Mostrando entradas con la etiqueta mural. Mostrar todas las entradas

Tytus Brzozowski, un retrato surrealista de Varsovia en transformacion

El subconsciente puede convertirse en una poderosa herramienta creativa si el caldo de cultivo del que se alimenta reúne los ingredientes optimos, que en el momento adecuado y siempre y cuando se dén las condiciones precisas permitan representar a través de algunas de las muchas disciplinas artisticas.




Ese fragmento de realidad que el artista quiere legar a todos aquellos que en algún momento tengan la oportunidad de acercarse a alguna de sus propuestas. Pudiendo encontrar en alguno de sus matices la interpretación más próxima a la que como individuo observa en su entorno. Una versión en definitiva lo suficientemente documentada que contenga las suficientes rasgos a través de los que reforzar su identidad.

Elementos que ya sean en conjunto o por separado den como resultado una narrativa cuyo estilo e influencia sea lo suficiente nítida, como para que permita al espectador establecer una complicidad con aquellos elementos que conforman su cotidianidad. Que en síntesis y contexto refleje su posible representación en la obra que se despliegá ante sus ojos. Independientemente del formato en que se presente.


Elemento, el del medio que se utiliza para mostrar la obra que toma más relevancia de la que en principio pudiera parecer. Siendo una elección menos gratuita de lo que en un principio se valora, máxime si tenemos en cuenta que el artista suele invertir una parte considerable de su tiempo en la concepción y posterior materialización de la idea que de forma disciplinada y paciente, ha visto nacer primero como un embrión para posteriormente plasmarla generalmente en un esbozo.


Una idea general que finalmente plasmará a través de los medios expresivos que considere más oportunos a la hora de proyectar su trabajo alcanzando las audiencias más amplias posibles. En este contexto de volatilidad permanete. Cada vez son más numerosas iniciativas creativas que se han reinventado alcanzando las más altas cotas de popularidad, gracias a que tomaron la feliz decisión de ampliar los márgenes de digamos del continente material que utilizan para comunicar su obra.

Habiendo sido el espacio público con todos sus reparos y beneficios un acicate para que muchos artistas circunscritos a la más estricta de la ortodoxia, al menos en terminos expositivos. Lo que les ha permitido que su discurso artístico tanto en forma como en fondo se materialice en los ojos de una audiencia más o menos casual, que de otra forma le hubiera sido ajena a su propuesta.

La vertiente urbana de Tytus hace referencia a la ciudad y su transformación 


Efecto que en la mayoría de los casos supone una pequeña epifania, pués su obra pasa de ser retundamente desconocida a ser compartida por una cantidad de público cuyo aumento suele ser exponencial y equivalentes a aquellos elementos autotocnos. Que como ya he dicho y reitero están más involucrados en la vida doméstica de los que se asoman a su obra.

Si a version doméstica de estar por casa, el artista Le añade la habilidad de añadirle una determinada perspectiva histórica del lugar y la comunidad en la que vive o ha pasado su infancia. Además de mostrar en su estilo alguna referencia de alguno de los periodos artísticos de su pais tenemos una propuesta con la que es relativamente sencillo conectar.


Salvo matices tanto las obras de carácter formal como las que crea específicamente para el espacio público del artista polaco Tytus Brzozowski obedecen a este contraste. Por una lado establece un continuo diálogo con el paisaje local a través de la arquitectura fundamentalmente mientras se observa la influencia de artistas nativos y más o menos cercanos en el tiempo, como el pintor surrealista Rafal Olbinski.

Los paisajes urbanos del artista Tytus Brzozowski, recuperan para la memoria colectiva edificios y escenas domésticas desde una práctica surrealista.

De cuya obra ya dije en su momento el gran impacto que me causo, y que tuve la oportunidad de redescubrir cuando estuve visitando Varsovia en 2019. Sin embargo en las representaciones corales de Tytus destacan por la polifónia en el tratamiento del color que les da una patina que destaca por su optimismo, mientras que las obras de Rafal beben del barroco.

Obras donde los motivos se diluyen siendo el cuerpo central el objeto sobre el que se construye la narrativa a interpretar por parte del espectador. Mientras que los proyectos de Tytus ya sean los elaborados para lienzo a una escala menor o los grandes murales, que tienen como lugar de operaciones principalmente la capital Polaca, pecan en ocasiones de hipertrofia.

