Nomada Q : esqueleto

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El artista chino Huang Yong Ping nos muestra su propia visión de la naturaleza rompiendo con los estándares establecidos por los estereotipos que nos ofrecen a través de los documentales o de los reportajes fotográficos que podemos admirar en muchas publicaciones.

Aplicando diferentes técnicas como taxidermia, escultura o mixta. Huang reproduce en piezas a escala real en las que los gestos de sus protagonistas realizadas con un increíble realismo, nos trasladan a un plano donde a pesar del contexto en que se exponen parecen cobrar vida por un instante.

A través los elementos visuales que conforman las instalaciones de Huang, el espectador experimenta un sentimiento de empatia que le permite identificarse con los animales que contempla desde el instinto y la materia como estrategia de aproximación.

Huang incorpora diferentes filosofías chinas en sus obras, como el Budismo o el Taoísmo, que combina con experiencias artisticás como Dadaísmo del que se declara heredero habiendo siendo miembro fundador grupo denominado Xiamen Dada. En el que también figuraron artistas coetaneos como Lin Chun o Liu Yiling.

Sus trabajos incitar a reflexionar sobre la importancia estética y las posibles interpretaciones de la realidad que el individuo percibe, desde de un determinado contexto. Ya sea socio-cultural, étnico, religioso o politico.

Huang Yong Ping es un conocido artista contemporáneo francés es considerado uno de los más famosos artistas del movimiento Avant-garde. Nació en 1954, Xiamen, China. Huang Yong Ping fue uno de los primeros artistas en considerar que el arte como una estrategia. estudiante autodidacta su obra esta inspirada por artistas como Joseph Beuys y Marcel Duchamp o John Cage un teórico de la música americana y filósofo, y, un artista francés que está asociada con dadaísta y surrealista.

Después Masacre de la Plaza de Tiananmen ocurrió mientras Huang estaba en París para la exposición Magos de la Tierra (1989), y decidió no regresar a China. Posteriormente, sus obras cambiaron drásticamente y se centraron de manera prominente en las filosofías taoista y budista. El uso de estas filosofías es un ejemplo de intercambio intercultural y se manifiesta en muchas de sus obras tales como Una historia concisa del arte moderno.

A estas alturas en casi cualquier ámbito creativo se hace poco verosímil que alguien o algo como por ejemplo en un futuro más o menos una inteligencia artificial más conocida por su abreviatura AI, pueda o tenga la capacidad de crear una corriente, género o estilo dentro de una disciplina artistica.

Que por fundamentos o cualidades que se puedan valorar como singulares o cuando identificables como algo que tanto en términos estéticos como conceptuales, se puedan describir bajo los parámetros de una óptica que realmente se perciba como una propuesta. Que no sea ya solo por su significado y transcencia inmediata.

Sino que su práctica a lo largo de un plazo de tiempo en términos cronológicos cuando menos razonablemente evaluable, pueda inducir que es constituvo de contener suficiente materia a partir de la que trabajar. Más allá de la novedad esa que en la mayoría de las ocasiones, no deja de ser un elogio del ingenio más o menos resultó sino directamente pretencioso.

Los ingredientes para que la supuesta novedad no sean simplemente unas ascuas de un fuego fatuo, que no pasa de un entusiasmo más o menos generalizado mostrado por un publico. Que en el fondo está únicamente deseoso de mostrar su capacidad ante cualquier manifestación de nuevo cuño, que le provoque cierta capacidad de asombro.

LA LUZ COMO LENGUAJE CORPORAL

Algo que no nos engañemos en estos tiempos volatiles, donde cada día sino cada hora se presenta una herramienta o aplicación que te proporcióna una infinidad de recursos, a partir de los que un creador se puede plantear seriamente como el precursor o germen. De lo que el ha pontificado por activa y pasiva que reúne los ingredientes de lo que es una nueva y revolucionaria corriente.

Que finalmente se afianzara en el ya amplio universo de la dilatada historia del arte y sus múltiples secuelas y versiones. Como un totem o un hito que trascendera lo puramente iniciatico, pasando a fijarse en la retina de los críticos que les proporcione a esa supuesta nueva práctica que le otorgue el mérito o escalafón de tener un apéndice dentro del panteón del mundo del arte.

Janne Parviainen, también conocido como JANNEPAINT, es un artista con sede en Helsinki en Islandia, con una trayectoria de quince años paracticando light painting. Que se podría englobar como perteneciente al grupo de los aspiran a crear una nomenclatura con su correspondiente etiqueta.

Al igual que muchos de los fotógrafos que se han ido sumando al movimiento light painting, su descubrimiento del medio fue un accidente. A principios de 2007, Janne estuvo toda la noche capturando fotografías de larga exposición y accidentalmente golpeó su cámara, cuando miró la fotografía las luces de la calle había dejado manchas que habían transformado su fotografía. A partir de ese momento Janne fue un light Painting.

Existen tantas formas de representar la diferentes partes que conforman el cuerpo humano y los órganos que lo hacen funcionar como ficciones te puedas imaginar. Quizás ese gran desconocido que es nuestro esqueleto y las vísceras que sostienen.

A pesar de que representan nuestra génesis y esencia. Habiendonos acompañado desde el mismo instante de nuestra concepción hasta que la vida finalmente nos abandona despojándolo de el. Es el elemento que en términos creativos más ha estimulado la imaginación.

Pudiendose encontrar ejemplos y referencias pertenecientes a multitud de culturas que abarcan prácticamente la totalidad de la historia de la historia. Nos podríamos remitir al mismo instante del inicio de la civilización.

Cuando en el interior de la Caverna de Platon, sus moradores empleaban tintes orgánicos para a partir de trazados gruesos y torpes representarse a sí mismos. Formas que miles de años después podemos percibir tanto en el sistema esquelético como en el sistema cardiovascular.

Que nos ofrece en su interpretación particular el ilustrador con sede en Illinois el diseñado Dan Beckemeyer, que nos lo muestra dibujado sobre papel de abacá. Primero representa el aparato locomotor y superpuesto cosido a mano con fieltro los nervios y la masa muscular. Consiguiendo un efecto en relieve increíble y creativo.