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Adam Martinakis un pionero del arte digital basado en la IA, inspirado por Paul Klee y Albert Camus


En las composiciones digitales del fotografo Adam Martinakis, habitan cuerpos etéreos que se proyectan en el espacio y elementos oníricos que se nutren de sueños. 

Adam nació en Luban, Polonia aunque desde la edad de 10 años está viviendo en Atenas, Grecia. Una mudanza que supuso un cambio radical en su vida  pues supuso tener que adaptarse a un entorno y habitos prácticamente nuevos.

Pero aún así se acabó matriculado en el instituto de artes decorativas de la capital Helena, donde estudió diseño de interiores. Paralelamente desde que finalizo su formación ha explorado nuevos campos creativos incorporando soluciones digitales en 3D.


Técnicas  que Aplicadas a sus trabajos ha logrado perfilar su identidad y discurso creativo. Enriqueciendola con ambientaciones donde destacan unas atmósferas cargadas de lirismo y en las que el lenguaje corporal que describen a seres que se están buscando constantemente.


Describiendo visualmente una odisea de deseos, pulsiones y desencuentros de siluetas androides que trazan coreografías en la nada. Inspirado por artistas como Paul Klee, el arte griego y el Renacimiento desde el inicio de sus estudios de arquitectura de interiores, este entusiasta de los viajes y la astronomía descubrió las posibilidades expresivas del arte digital.


El se define como un artista post-humanista que ya coquetea con herramientas de inteligencia artificial. Que contempla como una poderosa solución a través de las que observar, analizar y tratar de trasladar en términos visuales la complejidad de los afectos y emociones que albergamos y experimentamos habitualmente en nuestras relaciones sociales.  


JUMP INTO THE FUTURE:

For his latest proposal of this 2023 composition entitled Caustics of Perception, he resorts to one of the many existentialist quotations of the French playwright and essayist Albert Camus. Which translated would be something like "In the middle of winter, I discovered that there was, inside me, an invincible summer". This quote is part of the following paragraph from his book entitled The Summer, published in 1954: 

In the middle of hatred it seemed to me that there was within me an invincible love. In the midst of tears it seemed to me that there was within me an invincible smile. In the midst of chaos there seemed to me to be within me an invincible calm. I realised, in spite of everything, that in the midst of winter there was inside me an invincible summer. And that makes me happy. Because no matter how hard the world pushes against me, inside me there is something better pushing back.

Summer is one of Camus' most fragmented and polydramatic essays. This text appears as a mosaic as "Minotaur or the halt in Oran" are almost contemporaries of the , as is the case with Nuptials or The Right Side and the Wrong Side; others were written in the 1940s, such as "Los almendros" (1940), "Prometheus in the underworld" (1946) or "Helen's exile" (1948); and others belong more or less to the period of the publication of Verano, such as "The Enigma" (1950) and "Return to Tipasa" (1953). This reinforces the impression of a mosaic in which the nature of the texts take the form of travel narratives, 

ALSO IN SPANISH:

Para su ultima propuesta de este 2023 composición titulada Caustics of Perception, recurre a una de las muchas citas existencialistas del dramtururgo y ensayista francés Albert Camus. Que traducida sería algo como "En medio del invierno, descubrí que había, dentro de mí, un verano invencible". Cita que forma parte del siguiente párrafo contenido en su libro titulado El Verano editado en 1954: 

En el medio del odio me pareció que había dentro de mí un amor invencible. El medio de las lágrimas me pareció que había dentro de mí una sonrisa invencible. En medio del caos me pareció que había dentro de mí una calma invencible. Me di cuenta, a pesar de todo, que en medio del invierno había dentro de mí un verano invencible. Y eso me hace feliz. Porque no importa lo duro que el mundo empuje en mi contra, dentro de mí hay algo mejor empujando de vuelta.

El Verano es uno de los ensayos más fragmentados y polidrico de Camus. Este texto aparece como un mosaico como "Minotauro o el alto en Orán" son casi contemporáneos del , como es el caso de Nupcias o El lado derecho y el lado equivocado; otros se escriben en la década de 1940, como "Los almendros" (1940), "Prometeo en el inframundo" (1946) o "El exilio de Helen" (1948); y otros pertenecen más o menos al período de la publicación de Verano, tal es el caso de "El Enigma" (1950) y "Regreso a Tipasa" (1953). This reinforces the impression of a mosaic in which the nature of the texts take the form of travel narratives and others are written from an autobiographical point of view.


Corrado Vanelli, ilustracion digital cuya magia surrealista se alimenta de los clasicos

 

Las ilustraciones digitales del creativo visual  italiano Corrado Vanelli navegan entre lo barroco de iconos como Caravaggio y el surrealismo más psicoanalitico de autoras como Leónorá Carrington. 


Se tratan por lo tanto de pequeñas ventanas abiertas por las que el subconsciente se filtra materializandose en una sustancia expresiva cuya comprensión nos maravilla como espectadores. Que contemplamos sus obras como universos mágicos cuyos parámetros narrativos obedecen antecedentes clásicos y figurativos. 


Obras que se nutren de historias y simbología mitológica en muchos casos. En otros lienzos sin embargo se inspira en la realidad más cercana e inmediata, o en hechos históricos que el representa dándole una atmósfera dramática a veces, mientras que en otras ocasiones recurre a la ironía para ofrecernos un relato estético que se alimenta de la ficcion.       

