto uno de los máximos exponentes del movimiento denominado trompe l'oeil, que traducido literalmente viene a significar ilusión óptica. En sus obras se observan tanto elementos formales con resultados próximos al hiperealismo como alusiones a objetos surrealistas. 


Que tienen la vocación de sumergir al que las contempla en un discurso estético, en el que puede participar activamente transformándose en protagonista de la obra, papel activo que convierte la obra en una experiencia inmersiva. 

Lo primero que hace John Pugh antes de emprender el proceso creativo es realizar un estudio del lugar físico donde posteriormente desarrollara su obra, así como establecer un canal de comunicacion por el que relacionarse con la comunidad que finalmente acogerá la obra. 

Para el artista este punto es clave a la hora de emprender un proyecto, porque el considera que la manifestación mediante la expresión artística es un catalizador que favorece y tiende puentes entre diferentes culturas, siendo capaz de superar conflictos y creando espacios comunes en los que utilizando procesos creativos ponen en valor lo que nos une siempre aplicando un enfoque ludico.