Nomada Q : photoshop

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Formado como artista plástico Dariusz Klimczak ha conseguido hacerse un prestigio como fotógrafo freelance, actividad con la que adquirido los conocimientos necesarios y que combina con su labor periodística en una fecunda trayectoria.

Apasionado por la naturaleza, faceta en la que ha mostrado contar con una diversidad de recursos y habildades, muchas de sus fotografías son producto de instantáneas de paisajes que captura en el transcurso de las numerosas excursiones que realiza por los alrededores de la localidad polaca de Leba, donde reside con su familia.

Nacido a finales de la década de los años sesenta del siglo pasado en la localidad de Sieradz, una ciudad en el centro de Polonia, Klimczak cuenta con una carrera profesional que cubre tres decadas. A lo largo de este tiempo ha creado una identidad propia, sus comienzos fueron precoces mostrando grandes cualidades que perfeccionó en su periodo de formación en la Escuela de Arte Zduńska Wola.

SUS FOTOGRAFÍAS SURREALISTAS SON ODAS AL TIEMPO

Aparte de su labor como fotógrafo ha trabajado como pintor, y periodista freelance. Antes de centrar su atención únicamente en la fotografía. Ciertamente se puede observar esta experiencia en otros ambitos en su trabajo fotográfico.

En cuanto a las técnicas que emplea su favorita es el filtro monocromático, la cual aplica de forma recurrente en sus trabajos. Con el que les da a sus imágenes una sensación de simplicidad y extrañeza que involucra al espectador en una historia no lineal que combina ironía y significados volatiles.

Está mezcolanza puede atribuirse en gran medida a su yuxtaposición de objetos y figuras cotidianas y reconocibles con paisajes vacíos, como desiertos y extensiones de campos de cultivo. Creando imágenes que no tienen restricciones en términos de imaginación vinculando inextricablemente su práctica con el movimiento surrealista.

Aunque en su porfolio predominan las fotografías en blanco y negro, sus habilidades para manipular cuidadosamente paisajes hasta convertirlos en surrealistas, a los que de forma sutil añade elementos domésticos y objetos cotidianos con los que reinterpreta el paisaje humanizandolo.

La secuencia recurrente de figuras y formas complejas, incluye esquemas visuales irregulares y patrones donde la limpieza de la perspectiva simétrica contextualiza la escala del terreno donde se narra la acción. Cada imagen monocromática presenta un vasto paisaje que se extiende y profundiza en una visión a veces desoladora, donde el paso del tiempo prevalece relegando cualquier otro vestigio material al terreno de lo desconcertante. Patrones geométricos se alternan con elementos naturales, provocando que la imagen llegue a adoptar una escala panorámica dotando de profundidad a la fotografía que se extiende abarcando todo el contexto visual.

En la serie titulada The real life models, la fotógrafa húngaro Flora Borsi, nos embarca en un viaje de ida y vuelta. Empleando programas de retoque fotográfico reproduce a través de modelos reales, retratos pictóricos realizados por clásicos como Rudolf Hausner, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso y Kees van Dongen.

Flora realiza un ejercicio de retroalimentación y restropectiva artística, tratando de imaginar la apariencia que pudieron tener las modelos que en su momento posaron, respetando las características que reunía cada retratada. Su pose, sus gestos y mirada consiguiendo recrear la esencia que inspiraron a sus autores originales.

Flóra Borsi nacida en 1993, se interesa por las posibiladades que ofrece la fotografia en 2004. Matriculándose en diferentes cursos de retoque y manipulación fotográfica como Photoshop. Tras acabar este periodo formativo trabaja como fotógrafo freelance para publicaciones como Daily Mail, Huffington Post, The Guardian, The Observer o Yahoo.

La esencia de sus fotos visualiza la imperfección física a través de la aplicación de software de retoque fotográfico. Su forma de trabajar presta especial atención a las reglas de la geometría y la armonía del color. Consiguiendo recrear la atmósfera apropiada para cada fotografía.

