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Leonora Carrington, odisea Surrealista en México


Cuando sobrevolaba contemplando desde la ventanilla del avion que la trasladaba desde su primera escala en New York, donde en 1940 habia participado en la primera muestra feminista integramente dedicada al movimiento Surrealista.


Exhibición que estuvo comisiriada por la que quizas sea la mayor coleccionista de arte moderno del Siglo XX, la magnate Peggy Guggehim. Las primeras estribaciones de Mexico D. F. ciudad que en ese momento comenzaba a ser con casi 300.000 de habitantes una mega-urbe que alcanzaria la cifra de los casi 2.300.000 millones de almas en poco más de diez años.


Una aturdida Leonora Carrington que reposaba su cabeza en el hombro de un marido circunstancial y furtivo, nunca imaginaria que convertiria las diferentes residencias en la que residió en la capital azteca, tanto a nivel personal como profesional. En uno de los epicentros en terminos creativos de una corriente como el Surrealismo.


Cuyos principales iconos se embarcaron en una diaspora provocada por todos los acontecimientos y antecedentes relacionados con los prologomenos de una Segunda Guerra Mundial. Cuya malevica y perversa sombra se extendia en todas las direcciones y ambitos, ya fueran sociales, economicos, intelectuales o cientificos.

Colonia Roma reunió a un nutrido grupo de intelectuales huidos de la guerra

Dispersandose en primera estancia con destino a la gran Manzana, para posteriormente recalar en un rosario de ciudades y lugares. En el caso de Leonora Carrington o PRIM (sobrenombre con el que se dio a conocer desde muy joven). Se podria atribuir su decisión final de pasar el resto de su luenga vida (noventa y cuatro años a tan solo seis de su deseo de convertirse en centenaria.)


En la floreciente Colonia Roma, distrito creado a comienzos del Siglo XX debido a la iniciativa de un empresario dedicado a montar espectaculos circenses, que invirtio buena parte de su fortuna en desarrollar urbanisticamente lo que era un lodazal. Asignando en un acto de romanticismo los nombres de las localidades donde giraba con sus circos.

Foto perteneciente a la serie titulada Oda a la Necrofilia

A todas y cada una de las pocas calles de un barrio que con el paso de las decadas se convertiria en uno de los que reuniría a las familias  mas adineradas del pais y que en la actualidadad atrae a mas turistas por su amplia oferta de negocios hosteleros y todo tipos de comercios. A la celebre cita del no menos celebre autor del Manifiesto Surrealista.


(A proposito texto que nunca acabo de leer Leonora.) Andre Breton que equiparo la ciudad de Mexico D.F. con el maximo exponente de lo que el consideraba debia ser una ciudad que simbolizara las cualidades y cumpliera con los requisitos, atribuidos a la imagen idealizada de lo que representaria en terminos urbanísticos y artisticos la gran capital del surrealismo.

Obra narrativa expuesta en el museo nacional de arqueología 

Efimeride que aunque muy sugerente y reveladora dista mucho de las verdaderas motivaciones que la llevaron asentarte en la Avenida Alvaro Obregon, teniendo mas bien con la nacionalidad de su segunda pareja estable (la primera fue que ni mas ni menos que Max Ernxt, con el que convivio en diferentes localizacione en Francia hasta que le hicieron preso por su condicion de Judio.


Escribiendo algunas de las paginas mas voluptousas del mundo del arte.) Y su primer marido, en este caso un enlace de conveniencia formalizado en la embajada de Lisboa en la que se refugio tras huir de Madrid en 1941, formalismo burocratico gracias al que logro huir de su pesadilla en España, en cuyo estancia fue violada en grupo y posteriormente internada en un psiquiatrico en Santander.

El cocodrilo, quizas su escultura más representativa

Hechos que de alguna forma fueron representados decadas despues en la serie de fotografias titulado "Oda a la necrofilia", en las que Leonora, la cual se habia acabado de trasladar a lo que seria su residencia definitiva en el barrio, poso para el objetivo de Katie Horna. Su principal discipula y con la que tuvo una estrecha relación artistica.


