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Asombrosa maqueta de distrito de de Shinjuku en Tokio hecha en papel


Considerado el centro administrativo y comercial de la ciudad de Tokio el distrito de Shinjuku, destaca por el perfil de su skyline, siendo el resultado de las decenas de rascacielos levantados principalmente en los últimos setenta años. 

Y cuya postal se podria comparar con la de cualquier otra gran ciudad del mundo (principalmente Norte Americana). Caracterizado por un paisaje donde los edificios de acero y cristal parecen competir por elevarse un metro mas uno por encima del otro. 

Se trata de un ecosistema social y económico, donde en como en otros muchos lugares similares tiene como principal actividad la economía basada en valores financieros, cuyo motor principal el la bolsa de valores bursatiles. 

Operaciones que han pasado a un lugar muy secundario en la representación a escala que realiza el diseñador Toshi, especializado en realizar figuras de origami y que ha trasladado esta técnica milenaria a un contexto urbano, reproduciendo parcialmente este distrito de Tokio.


A la maqueta no le falta ningun tipo de detalle


Minucioso trabajo de ofebreia que apenas ocupa una superficie de sesenta y tres por ciento diecisiete centimetros. Exiguas medidas que añaden mas mérito al grado de representación de todos y cada uno de los elementos que se pueden apreciar con mas precisión en el video que ha filmado y que se puede ver en su canal de Youtube.

Un proyecto en el que su autor ha invertido cientos de horas realizando la decena de miles de pliegues, con los que ha representado arquitectónicamente la elevada densidad de edificios de un distrito dominado por estos colosales edificios, cuya sucesión interminable parece inabarcable para el ojo humano.


La maqueta del distrito de Shinjuku en Tokio reproduce fielmente, minuciosa y de forma casi hiperrealista las diferentes construcciones que  forman parte del principal distrito financiero de la capital japonesa.


Pero que reproducidos a una escala de 1/2200 parece tan accesible y a la vez que tan fragil, pudiendose recorrer con la vista todas y cada una de las calles, tanto las secundarias como las vias principales. Y que como espectadores hemos visto tantas filmadas en multitud peliculas como por ejemplo Lost in Translation, por citar la primera que se me viene a la cabeza
.
 
Vista desde arriba, a vista de pajaro, la maqueta y todo el trabajo que implica impresiona todavía mas


Un buen puñado de manzanas que aunque parezca lo contrario no nacieron de la nada, de hecho el actual distrito que exhibe algunos de los edificios mas altos del mundo. En el mismo en el que actualmente hay censados 3.000.000 de personas, mas los cientos de miles de trabajadores y visitantes que se acercan para realizar alguna compra ocasional.


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Todavia se pueden encontrar algun vestigio de algunos de los muchos templos de la epoca Edo que colonizaron la zona entre los siglos XVII y XVIIII. Y que poco a poco fueron cediendo su espacio. Siendo sustituidos por un urbanismo cosmopolita que le ha convertido en ejemplo y paradigma para numerosas ciudades en muy diferentes zonas geograficas y contextos socio-politicos en el mundo. 


Wade Kavanaugh and Stephen B. Nguyen y sus paisajes sinteticos de papel


Desde 2005 llevan colaborando en diferentes proyectos donde los artistas Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen han desarrollado un lenguaje en el que el resultado en términos estéticos y procedimientos obedecen a parámetros relacionados con aquellos lugares y paisajes que les son familiares.


Utilizando como materia miles de laminas de papel comprimido se trata de una serie de trabajos que podríamos describir como esculturas  naturales, ya que tanto las texturas como las delicadas formas empleadas en su ejecución, representan elementos naturales pertenecientes a ecosistemas situadas en franjas geográficas que se caracterizan por su aridez.
 

Así de esta forma muchos de los tonos transmiten calidez y cierta fragilidad como en la instalación titulada Hubris Atë Nemesis, una obra que aunque esta realizada para interior, pudiéndose visitar como la mayoría de las obras del dúo en las salas del Mass MoCA North Adams, Massachusetts, podría ser perfectamente calificada como una intervención de Land Art. 


Paisajes ondulados que se extienden invadiendo la totalidad del espacio

Percepecion que se repite cuando se contemplan otros tantos conjuntos escultoricos como White Stag 2010, en el que la figura central esta protagonizada por una enorme raíz de color blanco que ocupa una de las principales salas del museo,  en Rush to Rest los tonos del paisaje se transforman de forma radical adquiriendo una gama de tonos tan oscuros como ásperos en la selección de materiales.
 

En este caso cortezas de arboles apiladados dibujando el contorno de una cordillera, efecto masivo que se repite en Hubris Atë Nemesis expuesta en el The Center for Maine Contemporary Art (CMCA), donde se reproduce una amenazante ola que se aproxima a una playa desierta en la que aparentemente no sucede nada permaneciendo ajena al drama que se avecina en escasos momentos.