Entre las numerosas fotografías que componen el porfolio de Jerry Uelsmann, he escogido aquellas en las que la presencia de los arboles como modelos retratados. De alguna manera son los protagonistas del argumentos a partír del que contar una historia.

Realizadas en blanco negro Jerry no tiene la necesidad de utilizar programas de tratamientos de imagenes para crear montajes. En los que los elementos oníricos se entrelazan con la materia vegetal creando una comunión que visualmente resulta poetica.

Nacido en Detroit, y con sede en Florida el reconocido fotógrafo Jerry Uelsmann ha estado manipulando fotos mucho antes, de que debido a la era digital se desarrollaran aplicaciones como Photoshop transformando el mundo de la fotografía.

Creativos y sugestivas sus trabajos son producto de interpretaciones surrealistas del paisaje. Composiciones que están realizada de forma artesana en su particular cuarto oscuro, en el que ultimamente ha incorporado sin embargo la tecnologia.

Uelsmann utiliza múltiples puntos negativos y hasta una docena de ampliadoras para crear imágenes compuestas que nos sumergen en pasajes oníricos. En los que la naturaleza tiene una fuerte presencia.

Su singular y personal presentación de imágenes que van más allá de la documentación básica. Da como resultado obras que fascinan a casi cualquiera que se aproxime a ellas. Incluso hoy en día donde debido a la incipiente inteligencia se pueden conseguir todo tipo de imagenes igual o más sorprendentes en unos pocos segundos.

Su inventiva a veces mezcla propuestas narrativas que visualmente resultan simple y llanamente de otro mundo. Tratando temas poblados por motivos visuales opuestos a la perfección que muestra una fotografía de forma habitual. Como si la imperfección formará parte de la historia visual de la fotografia. En un contextos en el que la presencia del ser humano y la naturaleza se convierten en uno fundiéndose, y lo imposible se hace posible en el mundo surrealista de Uelsmann.

Con sede en Bangkok el creativo, el publicista y fotógrafo Supparat Thepparat, entiende su profesión como una combinación de imagenes surrealistas con las que consigue realizar campañas publicitarias realmente impactantes.

Utilizando aplicaciones de tratamientos de imagenes como photoshop, de las que el ha sabido sacarle el suficiente rendimiento creativo. Como para optimizar estéticamente el mensaje con el que persuadir a sus clientes.

De los que acepta encargos de más o menos embergadura, tratando una diversidad de temas relacionados casi siempre con la realización de campañas para grandes compañias.

Que han visto en sus trabajos una combinación de ingredientes, donde lo sofisticado es producto de una imaginación onírica. Sustrato a lo que añade narrativas donde destaca la acción y el movimiento.

Estando más orientadas a un publico más generalista y amplio, para los que reproduce escenarios fantásticos y seres híbridos o mutantes. Discurso con el que es facil identificarse, por lo tanto es relativamente sencillo capturar la atención del consumidor. Habitual de festivales publicitarios como Cannes, Clio Awards o el New York Festival, donde ha cosechado numerosos galardones, por presentar trabajos que destacan por presentar unos elementos que lo vinculan a la cultura uebana donde creció en Tailandia.

Las ilustraciones de Thomas Pitilli construyen un relato en el que se nos ofrece una interpretación visual, que es el resultado de combinar diferentes atmósferas y estados animo.

Pero siempre aplicando un transfondo y contexto dominado fundamentalmente por elementos relacionados con una narrativa urbana. Es esa representación híbrida que apuesta por una parte.

Por aspectos más lúdicos y casuales, y en un segundo término por introducir motivos con los que crea una ambientación por momentos tetrica, a traves de sustituir las facciones de los rostros de los retratados por semblantes calavericos.

Cuya presencia aparte de intimidar al observador, recuerdan a las tradicionales "catrinas" con las que se cubren la cara durante la celebración del Día de los Muertos en Mexico.

Thomas que tiene su estudio en Brooklyn, proyecta una visión retro y algo surrealista de la realidad. Él aplica su punto de vista a las ilustraciones en las que pese a que están hechas a mano alzada, añada técnicas multimedia.

