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Swipe, la serie cuya ficción nos alerta de los peligros de la era digital

 


Habría que remontarse a los primeros albores de la aparición de los primeros dispositivos de telefonía móvil, para encontrar un dabate ético y polémico, que haya suscitado tanta controversia en tantos ambitos. 


Cómo el del supuesto déficit de privacidad que el usuario puede padecer, debido al desarrollo e incorporación de tecnologías de ámbito óptico y audiovisual. Las cuales prácticamente nos convierten en guionistas con potencial de trasladar la vida de un plano real, retransmitiendola en directo por streamer a millones de potenciales usuarios, que con perfiles en diferentes plataformas como YouTube o Twich, esperan con verdadera espectacion su dosis de cotidianidad encapsulada y multimedia. 


Si cuando se comenzaron a comercializar los primeros prototipos móviles, el aliciente publicitario que se argumentaba para incitar al consumidor a la adquisición de una terminal móvil. Eran eslóganes que reforzarán la idea de autonomia a la par de la posibilidad de estar conectado todo el tiempo. Algo que como usuario e individuo te proporcionaba poseer un teléfono en miniatura cierto estatus social. 


En pleno siglo XXI  la principal motivación y por lo tanto gancho que utilizan tanto los fabricantes como las operadoras que ofrecen servicios de telefonía móvil. Reside en las capacidades de grabación y reproducción audiovisual que reúnen, especificaciones cada más potentes que convierten a una terminal, en poco más que un órgano que adosado nuestro cuerpo puede filmar o fotografiar cualquier indiscrepcion que suceda en nuestro entorno. 

Cartel de una de las siete entregas de la serie SWIPE


Reuniendo características multimodales y sensitivas que en muchos casos mejoran nuestros sentidos, aquellos que  utilizamos de forma cotidiana en nuestras relaciones sociales y afectivas, y que son producto de una evolución que abarca un periodo de tiempo que se puede cuantificar en 
millones de años. 


Tecnología que da la sensación que se encuentra en sus primeros estadios de innovación, y cuyo uso abre interrogantes cuyos frentes representan toda una piedra de Rosetta, cuyo debate tiene implicaciones muy diversas. 


Distribuida y producida por el estudio Vertok, los siete cortometrajes que componen la serie SWIPE, pone al smartphone y sus posibilidades de uso, así como los dilemas éticos que plantea en un debate donde se cuestiona los límites del derecho a la privacidad del sujeto. 


Que tienen que ver con una serie de aspectos como, nuestra intimidad, la gestión del espacio público. Como su uso casi compulsivo está modificando nuestra percepción de la realidad, u otros aspectos más intimos, que tiene que ver con patrones de consumo, o con la esfera entre lo que se puede considerar publico y privado. 


Interrogantes cómo, las relacionadas con los límites de lo que es ético en relación a nuestra conducta como individuos en terminos socio/afectivos. Sobre qué derechos hay que legislar para preservar la tenue frontera que hay entre la itimidad, la discreción y el uso de la tecnologia en los espacios comunes o publicos. 

La serie trata temas como la privacidad o cómo la tecnología influye en la identidad del individuo

En definitiva quien/es están facultados para ejercer el dominio sobre los entornos de comunicación y los flujos de información. Variantes de una misma pregunta cuya complejidad en principio puede resultar abrumadora, suponiendo un desafío tan sólo su planteamiento. 


Pues hay tantas aristas como perspectivas e intereses desde que abordar este espinoso tema, como sujetos y opiniones. Una de las iniciativas más interesantes no sólo por tratar algunas de estas cuestiones, de forma más o  menos profunda sino por emplear un discurso accesible y comprensible. 


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Fue la que el director holandés Martijn Winkler plantea en 2018 a través de las siete entregas que componen SWIPE, sucesión de cortometrajes que versan alrededor del uso de smartphones desentrañando tanto los matices positivos como los más negativos. 


En el primer capítulo titulado #eyewitness de esta multipremiada serie Martin ya nos pone en antecedentes, sumergiendonos como audiencia en una historia donde su protagonista Karim filma una serie de  acontecimientos, lo que le convierte en unico testigo de lo que parece un atroz atropello en el que el autor se da a la fuga. Hecho presencial que en un determinado momento le pone en peligro inadvertidamente y de forma embarazosa. 


Un corto que a lo largo de trece minutos de metraje, donde el teléfono es realmente el personaje principal, seguimos el incidente y sus secuelas a través de una serie de interacciones y notificaciones en el móvil de Karim, mientras revisa las imágenes que filmó a lo largo de la tarde se da cuenta de que está sosteniendo una evidencia del crimen en su cámara. 


