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JR hace un retrato global a través de las pirámides Egipcias


Corria el año 1798, miles de años habían transcurrido desde que el emplazamiento donde se encuentra la pirámide de Giza había permanecido en el obstracismo, hasta que precedido por sus columnas formadas decenas de miles de soldados llegaba liderandolos el mismísimo Napoleón.


El cual avanzo entre olor de multitudes dirigiendose triunfal y pletórico hacia el pie de la gran pirámide como si fuera la mismísima reencarnación de una deidad del antiguo Egipto. Enseguida demandó de su séquito que deseaba quedarse a solas en la mismísima Cámara del Rey donde su legítimo e ilustre morador vegetaba inerte entre abalorios y restos de vasijas rotas.

Donde andaban serpientes y huían ratas espantadas. Dicen los testigos que cuando salió el último emperador de Occidente, su rostro mostraba un terror desconocido hasta ese instante en su excelencia. Visiblemente conmocionado por lo que sus ojos de madera habían podido ver allí dentro, en lo mas profundo de la sala mortuaria.

Ante tal estado de conternacion, sus acolitos tras dudar y mirarse unos a otros con cara de desconcierto decidieron por fin preguntarle por la causa de su aparente afliccion. El entonces, en un gesto de altivez que ocultaba su desconcierto dijo empleando un tono lo más solemne posible. -Que no tenía nada que comentar. 

Guardando para si siempre el secreto de lo que supuestamente sucedió en el interior de tan insigne monumento en aquella oscura noche. Un monumento que aparte de estar catalogado como una de las siete maravillas del mundo. El cual ha sido objeto de múltiples interpretaciones, teniendo tantas connotaciones como piedras fueron transportadas hasta completar sus alrededor de ciento treinta y ocho metros de altura.

Un emplazamiento que ha sido elegido como localización de numerosas producciones cinematográficas así como una diversidad de actividades que abarca desde publicidad, representaciones artisticas o mega montajes para escenificar los más majestuosos conciertos de opera. A esta larga lista se le ha añadió en 2021 la celebración de la primera edición  de la muestra de arte Forever is Now, a la que al año siguiente le sucedió una segunda cita.  
 
La piramide que hace de foto-matón se convierte en un aliciente dentro del valle de Giza

En ambas convocatorias y entre selecto listado de artistas invitados por la fundación Art D Egypte se repetía sin embargo un nombre que si no fuera por su notoriedad y transcendencia dentro del mundo del arte urbano global. Seguramente este sugerente y debutante certamen que tiene como principal objetivo postularse como plataforma a través de la que mostrar al resto del mundo las últimas tendencias.

Que en el ámbito de las artes plásticas firman una nueva generación de artistas egipcios habría pasado lamentablemente desapercibido. Y es que sobre las áridas arenas donde se alinean algunas de las más renombradas pirámides egipcias el artista francés JR (de cuya trayectoria como ya habéis constatado en repetidas ocasiones en NQ soy devoto y deudor pudiendolas leer y ver AQUI), desplegó toda su capacidad creativa.

Ofreciéndonos dos proyectos, los cuales ademas de reunir desde el punto vista estetico sus recursos más característicos. Como son sus grandes retratos realizados casi siempre expuestos en espacios abiertos y a escala monocomatica. A través de los trata de mostrarnos una especie de cornucopia de una sociedad cada vez más multicultural, donde la humanidad sin embargo apenas puede echas raices.


El artista JR contempla las pirámides, construidas en alineación con el sol naciente y poniente, como la oportunidad de expresar las conexiones entre lo terrestre y lo celestial.



Dos propuestas a través de las que de alguna manera se reinventa, pero no por ello sin renunciar a aquellos arquetipos visuales por los que a lo largo de las más de dos decadas que lleva peregrinando haciendo miles de fotos alrededor del mundo. Pero introduciendo algunos matices con los que la narrativa que hasta ahora se limitaba prácticamente a enfocar el rostro del individuo que se iba a fotografiar.

Labor que hacía de la forma más cercana y cruda posible, tratando de hacer una aproximación lo menos superficial que se podía conseguir con una cámara de fotos. Principio que lejos de abandonar mantiene, pues es uno de los rasgos principales dentro de su carrera y biografía visual, pero que ha enriquecido en estos dos trabajos en los que ha recurrido a los elementos que había a su alrededor.