Las instalaciones de los artistas Wade Kavanaugh and Stephen B. Nguyen son reproducciones a escala real que dependiendo del contexto se confunden con la realidad.        
Reproducciones de paisajes realizadas en papel que se confunden con la realidad

O en su ultima obra que bautizada con el nombre de Study in Pattern, reproduce la torsión de lo que podrían ser las raíces de un árbol de grandes dimensiones que emerge del interior de la tierra, aunque también podría ser un torbellino y su insaciable voracidad. Instalada en la entrada del Islamic Arts Festival in Sharjah en United Arab Emirates, según los autores se trata de un intento por replicar el paisaje circundante que se observa en la zona.

Hasta conseguir crear un efecto inmersivo a través del que espectador experimenta que se encuentra rodeado por los elementos propios de un paisaje natural, percepción que debido a la gran escala que emplean para realizar cada una de sus intervenciones se refuerza provocando que por un momento pienses que ha desaparecido el edificio que alberga la obra.


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Emma Taylor, una aventura tridimensional en papel


El papel es un material tan dúctil como frágil, tan flexible como expresivo, en este contexto desde que se fabricaran los primeros pliegos a partir de la celulosa, en su origen de forma artesanal y siglos mas tarde a escala industrial.

El papel en sus diferentes presentaciones, escalas y formatos siempre ha poseído casi una ilimitada capacidad para seducir a todo aquel, que independientemente de su faceta artística lo utiliza como vehículo expresivo. 

Ya sea como boceto que da origen a un futuro cuadro o como borrador de un libro a punto de editarse, la cuartilla desde hace miles de años, se ha convertido en el primer y casi único medio a partir de las que plasmar casi cualquier proceso creativo o discursivo digno de mencionar.


EL PAPEL Y SUS HISTORIAS EN TRES DIMENSIONES
 
La artista inglesa Emma Taylor combina sus habilidades, sus inquietudes tanto intelectuales como viajeras y su vocación artesana, para crear escenificaciones recortadas o producto de innumerables pliegues rigurosamente medidos.

Que se despliegan en el momento en el que su anfitrión, casi siempre un libro que además de relatar una historia, entre sus paginas, de forma discreta como buen huésped aloja un mundo que casi se nos muestra de forma mágica.

Emergiendo sus diferentes partes como si se levantara el telon de un escenario, como si se desperezaran de un largo sueño ofreciéndonos una versión en miniatura, dramatizada y muy detallada, de uno de los muchos destinos a los que ha viajado o de otros muchos libros que ha leido y han influenciado en la vida de Emma.

ARQUITECTURA Y LITERATURA HECHA DE PAPEL 

Y que aplicando una habilidad y grandes dosis de imaginación asi como de paciencia crea formas recortadas que precisan de una gran elaboración en su ejecución, por lo que ha desarrollado una capacidad de atención notable.

A través de la que representa monumentos arquitectónicos como el Ponte Rialto de Venezia, o el emblemático puente The Mathematical Bridge que construido en madera permite salvar la distancia sobre el Rio Cam en Cambridge. Atribuido su diseño erróneamente al eminente físico Isaac Newton.

Aunque si es casi seguro que en sus largos paseos por el campus Newton se asomara por su barandilla con gesto reflexivo y quizas buscando inspiración, para formular algunos de sus muchos planteamientos teóricos relacionados con el Universo y su funcionamiento.

O homenajea algunos de sus libros preferidos leidos durante su infancia como Great Expectations de Charles Dickens, Winnie the Pooh de A.A. Milne, O el best-seller de la literatura Universak y de aventuras Robinson Crusoe de Daniel Foe.

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A medio camino entre las manualidades y la papiloflexia, los libros desplegables de la artista Emma Taylor, se comportan como meta-obras que se nutren de diferentes tendencias expresivas teniendo como nexo comun el papel.



Do Ho Suh - Rubbing-Loving


De forma minuciosa y laboriosa el artista Do Ho Suh realizo un calco de todas y cada una de las paredes y elementos del mobiliario que formaban parte de su primera residencia en Nueva York.

Previamente cubrio con papel blanco DHS produciendo un efecto emulsionante en cada tabique, interruptor o pomos de puertas y armarios del apartamento. Utilizando lapices de colores en tonos muy suaves, aflorando la estructura original  consiguiendo crear una atomosfera onirica. Donde las formas originales de los elementos que formaban la cartografia sentimental de la vivienda se camuflaban tras un prisma etereo.

La intervención titulada Rubbing-Loving se realizo a lo largo de una semana a finales de 2.016, formo parte de la iniciativa de arte social Art´21s. Un programa de arte civico cuyo objetivo es acercar la practica urbana al publico en general, sacandola de su ambito academico y ecosistema cotidiano transformando el espacio publico en lugar de acción y expresión artistica colectiva.

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Como en en el resto de las instalaciones que forman parte de la serie Rubbing-Loving, su autor utiliza como materia prima la arquitectura para indagar en la anatomia de los vinculos emocionales que establecen sus residentes con su entorno.


Dina Brodsky - Secret Life of Trees


En plena era digital los mas intrepidos viajeros suelen recurrir a las plataformas sociales, desde las que transmiten las crónicas de sus viajes o te ofrecen una batería de consejos relacionados con la planificación del mismo. Solo tiene que investigar un poco en la red y encontrara cientos de youtubers, bloggeros o twitteros que han convertido su pasión por viajar en un estilo de vida nómada.