Debido a la gran cantidad de elementos que estan implicados en una trama y subtramas. Y está observación no quiero que se intérprete como algo negativo, Ya que muchos de estos símbolos cuya clave tras ser desvelada permite arrojar luz sobre el contexto de lo que trata el conjunto de lo que se expone. De unas obras cuya versión en exterior al no encontrarse con las limitaciones del lienzo se desatan en un sin fin de pequeñas historias gráficas que a su vez se retro-alimentan un discurso casi infinito.

Murales y cuadros donde la ciudad elevada se complementa con la presencia de la gente

Característica que se puede observar en una de sus últimas propuesetas, que tuvo como escenario (como otras muchas), el distrito de Voila de la capital polaca. Donde Tytus cuenta ya con una dilatada muestra. En este caso el artista selecciono una de los últimos muros laterales que cierra una de los pocos conjuntos de edificios construidos a principio del Siglo XX.

Cuando lo que hasta ese momento había sido una villa situada en las proximidades de la ciudad, había acabado finalmente absorbida por una ciudad en plena expansion. Y que en estos momentos, cuando se ha cumplido poco más de cien años de esta incorporacion. Este barrio situado al Oeste, ha experimentado una transformación en vertical.

Fenómeno muy común en estos tiempos, pasando de presentar un urbanismo digamos heredado de su época provincial. Ha presentarse como parte de lo que ya se conoce como el nuevo y flamante distrito financiero de la ciudad. Considerado como uno de los que más proyección posee en el Este de Europa.

En Wola's Collisseun se representa un distrito que está mudando su fisionomia

Por eso el que ya ha sido como el Warsaw's King, apelativo con el que ha sido bautizado Tytus a nivel popular, debido a la magnificencia y grandiolocuencia de sus intervenciones. En el caso de este mural titulado de forma muy acertada y coherente bajo el apelativo de Wola's Collisseum, nombre que tiene como origen unas ruinas de forma circular adyacentes. Conserva muchos de los parametros que se observan en buena parte de los trabajos realizados para exterior.

Tanto en lo estetico como en el empleo de los materiales para completar la obra. Comenzando por las dimensiones del proyecto una enorme secuencia XXL. Que desarrolla ante nuestros inquietos ojos todo una escena, que según las propias declaraciones del autor, pretende ser un homenaje a la vida cotidiana que hasta hace no mucho tiempo se podía percibir cuando uno recorría sus calles.


Su obra figurativa recurre a constantes elementos decorativos, con los que  logra establecer un vínculo con la memoria del lugar que retrata.


Escenas más o menos domésticas que Tytus representa desde una óptica sosegada y natural, y en todo caso muy alejada de una interpretacion nostalgica de un pasaje de la historia vivida por una comunidad, donde la vida familiar y doméstica se contempla como si fueran antecedentes muy distantes en el tiempo e incluso en el espacio, su tratamiento y distribucion.   

Pues la narrativa arquitectónica actual caracterizada por colosales edificios levantados a partir de estructuras de acero, que alcanzan por término medio las  cincuenta alturas. Estructuras envueltas por kilométricas vidrieras ahumadas que se alternan con las espejadas que proyectan el edificio dotándole de más protagonismo si cabe.


 
Efecto amplificado de un paisaje urbano contemporáneo y cosmopolita, que contrasta con el nutrido grupo de casas representados en el mural. Edificaciones que en la mayoría de los casos no superan las dos alturas. Aunque el fragmento alrededor del que gira está obra de tres cuerpos es sin duda el par de tanques de gas visibles desde la estación de Zachodnia


Erigidas durante la Revolución Industrial, estas dos rotondas fueron finalmente desmanteladas en 1978 y desde entonces se han convertido en un coto de caza favorito para los exploradores urbanos. Además de estos tanques de gas, el mural también representa graneros que fueron destruidos durante el asedio de Varsovia en septiembre de 1939, además de las innumerables fábricas históricas de Wola representadas por una chimenea de ladrillo.


El mural que se puede visitar en Wschowska 10, ha sido elaborado con una gama de pinturas en su totalidad con anti-smog y creadas a propósito para neutralizar los óxidos de nitrógeno y otros contaminantes. Un criterio relevante en la consecución de esta obra en términos medio-ambientales, pues es el autor estima que se ha conseguido evitar la tala de cientos de arboles.