Para crear un puente entre los retratados y las motivaciones por las que están visitando la necrpolis más antigua de la historia de la humanidad. Obteniendo unos resultados realmente reveladores en cuanto a la enorme diversidad de fenotipos que han posado algo que se aprecia no tanto en la primera entrega titulada Gretting from Giza, donde se la novedad introducida pertenece al ámbito de la comercialización de su trabajo a través de una emisión compuesta por NFT's. Limitandote a intervenir en la pirámide de Kefrén que se encuentra parcialmente cercenada en su parte superior.

Una mano emerge de la aridez de la arena del desierto para sostener la cúspide fotografiada de la piramide


Creando una ilusión óptica a través de un trampantojo con el que de alguna manera recreaba como podría mostrarse la estructura piramidal si estuviera completa. Para reproducir su propia versión de los hechos JR recurrio a una malla de acero con la creo la estructura de la cúspide de la famosa pirámide construida en 2570 aC y sirve como tumba del faraón de la cuarta dinastía Kefrén


Para Saludos desde Giza, JR volvió a utilizar la técnica de la "anamorfosis", algo que ya habíamos visto en instalaciones precedentes donde el objeto del retrato es un edificio tan emblemático como puede ser la famosa pinatoca del Louvre que comenzó en 2016, cuando hizo desaparecer la pirámide, teniendo su continuación en 2019 cuando reveló el secreto de la pirámide del Louvre usando 2000 rayas de papel.

Aún más, la inquietante instalación de JR que representa la parte superior de una pirámide como un cuerpo levitante siendo la primera obra de arte suya en ser comercializada en el mercado NFT la cual se ha dividido en 4.591 piezas.


Al mismo tiempo, JR como ya he mencionado lanzó sus primeros NFT. Titulada Saludos desde Giza una colección de múltiples capas que difumina las líneas entre el espacio público y el digital, invitando al público no solo a poseer una pieza de la imagen real que crea la instalación, sino también a formar parte de la obra de arte. La pieza Saludos desde Giza se ha dividido en 4.591 NFT, un número que se hace eco de la edad de la pirámide. 


Cada NFT es muy similar a lo que las gigantescas instalaciones de JR parecen de cerca. Abstractos, y sin embargo, cuando se combinan, recrean una imagen que tiene sentido dentro de su entorno. Basado en la Sign's List de signos de Sir Alan Gardiner de 1927. Una lista de Jeroglíficos egipcios compilado por Sir Alan Gardiner, que se ha convertido en un modelo a partir de los que traducir el significado de los jeroglíficos originales. 

Gardiner enumera solo las formas comunes de los jeroglíficos egipcios, pero incluye extensas subcategorías. Un total de 743 jeroglíficos escondio JR dentro de la colección inspirándose en pirámide dorada, que está presente en el sitio de la Gran Pirámide (pero no en Kefrén). Además de estas 743 rarezas, 5 NFT muy especiales ocultaban "jeroglíficos" creados por JR.  




La segunda novedad en su práctica consiste en crear un objeto ex-frofesso para su segunda participación en Forever Is Now. En este caso crea un foto-matón en forma de pirámide por la que pasan a diario cientos de personas que atraídas por la superficie metalizada de la pirámide son fotografiadas. Titulada The Inside Out Photoboth, se trata de una experiencia a través de la que quería reflexionar sobre la desmesurada atracción que ejercen determinados monumentos en términos turisticos.

Realizada a lo largo de noviembre de 2022 cada retrato se transforma en un póster en blanco y negro que alcanza los casi cinco metros de altura, mostrando a los participantes observándose a sí mismos. Tras hacerle entrega a cada uno de su lámina podían si lo deseaban pegarla en una de las tres vallas publicitarias fuera del stand, con este gesto se pretendía involucrar a los retratados de forma activa en el paisaje formando parte de las antiguas pirámides, los participantes de esta forma y aunque no son conscientes se convierten en co-creadores, colaboradores y protagonistas de la larga historia artística de este sitio.


El artista Daniel Potter encarna en diosas mitológicas mensajes ecologistas

 


A todos los que nos apasiona explorar el paisaje urbano a la búsqueda de nuevas muestras  de expresión, ya sean realizadas por firmas consagradas o las realizadas de forma furtiva por entidades anónimas. 


Somos conscientes de que estamos contemplando algo que independientemente de sus motivaciones y el contexto en el que ha sido creado, es un accidente creatvo cuya vigencia se puede considerar casi efimera. 


Pues entre las condiciones con las que hay que lidiar cuando se interviene en el espacio público. Es que aunque este espacio por lo común presente elementos fijos como el mobiliario urbano, por lo general con el transcurso del tiempo. 