A esta primera toma de contacto y debido a  la gran repercusión y gran aceptación por parte de un público cada vez más numeroso. Martin añadió de forma periódica otros seis títulos, en las que mezclando una estética de snuff/movie, y relatos que bien podrían ser algo más que sucedáneo de Black Mirror. Entregas donde la accion mostraba un discurso dirigido por su constante movimiento. 


Trata de adoptar un papel por momentos equidistante cuyo compromiso se puede valorar en función del tema que aborda. Diferentes cuestiones como las relaciones afectivas dentro de la pereja, la tendencia de ser aclamado como un influence de éxito, gracias a la presencia en alguna de las muchas redes sociales existentes. O las crisis de identidad que puede suponer el no poder o querer adaptarte a las constantes y por momentos estresantes actualizaciones de una era, la digital, cuya síntesis y progreso frenético y vertiginoso nos desnuda como individuos ante los demás modificando la percepción que tenemos de eso que denominamos como realidad. Prometiendonos tantos beneficios como incertidumbres genera. 



Documental de autor y comprometido desde los Estados Unidos


A la hora de abordar narrativas donde se exige comprimir la mayor cantidad de información en formatos de corta o media distancia como puede ser un relato o si hablamos de trasladar una historia a imágenes como una filmación. Su autor tiene que reunir los conocimientos y habilidades que le faculten para sintetizar lo esencial de lo quiere transmitir al lector o al espectador.

Si se trata de un realizador que se dedica a trabajar en el minoritario ámbito del corto documental a la capacidad de síntesis tendrá que añadir una especial sensibilidad respecto al tema que tiene en proyecto tratar, lo que requiere por una parte reunir la mayor cantidad de documentación sobre el mismo, además de poseer una mentalidad con la menor cantidad de perjuicios posible respecto a la situación que quiere contar.

Estas variantes compondrán una ecuación donde la capacidad para empatizar con la situación y mirada del otro, (si los escasos recursos económicos que se precisan para su producción lo permiten). Dará como resultado una obra cuyas propiedades permitirá al espectador tomar conciencia sobre la magnitud de las diferentes situaciones y dinámicas sociales que se tratan, y cuyas temáticas no suelen ser tratadas por motivos económicos en formatos convencionales.

Curtiendose en los grandes medios

Estas cualidades ya se perciben en la corta pero fecunda trayectoria de la joven realizadora y guionista norteamericana Mo Scarpelli, con apenas cinco años de carrera en el transcurso de los que aparte de trabajar como periodista de documentales para diferentes medios entre los que citar al Wall Street Journal, The Guardian o el The New Yorker. Para el que por encargo rodó el trabajo titulado  Shopper en el que nos describe la rutina de un conductor de una linea de autobús que cubre un trayecto en una de las áreas deprimidas de la ciudad.

De Agfanistan pasando por África hasta llegar a Philadephia

Ha fundado su propia productora llamada Rake Films, con la que de forma auto-gestionada ha sacado títulos tan meritorios tanto desde un punto de vista social como desde un contexto social como Frame by Frame, en el que a través de la mirada de la escasa comunidad de fotógrafos nativos en Afganistan, Mo nos ofrece una lectura de la realidad cuya trayectoria evoluciona desde una dimensión local, mas cercana y cotidiana hasta diluirse en un discurso condicionado por prioridades globales.

Constante que también se observa en el trabajo titulado Good  Kid donde Mo se traslada a un zoo en Africa, adoptando un papel de activista en pro de los derechos de los animales, para denunciar las pésimas condiciones de atención a las que están sometidos una manada de leones. Estos que se exhiben enjaulados presentan un estado de higiene y alimentación realmente lamentable, debido a la cruel atención y desidia y que muestran sus "cuidadores". Lo que se traduce en semblantes de resignación frente a una rutina que se limita a la angustia y la incertidumbre de no saber si ese día van a recibir su ración de comida.

Preocupaciones que alterna con otras mas próximas y donde el testimonio de sus protagonistas vertebra la narración, como en Speaking is difficult, trabajo cuya factura comparte con AJ Schnack siendo seleccionada para la sección oficial del Sundance Film Festival  en su edición de 2016. Y donde de forma sutil y perturbadora nos muestra una serie de lugares en los Estados Unidos donde se han producido matanzas por armas de fuego, mientras tanto de fondo la narración es conducida por los propias víctimas de las masacres que tratan desesperadamente de establecer comunicación con la centralita del departamento de la policía.