Orgosolo en Cerdeña, cuna del arte mural en Italia



Cuando el viajero se adentra entre sus carreteras angostas accediendo por mar, desembarcando desde un ferry o por via aérea. Con el objetivo de visitar la isla italiana de Cerdeña, o como nosotros que nos dirigimos directamente a Orgosolo, desde la que se domina el valle de Bargalia un paisaje que destaca por sus barrancos los cuales esculpen buen parte de la Costa Esmeralda


Y a la que no acercamos con grandes expectativas, para descubrir y contemplar todos y cada uno de los ciento cincuenta murales con los que cuenta hasta ahora Orgosolo. No puede dejar de sentir cierta perturbación ante lo que muestran muchas de estas estampas realizadas, aplicando una técnica de origen local como son las pinturas al agua con las que cubren tambien las paredes de sus casas desde que se crearán los primeros asentamientos que se estima que datan de época romana. 


Cuando las legiones del imperio esclavizaron a los pobladores de origen bárbaro, bautizando a esta pedania con la raíz latina de ese rermino. Y no por que la temática que tratan visualmente una mayoría de las pinturas, que básicamente se construyen a partir de imbricar un relato que se basa en los usos y costumbre vinculadas a la dilatada actividad agrícola que se observa en la comarca, donde los pequeños huertos de los labriegos, se alternan con las parcelas donde las viñas y las hectáreas de olivos comparten un territorio por otra parte adusto en su fisionomia. 


Y que todavia a día de hoy supone la principal fuente de ingresos que reciben sus gentes que complementan con los cada vez los más cuantiosos ingresos, que perciben gracias a la industria del turismo que practicamente esta presente en toda la isla. Sino porque muchos de ellos aun sin ser lúgubres, si hacen referencia algunos episodios que pertenecen a cuando, tanto en las inmediaciones de la localidad como posteriormente en su centro. Se asentaron individuos de dudosa moralidad. 


Siendo el embrión de lo que mucho tiempo después sería la mafia calabresa o siciliana. Bandas criminales más o menos organizadas que se dedicaban a actividades ilícitas que tuvieron hondas y nefastas consecuencias para una población ya exigua debido a las condiciones precarias económicamente e insalubres en las que vivían, careciendo en la mayoria de flas amilias de las mas mínimas provisiones con las que nutrirse. Por lo que durante mucho tiempo ostentó el dudoso honor de ser considerada como la población del mundo con más homicidios del mundo. 

Mural dedicado al poeta y ganador del premio Nobel de literatura chileno Pablo Neruda


Situación de desproteccion que se recrea fielmente en escenas que logran transmitir la sensación de peligro y dramatismo que se pueden percibir en algunos de estos murales, que ya sea por la temática que tratan o por sus dimensiones se muestran parcialmente ocultos en laterales o incluso escondidos detrás de algún portón. En todo caso alejados de las vías principales donde se muestran pinturas de  carácter más reposado y cotidiano, cuyo trazo liviano y plano hacen referencia a la vida rural de  la región. 


Recreando en muchos escenas pastoriles ilustrando la vida de sus gentes a través de retratos en los que emplean una paleta de colores suaves casi tono pastel, que dan a cada representación una ambientación muy familiar y cálida que pueden recordar por momentos a cuadros naif. Muy distantes en todo caso de las pinturas casi barrocas que casi parecen querér escapar de las paredes de barro y piedra, materiales locales con las que están construidas la mayor parte de sus casas. 


Imágenes  concisas pero poderosas que nos traslada a una época que ya parece que pertenece a otro contexto histórico. Y que nos hablan de cuándo por estas tierras se llegaron a registrar hasta quinientos muertos anualmente producto de las vendetas que se producían casi a diario entre bandas rivales. Hechos que se produjeron principalmente a lo largo de las dos primeras décadas del siglo XX, acciones protagonizadas por sicarios y que como es lógico mantenían a la población atemorizada y constantemente extorsionada. 


Si alguien le interesa profundizar algo más detalladamente en aquella época. El director de cine Vittorio de Seta, en su película Banditi a Orgoloso de (1961), describe la dura lucha de los campesinos y pastores en la defensa de sus tierras contra las expropiaciones por parte del Estado, produciendo un fenómeno que se conoció en el resto de Europa debido a los numerosos episodios del llamado bandidismo


Mundialmente famosa a raíz de que a primeros del siglo pasado se coronó como la localidad donde había más muertos por homicidio del mundo. Orgosolo en la actualidad se ha convertido en una de las localidades más visitadas de Cerdeña por su excelente arte mural.


