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Berlinde de Bruyckere - Cripplewood, la vida y la memoria construida a partir de los retos de un árbol y su espiritu


Para su primera participación en la ultima edición Bienal de Venecia la artista Berlinde de Bruyckere, utiliza dos constantes en su trayectoria. Uno la emulación de la materia orgánica  de origen humano a través de representaciones de la natureleza.

Y dos su relación con los procesos metabólicos de oxidación/reducción debido a su exposción al medio y su biodegradación. Comisionada por el premio nobel de literatura J.M. Coetzee. Que conoce desde hace algún tiempo atras y el cual redacta varias citas ex-profeso para la instalación, una dice  "Cripplewood no es madera muerta"

Que actúa construcción narrativa que describe por principio una pieza delicada y frágil en términos estéticos. La otra es más elocuente y determinante. "Cripplewood... Como todos los árboles, a pesar de ser un árbol paralítico aspira a llegar el sol, pero algo en sus genes, alguna mala herencia, algún veneno, retuerce sus huesos".


Además se inspira en la iconografía de San SebastiánUn soldado romano que se negó a renunciar a la religión cristiana que procesaba en la clandestinidad. A menudo representado  atado a un árbol con flechas. Sobrevivio a sus heridas protegiendose de la plaga que se extendía por la ciudad.

Suceso que le convirtió en el santo siendo canonizado no sin cierta polémica previa. Este episodio épico Berlinde lo representa dándole una dimensión poética donde un árbol torcido desprovisto de su corteza muestra su delicada piel al descubierto dejando el tronco desnudo. 


Los brazos y piernas del santo representados por las ramas del árbol revela sus cicatrices. La  enorme instalación de cera reproduce con exactitud una amplia sección del tronco de un olmo caído. 

Ponderado con sacos de arena, fusiónandoles en una masa formada por troncos y ramas. La instalación cuyo tronco fue trasladado desde Francia a Bélgica donde reside Berlinde. Representan los músculos, así como los tendones y  huesos de la anatomía de un ser humano.



Nicola Verlato, el imaginario renacentista actualizado


Los maestros renacentistas debido a la escasez de medios tuvieron como referente estético el arte griego, del que aplicaron muchas de sus características el tratamiento de la figura humana era fundamental, la obstentación  de sus gestos era lo que expresivamente dotaba a su pintura de movimiento y el elemento narrativo a partir del que se estructuraba sus composiciones pictóricas.

El artista italiano Nicola Verlato con sede actualmente en Los Angeles tras una breve instancia en New York, aplica los mismos recursos conceptuales en sus obras pero en su caso el componente alegórico adopta una naturaleza visual contemporánea. 

En sus óleos se describe el choque de culturas entre monoteísmo y politeísmo a lo largo de la historia humana, una batalla que el artista considere que está en las raíces mismas del desarrollo de la civilización occidental. En palabras de Verlato: "el arte figurativo está intrínsecamente relacionado con una actitud politeísta (culto de los ídolos), mientras que el monoteísta prohibe ídolos, como está escrito en la Biblia. Monoteísmo ganó claramente en la mayoría de aspectos de la cultura occidental, pero el politeísmo todavía sobrevive en la cultura pop.


Natural de Verona fue un artista precoz que a los siete años ya dominaba varios estilos, aparte de la pintura también recibió una formación musical que completo con sus estudios de arquitectura en Venecia.  Durante este período en Venecia trabajó en casi todo lo que estaba relacionado con el dibujo: la escenografía, la decoración temporales, ilustraciones, comics, etc storyboard, elementos con los que ha conseguido crear un estilo propio.

StudioMobile - Networking Nature


Lo que ayer representaba el futuro hoy en día ya es una realidad, los recursos hidricos se han convertido en un valor que cotiza en bolsa, mientras tanto el nivel de los océanos esta aumentando como consecuencia del cambio climático. Mientras tanto el colectivo StudioMobile mediante la instalación titulada Networking Nature, nos muestra como utilizando unas cuantas sondas para formar una red,  por la que canalizar agua desalada, la humanidad se podría adaptar a este escenario adverso.