O en su ultima producción volcada en la red recientemente (aunque cuenta con una amplio calendario de próximos estrenos que actualmente están en post-producción.) Aunque data de 2.014, su titulo Surviving Kensington (sobreviendo en Kesington) ya nos pone en antecedentes y sirve para introducirnos en una problemática desalentadora como es de la delicuencia y trafico de droga.

Situación dramática que a todo un distrito de la ciudad de Philadelphia, donde los índices de criminalidad han experimentado un incremento en las cifras de delitos cometidos siendo uno de los mas en los Estados Unidos, y cuya causa principal lejos de se atajada lo que provoca tensiones sociales entre las comunidades afectadas.


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Formada en el ámbito audiovisual y como creadora de contenidos de carácter social la filmografía de Mo Scarpelli, se dirige a un tipo de publico que huye de las etiquetas y de producciones pretenciosas socialmente hablando. Prefiriendo eliminar el ruido de fondo y lo superfluo, que es lo que en muchas ocasiones contaminan el genero, centrándose en lo esencial que sucede a su alrededor,  para eso fija  su mirada en los detalles y matices que presenta cada historia.


Julio Carrión, buscando la identidad en el paisaje y su memoria


El paisaje urbano que nos rodea forma parte de nuestra síntesis cotidiana siendo cada vez mas el resultado de una formula donde las variantes como la expresión, la participación y la comunicación son sustituidas por propuestas basadas en narrativas extraídas de la ficción.

El artista plástico murciano  con sede en Nueva York Julio Carrión cuestiona a través de su obra el impacto que se produce tanto en el plano individual como colectivo. De la percepción de la realidad a través del filtro de la ficción y de las tensiones que se generan transformando la identidad  tanto desde un plano subjetivo como objetivo de una masa "critica"

Tanto sus intervenciones de carácter especifico como en sus vídeo-instalaciones o series de fotografías, donde a partir de trabajar directamente con las comunidades y sus caracteristicas. Elabora una narrativa visual distopica de los elementos que el observa y que sitúa en un plano imaginario mostrándonos esas fricciones entre la realidad y la ficción. 


Como en la serie de fotografías de sutil titulo Kei-Seki (2010) realizada a partir de las palabras Japonesas Kei (escena) y Seki (piedra) y que deriva del termino Su­ise­ki. Que sirve para describir aquellas piedras que por su forma emulan objetos o animales y que son muy veneradas en Japón. Tomándolas Carrion de ejemplo de como contaminar el paisaje a través de la imagen.

En la serie de cuatro vídeos titulada Un-dramatics realizada entre los años (2011 y 2012) en colaboración con la artista Rena Leinberger, se traslada al Valle Hudson haciendo un retrato de como influye las condiciones del paisaje en la conformación de la identidad y conducta.

Las intervenciones de Julio Carrion desafían tanto los estándares sociales como artísticos, donde lo estético se nutre de parámetros emocionales que indagan en la identidad de la comunidad a través del cuestionamiento de la tenue frontera que hay entre el ámbito de lo privado y lo publico.
 

Mientras que en Onstage (2010-2014) nos habla de la necesidad de recuperar el concepto de paisaje en su interpretación original mas ecológica y silvestre. Secuestrado por la insaciable maquinaria del espectáculo que lo esta domesticando a través de formulas alentadas por intereses relacionadas con el turismo de masas. 

Mientras tanto en Outer Seed Shadow un programa de intervenciones realizadas a lo largo de 2.014 y que tiene New York como escenario. Carrion que participa como artista invitado explora las relaciones entre el mundo vegetal y su entorno humano, con ese proposito selecciona diferentes variedades de plantas y observa las reacciones que provocan en el sujto, en función de su grado de conocimiento.

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Finta - BOLES, es la historia de un escritor y sus musas imaginarias


Todo buen escritor con aspiraciones literarias precisa de una musa que le inspire su obra, en el caso del protagonista del corto de animacion titulado BOLES
 
Un personaje taciturno que vive en un estado de ensoñación permanente. Este papel lo desempeña una vecina fruto de su imaginación a la que suele espiar a través de un hueco que cubre con algunos de los tomos que forman parte de su extensa biblioteca. 

A la que acude guiado de forma recurrente como si fuera un zombi, estado producto de las maratonianas jornadas aporreando las teclas de una vieja maquina de escribir. Con la que apenas logra redactar un par de parrafos, con los que aspira a crear un relato que finalmente le en cumbre como uno de los mejores autores de su  generación.