Una etapa que afortunadamente ya quedó atrás hace mucho tiempo pero cuya memoria persiste a través de expresiones populares como estas pinturas que recuerdan por estilo a la que firmaban los grandes muralistas mexicanos como Sequeiros o Diego Rivera. Y cuyo primeros antecedentes datan del año de 1969, en plena contracultura e inspirados por los acontecimientos recientes que en Mayo del 68 se han producido en París. 


Cuando sobre una pared en el centro de la localidad se realizó una pintura mural con una clara orientación política. Esta primera pintada estaba formada por un mapa de Italia sobre el cual destacaba un signo de interrogación (?), símbolo con el que se sustituía a la isla de Cerdeña. El objetivo de esta acción no era otro que denunciar la inhibición de las autoridades italianas dedicaban a la isla. 


La intervención hay que abordarla desde el contexto de una época convulsa. Realizada desde el más absoluto anonimato por un grupo de jóvenes anarquistas procedentes de la península italiana que inspirados por Giancarlo Celli (director de escena nacido en Lucca, en Toscana) y que había fundando el grupo de teatro experimental y gerrillero Dionisio, decidieron denunciar la situación de abandono que sufría endémica mente la comarca. Esta primera experiencia, sin embargo, no tuvo continuidad en Orgosolo. 


 Pese  ser una localidad pequeña. Orgosolo cuenta con tres museos, el de historia, el del traje y una casa museo

Produciéndose un parón cuyo intervalo de tiempo hizo temer de que aquella acción quedara en una mera anécdota y en el olvido, algo que finalmente sucedió, retomandose la actividad muralista en Orgosolo en 1975.  Cuando  Francesco de Casino, original de Siena, y residente ya desde hacía más de diez años en Orgosolo, donde era profesor de educación artística en la escuela local, implicó a sus estudiantes en una actividad original para celebrar el 30 aniversario de la resistencia antifascista en Italia. 


Con el objeto de festejar tan señalada efeméride se barajaron varias opciones. Finalmente se decidió plasmar los acontecimientos relativos a esta fecha, junto a otros temas de actualidad y plasmarlos en carteles para colocar en las paredes de la localidad. Con el objetivo de festejar esta conmemoración en un sentido lúdico. 

Muchos de los murales de. Orgosolo vienen acompañados de un breve texto alusivo al tema que se trata


Y dejar huella del trabajo realizado para las posteriores generaciones así como para los visitantes y los vecinos de las poblaciones limítrofes, los cuales en breve tiempo se sumarían de alguna forma al proyecto muralista creando una red en la comarca del Supra monte. El resultado se sintetiza en un muestra donde lo atavico se complementa con la historia y el activismo cultural. 


Y cuyo legado ha llegado hasta nuestro días gracias a que los vecin@s se han comprometido con su conservacion.  A lo largo de los años, diferentes generaciones de estudiantes, se convirtieron en alumnos aventajados Del Casino, cuya labor consistió en coordenar las labores de organización del territorio sobre el que se sigue actuando hoy en dia. 


El resultado es una de las muestras de arte urbano en un entorno rural más interesantes de todo el país transalpino, habiendo convertido sus calles en un pinacoteca cuya piezas permiten hacer una lectura de su historia. Constituyendo por si solo un patrimonio histórico y artístico que merece ser conocido y protegido.


Los murales de Orgosolo en la isla italiana de Cerdeña, se crearon de forma espontánea en 1969, medio siglo después se ha convertido en un museo al aire libre. Que te permite conocer la historia de la región. 


Aunque se puede realizar la visita por libre, existe a disposición del visitante un centro de interpretación donde te proporcionan toda la información necesaria además de un plano muy pormenorizado donde te vienen señaladas todas y cada una de las ubicaciones de interés. En un recorrido dividido en tres zonas las que comprenden los murales zona oeste (calles coloreadas en verde, en el plano), murales zona central (color naranja pastel) y murales zona este (color azul cielo).


RELACIONADO:

Jofre Oliveras, arte urbano en las periferias


Una caminata que bien documentada puede abarcar de dos a tres horas, de tiempo bien invertido. Proporcionadote una experiencia que te acercará a la historia de una región desde diferentes angulos, a través de un selección de obras sensibles y refinadas, basadas en un cromatismo elegante. En los últimos años, los murales se han enriquecido con otros recursos y estilos artísticos, como el trampantojo y el surrealismo dedicando una plaza a la obra del pintor español Joan Miró.