Creada con motivo de la ultima edición de la Bienal de Venecia, Studiomobile explora un escenario futuro donde la humanidad se vera obligada a vivir en un insólito paisaje modelado por los cambios ambientales, un enfoque caracterizado por abrazar las condiciones cambiantes y aprovechar las oportunidades resultantes. Con frecuencia, los cambios percibidos como negativos abren nuevas posibilidades y oportunidades innovadoras. 

Nos imaginamos nuevas comunidades basadas en el movimiento, que viven en estructuras flexibles, auto-suficientes, y nómadas. Creemos que el agua del mar está a punto de convertirse pronto en un recurso clave para el desarrollo de comunidades urbanas.

Dentro de un tanque de cristal lleno de agua salada, algunos destiladores solares extraen agua dulce mediante el calor producido por pequeñas lámparas. El agua de mar se evapora y el vapor se condensa en agua dulce, que se recoge en tanques suministrándose. En una red de agua inteligente controlada por sensores que leen la falta de agua, activando las bombas que proporcionan el agua donde hay un pico de demanda.

Networking Nature que estará en exhibición hasta el 25 de Noviembre en el Palazzo Bembo, sugiere un futuro imaginario en el que es imposible ver la línea divisoria entre la arquitectura y el medio natural, entre máquinas y organismos vivos artificiales. 

Selgascano - Between air, simbiosis entre la arquitectura y la agricultura en el ámbito urbano


Between air es un proyecto multidisciplinar, desarrollado por los arquitectos del estudio Selgascano, que junto con el biólogo Josep Selga y el ingeniero agrónomo Juan Laureano. Han diseñado un prototipo, que forma parte de la selección que presenta la delegación española 

Y que se puede visitar en el pabellón de España en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2012. El proyecto explora una visión renovada de la naturaleza y su relación con la tecnología en un ámbito como el de la práctica arquitectonica.

Aplicado a un proyecto que actuará en un entorno cerrado. En el cual los avances tecnológicos evolucionan pudiendo aplicar con garantías en entornos urbanos con el objetivo de resolver problemas espaciales y la escasez de los rendimientos agrícolas.


Los diferentes elementos que forman parte de la instalación, utiliza las ideas existentes para repensar el método tradicional de cultivo de plantas. Asociándolo con los valores materiales y tecnológicos de una sociedad que se ha trasladado desde un entorno rural, emigrando en masa a las grandes urbes globales. 

Masificando las metrópolis urbanisticamente, formando ciudades estado, que en la mayoría de los casos se han extendido obviando los procesos agrícolas, y optando por modelos de obtención de alimentos tecnificados y poco ecológicos.

La instalación es un conjunto de recipientes que permiten que las plantas crezcan en estratos pequeños de tierra y con escasez de agua. Los datos se procesan durante su funcionamiento con el objetivo de aprender nuevas y productivas maneras de recuperar terreno a la naturaleza.

El sistema de Between air esta en suspensión y conectado a contenedores porosos de formas cilíndricas. Hechos de plásticos reciclados, los orificios facilitan la entrada de luz en los cultivos que finalmente crecen en al exterior. Por lo que constantemente hay que podar las raíces, produciéndose un crecimiento radial en lugar de lineal.



Simone Decker - Chewing in Venice 1 + 2, describe la plasticidad del paisaje


En la serie de instalaciones realizadas por el artista Luxemburgués Simone Decker, con motivo de la Biennale de Venecia de 1.999. La creatividad de un material cotidiano acaba modelando el paisaje urbano. 

Formada por una selección de actuaciones discretas, que presentan una serie de matices, tanto en términos técnicos como creativos. Que por sus resultados visuales como plásticos merecen la pena destacar.