 

Desde pequeño en su pueblo natal Corrado Vanelli desarrollo una afición por el dibujo gracias a las historias que devoraba en la casa familiar. Herencia que posteriormente en su adolescencia provocó que comenzara a mostrar inquietudes por ámbitos como la ilustración o el arte digital.


Los trabajos de Corrado
 Vanelli se caracterizan por ser universos poblados por criaturas mitológicas, seres mutantes, o muñecas de mirada enigmática que cobran vida, conviviendo con personajes humanos en escenarios donde la es esencial estimular la imaginación del que las contempla.


Además su interés por la filosofía, o su afición por cultivar bonsáis, son según el referentes que influyen en sus trabajos. Aunque todavía utiliza instrumentos tradicionales como el roting, las nuevas herramientas digitales 2D y 3D han supuesto un descubrimiento, que aparte de facilitar el proceso de diseño de sus trabajos ha enriquecido su particular estilo.

Benoit Paille - UnderNight, criaturas de la noche


De insólita y peturbadora calificaría la serie UnderNight del fotógrafo Benoit Paille, una colección de escenas realizadas en exteriores y al amparo de las sombras de la noche donde todos nuestros deseos se hacen realidad. 

En ellas se muestra determinadas escenas que se suelen producir al amparo de la noche, cuando las sombras garantizan de que cualquier tipo de acto. Independientemente de su naturaleza quedará en el más absoluto anonimato.

Discreción que carece de sentido en una instantáneas que nos transmiten la sensación de estar en una atmósfera noir,  en la que vemos a unos personajes cuyo contexto y comportamientos podríamos definir de poco ortodoxos en términos morales.


Al fin al cabo lo que nos muestra el fotógrafo canadiense, es el resultado de la exploración del subconsciente en el estadio onírico. Y como reflejado en el instante de trasladarlo a una secuencia fotográfica. 

En la carretera, viviendo en su caravana desde 2013, Benoit Paille es un artista atípico casi se podría como un outsider que nadie reconoce admirar pero al que se le sigue de forma furtiva porque su trabajo no deja de agitar conciencias. 

Tan creativo como in decoroso y liminal las narrativas visuales de Benoit Paille nos interrogan sobre aquellos aspectos que preferimos que sigan ausentes.


Aunque emprendió una carrera de biomedicina pronto la dejo en un segundo plano, iniciando una carrera como fotógrafo Autodidacta. Decisión en su caso afortunada porque enseguida consiguió obtener cierto grado de notoriedad.

Reconocimiento que se materializó en una serie de exposiciones que le permitió dar a conocer su particular concepción de lo que es capturar la realidad a través de la fotografia. En su caso aplica un enfoque que combina el reportaje gráfico con la fotocomposición a través de la que crea una narrativa descarnada a la vez que luminosa de su entorno y de las relaciones humanas que observa.


Gilbert Garcin fotografía lírica en blanco y negro



Desde que comenzo a realizar sus fotomontajes, ya se había jubilado en su puesto de trabajo que desempeñaba en una fabrica de lamparas. De hecho fue a raíz de disponer de mas tiempo libre cuando Gilbert Garcin encontró en la fotografía el medio idoneo para expresarse. 


Esta vocación tardía por querer congelar la realidad en imagenes afloro cuando no suele ser habitual a los 65 años, cuando por casualidad, sin proponersolo encontro en un cajón de sastre una vieja cámara. Con cuya presencia en principio no se sentia excesivamente entusiasmado, pero con la que tras completar un periodo de familiarizacion.

Se convertio en un apéndice de su ser, en poco más o menos que sus ojos. A través de la construía su relato vital y socio-afectivo, siendo la misma cámara con la que todavía sigue realizando fotografías. Instantáneas de carácter doméstico e intimo en las que los protagonistas. 


Se limitan a el como conductor de la acción y a su mujer que adopta un rol más pasivo y complice. Realizadas de formas tradicional casi artesanal, su metodología de trabajo se aleja de las vanguardias digitales, según el nunca ha probado con un photoshop ni programa de tratamientos de imagenes similares. 

Quizás el proyectar el resultado final de la fotografía en su cabeza, utilizando como principal herramienta su imaginacion, es lo que le confiere a su fotografía personalidad y una identidad creativa muy definida y reconocible. Siendo producto de un proceso de maduración previo, cuyos mecanismos introspectivos propician que se genere el contexto en el se fragua la instantánea.


El resultado son series de fotografías definidas por la mordacidad, la ironía, el surrealismo. Que narrativamente permite al espectador relizar su propia versión, imágenes en las que la tenue frontera entre el espacio y tiempo queda reflejada de forma sutil y tenue, traslandote a su universo particular.


Relato estético en el que la lírica de la imagen es lo esencial en cada toma, la mayoría caracterizada por una atmósfera en la que destaca ese aire de nostalgia, la que quizás tiene su origen en la infancia, con  la que establece un diálogo que conduce al sueño y lo onirico.

En blanco y negro Garcin crea un mundo en miniatura, un "pequeño teatro interior" basado en la idea de lo "absurdo de la condición humana", pequeñas historias personales que reciclan derrotas y fracasos. Garcin introduce un personaje en el "escenario" llamándolo desde su interior. 

Es fascinante ver como sus representaciones a pequeña escala pueden captar las ideas más grandes de la filosofía. Curiosamente, su trabajo ha sido utilizado para ilustrar libros de texto de filosofía, proporcionando una visualización universal de nuestros propios rasgos y conductas que a su vez nos anima a pensar sobre nuestra humanidad.