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Moto Waganari, expresion corporal a través de esculturas hechas en alambre

En las obrasdel artista alemán Moto Waganari en vez de esculpir algún tipo de material sólido como puede ser el mármol o mineral similar, teje con alambre formas y volúmenes de figuras delicadas y etereas.


Que trazan los contornos de volúmenes corporales que pueden resultar familiares en un contexto objetivo, pero con las que resultan difíciles empatizar desde una afectivo y emocional. Pues están despojada de aquellos rasgos a través de los uno puede identificar al otro.


A pesar de carecer de la gestualidad que les proporcionan el contorno de unos ojos y  la expresividad de unos labios bien definidos. Si poseen esa humanidad mediante la que pueden llegar a cautivar al espectador que se aproxima a su aparente desnude de significado.


Sus conjuntos escultóricos por otra parte añaden  el movimiento a sus proyectos, representando modelos tanto de personas como de objetos y animales. A partir de diseños trazados con polígonos, las esculturas que carecen de rasgos faciales adquieren su identidad a partir de la materia con las que están realizadas y el diálogo con su entorno. 


Para obtener una experiecia visual completa las piezas de Moto se muestran acompañadas de iluminación, que proyecta sobre el fondo su respectiva sombra realzando su presencia tridimensional en el espacio. 


Nacido en 1967 sus esculturas manifestaciones materiales y poliméricas de arquetipos digitales se comparan a menudo con las obras de artista coetáneos como Jaume Plensa. Su obra está influida por el minimalismo del Lejano Oriente y la fuerza expresiva de los maestros clasicos europeos.



Zimoun - Cajas sonoras que representan las distorsiones de la globalización


Las esculturas sonoras del artista suizo Zimoun que pueden recordar a las instalaciones masivas de coetáneos con Ai WeiWei utilizan materiales sencillos para crear paisajes sonoros únicos que resuenan como mantras. Partiendo de una condición minimalista. 

Diseña y construye las estructuras mecánicas que crean un coro de sonidos fascinantes que desafían las expectativas de las capacidades sensitivas del espectador. Que agudiza el oído para tratar de descifrar los sonidos emitidos por una bola de algodón golpeando una caja de cartón,

Produciendo una frecuencia que dependiendo de su amplitud debe ser imperceptible para el oído humano. Las ideas que inspiran las instalaciones de Zimoun suelen surjir de situaciones cotidianas, de la experiencia que supone vivir en una gran urbe que adopta formas ambivalentes en un entorno en el que la contaminación acústica puede ser un problema. 


Zimoun recicla este malestar sonoro empleando 
medios minimalistas y de baja tecnología ofrece propuestas a las que incorpora narrativas inspiradas por la belleza y la complejidad de la naturaleza, así como por sus sistemas metabólicos, su función,  y el caos y el orden que representan. 


En el montaje de cada instalación del artista y músico suizo se emplea una media de ocho días, se trata de  procesos complejos en el que los componente y los mecanismos que lo forman siguen un esquema metódico de montaje. Este sofisticado funcionamiento contrasta con el efecto aleatorio en el patrón de sonido. 

El golpeteo monótono con la acústica natural del material de cartón, creadas a través de simples efectos como los producidos por la liviana lluvia que se precipita golpeando sobre un fondo de papel vacío. Es esta superposición de ondas de sonido aleatorio y aturdido la que crea un murmullo casi neutral y relajado que perciben los sentidos auditivos. 

Pulsando rítmicamente, cada unidad reverbera creando una huella sonora singular y la vez sincronizada. Microestructuras temporales surgen y cambian, haciendose audibles a través de patrones creativos resultado de una expresión colectiva. 


Jeremy Geddes - Fragilidad espacial, el astronauta que quería ser heroe por un dia


Conocido por su serie de astronautas etéreos, representados en paisajes urbanos donde la ausencia de gravedad les mantiene levitando en la atmósfera. Conjunto de trabajos de atmo esfera renancetista.

Con los que ha llegado ha protagonizar la portada de la prestigiosa publicación de tendencias artísticas contemporaneas y diseño Juxtapoz. Además de servir como argumentos narrativos en numerosas muestras convirtiéndose en un icono. No solamente para su autor.


Influencias que el ha incorporado en algunas de las etapas de su carrera y que les confiere a sus obras una naturaleza que abarca una línea temporal, por la que el espectador, a poco que utilice su perspicacia. Puede contemplar cuadros en los que se observan una variedad de matices.


Con los que Jeremy crea composiciones que trascienden lo terrenal acercándose a lo mistico, está particularidad con la que provoca que lo representado casi se eleve, levitando por un instante. No deja de provocar cierto extasis tras el desconcierto inicial, estado que se diluye entre la tensión y la fragilidad gracias a la presencia de una paloma. Que ya sea como testigo mudo o en grupo añade algún resto de humanidad y movimiento a la obra. 