Sus intervenciones suelen estar sometidas a modificaciones, cuyas causas pueden estar condicionadas por una diversidad y amplio abanico de factores. Causas que están relacionadas con un estrés urbano, el que modifican en mayor o menor medida los entornos urbanos, que se comprortan por lo general como sustratos que conforman continentes más o menos volatiles, dinámica que en algún momento afectará a la obra urbana. 

La fecundidad de la madre tierra atesora en Thrive un mensaje ecologista 

Cuya flexibidad puede obedecer a criterios como la economía, la movilidad, el ocio, la formación u otros de índole social. Contingencia qué afecta directamente a todos/as aquellos/as que optan por expresarse en la calle. 


Cómo en todo ámbito existen excepciones, pero son referencias que se puedan contar con los dedos de una mano. Uno de estos afortunados es el artista sudafricano Daniel Popper, artista que se ha hecho un nombre como escultor. 


Hechas a gran escala generalmente para ser exhibidas de forma temporal en eventos como festivales al aire libre, las esculturas de Daniel Popper elevan el compromiso con el medio/ambiente proyectando una imagen maternal. 


Siendo aclamado por sus masivas instalaciones de arte público en festivales como el festival Electric Forest en los EE.UU., Boom Festival en Portugal, Rainbow Serpent festival en Australia, así como Afrikaburn en el Tankwa Karoo en Sudáfrica.


Muchos de sus proyectos incluyen colaboraciones con otros artistas y artesanos, con el objetivo de realzar la propuesta a través de la incorporación de música electrónica, iluminación LED o proyección de mapeos como componentes clave. Creando trabajos en principio temporales y permanentes en espacios públicos.

Las figuras hechas con materiales biodegradable se inspiran en deidades muchas de africanas

El primero de los que citaremos será Refletions/Reflexiones de 2013 encargada por el Parque Nacional Tankwa Karoo, se trata de una instalación de tres niveles, hecha con una estructura mezcla de madera y acero. En el interior la intención de crear un campo de colores utilizando luces brillantes en diferentes tonalidades, pintando cada pieza de madera en consonancia, generando una atmósfera recogida y contemplativa.


En otras los retratos escultóricos cobran un significado étnico totemico, a esta linea se pueden ciurcuncribir piezas como la meditativa Asana. Expuesta  a la entrada al área del pabellón principal del festival anual Art With Me en Tulum México. Daniel se inspiro en mi pose de yoga favorita conocida como Urdhva Mukha Svanasana. La escultura simboliza la naturaleza en su plenitud, abriendo su pecho al océano mientras toma una gran inhalación. 



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Para el mismo evento pero el año anterior se pudo ver Come into light/Ven a la Luz. Como en otras ocasiones la gran escala de los más de diez metros de la efigie fue realizada a partir de un armazón de acero, cubierto por listados de madera y cuerda. Su intención era crear conciencia sobre el frágil patrimonio ecológico sensible del departamento mexicano de Tulum. La pieza simboliza nuestra profunda conexión con la naturaleza y con nosotros mismos en una comunión y compromiso con nuestro entorno. 


Ultimante Daniel incorpora o mejor sustituye las vísceras propias del ser humano sustituyendolas por material orgánico de origen vegetal, que emergiendo desde el interior de la escultura crea la sensación de estar en un lugar protegido. De esta naturaleza son Leto que se pudo en el The Eternal Festival que se celebró en Mykonos Greece, la  pieza con refrencia a la mítica historia de Leto, la madre de Artimisa y Apolo. Adoptando un gesto magnánimo y conciliador. 


O como la monumental Thrive, escultura que fue presentada a finales de 2020, la primera realizada que no es temporal para la Ciudad del Cabo donde Daniel Popper tiene su sede. De la figura de carácter femenina, presenta una altura de casi treinta metros de altura y catorce tonaladas de peso. Su busto resplandece como si fuera una luz que te guia hacia ella. Un bosque compuesto por matorral arbustos de mediana altura donde te sientes como si estuvieras en un santuario natural aislado del mundanal ruido que está a escasos metros de allí, creando un reducto donde sentirse en paz.


La ilustradora Karen Hallion y sus super heroínas emponderadas

 

Todos aquellos  que hemos nacido y crecido durante la segunda mitad del Siglo XX (al menos en un país Occidental), lo hemos hecho teniendo como inseparable compañía en sus momentos de ocio y juegos. 


Algunos de los muchos personajes surgidos durante ese periodo y que pertenecen al universo de los superheroes. Seres en la mayoría de los casos mutantes que en algún momento de sus anodinas existencias (por las que circunstancias que sean), ya fuera por que sus organismos eran expuestos algún fenómeno sobrenatural.