Considerada por muchos el maximo exponente femenino del Surrealismo de Siglo XX en Europa, no fue sin embargo hasta cuando aterrizo en la Colonia Roma en Mexico D.F., cuando Leonora Carrington pudo construirse una identidad creativa propia. 


Frenetica actividad creativa que no se redujo a una bicefalia y en la que tuvo un protagonismo especial otra artista exiliada, que respondiendo al nombre de Remedios Varo, huia del regimen fascista instaurado por el General Franco. Establecio tambien en las proximidades de la amplia casa que Leonora compartia con su segundo marido.


El fotografo hungaro Imre Weisz Schwarz, que tras salir precipitadamente de su pais natal acosado por los nazis y crear junto a Robert Capa la agencia Magnum. Y a la que asistia frecuentemente convirtiendose en algo parecido a una confidente, complicidad artistica que florecio a pesar de que sus trayectorias y criterios artisticos diferian en lo estetico.

Museo de Leonora en San Luis Potosi 

Pero que en lo esencial confluian, una relación que se retoalimentaba creativamente siendo muy enriquecedora para Leonora cuya producción se acelero con una variedad de obras divididas en etapas en las que destacan la incorporación de rasgos locales, como en el cuadro titulado "La casa de enfrente".


O ya en la decada de los años ochenta con su incursión en el ambito de la escultura fundiendo esculturas de bronce, selección de piezas de las que se puede citar la que lleva por titulo "Cocodrillo", estando expuesta en la actualidad en el Paseo de la Reforma, una de las principales arterias de la capital Azteca


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Periodo que culmina con el encargo que completo para el museo de antropologia. Un mural de grandes dimensiones que se puede visitar en el hall de la institucción. Titulado "El mundo magico de los Mayas",  donde se funden imagenes pertenecientes a la mitologia Maya extraidas del libro Popol Vuh con diferentes escenas cotidianas de las que Leonora habia sido testigo de la sociedad Mexicana a los que añadio elementos de la cosmologia Celta, por la que había sido influencia en su infancia.


Legado que desde su fallecimiento ha transcendido lo puramente artistico habiendo influenciado tanto esteticamente como conceptualmente en otros ambitos creativos como la musica, donde la tambien polifacetica Madonna grabo una canción escrita y compuesta por la cantante islandesa Bjork inspirada por la obra de Leonora Asi mismo en el terreno de la literatura ha influenciado a escritoras como a Ali Smith, gracias a la extensa colección de cuentos y relatos (de corte surrealista.) 


Que Leonora escribio en un barrio situado no muy lejos de la Casa Azul de Frida Khalo, con la que compartio numerosos encuentros a lo largo de su vida. Un conjunto de calles que paralelamente cobraban importancia hasta convertirse en uno de los emplazamientos mas visitados de una ciudad de la que tanto disfruto y a la que contribuyó con su actividad artistica y social.



Johannes Stoetter y la segunda piel de nuestro lado mas salvaje



El vivir en plena naturaleza en un pueblo localizado en Los Alpes cuyo nombre se resiste a revelar nos proporciona pistas de las razones por las que en todos y cada uno de los trabajos del artista de body-art italiano Johannes Stoetter.


Se observa una conexión entre la natutaleza mas salvaje y el cuerpo humano y su capacidad para adoptar las mas inverosimiles posiciones como soporte expresivo, ya que mas alla del juego de camuflaje y mimetismo mas o menos efectista con el que nos reta Stoetter. 

En el que las medidas de los volumenes de los modelos elegidos como las proporciones y perspectivas ópticas a las que se tienen que adaptar, ciñendose a las caracteristicas morfologicas del animal o motivo representado (casi siempre relacionado con la naturaleza), en este contexto el lienzo que habitualmente adopta un papel secundario.


De repente lo que parecia una rana comun se descompone en diferentes cuerpos 


Es algo mas que un objeto inerte presentando en este constantes vitales, ademas de movimiento que lo convierten en algo que le otorga las propiedades de un transformista que posee la capacidad de metamorfearse mimetizandose en una diversidad de paisajes.

Ganador del campeonato mundial de body art en su edición de 2.012, cada obra realizada supone una ardua labor de documentación y preparacion cuya inversión de tiempo oscila entre una  y ocho semanas, dependiendo de la complejidad del animal que se quiere representar.