Xomatok, arte urbano con aires Andinos que crea vínculos comunitarios

 


El otro día uno de mis seguidores en las redes sociales me preguntaba, por cuales eran los criterios que aplicaba a la hora de seleccionar los proyectos de arte urbano de los que me hago eco en NQ, y cuyos contenidos os describo con cierta regularidad en este blog. 


En aquel instante debido a lo inesperado de la cuestión, no era muy consciente de que la selección de contenidos relacionados con las propuestas de arte urbano y sus variantes, estuviese condicionada por algún elemento conceptual o estetico. Al menos en principio yo no era consciente de que cómo administrador principal de este proyecto, escogiera entre los númerosos proyectos que surgen día a dia. 


Adoptando algún postura preconcebida o deliberada que me sugiriera elegir entre casi esa infinita cantidad de proyectos que surgen cada dia. De los cuales tan solo y desafortunadamente tan solo se puede dar cobertura a unos pocos, de los que en un primer momento reflejo aquellos que por las razones que sean me resultan realmente sugerentes. Argumento que a mí me resultó convincente, hasta que picado por la curiosidad comencé a revisar los post publicados durante las ultimas temporadas. 


Consulta cuyo contraste dio como resultado de que si existía determinados rasgos comunes, que vinculaba a las propuestas de arte urbano que finalmente aparecían en NQ. Semejanzas cuya afinidad en criterios no tenía tanto que ver con su ubicación geográfica o situación economica. Sino que más se trataba de proyectos que estaban unidos por nexos vinculados al acervo cultural o antecedentes históricos relacionados con el lugar  donde se va a llevar a cabo la intervención. 


O por otro lado también constatar otro rasgo común que compartían algunas de las entradas, coincidencias que tenía con las motivaciones sociales en términos de activismo o del objetivo de que su realización fomentará algún tipo de reflexión o creará un poso de conciencia. Sobre una diversidad de temas que más o menos nos atañen, pero que en la mayoría de las ocasiones y debido fundamentalmente al frenesí informativo suelen pasar, sino desapercibidos para la opinión publica. 

Las intervenciones de Xomatok en Lima han logrado crear una identidad propia


Si se le suele aplicar una caducidad prematura. En este sentido hemos tratado temas tan sensibles socialmente como la inmigración, así como hemos puesto nuestro foco de atención en diferentes conflictos armados. Así como una variedad de iniciativas donde la urgencia de acontecientos provocados por la alerta sanitaria global declarada como motivo de la aparición del covid 19 en nuestras vidas han sido un tema central a lo largo de la últimas dos temporadas


Pero he de confesar que en este breve análisis de los trabajos publicados durante las últimas temporadas. Fije mi atención en aquellos que compartían tanto en la gestión y génesis del proyecto artístico, como en su dimensión social y geográfica coincidencias y motivos que emanaban tanto la indisiocracia de las gentes que habían habitado tradicionalmente el paisaje urbano como de la historia del propio lugar donde se realizaban.


Actuaciones ya fueran puntuales o realizadas bajo las pautas de alguna de las citas o festivales. Cuya motivaciones principales estaban dirigidas a recuperar, reivindicar o conservar aquellas señas de identidad comunes en un lugar específico, y que en mayor o menor medida se han integrado pasando a formar parte del ADN del paisaje tanto humano, como natural o incluso arquitectónico del lugar. 


La propuesta de arte de Xomatok, funde elementos de la cultura local Andina, con un espectro de colores psicodelicos, con los que trata de crear un vínculo de sus habitantes con el lugar. 


En este sentido el artista peruano Jesús Camarena que se hacho un hueco en el universo del arte urbano bajo el seudónimo de Xomatok, esta realizando una labor de dinamismo social y creativo realmente encomiable. Labor que tiene como principal escenario expresivo diferentes distritos de la capital de Perú. Intervenciones que ya sea de forma casual o como parte de algún proyecto organizado a nivel institucional. 


Tienen como objetivo implicar a los miembros de las comunidades directamente tanto en la fase de gestión de la iniciativa,  como en la ejecución final de la obra o mural. Cuyo resultado aparte de embellecer el espacio público afectado desde el punto de vista visual. Pretende generar entre sus habitantes un sentimiento de pertenencia, que principalmente se ha perdido por razones que tienen con su condición humilde provocada por la precariedad laboral y exclusión social se encuentra más o menos deteriorada en asentamientos. 