Pitilli combina bocetos dibujados a mano, grabados y collage con aplicaciones de Photoshop. El resultado es a la vez un tanto experimental como desconcertante e intrigante, en la que observan influencia de la cultura de super-heroes.

Ámbito en el que ha trabajado colaborando en la realización de volúmenes como Ciudad de Gotham para Cómics DC. Esto quizás sea debido al uso frecuente de una paleta de colores cálidos y líneas simples, que dan a su trabajo un toque cómico.

Su trabajo ha aparecido en publicaciones, incluyendo New York Times, Wall Street Journal, Entertainment Weekly, Playboy, Washington Post, Variedad o Hollywood Reporter. Últimamente está inmerso en un proyecto donde realiza un análisis de corte etno-antropologico donde esboza a través de un trazo firme algunas de las características menos tópicas, pero relevantes de la cultura americana.

Cuando Charles Darwin en su larga travesía al bordo del Beagle, hizo escala en el archipiélago de las islas Galápagos, y teorizando sobre el origen y evolución de las especies alumbro quizás el tratado de biología mas influyente de la historia de humanidad.

Seguramente no se le pasara por la imaginación las criaturas híbridas que mediante aplicaciones de digital art, realizará más de cien años despues el fotógrafo noruego Fredrik Ödman.

Aunque muchas de las especies que describió Darwin eran desconocidas hasta ese momento, las criaturas que por recombinación de diferentes especies mutantes nos describe morfológica mente y estéticamente Frederik.

Distan mucho de poder adscribirse a una descripción de una especie conocida, transmitiendo una mezcla de asombro y perturbación en el que las contempla. Imagino que lo mismo que experimento el insigne biólogo cuando en sus interminables jornadas. Se quedaba sin cuaderno donde anotar las características de las flora y fauna local que descubría.

El trabajo de Frederik comienza con un esbozo preliminar que realiza a partir de los apuntes y la documentación que consulta. Proceso a través de los que prepara los diferente elementos que constituirán el resultado final de la instantaneas.

Inspirado por iconos de la pintura clasica como Weermer, su fotografía creativa combina el tratamiento de luz con las posibilidades ilimitadas que brinda la tecnología. Nacido y criado en el sur de Suecia, Fredrik ha recibido formación en ámbitos como la fotografía y pintura.

Comenzando por la pintura de fondo, la paleta de colores y la iluminación. Durante la sesión de fotografía, se toman imágenes en formato medio con una cámara Nikon D50, que se convertirá en parte de la imagen prevista.

Posteriormente emplea herramientas digitales de retoque de imagenes como Photoshop, con las que combinan todos los elementos, usando la técnica del collage simple. Aplicandolo como una aplicación futurista de inteligencia artificial.

El trabajo de Uli Staiger es producto de un proceso laborioso donde aparte de aplicar miles filtros de Photoshop con los que consigue imagenes que se convierten en toda una experiencia visual.

Construyendo un relato creativo que para unos será solamente un tuneado trivial, efectista e incluso sensacionalista, un ejercicio pretencioso y sofisticado. Que emplea programas de tratmiento de imagenes como si fuera una inteligencia artificial.

A través del que se pierde la esencia del instante capturado, pero que para otros abre el obturador expresivo del autor que está detrás de la cámara. Pudiendo producir espectaculares composiciones donde lo surreal se combina con escenas hiperrealistas extraídas del contexto urbano.

Uli en este sentido amplia el arsenal del lenguaje fotografico utilizando la realidad para añadir su propia interpretación de la misma, enriqueciendola incorporando elementos dinámicos que superan los sesgos del espectador

Al que reta con estímulos en los que el dinamismo en el discurso estético provoca y sugiere, en una suerte de juego complice con el diseño de los objetos que más tarde se presenta en un contexto completamente diferente en una fotografías cuyo rendimiento intelectual no resulta sin embargo exigente para un espectador que esté acostumbrado a altas dosis de ficcion.