Y no sólo por lo evidente, estamos ante una propuesta inusual. Y no sólo porque en vez de utilizar para su elaboracion los materiales tradicionales, como el marmol, el yeso o el acero.


Sino porque las intervenciones hechas por Simone Decker, en las que ha empleado toneladas de chicle. Ofrece elementos arquitectónicos a partir de los que realizar una lectura.

En la que la plasticidad de la materia se adapta a todo tipo de espacios, mostrando una coherencia entre el material y su expresión artística. Resultado que funciona con un rendimiento notable en el paisaje donde actua.


Estas obras son, como subraya el artista, "realizado en el lugar, pero sobre todo, con el lugar" . Mediante intervenciones a veces discretas, a veces más explícitas, invitan al espectador a renovar su percepción del entorno.


En este contexto los elementos del mobiliario que forman parte del espacio publico interactúan con las instalaciones. Las que de forma arbitraria se han distribuido en diferentes emplazamiento de la serenisima.

Ofreciendo una perspectiva de las obras y una presencia visual en una dimensión que relaciona el entorno urbano y arquitectónico concebido por el artista. Con la percepción del espectador cuya primera impresión es de asombro, pero que enseguida reconoce como algo próximo reconocible y cotidiano. 


Francesco Sambo - Carnaval evolutivo



Quizas el tener el estudio en mitad de una laguna como es la que alberga Venecia, como la charca en la que se cree que se origino resto de vida, sea el nexo entre las criaturas híbridas y los ojos barrocos de unos niños cuya mirada serena nos resulta inquietante a la vez que inocentes. Las numerosas series de fotografías del artista digital Francesco Sambo, nos traslada en el tiempo al renacimiento, a los bailes de mascaras. En este caso el camuflaje lo representa la morfología, la biología y su capacidad para adaptarse a un determinado entorno evolutivo, donde la tecnología es el accidente que marca los plazos y materializa las formas.

Yacht Island Design Concept/Project Utopía

El ultimo proyecto del estudio especializado en el medio aeronáutico Yacht Island Design Concept, se inspira en la estructura con las que se construyen las plantas de extracción petrolífera, para diseñar una isla flotante donde la oferta residencial se combina con todo tipo de servicios, en un concepto arquitectónico innovador y sofisticado.
Asentada sobre cuatro pilares exteriores y uno central el Proyecto Utopía, es una isla artificial autónoma y flotante con capacidad para cubrir largas tartesias, así como permanecer anclado en mitad del océano indeterminado. Su propósito es ofrecer al cliente futuro que contrate sus pasajes, los mismos servicios que puedes encontrar en un hotel o en un crucero.
El Proyecto Utopía ocuparía una superficie similar a la de un crucero comercial y es lo suficientemente grande como para albergar una población pequeña. La "isla" es de forma circular, mide 330 pies de diámetro, y se extiende por 11 cubiertas de espacio habitable. El piso superior se cubre con una cubierta de cristal, que permite que la luz del sol se filtre en el interior. El pabellón de cristal también se puede abrir cuando el tiempo lo permite, proporciona aire fresco a los pisos superiores. Cuando está abierto, el piso superior actúa como una cubierta de la piscina al aire libre, con zona de baño central.   Un observatorio con magníficas vistas de 360 ​​grados a una altura de 65m sobre el nivel del mar. Una verdadera obra maestra de arquitectura e ingeniería diseñada para presentar el perfil más bajo posible de la superficie del agua.
El buque se mantiene estable en las agitadas aguas, gracias a la plataforma de cuatro patas que lo anclan en su lugar, incluso en condiciones extremas. Cada pierna tiene una hélice que permite a la isla mantener la estabilidad. Cuatro helipuertos facilitan el acceso a la isla por vía aérea, y los barcos pueden atracar en los muelles de los que dispone la isla. El interior alberga una zona comercial, un teatro, una zona de restaurantes, bares, discotecas y un casino.