Cómo los distritos de Villa El Salvador un sentamiento relativamente reciente que creo en mayo de 1971, cuando un grupo de pobladores invadió unos terrenos construyendo las primeras viviendas de un distrito, que a pesar de ser fruto de ser invasión de terrenos espontanea. Siguió desarrollándose y en comparación con el resto de distritos limeños, este tuvo la planificación del desarrollo de su territorio. 


Caracterizadas por sus colores eléctricos e intensos, las escaleras recién decoradas se convierten en algo más que lugares de paso


En efecto, el enorme e inhóspito desierto que es ocupado en unos meses por cerca decien mil pobladores de digamos forma casual, fue habitado finalmente de manera planificada, contando con una zonificación urbana, con áreas reservadas para; vivienda, colegios, postas médicas, mercados, avenidas principales, etc.; y con áreas reservadas para una zona industrial y productiva.


Donde Xomatok a finales de 2016 aplica sobre una de  las muchas escaleras que hay repartidas por esta barriada, una combinaciones de colores efervescentes que destacan entre las casas circundantes. La mayoría construidas con ladrillos desnudos de color rojo.

 

Una de las 13 escaleras cuyo aspecto ha mejorado sustancialmente, transformando la convivencia en la comunidad


Titulada Snake of Light se trata de una colaboración novel en la que colabora un artista urbano local. Lo que supondrá la primera de las muchas intervenciones que hará en diferentes localizaciónes del barrio. Catálogo formado por diferentes tamaños de murales, cuya característica más destacada es la acumulación de colores muy chillones, que se solapan en franjas transformando un paisaje anodino en espacios llenos de vida. 


Trabajos que le sirve a Xomatok para hacerse con una cartera de proyectos, y que paralemente compagina trabajando como director de publicidad realizando campañas para diferentes oficinas. Lo que le permite desarrollar una carrera como artista urbano, faceta que combina con exposiciones más formales. 


El efecto decorativo que produce las pinturas con motivos extraídos de la cultura Andina, con el que se ha revestido trece de las escaleras de un popular barrio de Lima, es el de una alfombra cuya calidez sirve para humanizar una zona degradada. 


La mayoría organizadas en galerías de Lima como. Srick kit (Lima, 2008) en la sala cultural Luis Miró Quesada Garland, Escenas de Confort y Divertimiento (Lima 2013) en el Centro Cultural Ricardo Palma, The Pictoplasma Portrait Gallery (Berlín, 2014) en Kaufhaus Jandorf e Irrupción y Permanencia (Lima, 2019) en la Galería Impakto. Un intensa actividad que le permite explorar lo mejor de los dos mundos.


Incorporando con el tiempo elementos de la artesanía y el folklore local, de los que el artista hace una interpretacion, transformándolo en los motivos geométricos vibrantes, cuyas formas se inspiran en las mantas andinas tejidas a mano, o también llamadas llicllas. Que el utiliza para cubrir elementos del mobiliario urbano o lugares como los que se encuentran en un plaza donde habitualmente se programan a orquestas de música locales. 


RELACIONADO: 

Saype tiende puentes de comunicación a través del Arte Urbano


Obras cuya escala se van ampliando, teniendo su mayor expresión hasta la fecha. En la serie de trece escaleras que ha pintado, y cuyo proyecto culminante fue convocado a principios de 2021, en uno de de los barrios de Ate Vitarte, más concretamente en Alisos de Amauta. Cuyos residentes utilizan de forma cotidiana estas escaleras que les sirven para desplazarse de un punto a otro del barrio. 


Trabajos que se alargaron durante  durante dos meses, y cuya actividad formaba parte de la Pinta Lima Bicentenario de la Municipalidad de Lima. Las trece intervenciones fueron fruto de un planteamiento colaborativo, por el que los residentes locales. Fueron los primeros interesados en transformar unas estructuras de apariencia anodina, en un conjunto monumental que se puede observar desde casi cualquier punto de la ciudad. 



Jofre Oliveras, arte urbano en las periferias

En el manifiesto que esta a disposición de todo aquel que quiere indagar en las motivaciones detras de todas y cada una de las de las obras del artista Jofre Oliveras, tanto de arte formal como aquellas realizadas en el ambito publico.