A pesar de lo aparatosos y artificiales que puedan parecer los modelos creativos que emplea, el mensaje es asequible y comprensible por el sujeto que contempla sus trabajos. No percibiendolos como algo que distorsione lo que la fotografía original contiene, que se convierte en un vehículo a partir del que redactar un historia propia y anonima.

Uli Staiger nació en 1966 en Tailfingen, Alemania. Tras completar su formación académica se instala en Nueva York como un profesional independiente. De regreso en Alemania, asistió a la escuela de arte y en 1998 fundó su propio estudio, die gestalten licht, en Berlín.

Staiger se especializa en la creación de escenas en las que la continuidad y el movimiento trascienden la imagen producto de la exposición inicial a la luz, utilizando la fotografía y las imágenes generadas por ordenador. Uli Staiger es un fotógrafo que se especializó originalmente en imágenes fijas, que con los años se ha centrado en la composición digital.

La complejidad de algunos trabajos contrasta con el tratamiento que consigue incorporando ambientes en los que los elementos surrealistas se convierten en el protagonista y detonante de cada imagen en la que el espectador deja de ser un objeto pasivo sino que es obligado ha participar activamente en la historia visual que se representa ante sus ojos.

La composición de cada fotografia se hace generalmente sobre una selección previa de una docena de fotografías unicas. Algunos elementos son creados enteramente en el ordenador incluidos los conseguidos efectos de iluminación con los que realza la nitidez de forma notable y brillante, casi expresionista.

Hoy con una aplicacion de tratamiento de imagenes cualquiera puede lograr resultados fotográficos excelentes, quizás lo que marque la diferencia sea aquel matiz subjetivo. en definitiva los elementos psico-afectivos que aporte el fotógrafo.

Y por lo tanto las habilidades que despliegue en el proceso creativo y los conocimientos técnicos que el fotógrafo atesore. David Hill es un ejemplo de lo expuesto con anterioridad, sus fotografías en HDR, reúnen tanto en su ejecucion, como en su composición, así como en el tratamiento de imágenes que realiza en el estudio.

Donde retoca en ocasiones hasta la extenuación cada imagen, algo que hace no obstante con el único objetivo de que cada una de las muchas fotografías que ha realizado ya a lo largo de su dilatada trayectoria. Refleje aquellos elementos e inquietudes a partir de los que ha creado un universo muy particular.

EL LENGUAJE CORPORAL DESDE UNA ÓPTICA CREATIVA

Cuya narrativa visual aparte de conservar unos signos de identificación perfectamente reconocibles por cualquiera que se acerque a su trabajo. En el que prevalece su vocación de que en muchas de su fotografías no aprecias la diferencia con lo que podría ser una ilustración.

Dave no hace uso de un simple plugin de Photoshop, con las que retoca aquellos aspectos de la fotografía hasta conseguir dotarle de su particular impronta. Prestando especial atención a las luces mediante la aplicacion de filtros específicos a través de los que consigue esa iluminación tan localizada como realista.

Su técnica desarrollada a lo largo de muchos años, por lo tanto requiere de una combinación, en las que los parámetros relacionados con la iluminación buscan un movimiento de esa imagen que en principio es inamovible y que cobra vida a través de esa acción que se percibe. Creando una narrativa altamente seductora. En el siguiente enlace tienes la oportunidad de seguir el proceso de aplicacion de la técnica HDR.

David Hill es un fotógrafo comercial que vive en Los Ángeles. Nacido en 1979, creció en San Diego. Su amor por la fotografía ha evolucionado a lo largo de los años, y ahora se ha convertido en su obsesión. David Hill es uno de los más grandes nombres en el negocio de la fotografía.

Today with an image processing application anyone can achieve excellent photographic results, perhaps what makes the difference is that subjective nuance, in the end the psycho-affective elements provided by the photographer.

And therefore the skills deployed in the creative process and the technical knowledge that the photographer possesses. David Hill is an example of the above, his photographs in HDR, meet both in its execution, as in its composition, as well as in the treatment of images made in the studio.