Los cuerpos de modelos de Johannes Stoetter caracterizados con los rasgos de animales se convierten en una segunda piel que permite al espectador encontrar su espiritu mas salvaje y mimetizarse con un paisaje indomito..     


Obras cuyas detallistas ejecuciones las aproximan a generos como el hiperrealismo y donde el movimiento de los diferentes cuerpos que se amoldan con el proposito de representar por ejemplo, una rana saltarina de vivos colores, la fragilidad de un pececillo que de repente se contorsiona o la majestuosa estampa de un enorme elefante.

Se despliegan ante nuestros ojos como si una suerte de magia se tratara, creando una ilusión optica compuesta por piezas (en este caso corporales) de un puzzle, en el que como espectadores tratamos de desentrañar el numero exacto de cuerpos que participan en la composicion que se nos muestra.   

La preparación y elaboración de cada trabajo puede durar semanas

Colaborador habitual de diferentes medios tanto impresos como los que tan solo se editan en el ambito digital, donde las colaboraciones de Stoetter cada vez son mas adiduas pudiendo contemplar su trabajo en publicaciones como The Guardian, New York Post o la CNN; aunque se podrian mencionar 

Encargos que alternan con los realizados para otros ambitos como el de la publicidad o sus trabajos de decoracion para interior, gracias a los que ha tenido la oportunidad adquirir una serie de conocimientos relacionados con el tratamiento de elementos en relación al espacio, algo que se puede ver en sus videos.


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Siendo por estas breves filmaciones (de apenas unos minutos) por los que su trabajo se ha hecho realmente viral alcanzando audiencias de millones de seguidores, que se quedan maravillados viendo estas breves secuencias donde la plasticidad y color sumadas a la musica crean una coreografia a traves de la que puede apreciar como varios cuerpos adoptan diferentes formas extraidas de la naturaleza, creando una comunión entre el ser humano y su entorno natural.


La artista Evgeniya Dudnikova convierte el bosque en un museo


No cualquier arbol reune las condicioneas para convertirse en el  candidato que pueda hospedar una de las pinturas de la artista Evgeniya Dudnikova con sede en Moscu, de hecho seleccionar el ejemplar mas adecuado.


Supone que Evgeniya invierta muchas horas en realizarar largas caminatas en las que segun va completando tramos elabora la pequeña o gran historia, que mas tarde y en un claro del bosque reproducira en el interior de la corteza de un arbol.


Arbol que desde el mismo momento que finalice su obra pasara albergar un Universo propio, o al menos un pequeño fragmento de el, que como una capsula de tiempo permanecera en el mismo sitio convirtiendose en una ventana a la que cualquiera podra asomarse.


Como pequeños tesoros las pinturas son regalos que reflejan el paisaje 


Creando su interpretación de un relato visual donde la lirica se nutre de un paisaje repleto de sonidos que asaltan nuestros sentidos, y que estan poblados por caballeros que con armadura posan esperando su turno para participar en un torneo a lomos de su caballo.

Donde en un unico lance derribaran a su rival. Paisajes mágicos hechos con pintura acrillica que parcialmente protegidos por la corteza del tronco te ofrecen escenas cotidianas que te inspiran serenidad como la de alguien que remando placidamente mientras se deja llevar por el curso de un rio. 


La artista rusa Evgeniya  uriliza el interior de la corteza de los arboles como lienzos con pinturas, a traves de las que nos narra episodios y leyendas extraidas del folcklore tradicional.  


Aunque para buena parte de sus postales campestres ha elegido arboles que se encuentran en las proximidades de Moscu, mas concretamente en la localidad de Fryazino que dista a 25 kilometros de la capital, y que cuenta con un anillo verde formado por reservas naturales.

A Evgeniya le gusta trasladarse cuando el trabajo se lo permite a la costa del Mar Baltico en el Norte del pais, a una ciudad portuaria llamada Vyborg, villa que se encuentra muy cerca de San Petersburgo donde la artista alterna sus paseos junto a la orilla de un mar enbravecido.