Existe un detonante comun que esta relacionado con el concepto de la creación y expresión como una manifestación estetica y semantica a traves de la que poder actuar a partir de una posición netamente activista. Poniendo en ojos del espectador relatos graficos, cuyas herramientas narrativas basadas en un lenguaje que aunque explicito.


Nunca bordea lo obsceno, tratando de evitar herir su susceptibilidad a través de una pedagogía estética digerible. Centrandose en dar preponderancia aquellos aspectos sociales mas representativos, labor cuya dinamica tiene como principal proposito concienciar y poner el acento sobre diferentes situaciones caracterizadas por la exclusión o la violencia.


Que sufren determinados colectivos, para crear ese efecto reflexivo las instalacciones se componen de componentes orgánicos. Como en una de sus mas simbólica creada a partir de las ramas reunidas en lo que parece un nido gigante, y que sirven para transmitirnos la preocupación del autor por la deriva ecológica, pero que representan una casa que esta siendo irreversiblemente devorada por unas llamas que se extienden a lo largo de su fachada

O como en el mural realizado en el barrio de Valdefierro en Zaragoza, donde diferentes bandadas de pajaros se arremolinan en el centro del lienzo blanco de una pared. Trazando una coreografia y cuya ejecución minimalista recuerdan a intervenciones de otros autores generacionales como Pejac o Suso33, representando en este caso a una de las constelaciones mas conocidas como es la de Orion que se pueden observar en el firmamento al caer la noche. 

Jofre ha creado una identidad propia trabajando en una diversidad de formatos

Otro de los puntos estimulantes conceptuales contemplado en su manifiesto esta relacionado con la idea de utilizar el arte como una "arma" constructiva sobre la destruccion. Una dicotomia existencial. Que percibe e interpreta la practica artistica como una suerte de sintesis psicoanalitica a traves de la que con un poco de intuición y aplicando siempre el principio de precaución. 


En las obras del artista Jofre Oliveras se narra a grandes rasgos diferentes situaciones de ambito social y siempre aplicando una optica activista, con la que pretende crecer a partir de empatizar con el otro y su situación. 


Podamos como sujetos confrontandonos a nuestras propias contradicciones sin complejos y a nuestras normativas conducta les. Rutinas circulares las cuales nos impiden empatizar con el otro al que reducimos a una logica donde acaba prevaleciendo el distaciamiento social y a las que Jofre añade en ocasiones su particular interpretación de la ironia.


Para eso Jofre se apoya en otros de los puntos de su particular declaración de principios, siendo un nexo cuya optica ha sido adoptada por muchos otos artistas formales y que nos vincula a la necesidad de superar, el que en una mayoria de ocasiones se comporta como la limitación del espacio, que te proporciona una galeria en terminos expositivos.  

En otras intervenciones Jofre se acerca a una estética Land Art


Para convertir el entorno urbano en un escenario donde el rendimiento comunicativo se multiplica exponencialmente. Intervenciones de gran calado, a este ámbito pertenecen murales como el del retrato de un encapuchado gestionado en el 2019 en el que cuenta como colaborador con B-Murals y que tuvo como marco una pared encalada siendo realizada para el festival TÁPIA de Barcelona.

 

Jofre también está involucrado Perteneciente como miembro fundador en el colectivo de artistas Kovent, iniciativa multi-disciplinar cuyo objetivo es establecer un dialogo entre la manifestación artistica y su entorno abarcando una amplia gama de propuestas creativas, que se realizan aplicando un modelo basado en la autogestion y autonomia de los recursos con los que cuentan.


RELACIONADO: Justkids, recuperando espacios desde un óptica artística y global


Empezando con la administracción del propio edificio donde operan y organizan un nutrido conjunto de actividades.  La abadia de un monasterio cuya construcción data del Siglo XIX, situada en las afueras de la localidad de Olivan a escasos kilometros de la ciudad de Barcelona. Se trata de un espacio donde la diversidad de sus residentes se enriquecen creciendo a nivel personal.


A traves del intercambio de conocimientos cuyo origen lo podemos encontrar en muy diferentes ambitos, un ejemplo de ello podria ser una de las ultimas obras de Jofre. Un lienzo que reproduce los retratos de dos niños de la guerra, cuya foto original fue realizada por los reporteros Xavier Aldekoa y Alfons Rodriguez. Lienzo que tras ser expuesto en Berlin este año sera subastado, destinando los beneficios a la organización Open Arms.