 

O porque el individuo afectado incorporaba a su chasis algún súper poder, que le facultaba para realizar cosas extraordinarios y actos heroicos, los cuales causaban asombro y admiración entre la inmensa mayoría de un grueso de ciudadanos, que por multitudes seguían sus aventuras. 


Casi siempre gracias a la información, casi siempre una información sesgada, repleta de referencias efectistas que se reducían en la mayoría de los casos, atendiendo a ensanlzar aquellos méritos donde la osadía del protagonista y compromiso con sus semejantes, pudiéndose resumir de forma escueta en el espacio redactado de un titular sensacionalista. 



Que se complementaban con entradillas cargadas de testoterona, con los que reforzada los atributos masculinos de unos personajes siempre ficticios, que sin embargo poseían un nexo común con el de pertenecer al género masculino. Condición misogena cuyos rasgos se traducirán al final en el que las conductas que transmitían eran adoptadas, o mejor expresado estimulaban la imaginación de prácticamente solo la mitad de la población. 



Esa tendencia sociológica afortunadamente ha variado sustancialmente a lo largo de las dos primeras décadas de este siglo, en el transcurso del que han ido apareciendo (cada vez más propuestas), que han creado  (con más o menos acierto.) Un elenco de personajes y narrativas que han respondido satisfaciendo a una demanda por la que cada vez más consumidoras prefirian contenidos e historias, donde la trama era conducidas por miembros del género femenino. 


Lámina dedicada a la princesa Laia, heroína de la saga cinematográficas Star Wars

Esto ha sido posible a un buen puñado de ilustradoras que tomando conciencia de este vacío en el mercado, han desarrollado un imaginario en clave femenina que cautiva a miles de fans en todo el mundo. Un elenco de entes creativas que tras vencer los "naturales" perjuicios relacionados con sus supuestas capacidades a la hora de construir personajes cuya feminidad no entrará en conflicto y no fuera por lo tanto incompatible con los estereotipos clásicos del género de superheroes. 


Entre las mas destacadas está la ilustradora americana Karen Hallion, que cuenta con un largo currículum de colaboraciones en diferentes proyectos, entre los que merece la pena citar, Star Wars: Women of the Galaxy (Star Wars Character Encyclopedia, Art of Star Wars, SciFi Gifts for Women, album que al igual que en el titulado BBC’s Thirteenth Doctor comic book, de está autora que comenzo su carrera dibujando personajes mezcla de gheisas y una estética Steampunk. 


La ilustradora Karen Hallion actualiza desde una óptica feminista una variedad de mitos de la ficción creados en ámbitos creativos como el cine, el cómic o los cuentos para niños. 


Centrandose en recrear ambas sagas desde una óptica femenina. Conjunto de proyectos cuya guinda fue el merecido  reconocimiento en forma de premio, ya que ha sido galardonada ni más ni menos que con un premio Grammy en su edición de 2018, concedido por el diseño del set del músico y humorista Yankovic titulado “Squeeze Box: The Complete Works Of ‘Weird Al’ Yankovic.” . 


Carrera plagada de encargos profesionales que ha complementado con una labor más íntima a la par que activista. Embarcandose en un proyecto titulado She Series Real Women, cuyo enfoque temático versa sobre la mujer, abarcando una amplia diversidad de perspectivas en terminos de genero. Compuesto por decenas de series cuya temática gira alrededor del empoderamiento de la mujer. 

Portada de uno de sus álbumes dedicado al Doctor Who

En la última lámina de. Karen publicada en 2020, la autora homenajea a la mujer, seleccionando a nueve personalidades femeninas que a lo largo (principalmente) de los últimos doscientos años han trascendido en un determinado ámbito como por ejemplo Marie Curie (en el ámbito de la ciencia), o activistas de los derechos humanos como la activista afroamericana Rosa Park


Retratandolas en la mayoría de los casos, adoptando una posición de perfil, a los que Karen, añadido aquel término, que ella considera que mejor define los logros y valores de todas y cada una de las mujeres, donde aparte de la calidad en la composición se aprecia en el tratamiento de los detalles,  cuyos motivos hacen referencia a aquellos objetos. 


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Que ya fueran utilizados como instrumentos en su esfera laboral, o aquellos que estrictamente se pueden considerar que pertenecen a su parcela más intima, y cuya inclusión en unos retratos, cuyo estilo sobrio tanto en lo figurativo, mostrando un trazo muy formal como en la selección de los colores, que acentúan la magnitud y relevancia de su figura en terminos sociales. 


Indican el gran conocimiento que atesora la autora sobre la vida y obra de unas mujeres, cuyos nombres no son mas que archiconocidos. Lo cual invita a profundizar e investigar más en su biografía, algo que sin duda redundará en nuestro beneficio intelectual. 