Pero todavía existen espíritus nostálgicos que recurren al papel en el que a través de dibujos y anotaciones realizados sobre una cuartilla transmiten sus experiencias describiendo los lugares que visitan. Este es el caso de la serie titulada Secret Life of Trees realizada por la artista  Dina Brodsky y que son el resultado gráfico de sus viajes a lugares tan exoticos como la India.

Realizados sobre cuadernos, folios sueltos e incluso servilletas de papel en las que trazaba de forma improvisada los bocetos de elementos pertenecientes a la flora y fauna local principalmente, a los que añadía anotaciones e impresiones sobre lo que le atraía o fascinaba del lugar que visitaba. El conjunto de cuadernos esta inspirado por la obra del poeta William Blake o en los trabajos documentados de viajes realizados naturalistas como Charles Darwin o exploradores como Roald Amundsen, cuyo estilo se refleja en cada uno de sus dibujos.

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Volcados sobre redes sociales como instagram donde cuenta con decenas de miles de seguidores, los dibujos que conforman la serie Secret Life of Trees, en buena medida por diferentes especies arboleas reflejan su pasión por la naturaleza la que considera esta presente en nuestros actos mas cotidianos.

 

George King Architects - One Thousand Thank Yous, un corazón dorado hecho con mensajes de vida


Formado por miles de notas de agradecimiento el enorme corazón que preside la entrada principal del Gloucestershire Royal Hospital en Inglaterra, redactadas por los usuarios de la institución sanitaria. Que en algún momento han estado ingresados para ser atenedidos.


Simboliza una historia cuya narrativa nos puede resultar conocida o familiar. Cada una simboliza como un fragmento la humanidad y la hermandad que nos une en las situaciones delicadas. En aquellas en las que nuestra salud nos vuelve más vulnerables.

Permitiendo que emergan desde lo más profundo de nuestro ser, emociones que afloran revelando rasgos de nuestra personalidad que para nosotros eran desconocidas. Algo que provoca una eclosión de palabras a las que necesitamos dar sentido y contexto.

Y que de otra forma nunca se manifestaria, notas concisas e informales en la mayoría de los casos, tan casuales, como poco meditadas, pero a al vez tan inmediatas y comprensivas. Notas que enseguida, en el primer vistazo, en la primera letura.


Crean un vínculo con aquel o aquella persona que la ha redactado. Estableciendo una complicidad instantánea con aquella persona que a pesar de que no conoces, y que para ti como lector resultará seguramente anonima, no pudiendo le otorgar rassgos.

Pero que contiene todos elementos que te resultan cercanos, ya sea por los ha vivido en tu propia piel, o porque algún familiar o amistad. Se haya encontrado alguna vez en este tipo de tesituras, las cuales pueden ser difíciles de abordar suponiendo un auténtico desafío para aquel que la padece.

Cada una de estas notas resume los anhelo o inquietudes de sus autores. Describiendo de forma más o menos lírica una historia en la que su protagonista refleja una experiencia personal que lo vincula con el intervalo de tiempo que estuvo ingresad@ en el hospital.

Diseñada por el arquitecto George King Architects la forma de la instalación titulada One Thousand Thank Yous, no es una elección gratuita ya que en las instalaciones del hospital cuentan con una de las unidades de tranplantes dedicadas al corazón mas importantes del Reino Unido. Practicandose cientos de intervenciones cada temporada, donde el altruismo de un donante permite que un receptor compatible pueda conseguir reponerse de su enfermedad y seguir con su vida.

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Cada mensaje con un reverso dorado simboliza el latido de un esfuerzo colectivo donde la humanidad se encarna en el rostro de miles de personas anónimas, que de forma desinteresada permiten que a través del estudio y el conocimento se salven vidas.



Nomadic Museum combina arquitectura ecológica y la fotografía viajera de Gregory Colbert


Aunque su diseño y estructura varía en función de las características del lugar donde se va a ubicar. El Nomadic Museum es un concepto que como su propio nombre sugiere.

Ha sido concebido para exhibir muestras artísticas realizando escalas de forma itinerante. En este caso el proyecto es fruto de la colabaroción del diseñador su creador Shigeru Ban y uno de nuestros fotográfos naturalistas favoritos Grecory Colberty, que han concebido un espacio versátil cuyo impacto visual obedece a criterios medioambientales.

Construido con contenedores de carga y elementos estructurales y decorativos elaborados a partir de la utilización de cartón y papel, además de la tornilleria y algunos elementos fabricados en plástico orgánico. Nomadic Museum tiene como propósito mostrar al gran publico una muestra de la dilatada obra  de Gregory en un entorno diseñado a partir de criterios sostenibles.

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La muestra nómada que ya han tenido la oportunidad de ver en ciudadeses como Venecia, New York o Tokyo. Es el resultado de fusionar una practica arquitectónica con criterios medio ambientales y valores culturales, en una muestra compuesta por una selección exclusiva de fotografías del autor siendo completada con contenidos multimedia, creando una atmósfera inmersiva donde el visitante se convierte en parte activa.