Los temas sobre los que Evgeniya pinta estan relacionados con la historia local

Con  excursiones al Parque Mon Repos  donde se ubican el  Castillo de Vyborg y la Torre Olaf, herencia de cuando la ciudad estuvo bajo jurisdición de la cercana Finlandia y sus primeros pobladores que datan del Siglo XI, los conocidos como los Caballeros, a los que tambien se les atribuye el primer asentamiento conocido en la cercana isla de  Linnan-Saari.

Lugares que Evgeniya conoce a la perfección ya que durante su infancia a lo largo de la primera decada del XX convirtio su familia la ciudad en su lugar de veraneo habitual, estancias que ejercieron una fuerte influencia a la hora de escoger la carrera artistica.


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Formación que completo en la Universidad Estatal de Moscu de Arte e Industria donde cultivo varias tecnicas aparte de la pintura como la fotografia y la video-instalacion, a partir de la qye ha desarrollado una breve pero intensa carrera en una diversidad de ambitos creativos, obteniendo un cierto reconocimiento gracias a sus series de pinturas que ell denomina como "tree art".

Viaje a la cueva de la Dama de Blanco la mayor pinacoteca de la era primitiva


Cuando en los albores del año 1.918 el geólogo y explorador alemán Reinhard Maack provisto de un elemental candil de aceite, tuvo la oportunidad de alumbrar los primeros trazos de las pinturas rupestres que cubrían las paredes de las grutas de la Dama de Blanco.


Apenas podía ser consciente de la cantidad y transcendencia que podrían tener desde el punto de vista evolutivo. A la selección de pinturas que descubrió en una primera exploración Maack hizo una estimación que elevó esa escasa muestra a un numero de nada menos que 45.000 pictogramas.

Algo nunca visto hasta ese momento en un yacimiento de esas caracteristicas. Lo que en principio parecía una de las muchas simas y cavidades que hay repartidas por esa región inhóspita en muchos aspectos, se convirtió en una red casi interminable de galerias.

A la que se accede tras completar el recorrido de un angosto corredor compuesto por setos y maleza, que discurre entre el collado montañoso de  Brandberg, localizado en la región de Damaraland en la cálida Namibia. Un país que en términos paisajisticos por sus desiertos de arena blanca casi infinita que se funden en el horizonte con uno de los cielos más azules del planeta tierra.


Y que aunque por sus características áridas en la actuualidad presenta un ecosistema cuyas fuentes de alimentos se antojan escasas desde el punto de vista nutricional. Representando por lo tanto un territorio en el que cualquier comunidad, por muy reducida que sea tiene escasas posibilidades de prosperar.

Si hubo otra época, hace miles de años, intervalo de tiempo del que están datados estos primeros antecedentes creativos. Que se deduce por los diferentes estudios realizados sobre terreno, que si se trataban de un área geográfica que si reunía las condiciones paisajisticas que permiten pensar que a pesar de no garantizar un suministros muy abundante de comida.


Si era lo suficiente para las que cada vez más partidas de pobladores predominantemente de origen nomadas. Crearán pequeños asentamientos al menos de carácter estacional, que situados en las proximidades de pequeños afluentes, al menos les garantizará el suministro de agua en época de lluvias.    


Bautizada con el nombre de La Dama de Blanco en homenaje a una de las figuras principales representada en sus paredes. En la actualidad todavía no existe un consenso sobre su autoría, aunque la mayoría de los expertos se la atribuyen a miembros de las tribus de los San y los Bosquimanos.


A lo que hay añadir que se convirtieron en enclaves que debido a su cartografía tenían una propiedad protectora. Por otra también se han descubierto restos de rituales, por lo que se considera que sus sus pobladores con el tiempo lo destinaron como un lugar donde se observan las primeras manifestaciones de corte místico y de ofrenda a sus antepasados,

Necropolis muy espartana donde veneraban a sus ancestros, siendo atribuible su excelente estado de conservación a la consideración y apegos que los vínculos generaban entre los miembros de estos clanes de hominidos. Por lo que es no es de extraña que probablemente estemos ante lo que consideran muchos el primer antecedente rupestre de lo que hoy son grandes museos como el Louvre, el Prado, el Moma, o la National Gallery.