Que trata de fundir el aura del pasado con un presente-futuro dominado por la era digital y una especie de cyborg mitad ser humano y resto maquina. El cual por si solo representa para bien y para mal al nuevo prometeo, una entidad que es incapaz de procesar tanta información por si sola y que por lo tanto por flotar en una sociedad liquida y cada vez más nihilista.


El artista Jeremy Geddes con estudio en Melbourne Australia, cuya obra navega entre técnicas como el hiperrealismo salpicados con elementos surrealistas. Habiendo heredado algunos de los mejores rasgos de pintores coetaneos.


Escritor ocasional publicado algún relato tan sugerente como esclacedor de cuáles son en síntesis los puntos fundamentales de su credo. Titulada The Mystery Of Eilean Mor. Se trata de un relato iniciatico dirigidos a niños tan luminóso como peturbador. Además ha sido director de arte por cinco años en la industria de los vídeos juegos y dibujante de cómics, experiencia que aplicado en su trayectoria posterior pintor.




Tom Deininger la cancelación de la Cultura Pop a través del reciclaje como arte


A partir de reciclar desechos, se puede elaborar un discurso emocionalmente positivo. Este es el sencillo y gratificante mensaje del artista Tom Deininger, con la que le da una segunda oportunidad a un objeto tirado al deposito de basura. 

Transformándolo en materia con la crear arte en sus diferentes manifestaciones, ya sean instalaciones, esculturas o collages (entre otras). Otra de las cualidades que cabe mencionar es su gran capacidad de expresión.

A la hora de seleccionar los temas sobre los que va a trabajar. Por ejemplo cuando se inspira en algún personaje de la cultura Pop, lo hace  sin matices, sin ambages al natural. Los iconos que retrata los hace reflejando lo mejor del personaje, mostrándonos una imagen alejada de la que los medios nos han trasladado.



Una Marilyn Monroe con semblante confiado y candido, esculpida con restos cibernéticos. Alegoría de un futuro aun por consumarse, un nido vació que yace sobre la arena en una playa que se rinde al ocaso del día. O una carcajada realizada con envases de la Coca Cola,  la ironía hecha arte.

Influenciado entre otros por artistas contemporáneos como  Tim Hawkinson, Bruegel Peter o Edward Kienholz. Este amante del surf, nacido en 1970 en Boston, Massachusetts. Thomas Deininger es un artista que recibe una considerable atención como creador que describe la realidad.

Desde una óptica, donde lo mundano del origen de la materia que emplea en sus trabajos se complementa con lo superficial de la realidad pretendida mente sofisticada, con la que coquetea. Convirtiéndose en un testigo cuya percepción de esa realidad la metabolize en piezas que son tan seductoras como irreverentes. 




Antony Micallef, el retrato de un entorno social en transición


Todavía recuerdo cuando contemple por primera vez las esculturas de Antony Micallef, ante las cuales me quede sobrecogido. El lugar seleccionado para la exposición era una galería emplazados en la mismísima City de Londres

Aunque no era, ni mucho una de las mas llamativas ni grandilocuentes, pero si, sin embargo. Si reunía todas y cada una  de las virtudes y propiedades además de algunos reparos que sobre todo se les pueda objetar en términos subjetivos.

Otro punto a destacar es el acertado abordaje del montaje escénico de la exhibición, totalmente concruente con el enfoque caracterizado por el sentido dramático y desconcertante. Que Antony suele aplicarle a sus obras, las cuales destacan técnicamente por tonos difuminados con los que transmite una atmósfera de introspección.


Sin embargo en otras adopta una actitud más activista a través de las que realiza una denuncia explicita acerca de una diversidad de temas, que he tenido oportunidad de contemplar en una narrativa creativa. Formas esteticas y conceptos con los que Antony crea narrativas donde reitera su compromiso con el contexto socio-politico que le ha tocado vivir.

Una posicion, que sin duda supone un riesgo para el perfil y prestigio para un artista emergente como en su momento ha sido Antony Micallef. Y que el afronta con sutil diplomacia e incluso una refinada dinamica, en la que el receptor de la se convierte en un elemento activo, pues a no ser que carezacas de amígdala es imposible mostrarse indiferente ante sus propuestas.


Con sede en  Londres la  obra de Antony  a menudo es comparada con referencias más o menos próximas en el tiempo como la de  Francisco Bacon, o influencias de autores clásicos más accesibles y figurativos como Caravaggio y Velázquez.


Que parecen devenir y nutrirse de los acontecimientos que Antony metaboliza a través de un lenguaje ácido e irreverente. Lo que ha provocado que su sea considerado un outsider del arte contemporáneo. Condición atribuible al hecho de que ha manteniendo un discurso antibelicista a lo largo de su trayectoria hasta el momento.