Fernando Vicente, la ilustración barroca


En ocasisones se tienen que dar las circunstancias para que algo con lo que habitualmente te has estado relacionando, ya sea algo intelectual, estetico, social, mediatico... Cobre un valor especial por el que la labor de ese autor/a.


Te transmita o haga aflorar en ti una serie de emociones que en todo el tiempo transcurrido hasta ese momento no te habia provocado, a pesar de que hubiera sido una presencia constante a lo largo de buena parte de tu existencia. En mi caso uno de esos momentos reveladores, en el que no todo parece cobrar sentido.


Pero si al menos hay una parte que da cosistencia al discurso cotidiano por el que damos relevancia a determinadas cosas o necesidades sin las que nos sentiriamos un poco mas huerfanos, fue la "publicación" coincidiendo con la celebración del dia de "las librerias" el pasado 13 de Noviembre de una ilustración.


De una ilustración dominical (La que amable lector/a puedes contemplar unos reglones mas abajo, más concretamente tras esta primera ilustración que conduce directamente al corazon.) Cuyos motivos (como no podia ser de otra forma,) hacen referencia a las connotaciones que te puedan sugerir como asiduo comprador de libros o no. En este caso fue una ilustración que a horas vespertinas tuve oportunidad de ver en el timeline de una red social.

Los elementos que acompañan a los retratos nos habla de su personalidad o vida profesional 


El autor cuya biografía era para mi desconocida en ese momento comenzo a dibujarse en mi por momentos saturada memoria, cuando pulse en el enlace que figura en su perfil, saltando inmediatamente a su espacio en la red. Donde en principio esperaba encontrar los trabajos de un creativo novel, hallazgo que enseguida se disipo.


Hayando en su lugar un sustancial porfolio cuyo trabajo contenido resumia una trayectoria que abarca alrededor de cuarenta años, que bien podriamos dividir en dos partes bien definidas en función de dos realidades contextuales diferentes. En la primera etapa que transcurre durante la decada de los 80´s en un Madrid excitante y efervescente.


Las ilustraciones de Fernando Vicente huye de las parabolas y artificios adoptando al sujeto retratado como protagonista que se describe en un instante emocional especifico. 


Un incipiente ilustrador que respondiendo al nombre de Fernando Vicente (y de formación autodidacta) comienza a darse conocer a traves de participar y contribuir a la cosmologia de diferentes movimientos urbanos como la conocida como La Movida Madrileña, etapa que aparca momentaneamente coincidiendo con el cambio de decada.



Periodo profesional donde se dedica a trabajar en el ambito de la publicidad hasta que en 1999 retoma su faceta expresiva como ilustrador y pintor, aceptando encargos para rotativos como El País. Medio donde se ha podido ver initerrupidamente sus trabajos hasta el momento en sus diferentes suplementos.

Ilustracion publicada coincidiendo con el día de las librerías 2020

Aparte cuenta con varios libros editados, además de una extensa obra bibliografica en donde aparecen una diversidad de los trabajos de ilustración realizados para multitud de clasicos de la literatura (tanto titulos destinados al publico infantil como adulto),  también cabe mencionar que ha participado en el diseño de portadas de discos.


Conjunto de obras que salvo alguna excepción, presentan como principales caracteristicas la de emplear un mismo procedimiento de trabajo. Que consiste en trabajar de pie, tecnica que en el caso del retrato de un modelo sobre un lienzo no llama la atención, ya que se puede considerar habitual adoptar una posición erquida frente al caballete o bastidor  sobre el que se pinta.


Pero que para realizar un trabajo de ilustración es altamente inusual que alguien que se dedique a la ilustración lo haga de pie, quizas sea porque de esta manera obtiene una mejor perspectiva de todos y cada uno de los sujetos que pueblan su particular Universo. Siendo este uno de sus rasgos caracteristicos.



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Y que no es otro que la de colocar en primer plano de la escena que ilustra a una persona, efecto que domina la narrativa visual de Fernando, y con la que a lo largo de su prolifica carrera ha conseguido humanizar en todo tipo de contextos. Ya sea en series de retratos donde los protagonistas son personajes ilustres.


O en el retrato de personas anonimas en las situaciones mas informales y domesticas, independientemente de que aplique un enfoque mas o menos sofisticado de la conducta que se representa. La escena y su desarrollo gira alrededor de un concepto donde las facciones y gestos del sujeto sirven para definir la función del objeto al cual hace referencia el pasaje ilustrado.