Realizadas con pigmentos vegetales extraídos de las numerosas variantes de vayas y frutos rojos que había en la zona cuando fueron impresas sobre las paredes cubriendo decenas de kilómetros de galerías. Convirtiéndose en objeto de estudio por parte de cientos de científicos que ven en su representación una excelente muestra a través de la que estudiar la cultura de los pueblos primitivos.


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Alison Moritsugu - Inconsequence / in consequence


Las riberas del rió Hudson hoy están mayoritariamente pobladas, cientos de residencias se han ido construyendo a lo largo de su cauce urbanizando la región hasta su desembocadura en la ciudad de Nueva York.

Modificando sustancialmente un paisaje que hace 150 cincuenta años fue un lugar de encuentro para que un grupo de artistas alumbraran el movimiento artístico Hudson River School. Que cautivados por sus excelente oferta paisajista quedaron decidieron convertirlo en su campo de operaciones y cuyo legado cultural ha servido de inspiración para que la artista Alison Moritsugu cree una serie de pinturas de carácter pastoril.

En las que en vez de utilizar los tradicionales lienzos donde plasmar sus obras, ha decidido sustituirlos por rodajas extraídas de algunos de los ejemplares que producto de la edad o alguna enfermedad son talados quedando tendidos en mitad del bosque. Empleándolos como medios de expresión donde Alison representa postales naturales capturadas de los todavía muchos parajes bien conservados que como tesoros esperan ser descubiertos y que se conservan en la zona.

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 Inconsequence / in consequence es como se titula la serie donde su autora ha congelado algunos de los mas bellos paisajes que ha podido encontrar. Completando un proceso donde vincula el resultado con el soporte que lo representa.



Konstantin Dimopoulos y sus árboles azules, un paseo a otra dimensión


De carácter itinerante y efímera la instalación performance The Blue Tree refleja los estados ambiguos entre lo artificial y natural. Un dilema que definen a las sociedades contemporáneas.

Realizada por primera vez en el transcurso de una exposición al aire libre celebrada en Melbourne, Australia en 2005. Su autor el artista de origen griego nacido en Egipto y residente desde niño en Australia Konstantin Dimopoulos, pinta en su totalidad de esmalte azul las ramas y los troncos hasta las bases de los arboles, esterilizando su figura.

En una de las ultima ocasiones que se realizo la intervención fue con motivo de la celebración de la Bienal de Arte en 2.011 que tuvo por escenario la ciudad canadiense de Vancouver. Konstantin eligió una hilera de arboles situada en uno de los muchos paseos que definen, causando autentica hilaridad entre sus habitantes.

Los arboles se muestran como dispositivos autónomos con capacidad para modificar su identidad, en función de las propiedades del lugar. Vestidos de azul mate parecen elementos extraídos de un relato infantil sugiriendo al espectador una interpretación surrealista del paisaje con el que habitualente se relaciona.

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  El color azul con el que son pintados los arboles, contrasta con las tonalidades que ofrecen los colores naturales que manifiestan los árboles del alrededor. Dependiendo de su época estacional y su floración.



Davide D'Elia - Antifouling


Pintados de azul celeste marcando la linea de un horizonte los 19 cuadros que componen la exhibición  Antifouling, se comportan como elementos que forman parte de un paisaje de interior.

La muestra de carácter inmersiva programada por la galeria  ex-elettrofonica en Londres, esta firmada por el artista Davide D'Elia. Que en unos de sus viajes por Italia, estando hospedado en Roma tuvo la oportunidad de hacerse con una colección de cuadros de estilos que van desde el retrato, el bodegon o el arte sacro.

A los que el autor acompaña de sillas y bollas con el propósito de dotar al conjunto de una ambientación marinera, haciendo referencia al origen de la pintura con la que reproduce un paisaje marítimo, siendo la que aplican en los astilleros a los cascos de las embarcaciones. Capa que sirve de protección frente a la corrosión producida por la oxidación a la que esta sometido el fuselaje del casco al entrar en contacto con el oleaje.

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   Antifouling es una exposición que reflexiona en claves de metáfora, sobre el paso del tiempo y de como actúa en función de la composición y comportamiento de la materia