Con guión de Gregor Zorc y Špela Čadež, y un trabajo excelente en el apartado de animación por parte de Oliver Throm. Estamos ante un trabajo de magnifica factura producido por el estudio Finta, a cuyo extenso catalogo recomiendo que le echéis una vistazo.

Se trata de una animación ambientada en una atmósfera presidida por la bohemia de una trama que se desarrolla en un suburbio precario de una ciudad ficticia, donde nuestro anti-héroe que malvive en una maltrecha buhardilla atiborrada de libros. 



Resultado de aplicar las mas avanzadas técnicas de animación por ordenador y las tradicionales representaciones en las que participan marionetas. BOLES qué podéis ver AQUI es un trabajo que visualmente nos traslada a escenarios descritos en las historias de escritores en principio tan opuestos literariamente como Poe y Kafka.

 
Manteniendo una relación ambigua por momentos con una  musa "irreal" que se alternan con encuentros fortuitos con una prostituta, con la que se muestra aparentemente huraño en la mayor parte de las ocasiones.

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Daniel López - Laboratorio de Nubes, un timelapse en la cima del Teide


Cuando a finales de 2.015 los responsables que gestionan el observatorio de Investigación Atmosférica de Izaña situado en el perímetro del Parque Nacional del Teide en la isla Española de Tenerife, perteneciente al archipiélago compuesto por las Canarias.

Conjunto de islas ancladas en el Océano Atlántico que gozan de un clima privilegiado debido a que se encuentran en las proximidades del meridiano del Ecuador. Le aprobaron al astro-físico y fotógrafo Daniel Lopez el proyecto visual de rodar un corto en formato timelapse, que capturar el momento mágico.

Que se produce efecto del devenir de una diversidad de comulos de nubes que transitan y se generan en el interior de la inmensa caldera del que es considerado el mayor pico de España. Le ofrecieron no solamente la oportunidad de cumplir uno de sus sueños como amante de los fenómenos metereologicos.

Largamente anhelado que consistía en ser testigo a través de una colección de imagenes de un fenomeno, que aunque no es único en el Planeta Tierra. Si cobra y representa un momento especial, y máxime si puede seleccionar las ubicaciones más idóneas dentro de los términos que marcan los límites de unas instalaciones.

Que este caso si se pueden considerar únicas y referentes en su campo y cometido de explorar y barrer el Universo, con el objetivo de corroborar alguna hipótesis o planteamiento cientifico. O si acaso identificar alguna señal que por la naturaleza de su frecuencia y ubicación.


Nos permita albergar la remota esperanza de que los miembros que tenemos por el azar de numerosos accidentes y azares relacionados con la evolucion, de pertenecer a la especie más sofisticada e "inteligente" que se ha catalogado hasta el momento. No se tiene que resignar a pensar que estamos solos en el vasta Vía Lactea.

De realizar un trabajo que no dejaba de suponer un reto para su autor, porque a la escasa experiencia que poseía en la creación de este tipo de narrativas. Había que añadir las dificultades ambientadas que se observan a estas altitudes, presentado un modelo climático altamente volatil.

Lo que obliga a estar constantemente pendiente de las previsiones emitidas por las diferentes estaciones metereologicas. Y por lo tanto de valorar por parte del fotografo, cual va a ser las lentes y configuraciones más optimas, que permitan extraer el máximo rendimiento e información de cada toma.


Colección formada por miles de imágenes realizadas con la ayuda de un equipo que tampoco es que reúna unas especificaciones muy (digamos) exigentes. Un set compuesto por cámaras. Que Daniel emplea con mayor o menos acierto haciendo un retrato de los diferentes y variados sustratos paisajisticos que se forman debido a la oscilación y composición de los bancos de nubes.

Realizado a lo largo de 365 dias el timelapse Laboratorio de Nubes combina aspectos artísticos y paisajisticos, con una labor científica que permite a los investigadores estudiar,  utilizando como materia las imagenes obtenidas en diferentes franjas horarias la variedad de fenómenos que se producen en la zona y sus efectos climáticos sobre el entorno.


Que inundan la mayor parte del año los valles de la Oratava y las Cañadas, material único y excepcionalmente onírico con el que Daniel superaba las mas alagueñas expectativas que se había propuesto en un principio cuándo completo el trabajo de campo previo sobre el terreno

El resultado liberado en fomato de timelapse a finales del año pasado y que podéis ver AQUI. Esta realizado a partir de una ingente de documentación compuesta por las miles de instantáneas realizadas con un intervalo de cinco minutos y que has sido tomadas desde puntos estrategicos situados en la cordillera del pico.