Where he sometimes retouches each image to the point of exhaustion, something he does however with the sole objective that each of the many photographs he has taken throughout his long career. It reflects those elements and concerns from which he has created a very particular universe.

BODY LANGUAGE FROM A CREATIVE POINT OF VIEW

Whose visual narrative apart from preserving some signs of identification perfectly recognizable by anyone who approaches his work. In which prevails his vocation that in many of his photographs you do not appreciate the difference with what could be an illustration.

Dave does not make use of a simple Photoshop plugin, with which he retouches those aspects of the photograph until he gives it his particular stamp. Paying special attention to the lights by applying specific filters through which he gets that lighting as localized as realistic.

READ IT IN SPANISH: David Hill un pionero de la fotografía digital

His technique, developed over many years, therefore requires a combination, in which the parameters related to lighting seek a movement of that image that in principle is immovable and that comes to life through that action that is perceived. Creating a highly seductive narrative. In the following link you have the opportunity to follow the process of applying the HDR technique.

David Hill is a commercial photographer based in Los Angeles. Born in 1979, he grew up in San Diego. His love for photography has evolved over the years, and now it has become his obsession. David Hill is one of the biggest names in the photography business.

Que es lo mas inquietante en la serie de retratos del fotógrafo Nicolas Dumont, el semblante de los participantes o la atmósfera que la acompaña? En cuya composición la participación del agua.

Como elemento narrativo que contextualiza el mensaje que el fotógrafo quiere trasladar al espectador. La sesión que se realizo en casa del propio autor.

En la que se desarrollo como una reunión informal, en la que los modelos retratados eran ni más ni menos que los invitados. Un grupo heterogeneo compuesto por sus amigos mas allegados.

A los que pidió que posara mientras les sodomizaba con una ducha fría, a continuación utilizo diferentes programas de retoque fotográfico como el archiconocido photoshop.

El resultado son unos retratos luminosos a la vez que nitidos, que pese a que están realizados en blanco y negro. Presenta de forma destacada los brillos producidos por el agua resbalando. Provocando un efecto tan provocativo, como sugerente y poetico.

Resaltando las facciones de los rostros consiguiendo ese efecto de lluvia que realza su expresión. Nicolás que reside actualmente en Dubai capital de Emiratos Arabes Unidos, donde tiene su estudio. Aceptando encargos para diferentes publicaciónes y agencias de publicidad.

El trabajo visual del artista Anton Semenov no te deja indiferente, su particular universo poblado por seres deformes, pálidos, amorfos, pero que a la vez son tremendamente expresivos.

Pese a carecer de rasgos faciales estos personajes con referencias circenses que deambulan por escenarios lúgubres en ocasiones góticos y en otras inmaculados, podrían formar parte de la trama de los retratos mas peturbadores de Dickens, Poe o incluso Stephen King.

Residente en la ciudad de Bratsk en lo mas profundo de la Rusia siberiana, actualmente trabaja como ilustrador digital y diseñador en una agencia de publicidad. Semenov comenzó a dibujar a la temprana edad de tres años estudiando arte y diseño.

Sus personajes inspirados en la vida real resultan a la vez inquietantes y surrealistas, creando composiciones para las que emplea programas de tratamiento de imagenes como Adobe Photoshop similares y sucedaneos.

Aparte del diseño su otra gran pasión es la música, mas concretamente el instrumento de la guitarra, de las que posee un buen numero de ellas. El haber crecido en una localidad pequeña y aislada, donde no sucede gran cosa.

Las narrativas visuales de Semenov se nutren de antecedentes surrealistas en las que el componente onírico y el paisaje adverso y exigente en el que vive, se traduce en formas de vida en las que la luz se refleja a través de una selección de formas grotescas, esperpenticas e incluso bizarras que buscan un espacio propio

Hace que preste atención a detalles y acontecimientos de la vida cotidiana, que a otros les pasan desapercibido, esas experiencias después las refleja en sus trabajos. Con los que de alguna forma refleja la realidad tal como la percibe.