Donde se situaron los trípodes y desde los que se podía observar a través de una panorámica privelegiada los diferentes cúmulos de nubes que se formaban y las mareas que trazaban las calimas. Que contempladas desde la vista situada en la estación meteorológica ofrece debido a su altitud un espectáculo incomparable, donde la acumulación de nubes desplazadas por las corrientes tratan de superar el punto mas alto de la cuerda de la montaña. Logrando crear un efecto visual compuesto por  un mar de nubes que cubre la practica totalidad del valle y que en su devenir se asemeja a la cadencia que produce las olas cuando arremeten contra la costa.

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Maud Le Car, Surf y Arte


La practica del Surf no deja de tener un componente creativo importante, el surfista traza sobre las olas diferentes trayectorias. Utilizando movimientos corporales con los que desliza con su tabla sobre las olas del mar.

Dibujando a través de ejercicios más o menos complejos parabolas, que si se pudieran trasladar a un formato físico donde se pudieran como por ejemplo a una cuartilla o un lienzo. Más allá del efecto abstracto del resultado, en muchos casos no dejaría de maravillarnos.

De hecho ha habido algún meritorio intento últimamente personificado por la figura, de ni más ni menos que Shepard Fairday (Obey) en términos artisticos. Que aparte de ser uno de los artistas urbanos más conocidos a nivel global.

Ha demostrado que aparte de ser un seguidor del surf, es un consumado practicante del deporte de las olas. Que libero una serie de laminas serigrafiadas, a través de las que trataba de mostrar su fervor por las tablas y compartirlo con sus numerosos fans.   


Utilizando como lienzos la superficie de las tablas que le regalan sus fans y amigos, en ellas representa simbolicamente su universo a través del surf, devoción que la muestra a través de formas creativas. 


Por eso no es de extrañar que haya surfistas profesionales como la Francesa Maud Le Car en cuya carrera ha logrado compaginar, alternando sus citas en la alta competición. Con otras de sus grandes pasiones como es el arte. 

Acercamiento creativo a través del que practica ha desarrollado una solida trayectoria. Que ha perfeccionado a través de cientos de diseños elaborados casi de forma artesanal, y los cuales se puede adquirir o encargar directamente entrando en la tienda online, a la cual se puede acceder directamente a través de su sitio web. 




Y en cuyas obra compuesta por cuadros y murales principalmente, realizados en tonos cálidos y realizados en su mayoría aplicando disoluciones cuya base princpal esta compuesta por acuarelas. Están plagados con múltiples motivos que hacen referencia al medio acuático que ella domina y conoce tan detalladamente que combina con retratos que se caracterizan por un estilo donde se fusionan los elementos Pop con una galería de personajes femeninos iconicos y fuertes a la vez.


Tales of the Wild, cuatro aventuras de cine protagonizadas por Jhonny Deep


Producido por la firma de cosmética y perfumeria Dior, la serie de cortometrajes que forman parte Tales of the Wild, cuyo resultado podéis ver desde el siguiente enlace AQUI.

Lanzados a lo largo del año pasado formaban parte de la campaña de lanzamiento de su ultima creación. No es habitual la producción de este tipo de contenidos realizados bajo un prisma, en los que se prioriza una trama en la que los protagonistas son los diferentes paisajes que se muestra.

En cada uno de los cuatro episodios sus protagonistas aventureros ocasionales en algunos casos y profesionales en otros anonimos. Se trasladan a diferentes entornos naturales del planeta, para capturar algunos de los mas bellos enclaves de los que podemos disfrutar en nuestro planeta Tierra.

 
Mostrándonos algunos de los rincones más bellos a la vez que desconocidos. Consiguiendo unas tomas realmente espectaculares, las cuales combinan con imágenes de deportes como la escalada o el surf. Recorriendo lugares como la Pampa Argentina, bajo títulos como: Gaucho, Solace o El Capitán. Títulos que se inspiran en las propiedades de los paisajes que se filman. 


Cada episodio representa un fragmento en el que el verdadero protagonista son los diferentes entornos naturales donde se desarrollan las actividades y su increíble belleza paisajística.


O sorteando habilmente las aristas de una pared en una escalada en las montañas del parque natural de Yosemite en el estado de California. Cada entrega que cuenta con la particpación del actor estelar de Jhonny Deep, representan el lado mas indómito del espíritu humano donde el paisaje moldea su carácter entrando en harmonia con la naturaleza. 

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